Le poisson rêveur

Cantates sacrées d'Antonio Literes par Carlos Mena

Sous la direction musicale de Daniel Pinteño, Carlos Mena vient de consacrer son dernier enregistrement à des cantates sacrées du compositeur espagnol Antonio Literes. Ce dernier est l'un des représentants majeurs du baroque espagnol. Le compositions qui ont été exhumées au XXème siècle sont surtout les zarzuelas, genre théâtral lyrique développé au XVIIème siècle. En revanche, ses oeuvres sacrées sont restées dans l'oubli.

Pourtant, à l'écoute de l'enregistrement proposé, elles sont tout à fait dignes d'intérêt. Carlos Mena, contre ténor dont j'ai déjà indiqué dans plusieurs posts à quel point il pouvait être touchant et juste dans son approche musicale, nous révèle quatre cantates sacrées pour alto.

Chacune de ces cantates marque pas son expressivité, sa théâtralité. Dès la première cantate proposée Ya por el Horizonte, le tempo vif impose un exercice de virtuosité auquel Carlos Mena se plie sans aucune difficulté, gardant toujours une parfaite maîtrise du phrasé.

Certaines arias sont de toute beauté. La cantate la plus remarquable sur ce point étant la deuxième proposée Si el viento antada avec le magnifique Es el Divino Centro del Hombre (piste 8) qui, au niveau de la structure harmonique n'a rien à envier aux plus beaux airs de Haendel. 

On notera également le martial de Su Aplauso en el Empleo de la cantate Ya por el horizonte (piste 6) où la trompette double le soliste dans ses vocalises.

Carlos Mena est d'une justesse et d'une pertinence remarquables tout au long de ces quatre cantates. L'ensemble musical, concerto 1700, sous la direction de Daniel Pinteño, contribue à ce bel équilibre avec ce qu'il faut de tonicité tout en se mettant indéniablement au service du soliste avec finesse et justesse. Le tout est d'une élégance remarquable.

La qualité d'enregistrement est tout à fait correcte.

Très bel enregistrement qui traduit le travail sérieux, honnête de vrais musiciens qui ne cèdent pas à la facilité et cherchent à nous faire découvrir un répertoire vraiment digne d'intérêt.

Antonio Literes - cantates sacrées pour alto - Carlos Mena (contre ténor), ensemble Concerto 1700 sous la direction de Daniel Pinteño. Auto-production Concerto 1700.

Des inédits de l'Appassionata et de la Waldstein par Rudolf Serkin

Deutsche Grammophon a sorti en novembre 2023 deux enregistrements considérés comme inédits des sonates nᵒ 21 en do majeur, opus 53 (la Waldstein) et nᵒ 23 en fa mineur, op. 57 (l'Appassionata) de Ludvig van Beethoven par Rudolf Serkin. Ces enregistrements datent respectivement de 1986 et 1989 (Rudolf Serkin avait alors 83 puis 86 ans). Le pianiste, décédé en 1991, n'aurait pas eu la possibilité de donner son accord sur la publication de ces enregistrements, qui ne parviennent à nous que 34 ans plus tard.

Ayant assisté à un concert de Rudolf Serkin à New York en 1986, j'avais été frappé, comme à l'écoute de ses enregistrements tardifs, par la vitalité et la fraîcheur de son jeu, l'assurance de son toucher. On peut sans aucun doute le classer parmi les grands interprètes du corpus des sonates de Beethoven, son enregistrement des trois dernières sonates (opus 109, 110, 111) restant indéniablement une référence.

Sur cet enregistrement visiblement inédit de la Waldstein et de l'Appassionata (deux sonates emblématiques et la Waldstein, réputée pour la difficulté de son interprétation), on est marqué par la façon exemplaire dont le pianiste révèle de façon saillante l'architecture de ces deux sonates. C'est la marque des grands interprètes de Beethoven dont l'intelligence du texte nous révèle toutes les lignes de fuite, cette impression étrange de sentir de façon anticipée comment les trames mélodiques vont ensuite se déployer (c'est particulièrement le cas chez Claudio Arrau).

Ensuite, entre la Waldstein et l'Appassionata, les 3 ans d'écart trahissent une différence de lecture et d'assurance, fluidité dans l'interprétation, peut-être liée aux limites techniques quand Rudolf Serkin a enregistré l'Appassionata en 1989. La Waldstein déploie des couleurs, des contrastes saisissants et une narration qui vous emporte tout au long des trois mouvements. En revanche, l'Appassionata s'avère plus rigide, un peu autoritaire, plus heurtée.

Je propose d'écouter le premier mouvement Allegro con brio de la sonate n°21 en do majeur, opus 52 (la Waldstein) sur Youtube.

Cet enregistrement est indéniablement un témoignage magnifique, émouvant de la part d'un des plus grands pianiste du 20ème siècle.

Rudolf Serkin - The lost tapes - Sonates nᵒ 21 en do majeur, opus 53 (la Waldstein) et nᵒ 23 en fa mineur, op. 57 (l'Appassionata) - Label Deutsche Grammophon - Universal Music.

La ligne épurée des messes de Ludwig Daser

L'ensemble Huelgas, sous la direction de Paul Van Nevel, que je considère comme un des ensembles proposant la lecture la plus accomplie du répertoire du chant polyphonique de la Renaissance, nous propose de découvrir deux messes du compositeur allemand Ludwig Daser.

Contemporain de Roland de Lassus, il n'a pas eu la notoriété de ce dernier alors que les deux messes proposées sont tout à fait remarquables. Il ne s'aventure certes pas dans les audaces de ruptures rythmiques dont un Roland de Lassus avait le secret. L'écriture apparaît bien plus linéaire mais sans toutefois tomber dans le piège de la prévisibilité. Elle est aérienne, avec le rôle important que peut jouer le pupitre des sopranos, qui vient parachever le tuilage des voix, comme matérialisation d'une élévation divine qui n'est pas sans rappeler les pièces de William Byrd. C'est particulièrement la cas dans la première messe proposée, à 6 voix Missa Preter rerum seriem. Le final du Kyrie de cette messe (les 22 dernières secondes) en est une belle illustration.

Il s'agit de deux oeuvres particulièrement cohérentes, dont la trame harmonique est magnifique. Rien de mieux que l'ensemble Huelgas pour nous transcrire les couleurs, la richesse des ces deux messes. La plasticité, le caractère si vivant, propres aux interprétations de cet ensemble, sous l'inflexion de Paul Van Nevel, homme de culture mais aussi épicurien, servent superbement ces deux pièces sacrées.

La seconde messe proposée, Missa Fors seulement, à 4 voix, s'appuie, quant à elle, sur la rhétorique du plain-chant grégorien.

Kyrie de la Missa Preter rerum seriem disponible sur Youtube

Comme toujours avec la direction musicale pointue de Paul Van Nevel, ces pièces, qui auraient pu apparaître comme austères et retenues, révèlent des couleurs magnifiques et le subtil équilibre que révèle leur structure. Il y a toujours dans l'ensemble Huelgas une telle souplesse de la ligne, une telle respiration et intelligence du texte que ces messes se révèlent incroyablement vibrantes.

On est si loin de la raideur, du caractère hiératique et presque mécanique qui sont souvent le travers notamment des ensembles vocaux britanniques. Ici la matière sonore exprimée par les voix (doublées pour chaque pupitre) est d'une belle densité.

On notera la qualité de l'enregistrement avec une réverbération calée de façon millimétrique pour nous offrir une belle projection tout en conservant une superbe clarté de la ligne.

Ludwig Daser - Missa Preter rerum seriem - Missa Fors seulement - Ensemble vocal Huelgas - Direction Paul Van Nevel - label Deutsche Hamonia Mundi.

Après les messes brèves... les motets

Après un enregistrement particulièrement réussi de messes brèves de JS Bach, Raphaël Pichon, à la tête de son ensemble Pygmalion, a révélé, juste avant Noël de l'année dernière, une version tout aussi inspirée de motets de JS Bach (label Harmonia Mundi).

La maturation du travail gagnant, on y trouve certes moins l'éclat et l'élan presque irrésistibles qu'il avait révélés sur les messes brèves. En revanche, y est préservée cette touche vive et solaire qui reste la marque de fabrique de cet ensemble.

On dispose ici d'une version d'une excellente tenue, entre la théâtralité d'un John Eliot Gardiner et un respect absolu du texte d'un Masaaki Suzuki.

Par rapport à ce dernier, Raphaël Pichon, prend le partie pris d'une lecture moins "linéaire" avec une accentuation du phrasé sur certaines parties du texte. Le Jesu du célèbre motet  Jesu, meine Freude BWV 227 par exemple se trouve plus accentué, avec une forme de respiration à laquelle on ne s'attend pas forcément. De toute évidence ce n'est pas choquant, d'autant plus que les phrases s'étendent avec un tempo qui s'allonge légèrement. Tout ceci est construit sans aucun maniérisme et cet exercice subtil est assez réussi.

Même logique sur le magnifique Komm, Jesu, Komm BWV 229 où le tempo est particulièrement allongé en introduction.

Cette sorte de mouvement de balancier restera la fil rouge de cet enregistrement avec pour point d'orgue de cette approche certainement l'une plus belles pièces sacrées de JS Bach, le Singet dem Herrn ein neues BWV 225. A noter, dans cette version, une réelle jubilation vient nous rappeler l'ardeur avec laquelle avaient été abordées les messes brèves.

L'enregistrement comprend également des pièces polyphoniques de Vincenzo Bertolusi (Osculetur me osculo oris sui), Jacobus Gallus (Ecce quomodo moritur justus) et Giovanni Gabrieli (Jubilate Deo) dont la filiation avec les motets de JS Bach n'est pas d'une évidence absolue, ce d'autant plus que, pour ces pièces, l'ensemble Pygmalion se montre plus apprêté et nettement moins inspiré.

Une filiation tout de même indirecte : Giovanni Gabrieli a été le maître de Heinrich Schütz qui a indéniablement ouvert la voix à la filiation des grands compositeurs de l'école luthérienne allemande, jusqu'à... JS Bach.

A noter, l'excellente qualité de l'enregistrement : équilibre, spatialisation, précision de rendu des différents pupitres.

Motets de JS Bach - pièces sacrées de Vincenzo Bertolusi, Jacobus Gallus, Giovanni Gabrieli - Ensemble Pygmalion - Direction Raphaël Pichon - label Harmonia Mundi.

In a strange land : la musique de l'exil

Le dernier enregistrement de l'ensemble vocal britannique Stile Antico est consacré à des compositeurs anglais de confession catholique confrontés à la politique de rétablissement de l'autorité de l'Eglise protestante sur l'Eglise catholique, instaurée par Elizabeth 1ère sur plus de quarante ans de règne entre 1558 et 1603.

Certains de ces compositeurs ont opté directement pour l'exil comme Peter Philips (prêtre et organiste qui s'est notamment exilé dans les Flandres, terre des grands compositeurs de musique polyphonique), Richard Dering et John Dowland.

La magnifique composition de ce dernier Flow, my tears ouvre la série des pièces interprétées par l'ensemble Stile Antico. L'ensemble des voix de soprano en accord, soutenues par les basses en contre-chant captent l'auditeur immédiatement. Le motif principal de cette pièce lui confère une réelle solennité. L'ensemble Stile Antico l'interprète avec une sobriété et un sens de l'équilibre des voix qui mettent tout à fait en lumière la simplicité et l'efficacité de cette composition que l'on connaît surtout dans sa configuration d'origine, à savoir pour voix seule (soprano ou ténor) et luth.

D'autres compositeurs ont décidé de rester sur le territoire britannique, instaurant comme une forme de résistance, à l'instar de William Byrd, figure emblématique de la musique polyphonique anglaise du XVIème siècle ou Robert White dont la notoriété reposera notamment sur sa série des cinq lamentations.

Ces deux compositeurs sont interprétés dans cet album. Le Tristitia et anxietas tiré du recueil de motets Cantiones sacrae de William Byrd, avec une interprétation un peu trop lisse et retenue (travers, comme je l'ai souvent évoqué dans le blog, des ensembles vocaux anglais). Il est dommage que le caractère si aérien et la plasticité extraordinaire, caractéristiques de compositions de William Byrd, ne soient pas mis suffisamment en évidence.

Dans le cas de Robert White, ce sont bien les Lamentations a5 qui sont ici interprétées. On notera l'introduction saisissante de beauté de la deuxième lamentation.

Parmi les pièces notables, j'ai retenu l'air In this trembling shadow, emprunt d'un mystère particulièrement bien rendu par l'ensemble Stile Antico. 

Dans cet album, l'ensemble a également pris le pari de défier l'espace temps en intégrant le premier enregistrement d'une pièce contemporaine composée par Huw Watkins, faisant référence au poème de William Shakespeare The phoenix and the turtle, dont la nature mystique a fait l'objet de nombreuses interprétations et qui ferait référence aux angoisses que révèlent les compositions de William Byrd. J'avoue ne pas ne pas avoir percé cette référence ésotérique lors de ma lecture du poème.

Vidéo de présentation de l'album sur youtube :

In a Strange Land - Ensemble vocal Stile Antico - label Harmonia Mundi.

 

 

Un trait d'union entre Schubert et Janequin

Le disque Moment Musical, enregistré par l'ensemble vocal et instrumental Thélème, sous la direction musicale de Jean-Christophe Groffe s'articule autour de la rencontre improbable de Franz Schubert et... Clément Janequin. A priori, rien ne semble rapprocher musicalement ces deux compositeurs que près de trois cents ans séparent, tant l'univers de la musique de la Renaissance et celui de la musique dite romantique répondent en principe à des rhétoriques radicalement différentes.

Pourtant, au travers de leurs biographies respectives, les deux compositeurs partageaient le même plaisir de la musique vivante, du partage. Tout comme pour les fameuses schubertiades, d'après le poète Eustorg de Beaulieu, Clément Janequin aimait interpréter ou faire interpréter ses oeuvres dans des cadres informels, guidés par une certaine spontanéité.

Autre point commun intéressant, le passage obligé par des oeuvres sacrées (parcours qui résiste à trois siècles de compositions et pratique musicales !) alors que les deux compositeurs trouvent plutôt leur espace d'excellence dans la musique profane, inspirée par des univers poétiques (les lieders pour Schubert et les chants descriptifs pour Janequin). Il est à noter chez Schubert une certaine distance qu'il a toujours eue à l'égard de la musique sacrée (aucune de ses messes ne comprend de credo et c'est loin d'être un hasard).

Sinon, dans  le plus strict domaine musical, des similitudes formelles existent mais restent très subtiles et perceptibles par des initiés, hormis une certaine liberté formelle, un sens de la respiration indéniablement commun aux deux compositeurs.

Pour illustrer cette rencontre virtuelle, l'ensemble Thélème a choisi d'alterner des chants à plusieurs voix, des extraits des moments musicaux de Schubert interprétés au piano forte et des chansons de Clément Janequin.

La filiation est loin d'être évidente à l'écoute, d'autant plus que les chants schubertiens ont une certaine retenue formelle, alors que les chants de Janequin exigent avant tout de l'expressivité et un certain sens de la diversion.

Concernant les options d'interprétation, celles prises par Jean-Christophe Groffe semblent avoir été guidées par la volonté d'établir une relative unité ce qui est une véritable quadrature du siècle, tant les ressorts de chacun des deux univers musicaux sont différents. On pouvait attendre un tout petit peu moins de retenue formelle pour encore mieux illustrer la spontanéité qui est justement un trait commun aux deux compositeurs.

Sinon, les diverses interprétations au fil de l'alternance entre les deux mondes sont de très bon niveau et l'enregistrement a été construit autour d'un projet musical cohérent avec une réelle intelligence du texte. C'est suffisamment rare pour être souligné.

Moment Musical - Franz Schubert et Clément Janequin, un amitié imaginaire - Ensemble Thélème - Direction Jean-Christophe Groffe - Label Coviello.

Divine Theatre : la musique sacrée de Giaches de Wert

On connaît le plus italien des compositeurs flamands pour ses superbes madrigaux (cf. post du 30 janvier 2007 sur l'enregistrement de la Jérusalem Libérée par l'ensemble la Venexiana), mais beaucoup moins pour son corpus de motets.

Le disque récemment enregistré par l'ensemble vocal anglais Stile Antico (label Harmonia Mundi) nous permet de découvrir l'écriture de Giaches de Wert pour la musique sacrée. Sa polyphonie est d'une élégance rare, assez épurée, aérienne avec une belle structure souvent soutenue par les voix de sopranos.

L'ensemble Stile Antico, pour lequel j'avais plusieurs fois émis quelques réserves du fait de sa relative froideur (cf. le post du 10 décembre 2010 sur la Missa puer natus est de Thomas Tallis)  (décidément dans la tradition des interprétations de la musique polyphonique outre Manche), ne déroge pas à cette impression avec ce dernier enregistrement. C'est très net, propre, irréprochable techniquement mais dans un contrôle permanent qui fait qu'il manque tout de même ce "supplément d'âme" que l'on attendrait, surtout lorsqu'il s'agit d'un compositeur qui a vécu à Mantoue, sous l'influence de la lumière et des couleurs italiennes, même si je ne nie pas le travail très sérieux et d'une belle constance de cet ensemble sur les différents corpus de la musique polyphonique et qui en fait, de facto, un des ensembles de référence. A noter tout de même que, sur certains motets, Stile Antico réussit indéniablement à établir une certaine tension de la ligne tout à fait réussie (cf. cas du Peccavi super numerus sur les voix en accords). 

Parmi les plus belles pièces de la sélection faite par l'ensemble Stile Antico, on notera le superbe motet Amen, amen dico vobis, où le tuilage des voix révèle une écriture plus audacieuse que les autres pièces composées par le compositeur flamand. 

Le Vox in Rama audita quant à lui, est certainement le motet dont l'écriture est la plus audacieuse, instaurant, avec l'introduction par les basses, un climat surnaturel, relayé directement par des sopranos aériennes, dont la clarté des voix nous emporte. Il est de forme pratiquement madrigale, avec, à partir du minutage 1'30", des frottements harmoniques, des dissonances dignes de Gesualdo ou Rossi.

A noter également le final du Egressus Jesus, avec la superbe envolée des sopranos.

Même si je ne suis pas toujours emporté par les interprétations de l'ensemble Stile Antico, du fait d'un certain manque de chaleur (décidément, je n'arrive pas à m'affranchir de la densité et des couleurs des interprétations de Paul Ven Nevel avec l'ensemble Huelgas) , je recommande tout de même cet enregistrement, de très belle facture, cohérent, et qui permet d'explorer cette jonction qui peut être opérée entre les motets polyphoniques, dans la lignée des compositeurs franco-flamands, avec le style madrigal italien.

Plus de détails sur le site Harmonia Mundi.

Coup de coeur du poisson rêveur

Divine Theatre - Motets de Giaches de Wert - Ensemble Stile Antico - Label Harmonia Mundi. 

Des concertos brandebourgeois électrisés

J'avais émis plusieurs fois des réserves sur la manie qu'ont les ensembles baroqueux récents d'interpréter des œuvres concertantes au pas de charge. La rapidité du tempo, associée à une sonorité astringente, font qu'au delà de la simple volonté de bénéficier d'une nouvelle lecture, l'auditeur fatigue rapidement.

Dans le cas de cette version des concertos Brandebourgeois de JS Bach par l'ensemble Simphonie du Marais, sous la direction d'Hugo Reyne, on est également d'emblée interpelé par un tempo assez rapide, une rythmique très marquée, des phrases très courtes, très ciselées. Toutefois, ce n'est pas la sensation "d'agressivité" qui ressort mais celle d'une forme de jubilation, une énergie indéniable, avec un clavecin virevoltant. L'interprétation de ces Brandebourgeois est ouvragée comme de la dentelle, même si ces derniers ont bien été pris à la lettre comme des formes concertantes (c'est assez marqué sur le 5ème concerto BWV 1050 avec un clavecin très présent et une cadence interminable qui clôture l'allegro d'ouverture).

Le choix d'une certaine tension mais avec suffisamment de clarté, des sonorités lumineuses, un rythme assez enlevé mais sans sécheresse, font que cette version assez singulière, et assez attachante, se détache du corpus déjà très volumineux des différentes versions, pré et post-baroqueux. Toutefois, j'ai tout de même, à titre personnel, un petit problème d'épuisement sur la durée avec ce type de démarche, même si les mouvements lents font exception avec un côté méditatif intéressant (ex : Andante du 4ème concerto). En outre, même si le parti pris d'enregistrements "live" était très bien vu, le manque indéniable de relief et de grain de l'enregistrement dessert le travail de ces musiciens et peut conduire à une certaine frustration.

On attend donc toujours la version qui allie entrain, virtuosité, clarté, dynamique, mais avec des sonorités suffisamment charnues et d'une belle ampleur, afin de sentir les différents voix et couleurs instrumentales se déployer dans une belle projection spatiale mais sans réverbération...

Collection Pierre Bergé : un volume 4 qui n'est pas si singulier

Lorsque Pierre Bergé a été interviewé à propos de la collection qu'il vient de lancer il y a quelques mois, il mentionnait qu'il était soucieux d'éditer (ou plutôt rééditer) des interprétations de grandes oeuvres qui ont exercé un influence importante sur son expérience discographique. Avec l'aide complice d'André Tubeuf, dont l'érudition fait indéniablement référence, Pierre Bergé a supervisé l'édition des six premiers volumes de cette collection.

Comme il le mentionne dans la petite introduction de chacun des volumes, ce travail éditorial est guidé par une démarche "culturelle certes, mais aussi sociale et civique". Sa démarche est animée par le souci de créer une collection de disque "populaire mais élitiste". Il veut dire par là, proposer à un prix abordable, une collection à la présentation soignée, avec des oeuvres et des interprètes d'exception.

On y retrouve en effet des "monuments" comme la Symphonie Fantastique d'Hector Berlioz par Charles Munch, avec l'Orchestre Symphonique de Boston, (couplée avec Les nuits d'été, accompagné de Victoria de Los Angeles) (volume 1), Un Requiem de Verdi, dirigé par Victor de Sabata avec des solistes de légende comme Elisabeth Schwartzkopf, Giuseppe di Stefano, avec l'Orchestre de la Scala de Milan (volume 2), ou bien encore, notamment, les trois dernières sonates pour piano de Beethoven par Yves Nat (volume 6).

Ce lien permet de prendre connaissance du contenu complet des six volumes.

Pour démontrer que la collection ne se cantonne pas à faire revivre des interprétations qui se sont révélées à l'époque de l'émergence du microsillon et ne repose pas seulement sur une vision passéiste de la musique, Pierre Bergé et André Tubeuf ont consacré l'un des volumes à la création contemporaine. Il s'agit du volume 4 qui regroupe des oeuvres de Guillaume Connesson.

Le volume comprend un CD et un DVD. Le CD regroupe 3 pièces pour violoncelle et piano, les Chants de l'Agartha, dédiées à Jérôme Pernoo et Jérôme Ducros, que ces derniers interprètent - Les Constellations, 2 pièces pour alto (Lise Berthaud) et piano (Jérôme Ducros) - Les Chants de l'Atlantide pour violon (Sergey Malov), et piano (Jérôme Ducros) - Adams Variations (Florent Hénau, clarinette / Sergey Malov, Jérôme Pernoo, Jérôme Ducors) - Disco - Toccata (Florent Héau / Jérôme Pernoo) et un Quatuor à cordes (Ayako Tanaka, violon / Sergey Malov / Lise Berthaud / Jérôme Pernoo).

Ne nous détrompons pas : même si André Tubeuf se refuse absolument de dire dans son introduction au volume 4 que la musique de Guillaume Connesson incarnerait un "nouveau classicisme", il convient tout de même de dire que les oeuvres que l'on écoute là sont dans la lignée des grands compositeurs classiques et ne s'apparentent absolument pas aux courants de musique contemporaine qui ont effectué une rupture avec la musique tonale comme, par exemple, le sérialisme. Guillaume Connaisson revendique d'ailleurs la filiation avec des mouvements très divers mais qui ont en commun le fait que la construction mélodique et harmonique demeure tout à fait classique.

Ce sont alors les climats, les tonalités des oeuvres qui doivent nous interpeler et, surtout, un certain sens de l'introspection, avec, également, la problématique universelle de la relation de l'Homme au Cosmos, tout comme chez Olivier Messiaen, par exemple.

Dans ce volume, j'ai surtout été marqué par le quatuor à cordes, commande de Jérôme Pernoo, écrit en 2010, ainsi que par les deux belles pièces de Constellations pour alto et piano, d'ailleurs très bien interprétées.

Les créations de Guillaume Connesson demandent à l'auditeur un travail d'isolement par rapport aux torpeurs du monde, exige que l'on rassemble et retrouve ses esprits, pour appréhender toute l'intériorité de sa musique. On notera l'engagement indéniable de Jérôme Pernoo que l'on sent très habité par ces compositions qu'il restitue avec sensibilité.

Comme le suggère André Tubeuf, on peut alors retrouver les saveurs d'un monde perdu, éprouver cette paradoxale sensation de nostalgie d'un monde rêvé que l'on aurait aimé connaître.

Le couplage avec le DVD apporte une autre dimension. Outre des interviews (Guillaume Connesson, Jérôme Pernoo et le réalisateur Stephan Aubé), le DVD propose des clips où les interprétations des plages 1 à 10 sont filmées avec un certain parti pris esthétique qui change quelque peu des captations vidéos classiques.

Je vous propose ci-dessous l'interview de Guillaume Connesson réalisée par Qobuz, récupérée sur Dailymotion.

Rencontre avec Guillaume Connesson... par qobuzmedia

Lien direct vers une interview de Pierre Bergé et André Tubeuf réalisée par Yves Riesel.

Carolyn Sampson sublime le baroque français

Les lecteurs du blog connaissent certainement mon admiration pour les qualités vocales de la soprano anglaise Carolyn Sampson. Elle s'est révélée comme l'une des voix les plus pertinentes dans le répertoire sacré, notamment les cantates de JS Bach, aussi bien avec Philippe Herreweghe qu'avec Masaaki Suzuki.

Le disque "Les Sirènes", édité par le label allemand Carus-Verlag, où Carolyn Samspn est accompagnée du Concert Lorrain, sous la direction d'Anne-Catherine Bucher, permet de savourer à nouveau la limpidité et l'agilité vocale de la soprano dans, cette fois, le répertoire des cantates profanes, plus exactement le style français des cantates dites galantes et / ou pastorales, écrites, dans le cas présent, par le compositeur français Thomas-Louis Bourgeois.

Ce dernier a composé un corpus de quarante cinq cantates et cantatilles. Le disque en regroupe cinq emblématiques de son style qui représente une rupture nette avec la grandiloquence versaillaise, par exemple, d'un Jean-Baptiste Lully. On se plonge plus dans un univers proche de celui de Jean-Philippe Rameau.

Je dois avouer ne pas être un grand fanatique de ce style français étant peu sensible à ses accents bucoliques et à une certaine forme de maniérisme. On ne peut toutefois nier la finesse d'écriture de Thomas-Louis Bourgeois et la beauté indéniable de certaines arias comme l'Amour de la cantate Les Sirènes ou Revenez cher amant, puis-je vivre sans vous de la cantate Psiché.

Le phrasé, la diction de Carolyn Sampson sont remarquables. L'expressivité est dosée avec une subtilité rare. L'élégance naturelle de la soprano s'allie remarquablement avec ce genre musical, évitant ainsi de tomber dans les pièges de la mièvrerie. Le parti pris d'absence de vibrato, aussi bien chez la soliste que dans l'accompagnement instrumental est tout à fait opportun, évitant ainsi de charger l'atmosphère de ces cantates, pour se concentrer sur la fluidité de la ligne mélodique. 

Par rapport à un exercice relativement similaire déjà chroniqué d'Ann Sofie von Otter et William Christie (cf. note du 20 janvier 2010), Carolyn Sampson et le Concert Lorrain prennent le parti du naturel et de la simplicité. On a ici une forme d'alternative qui n'a pas à rougir face au "baroque chic" du couple Von Otter - Christie.

Le Concert Lorrain accompagne la chanteuse avec le souci de permettre à la voix de s'épanouir et l'équilibre voix - orchestre est remarquablement contrôlé. L'ensemble orchestral déploie même par moments de belles couleurs, tout en restant très sobre et dans cette esprit de fluidité évoqué précédemment.

Ce disque est une réussite et répond à un projet cohérent. Ceci est assez rare pour être souligné. Il semblerait en outre que ces cantates aient été enregistrées pour la première fois.

Lien direct vers le site pour plus d'informations (si vous lisez l'allemand...).

J'ai trouvé l'intégralité de l'aria L'Amour sur youtube :

Thomas-Louis Bourgeois - Les Sirènes / Cantates - Carolyn Sampson (soprano) - Le Concert Lorrain, Direction Anne-Catherine Bucher - Label Carus-Verlag.

Les Vêpres de Willaert

Le label Ricercar va bientôt éditer un enregistrement des Vêpres de la Vierge d'Adrian Willaert.

Elève de Jean Mouton, ce compositeur flamand a joué un rôle important dans le développement de la musique polyphonique italienne de la Renaissance. Il a en effet occupé le poste de Maître de Chapelle à la Basilique Saint-Marc à Venise. On lui doit notamment une contribution au développement de la composiation de musique sacrée à deux choeurs, qui sera tout à fait caractéristique des compositions vénitiennes des années 1 500.

On retrouvera dans cet extrait la texture assez resserrée, typiques des compositeurs flamands comme justement Jean Mouton ou Nicolas Gombert.

Ces Vêpres sont interprétées par l'ensemble belge Capilla Flamenca, sous la direction de Dirk Snellings.

 

Goldberg - Bach - Krebs

Le label Ricercar a édité en avril dernier un disque regroupant des compositions de musique sacrée écrites par des contemporains de Jean-Sébastien Bach : les deux seules cantates écrites par ‪Johann Gottlieb Goldberg ("Durch die herzliche Barmherzigkeit" et "Der 12. Psalm «Herr, die Heiligen haben abgenommen"")‬, élève de JS Bach, et dont le patronyme restera associé aux célèbres variations pour clavier écrites par le Cantor, une messe brève de Johann Ludwig Bach, cousin au second degré de JS Bach et le magnificat de Johann Ludwig Krebs.

Les parentés avec les compositions du maître de Leipzig sont intéressantes. Les cantates de JG Goldberg laissent une part belle au chant choral et confirment une filiation naturelle avec le corpus de cantates de JS Bach. Les parties pour choeur sont magnifiques. On notera plus spécifiquement la beauté et l'élévation du chorus d'introduction "Durch die herzliche Barmherzigkeit unsers Gottes" de la Cantate du même nom ainsi que le chorus qui clôture de la cantate «Herr, die Heiligen haben abgenommen" ("Du, Herr, wollest sie bewahren") avec notamment son final en canon digne des plus grandes cantates de JS Bach.

La messe brève de Johann Ludwig Bach est moins convaincante, avec une sorte de solennité qui lui confère un caractère un peu figé. En tout cas, il n'y a aucune comparaison avec les messes brèves de JS Bach qui sont, quant à elles, de véritables bijoux.

J'avais bien plus été fasciné par la Trauermusik, écrite par le même compositeur et admirablement interprétée récemment par l'orchestre Akademie für Alte Musik de Berlin et la RIAS Kammerchor (cf. note du 30 mars 2011 du blog).

La pièce la plus singulière par sa structure est le Magnificat de Johann Ludwig Krebs. Il s'agit d'une composition entièrement chorale, chantée a capella, composée dans la plus pure tradition de la musique sacrée germanique.

L'interprétation de ces oeuvres par l'ensemble Ex Tempore, sous la Direction de Florian Heyerick est d'une très bonne tenue, surtout sur la partie chorale. Ce n'est pas toujours le cas sur les arias des solistes mais l'ensemble est cohérent et assez homogène. On regrettera en outre une réverbération excessive sur l'enregistrement.

Lien direct vers le site du label Ricercar pour écouter un extrait et en savoir plus sur le disque.

 

Coup de coeur du poisson rêveur.

Johann Gottlieb Goldberg : cantates - Johann Ludwig Krebs : Magnificat - Johann Ludwig Bach : Missa brevis. Ensemble Ex Tempore - Direction Florian Heyerick - Label Ricercar.

L'agilité de Carmignola au service de Haydn

Après les concertos de Vivaldi et de Locatelli, Giuliano Carmignola s'attelle à trois concertos de Joseph Haydn (en la - Hob. VIIa : 3, en ut Hob. VIIa : 1, en sol Hob. VIIa : 4). Il est accompagné cette fois de l'Orchestre des Champs-Elysées sous la direction d'Alessandro Moccia.

Par rapport notamment aux premières versions des concertos de Vivaldi, Giuliano Carmignola se montre plus assagi, d'une finesse et d'un sens des nuances remarquables. La vivacité et le grain caractéristiques de son jeu restent indemnes mais il nous révèle ici une version attachante, très équilibrée et chantante des trois concertos de Haydn. L'ensemble soliste / orchestre est d'une cohérence et d'une homogénéité remarquables.

Le caractère chantant du violon est particulièrement notable, par exemple, sur l'allegro moderato du concerto en ut (premier mouvement). Le terme de "moderato" est bien assimilé par le soliste dont le tempérament, voire "l'autorité" s'avérait peut-être trop incisif sur les Vivaldi. Ici, tout au contraire, c'est même parfois une certaine tendresse qui émane de ces interprétations. Pour revenir à Vivaldi, on sera en outre troublé par la similitude de l'adagio du même concerto en ut avec un largo typiquement vivaliden...

Le violon, assez grave finalement, dont les sonorités frôlent celles d'un alto, est d'une élégance rare et le son de Giuliano Carmignola, coloré et racé, nous fait savourer ces concertos comme de vrais gourmandises. La prise de son est en outre remarquable.

Disque très intéressant.

J'aurais bien voulu vous renvoyer vers la page Web d'Archiv Produktion pour que vous en sachiez plus mais le disque... ne figure pas au catalogue du site (officiel !)...

Joseph Haydn - Concertos pour violon - Giuliano Carmignola, violon - Orchestre des Champs-Elysées, direction Alessandro Moccia - label Archiv Produktion.

Extrait : dernier mouvement (allegro moderato) du concerto en ut - Hob. VIIa:1.

La Fenice explore avec finesse la musique luthérienne allemande du XVIIème siècle

L'orsque j'avais interviewé Jean Tubery, ce dernier avait évoqué son projet de disque pour le label Alpha et dédié à des compositeurs d'Allemagne du Nord et de la deuxième moitié du XVIIème siècle : Dietrich Buxtehude bien-sûr, son présumé élève Nicolaus Bruhns, mais aussi Heinrich Scheidemann et Samuel Scheidt.

La thématique retenue par Jean Tubery et son ensemble La Fenice, est relative aux Psaumes de David. On pense inévitablement à la référence absolue en la matière que sont les mêmes Psaumes par Heinrich Schütz. Le lien est tout à fait naturel car les compositeurs explorés par Jean Tubery revendiquent l'héritage du maître allemand qui a incarné la fusion des styles nordique avec italien. Les pièces enregistrées ici sont tout à fait assimilables à de petits concerts sacrés. Ils sont entrecoupés de morceaux instrumentaux donnant une belle part au cornet à bouquin, instrument dans lequel Jean Tubery excelle.

La voix est celle d'un chanteur particulièrement aguerri au répertoire de la musique ancienne : le ténor
Hans-Jörg Mammel, qui, avec son timbre lumineux, sert la musique et le texte avec une justesse rare.

On notera, comme très souvent chez Alpha, la qualité de l'enregistrement.

Ce disque permet d'explorer toutes les subtilités de la musique de cette école d'Allemagne du Nord qui apporte une vision intimiste des textes sacrés avec de belles couleurs fondues.

Disque très intéressant et qui a le mérite d'avoir une grande cohérence, ce qui est assez rare pour être souligné.

Je vous renvoie à l'excellente chronique du blo Passée des Arts sur ce disque.

Lien vers le site du label Alpha pour plus de détails.

 

Le lyrisme de Ronnie Lynn Patterson

J'ai rencontré de façon fortuite le pianiste de jazz américain Ronnie Lynn Patterson. C'est un être d'une intelligence et d'une douceur extraordinaires. Nous avons parlé de son univers musical et de la véritable passion qu'il voue à Rachmaninov. Il a eu la gentillesse de me donner le disque Mississipi, qu'il a enregistré avec son trio en 2003 (avec Michel Benita, basse et Jeff Boudreaux, batterie).

On y retrouve un titre (Fragment), dont la composition est, justement de Rachmaninov. Tous les autres morceaux sont composés par Ronnie Lynn Paterson.

Cet artiste manie avec un toucher subtil et velouté le sublime art de la ballade. On ne peut s'empêcher d'y retrouver quelque raisonnance avec Keith Jarrett et Bill Evans. Chez Ronnie Lynn Peterson, vient s'ajouter une dimension onirique, un sens du "Nocturne", dans l'acception classique du terme.

Lien direct vers son site.

Je vous propose cet extrait de son dernier disque, Music, qui démontre l'élégance évidente de son style.

Prochains concerts, le 5 avril (concert France Musique à la Maison de Radio France) et le 6 mai à Auvers sur Oise.

Trauermusik par JL Bach : belle ampleur

Hans-Christoph Radermann a enregistré pour Harmonia Mundi la Trauermusik de Johann Ludwig Bach, à la tête de l'orchestre Akademie für Alte Musik de Berlin et du RIAS Kammerchor.

Cette pièce singulière peut être considérée comme le chef d'œuvre de JL Bach. Ce compositeur a exercé un influence certaine sur son deuxième cousin, Johann Sebastian Bach, notamment dans la composition des cantates.

La Trauermusik, avec son double choeur, dispose d'une belle ampleur, évoquant plus les futures cantates chorales ou les messes du Cantor. Elle est construite en trois parties distinctes : la première, décrivant la vie humaine comme le lieu d'emprisonnement de l'âme, la seconde, relatant l'ascension jusqu'à la félicité des cieux, avec, notamment, une belle évocation de la Jérusalem céleste, la troisième et dernière, étant axée sur la grâce de l'âme, élevée au ciel.

Cette pièce sacrée étonne par sa structure assez particulière. Non sans une certaine ambivalence, elle associe une indéniable théâtralité avec des moments de recueillement et de grâce, dignes des plus belles cantates de JS Bach (ex : le chœur Herr Jesus Christ, wahr'r Mensch und Gott et le Wie du hast zugesaget mir de la seconde partie). Le rôle des choeurs est particulièrement important. Ces derniers partent parfois dans un mode quasi-concertant avec les voix solistes.

La façon dont les chœurs et les voix solistes alternent pour soutenir le déroulement narratif rappelle parfois les drames lyriques de Gluck (ex : le tutti O Herr, ich bin dein Knecht d'introduction de la première partie, qui enchaîne ensuite avec une aria pour choeur en fugue). Certains airs sortent complètement de la structure rhétorique de la musique du XVIIIème siècle comme l'obsédant Meine Band sind zurissen qui conclut la première partie avec sa rythmique presque madrigalesque.

On notera comment, avec une réelle subtilité, les compositeur donne progressivement de l'ampleur à la composition au fil des trois parties. D'entité accompagnatrice et dialoguante avec les voix sur la première et la seconde partie, le chœur gagne en ampleur et occupe complètement l'espace sonore à coup de soutien par les timbales et les trompettes.

Cette œuvre est particulièrement originale et inclassable. Elle effectue en quelque sorte une synthèse en entre la forme cantate chorale et les messes, voire certains oratorios.

La lecture de Hans-Christoph Radermann est alerte, avec une verve certaine mais sans agressivité. Le tempo n'est jamais accéléré inutilement et l'orchestre Akademie für Alte Musik de Berlin sonne particulièrement bien. Le RIAS Kammerchor, comme à son habitude, est parfait. Le quatuor de voix solistes est tout à fait correct même si l'on sent que la virtuosité de certains passages les sollicite un peu "aux limites". La qualité de l'enregistrement est excellente. Bel enregistrement intéressant à découvrir.

Johann Ludwig Bach - Trauermusik - orchestre Akademie für Alte Musik de Berlin - Direction, Hans-Christoph Radermannet - Anna Prohaska (soprano), Ivonne Fuchs (alto), Maximilan Schmitt (ténor), Andreas Wolf (basse) - RIAS Kammerchor - label Harmonia Mundi.

Extrait : Prima Pars - "O Herr, ich bin dein Knecht".

Songs - Contraste - Couleurs (suite)

Les couleurs sont annoncées sur la belle pochette du dernier enregistrement de l'Ensemble Contraste (Songs - Comédie Musicales) (photo signée Amélie Tcherniak) et qui sort mardi 25 janvier (Coup de coeur de la FNAC). Arnaud Thorette, qui dirige cet ensemble avec la complicité du pianiste Johan Farjot, du violoniste Pierre Fouchenneret et du violoncelliste Antoine Pierlot, nous propose une lecture tonique et colorée de grands standards de comédies musicales aussi bien anglo-saxonnes que francophones.

La réussite de ce disque repose largement sur l'excellent travail d'arrangement de Johan Farjot, la cohésion, l'agilité du quatuor et le bel engagement personnel de Karine Deshayes (mezzo-soprano), qui tient le haut de l'affiche des différents chanteurs sollicités pour ce disque.

Johan Farjot a effectué une travail exemplaire dans la relecture de chacune des 19 chansons enregistrées. Il n'est jamais tombé dans l'écueil consistant à en faire de trop, piège tendu par la plupart de ses airs fameux qui ont toujours trotté dans nos têtes. Au contraire, la trame est finement tissée, particulièrement bien adaptée à la configuration d'un quatuor avec piano. Le tout est d'ailleurs très cohérent et s'inscrit sous la marque d'une réelle élégance. Le style est toujours alerte avec, à chaque fois, une petite touche d'humour. La bonne humeur, le plaisir sont donc de mise et cela se ressent. Les airs plus graves ne sombrent alors jamais dans la mièvrerie, pourtant tellement de mise dans l'univers sonore des comédies musicales.

On notera une belle version, particulièrement nerveuse, au tempo rapide, parfaitement articulée de I could have danced all night (My Fair Lady), avec une Karine Deshayes lumineuse et dont l'exaltation est particulièrement communicative, la version résolument coquine du sublime Cheek to cheek (Top Hat / Irving Berlin) par Emily Loizeau. Les pizzicati des cordes ponctuent avec brio le déroulement du début de la chanson pour ensuite céder la place à des phrasés rappelant inévitablement le grand Stéphane Grappelli. La version de Crazy World (Victor / Vicoria) (Isabelle Georges, Raphaël Imbert, Johan Farjot) est également particulièrement réussie et l'exercice de cohérence rythmique , certainement difficile, sur le fameux Good morning (Singin' in the rain) est tout à fait réussi (même si la virtuosité des cordes est telle qu'elle met un peu à mal, par moment, le calage des voix du trio Magali Léger, Karine Deshayes et Alain Buet).

Alain Buet, justement confirme sa capacité à aborder tous les registres avec un phrasé souvent impeccable et la chaleur d'un timbre tout à fait appropriée pour ce répertoire (saisissant dans le Bess, you is my women now (Porgy and Bess)).

Sandrine Piau participe à l'entreprise avec une version intense de Memory (Cats). Quelle voix !

Karine Deshayes, qui interprète la plupart des airs, est excellente de bout en bout et ce sur des registres très différents. La belle densité de son timbre et son excellent phrasé rendent ses interprétations très vivantes avec un charisme certain.

A noter, la participation de l'excellent pianiste et compositeur Karol Beffa avec une magnifique version de I dreamed a dream (les Misérables), dont les arrangements en contrepoint font inévitablement résonnance avec les compositions pour piano de JS Bach. A noter également l'excellente prestation du saxophoniste Raphaël Imbert en accompagnement sur Crazy World et en solo sur I've got rythm (An american in Paris).

Ce disque tonifiant et coloré représente une belle aventure musicale. Le groupe vocal est dans l'ensemble excellent (les petites exceptions étant Sébastien Guèze qui n'arrive visiblement pas à tenir sa voix sur Monopolis (Starmania) et Magali Léger, que j'ai connue plus juste et alerte).

A noter enfin la belle qualité d'enregistrement, même si les aigus sont quelquefois un peu durs.

Disque vivement recommandé pour passer cet hiver rigoureux qui ne va pas nous quitter de sitôt et pour faire le plein de vitamines.

Songs - Ensemble Contraste - label Contraste Productions / Naïve Diffusion.

Disque soutenu par la Fondation Orange.

Extrait : I could have danced all night (My Fair Lady) - Karine Deshayes.

Scarlatti et Avison sous les lumières espagnoles

J'ai l'impression que le disque enregistré par l'ensemble Orchesta Barroca de Sevilla, sous la direction de Nicolau de Figueiredo, avec le contre-ténor Carlos Mena, dédié à des pièces vocales de Domenico Scarlatti et des concertos de Charles Avison, est pratiquement passé inaperçu.

Sorti sous label indépendant de L'Orchestra Barroca de Sevilla, (label OBS Promoeteo), ce disque correspond à un projet intéressant : mettre au regard de diverses pièces de Domenico Scarlatti, dont son sublime Salve Regina, des concertos ("concerti grossi") du compositeur anglais Charles Avison, contemporain de Domenico Scarlatti et qui revendique l'influence du maître italien (chaque concerto grosso étant tiré de receuils de compositions de sonates pour le clavecin : "Twelve Concertos in seven parts done from two Books of Lessons of Domenico Scarlatti").

Ces concertos, alertes et colorés, portent indéniablement l'empreinte de ces belles sonates de Scarlatti.

La partie maîtresse de ce disque est indiscutablement ce chef d'oeuvre expressif, presque théâtral qu'est le Salve Regina du compositeur italien. Ce disque fournit une version subtile et dont la finesse est due, en grande partie, au sens extraordianaire des nuances et à la technique irréprochable de Carlos Mena. Ce dernier est d'une justesse impeccable et il maîtrise à la fois le caractère nécessairement instrumental de la voix dans un tel registre et l'expressivité qu'apporte la lecture baroque du répertoire sacré. L'achat du disque se justifie rien que pour ce Salve Regina de très haute tenue. Le chef espagnol Nicolau de Figueirado mène son ensemble orchestral avec un excellent sens de l'équilibre et accompagne avec bienveillance le contre-ténor, permettant ainsi au chant de pleinement s'épanouir.

Disque d'une très bonne tenue et intéressant à découvrir. Incontournable pour les "aficionados" de Carlos Mena, dont je fais partie.

Domenico Scralatti - Salve Regina et autres pièces vocales - Charles Avison - Twelve Concertos in seven parts done from two Books of Lessons of Domenico Scarlatti - Orchesta Barroca de Sevilla - Direction Nicolau de Figueiredo - Carlos Mena, contre-ténor - Label OBS Prometeo.

Extrait : Domenico Scarlatti - Premier verset du Salve Regina (Salve Regina) :

Odes et chansons de Blow et Purcell par le Ricercar Consort

Il m'est impossible d'avoir la moindre objectivité dès que j'écoute le dernier enregistrement du Ricercar Consort, dirigé par Philippe Pierlot, tant j'admire le travail admirable qu'accomplit cet ensemble depuis maintenant vingt cinq ans. Ce sera donc le cas pour ce dernier disque consacré à des odes et chansons de John Blow et Henry Purcell (label Mirare).

Tout d'abord, ont saluera une contribution à nous faire connaître d'autres facettes de ces deux compositeurs anglais d'ailleurs intimement liés. Je reste persuadé que Blow et Purcell sont des compositeurs majeurs de la période baroque et dont l'art dépasse la territorialité purement anglaise où on a voulu les cantonner depuis les années. Pourquoi cette obstination constante à considérer que, sous prétexte que la prosodie anglaise était bien trop spécifique, on ne "nous servirait" que du répertoire allemand ou italien ? Il faut attendre quelque anniversaire, dont celui je crois des 350 ans de la mort de Purcell l'année dernière..., pour que l'on dègne enfin l'enregistrer et l'interpréter un peu plus en concert. A chaque fois, le raffinement, la douceur et la luminosité de son écriture nous séduisent inexorablement.

C'est bien le cas ici avec, toutefois, un choix exigeant et assez austère en apparence, ce qui confirme le fait que Philippe Pierlot et son ensemble, ne désirent se plier à aucune mode ou facilité.

Tout d'abord, la superbe Ode pour la mort de Henry Purcell écrite par son ami John Blow. Une superbe leçon de subtilité et de nuances nous est ici proposée avec un duo assez homognèe de contre-ténors : l'admirable Carlos Mena (vous excuserez mon côté "groupi" mais je continue à considérer Carlos Mena comme l'un des plus grand contre-ténors actuels, spécifiquement sur le répertoire sacré) et Damien Guillon. Cette ode n'a justement rien de funèbre. Elle est d'une douceur qui vous emporte de la première à la dernière note, traduisant avec finesse l'evidente affection de Blow pour Purcell. Certes, on reste dans un répertoire très intériorisé, intimiste. Mais la lumière et de belles couleurs fondues sont très bien transcrites par une intrumentation où chaque phrase est ciselée avec une précision remarquable.

Ensuite, le disque nous propose Purcell en écho de cette Ode de Blow avec une série de chansons et odes dont certaines sont particulièrement connues (ex : Strike the viol ou No, no, no, no Resistance is but Vain). Des pièces purement orchestrales émaillent cà et là le disque.

On notera dans certaines odes l'association merveilleuse des voix avec les flûtes et qui contribue à renforcer la dimension spirituelle de ces pièces (ex : la superbe Sweetness of Nature).

L'exercice est ici très délicat car il faut traduire toute la subtilité de cette écriture sans tomber dans la préciosité, la mièvrerie ou carrément l'ennui. Philippe Pierlot, par le jeu subtil des violes et le grain admirable des deux voix de deux contre-ténors, a évité cet éceuil. Attention, ce disque n'a pas pour vocation de nous charmer de façon ostentatoire et son accès peut se révéler difficile. Plusieurs écoutes permettrons de dévoiler des nuances et détails qui confirment la richesse de cette écriture des deux maîtres anglais.

Disque hautement recommandé même si je vois déjà (peut-être) certain(e)s me dire qu'il manquerait à ce disque une petite étincelle. Ils (ou elles) jugeront l'entreprise trop "sage" voire un peu trop "académique". Je trouve tout de même que cette approche assez intériorisée, presque méditative est tout à fait défendable.

Lien vers le site de Mirare pour ne savoir plus.

Blow / Purcell - Odes & Songs - Ricerar Consort - Direction Philippe Pierlot - Carlos Mena, Damien Guillon, contre-ténors.

Extrait : Sweetness of Nature (piste 12).

David Bismuth met en écho Saint-Saens avec Rachmaninoff

C'est tout de même agréable, en cette période de fuite en avant dans les compilations sans véritable projet musical, de s'attarder sur des musiciens qui cherchent à construire une démarche, et à nous restituer une lecture particulière du répertoire.

C'est indéniablement le cas de David Bismuth, pianiste dont la carrière se forge avec le soutien bienveillant de femmes pianistes, dont la renommée ne se discute pas (Anne Queffelec, Catherine Collard, Brigitte Engerer ou Maria-João Pires). La biographie décrite dans son dernier disque souligne sa filiation très française, notamment du point de vue stylistique. Il devient alors assez naturel qu'il s'investisse dans l'interprétation du répertoire de grands compositeurs français, notamment sur la période charnière de la fin du XIXème et du début du XXème siècle, là justement où cette école a marqué son identité et influencé de nombreux compositeurs étrangers. Il ne faut toutefois pas se tromper. Le jeu de David Bismuth ne se perd pas dans les méandres d'une forme d'impressionnisme. Il est, tout au contraire, résolu, bien campé sur un toucher d'une plénitude certaine, nous restituant un son assez charnu et une interprétation toujours bien architecturée. Cette impression est d'autant plus perceptible qu'elle est accentuée par les conditions d'enregistrement et l'instrument choisi pour l'occasion (enregistrement réalisé sur un Bösendorfer Impérial de 1980 dans un hôtel particulier de Villeneuve sur Seine). Le son ainsi restitué est assez mat, avec des couleurs chaudes et des graves généreuses.

Le propos de David Bismuth sur son dernier disque, (Saint-Saens, Rachmaninoff), est de nous interpeller en mettant en évidence les filiations qui existent entre ces deux compositeurs. Celles-ci sont évidentes quand on aborde la richesse harmonique, une sorte de foisonnement, cette densité indéniable des pièces interprétées. Elle l'est également au niveau de leur puissance narrative. Si le jeu très contrôlé de David Bismuth peut un peu décevoir sur Rachmaninoff (on s'attendrait à plus de relâchement), il s'avère d'une belle fluidité et d'une clarté certaine sur Saint-Saens. Il traduit alors de façon exemplaire cette élégance néo-classique si caractéristique du compositeur français certainement le plus sous-estimé du répertoire.

Sur Rachmaninnoff, des pièces fameuses comme le Prélude en ut dièse mineur opus 3 N°2 ne sont justement pas abordées à bras le corps comme on a souvent l'habitude de l'entendre (ex : la version de Vladimir Ashkenazy - DECCA - 1999) mais avec comme une sorte de détachement. Ce choix d'une forme de distanciation peut déplaire car elle a tendance à neutraliser la part de mystère et d'expressionnisme que contiennent ces pièces. Je suppose qu'elle est certainement guidée par une recherche d'équilibre entre la partie dédiée à Rachmaninoff et celle consacrée à Saint-Saens. C'est également le cas sur l'illustre Moment Musical N°3 opus 16 en si mineur (Andante Cantabile). Dans cette version, il n'y a justement rien de "cantabile" mais plutôt, à mon sens, la recherche d'un certain clacissisme et d'une facture que je qualifierais de presque schumanienne. Cette tentative de restituer la filiation de Rachmaninoff avec les "archétypes pianistiques" du romantisme qu'incarneraient Schumann et Chopin semble être l'un des principes directeurs de cette interprétation.

Les "ainés romantiques" ressurgissent de façon encore plus saisissante encore dans l'interprétation du Moment Musical N°4 opus 16 (Presto) (sa parenté avec l'étude N°12 en ut mineur dite "Révolutionnaire" de Chopin a été maintes fois évoquée) ou dans le Prélude en sol dièse mineur opus 32 N°12.

La seule exception réside dans les Variations Corelli opus 42, sorte "d'OVNI" inclassable et imprévisible où David Bismuth a tenté de rechercher une forme d'unité mais dont le caractère fantasque transparaît tout au long de l'oeuvre. On pense inévitablement à quelque pièce expérimentale où le compositeur s'aventure à goûter à plusieurs univers, au gré de sa fantaisie et de ses humeurs. Surprenant.

Je dois avouer avoir été nettement plus conquis sur la partie consacrée à Saint-Saens. Tout d'abord le choix des oeuvres. Je ne connaissais pas la plupart d'entre elles. C'est d'ailleurs révélateur de la sous-représentation chronique de ce compositeur dans la discographie, notamment des enregistrements de pièces pour piano seul.

J'ai particulièrement apprécié les deux études (opus 52 N°2, Pour l'indépendance des doigts et opus 111 N°1, Tierces Majeures et mineures). La pureté de la ligne est indéniable et malgré les timbres du piano qui auraient tendance à épaissir le rendu des sonorités, celles-ci, notamment dans le medium et les aigus, restituent particulièrement bien l'élégance et le caractère toujours alerte de l'écriture de Saint-Saens. Le grand mérite de David Bismuth est de nous rappeler à quel point légèreté, pétillance chez Saint-Saens ne sont pas synonymes d'archaïsme et de frivolité comme nombre de praticiens ou de musicologues ont voulu le faire croire.

Avec le choix de l'Allegro Appassionato opus 70 en ut dièse mineur, David Bismuth nous rappelle de façon indéniable cette filiation commune de Saint-Saens et de Rachmaninnoff aux grands romantiques. Comment ne pas penser encore une fois à Chopin et surtout Schumann dans le cas précis avec une narration aux multiples enchevêtrements.

Ce disque est particulièrement intéressant par le propos qu'il tente de servir et nous permet de découvrir de belles pièces trop méconnues. Je lui suis pour ma part reconnaissant de contribuer à la réhabilitation de Camille Saint-Saens, notamment de son oeuvre pour piano. Je suis un tout petit peu réservé sur l'engagement personnel du pianiste qui, selon moi, a peut-être été mis au second plan, dans le but de servir les oeuvres avec un souci peut-êtrre trop marqué d'équilibre. On alors confronté à une forme de quadrature du cercle. C'est la limite de cette mise en écho de deux compositeurs dont la filiation existe mais n'est pas ostensible. Le souci de clarté formelle se fait alors au détriment de l'exposition des sentiments profonds ressentis par l'interprète pour ces oeuvres. J'ai soupçonne une réelle intimité de David Bismuth avec ces oeuvres mais dont l'expression serait un peut peu inhibée par un souci d'être peut-être trop démonstratif.

Saint-Saens, Rachmaninoff - David Bismuth, piano - Label AmeSon.

Je vous propose l'interprétation du Moment musical N°4 Opus 16, tiré du site vimeo.com où le label AmeSon a posté des vidéos de l'enregistrement de ce disque.

David Bismuth joue Rachmaninoff, moment musical n° 4 from Ameson on Vimeo.

 

Franz-Joseph et Marianne

Le pianiste Lucas Blondeel et la soprano Liesbeth Devos ont enregistré un disque intéressant dont le programme est centré sur des compositions écrites par Joseph Haydn, et dédiée à Marianne von Genzinger. L'amitié qui s'est liée entre eux serait partie d'une correspondance régulière dont l'une des toutes premières lettres était l'envoi par Marianne von Genzinger d'une transcription d'une des symphonies de Haydn pour piano afin de demander l'avis de ce dernier.

On ne sait pas grand chose de la relation qu'ont entretenu Joseph Haydn et la jeune aristocrate viennoise si ce n'est qu'ils auraient échangé une abondante correspondance où ils eurent l'occasion de partager leur passion commune pour la musique.

Le disque qui nous est proposé ici a pour objectif de regrouper des compositions du maître viennois qui auraient été inspirées par Marianne. On retrouve, comme toute première pièce, la fameuse 59ème sonate en mi bémol majeur HobXVI.49 pour se clôturer par une merveille qu'est la mélancolique série de l'Andante con Variazoni en fa mineur HobXVII.6.

Entre ces deux jalons importants dans la production de pièces pour piano de Haydn, s'insèrent la Fantaisie en do majeur HobXVII.4, la sonate également en do majeur HobXVI.48 et, surtout, un Arianna a Naxos pour Soprano et piano dont les arias sont dignes de celles des plus beaux opéras bouffes de Mozart.

Les protagonistes de ce disque démontrent un bel engagement est une musicalité particulièrement rafraichissante. Le jeu vif, alerte et presque mutin de Lucas Blondeel apporte une lecture très enjouée des sonates et de la Fantaisie. On peut regretter sur les mouvements rapides un tempo trop soutenu et qui peut un tout petit peu desservir la profondeur des ces compositions mais cette rapidité d'exécution n'est jamais au détriment de la clarté du propos, de la netteté du toucher.

La soprano Liesbeth Devos campe une Arianna vibrante et engagée. Le pianiste reste attentionné et le duo est tout à fait équilibré.

C'est indéniablement un Joseph Haydn attachant et humain qui nous est restitué ici, avec une lecture finalement spontanée et très directe des deux protagonistes, et nous permettant à nouveau de confirmer à quel point Joseph Haydn, aussi bien sur les sonates pour piano que sur l'opéra, a fixé les bases qui influenceront les grands compositeurs romantiques.

Ce disque est également un bel hommage aux femmes, égéries de grands compositeurs qui, par leur goût certain et leur aura, auront permis aux grands maîtres classiques de disposer des meilleures conditions pour exprimer leur art.

Disque chaudement recommandé dans la mesure où, avec un propos cohérent et une démarche sincère, il permet de sortir des sentiers battus. Il confirme en outre qu'avec notamment la soprano Sophie Karthauser dont j'avais déjà parlé, la nouvelle génération de jeunes musiciens belges est particulièrement prometteuse.

Lien direct vers le site du label Cyprès pour plus de précisions, avec, notamment, une vidéo youtube restituant l'intégrale du Rondo de la sonate en do majeur HobXVI.4.

Pour Marianne - Joseph Haydn : sonate en mi bémol majeur HobXVI.49, Fantaisie en do majeur HobXVII.4, la sonate en do majeur HobXVI.48 et, surtout, Arianna a Naxos, Andante con Variazoni en fa mineur HobXVII.6 - Label Cyprès.

Extrait : 2ème variation de l'Andante con Variazioni en fa mineur HobXVII.

Quand Mendelssohn tombe du toit...

Je viens de terminer l'excellent "HHhH" écrit par Laurent Binet (éditions Grasset) et Prix Goncourt du premier roman. Justement, Laurent Binet, en s'attachant à travailler de façon précise sur la véracité des faits, tient à préciser plusieurs fois que son livre n'est pas un roman mais mais bien une nouvelle forme de lecture de l'Histoire. Il est construit autour d'un des actes les plus héroïques de la résistance pendant la 2ème guerre mondiale, à savoir l'assassinat de Reinhard Heydrich, Numéro 2 de la SS (adjoint de Himmler), "protecteur" de Bohême-Moravie, chef de la Gestapo et inventeur de la solution finale, par deux parachutistes envoyés en commando de Londres, l'un tchèque et l'autre slovaque.

Il est assez captivant, même si les digressions permanentes peuvent irriter les adeptes de la continuité des récits. Il s'agit bien d'un livre de plus retraçant de façon implacable la "recherche de la plus grande efficacité" dans l'horreur, incarnée par Heydrich.

Au Chapitre 125, il relate une "anecdote", fait semble-t-il véridique, à la fois saisissante et cocasse. Je ne peux m'empêcher de vous restituer ce chapitre dans son intégralité. Si Laurent Binet venait à prendre connaissance de cette citation intégrale dans le blog, ce qui est fort peu probable, je le remercie d'avance pour sa compréhension.

NB : HHhH est un sigle énigmatique pour désigner ce qui se disait chez les SS : "Himmlers Hirn heisst Heydrich" (le cerveau de Himmler s'appelle Heydrich).

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"J’ai lu un livre génial qui a pour arrière-plan l’attentat contre Heydrich. C’est un roman écrit par un Tchèque, Jiří Weil, qui s’intitule Mendelssohn est sur le toit.

Le roman tire son titre du premier chapitre qui se lit presque comme une histoire drôle : des ouvriers tchèques sont sur le toit de l'Opéra, à Prague, pour déboulonner une statue de Mendelssohn, le compositeur, parce qu'il est juif. C'est Heydrich, épris de musique classique et récemment nommé protecteur de Bohême-Moravie, qui en a donné l'ordre. Mais il y a toute une rangée de statues et Heydrich n'a pas précisé laquelle était Mendelssohn. Or, à part Heydrich, il semble que personne, même parmi les Allemands, ne soit capable de le reconnaître. Mais personne n'oserait déranger Heydrich pour ça. Le SS allemand qui supervise l'opération décide donc d'indiquer aux ouvriers tchèques la statue qui a le plus grand nez, puisqu'on cherche un Juif. Mais catastrophe: c'est Wagner qu'on commence à déboulonner !

La méprise sera évitée de justesse, et dix chapitres plus loin, la statue de Mendelssohn finalement abattue. Malgré leurs efforts pour ne pas l'abîmer, les ouvriers tchèques lui casseront une main en la couchant. Cette anecdote cocasse est fondée sur des faits réels: la statue de Mendelssohn a bien été renversée en 1941, et a eu, comme dans le roman, une main cassée. Je me demande si la main a été recollée depuis. En tout cas les pérégrinations du pauvre SS préposé aux déboulonnages, imaginées par un homme qui a vécu à cette période, sont un sommet de burlesque typique de la littérature tchèque, toujours imprégnée de cet humour si particulier, doucereux et subversif, dont le saint patron est Jaroslav Hasek, l'immortel auteur des aventures du brave soldat Chvéïk".

Les concerts vocaux de Johann Hermann Schein par l'ensemble Sagittarius

Le dernier disque de l'ensemble Sagittarius, sous la direction de Michel Laplénie, est consacré à deux concerts vocaux écrits par l'un des maîtres de la musique luthérienne allemande du XVIIème siècle, Johann Hermann Schein.

Les deux pièces sacrées interprétées sont respectivement : Opella nova et Fontana d'Israël (Israels brünnlein).

L'influence italienne, notamment avec son écriture madrigale, est particulièrement marquante chez Schein, plus encore que pour les autres grands compositeurs luthériens allemands de son époque. Contrairement à Heinrich Schütz, Schein ne s'est jamais rendu en Italie et, pourtant, il a admirablement intégré le style concertant italien et, surtout, les chromatismes des madrigaux tardifs. Ses pièces sacrées ont donc une facture toute particulière où le style et la forme les plus profanes des grands maîtres italiens de la seconde pratique se déploient avec une certaine majesté.

Surtout, ce qui est déjà notable chez Schütz, mais plus marquant encore chez Schein, c'est cette aptitude restituer dans le phrasé allemand les articulations dignes de la langue italienne, si bien que les textes vernaculaires "sonnent" littéralement comme de l'italien. C'est assez troublant.

Dans ces deux pièces, Schein fait preuve d'une inventivité indéniable et démontre de façon magistrale comment il a intégré la forme madrigale avec une finesse et une élégance certaines. Des frottements harmoniques, certaines dissonances dignes d'un Carlo Gesualdo ou d'un Michelangelo Rossi y sont même tout à fait perceptibles (ex : les montées des toutes premières mesures de "Die mit Tränen säen d'Israelbrünnlein, notamment les 59 premières secondes dont les mélismes constituent à chaque fois les paliers de montée sur la gamme). On y retrouve également les traits de la musique polychorale italienne lorsque, au minutage 2':36", les voix de soprano attaquent leur registre tout comme le feraient des cornets à bouquin. La similitude des voix des sopranos avec ces instruments est troublante sur ce passage. Ce rendu certainement voulu par Michel Laplénie car les compositeurs de cette époque travaillaient beaucoup sur les similitudes de timbre et de couleurs entre les voix et certains instruments à vents.

A ce titre, le pièces choisies sur Israels brünnlein sont les plus représentatives de cette forme madrigale.

L'interprétation de l'ensemble Sagittarius est d'une élégance subtile et d'un très bel équilibre. L'ensemble chanteurs - instruments est parfaitement étalonné, le phrasé très net, articulé. L'enregistrement est d'excellente qualité. Ce disque très réussi constitue une contribution de plus à la découverte la beauté de ce corpus de compositions allemandes, à la jonction de la Renaissance et du Baroque.

Johann Hermann Schein - Opella Nova - Fontana d'Isarel - Ensemble Sagittarius - direction Michel Laplénie - label Hortus.

Extrait : Wende dich, Herr, und sei mir gnädig (Israels brünnlein).

Marc Minkowski donne chair aux Symphonies de Joseph Haydn

Marc Minkowski à la tête de son ensemble orchestral des Musiciens du Louvre est l'un des rares chefs à restituer enfin l'intensité dramatique que l'on attend dans l'interprétation des symphonies de Joseph Haydn. Il donne chair à la série qu'il vient d'interpréter, se différenciant nettement d'approches souvent trop distanciées, à l'exception peut-être de Frans Brüggen.

On retrouve une certaine tension et une réelle noirceur qui constituent bien la marque de fabrique du chef français.

L'approche est très intéressante car elle apporte un nouvel éclairage et met surtout en évidence la filiation de ces symphonies avec les futures grandes compositions romantiques.

Je vous propose cet exemple trouvé sur youtube avec l'interprétation du premier mouvement (Adagio - Allegro) de la dernière symphonie composée par Joseph Haydn la N°104 en ré mineur qui oscille en permanence entre le plus grand classicisme et le romantisme le plus marqué.

Une lecture fine et alerte de concertos de Telemann

L'ensemble orchestral Holland Baroque Society continue son périple discographique selon le principe même de cette formation sans chef, à savoir de demander à des instrumentistes sachant assurer une direction musicale de collaborer sur un programme spécifique. Sur son dernier enregistrement, la formation néerlandaise a eu la judicieuse idée d'inviter le flûtiste Alexis Kossenko, à la fois excellent concertiste et chef accompli, comme il l'a prouvé à plusieurs reprises avec l'ensemble polonais Arte de Suonatori.

Le disque est entièrement consacré à des pièces de Georg Philipp Telemann. Il s'agit ici d'une très bonne idée, compte tenu de la relative pauvreté de la production discographique consacrée à ce compositeur pourtant intéressant et, surtout, très attachant et inventif. Ce dernier excelle particulièrement dans l'écriture de la forme concertante et témoigne souvent, je trouve, d'une finesse et d'une élégance rares. C'est exactement ce que l'on pourra constater dans le programme de ce disque.

Comme le signale Alexis Kossneko dans le livret, même si la forme des concertos que l'on est amené à découvrir ici est plus assimilable à celle du concerto grosso, ils fournissent nombre d'occasion pour permettre aux individualités de se distinguer, en tout cas de dialoguer ou se confronter pour revenir au sens étymologique même du mot concerto, à savoir cette forme de dialogue entre plusieurs voix, sur fond de continuo.

La pièce la plus révélatrice de la subtilité avec laquelle Telemann opère cette articulation des diférents solistes, non sans malice d'ailleurs, est indéniablement le concerto en ré majeur TWV 53:D6 pour deux flûtes traversières (baroques), violon et violoncelle. Avec une imagination bien plus développée et beaucoup moins de contenance qu'un Johann Friedrich Fasch, Telemann propose un "conversation" enlevée et pétillante des instruments dès le Vivace d'introduction, splendide, coloré et lumineux.Une Sicilienne grave et méditative vient apporter une touche de mélancolie avant d'enchaîner sur un Allegro vif et rythmé pour finir sur une Gavotte s'imposant comme une danse malicieuse.

Le concerto pour flûte à bec et basson en fa majeur TWV 52:F1 s'inscrit, quant à lui, dès les premières mesures, sous le signe d'une forme de cantabile à l'italienne, avec la recherche cette fois d'une plasticité et d'une sensualité certaines. Le Largo d'introduction instaure donc d'emblée le climat général avec ses phrases étirées, presque langoureuses. Le mouvement le plus vivaldien de ce concerto est incontestablement le Grave (qui porte bien son nom tant il imprime d'emblée une tension incroyable). En effet, le miméstisme de ses premières mesures avec le style concertant du prêtre roux est particulièrement évident. Sur ce concerto, la complicité d'Alexis Kossenko et de la bassoniste Jane Gower est indéniable. Personne ne tire la couverture à soi.

Le plus beau mouvement de l'ensemble des concertos interprétés apparaît ensuite avec le court Largo du concerto pour deux flûtes traversières, hautbois et violon en si bémol majeur TWV 53:B2. Le dialogue entre les quatre instruments est d'une beauté et élégance rares. Le caractère assez solennel de ce concerto confère aux deux flûtistes un rôle de soutien avec la mise en avant plus affirmée du hautbois et du violon.

Le dernier concerto interprété, en sol majeur TWV 54:G1, le plus conforme à la forme du concerto grosso, se distingue par la virtuosité du Presto final, démarrant dès les premières mesures comme une sorte de bourrée.

Comme l'atteste la pièce proposée en introduction du disque, l'Ouverture en mi mineur TWV 55:E3, qui révèle quant à elle tout de suite son style français, la sélection opérée par les instrumenstistes de la formation Hollande Baroque Society et Alexis Kossenko permet de découvrir la diversité de styles et de climats que GF Telemann est capable de produire sur des oeuvres concertantes.

La direction d'orchestre nerveuse et alerte d'Alexis Kossenko lui permet également de bien mettre en valeur le caractère virtuose de certains passages assignés à la flûte. Je pourrais seulement par moment regretter des attaques sur les tutti d'orchestre un peu trop saillantes et agressives à mon coup. Compte tenu de l'excellent aptitude du chef et de son orchestre à rendre de multiples nuances, ce point n'a finalement rien de choquant dans la mesure où il traduit aussi la vigueur et la fougue d'un ensemble composé d'excellents jeunes instrumentistes qui aiment visiblement bien en découdre avec les embûches techniques que sème, l'air de rien, GP Telemann çà et là.

Disque très intéressant, de haute tenue et chaudement recommandé.

Extrait : Largo du concerto en si bémol majeur TWV 53:B2 pour deux flûtes, hautbois et violon.

GF Telemann - Concertos - Hollande Baroque Society - Direction et partie soliste à la flûte, Alexis Kossenko - label  Channel Classics.

Anne Sofie von Otter et William Christie : un baroque aux lumières crépusculaires

J'ai mentionné à plusieurs reprises dans le blog mes réserves sur la (trop) parfaite tenue des Arts Florissants sous la direction de William Christie. Il y a dans le style imprimé par le chef américain un côté extrêmement net, léché, et quelque peu hiératique qui m'a toujours un peu gêné. Cependant, force est de constater la contribution indéniable de cet ensemble à l'exploration du répertoire baroque, notamment les compositeurs français. Après trente ans d'existence, cet ensemble s'impose indéniablement comme une formation musicale majeure de notre époque.

Le dernier enregistrement qu'il vient de réaliser avec la mezzo-soprano Anne Sofie von Otter ne déroge pas à cette règle d'une forme de posture aristocratique, de "haute tenue" à la recherche du comble de l'élégance et du raffinement. Paradoxalement, dans ce cas précis, cela ne me dérange absolument pas, et l'association ici présentée ne tombe pas dans les travers, ni du "baroque chic" (contrairement à ce que la couverture du disque pourrait suggérer), ni d'une préciosité quelconque.

 Le choix des arias, dont celles du chef d'oeuvre Médée de Marc-Antoine Charpentier occupent une place centrale, est particulièrement intéressant car il préside, semble-t-il à la tonalité générale assez envoutante de cet album. Anne Sofie von Otter révèle une sorte de "ténébreuse sensualité". L'intelligence de son phrasé, la subtilité extraordinaire de ses intonations nous captivent de bout en bout. Les sonorités limpides raffinées des Arts Florissants constituent, comme dans toute réussite de ce type, l'écrin soyeux de cette voix magnifique. Cela fait très longtemps qu'à l'écoute d'une telle beauté de l'interprétation, je ne m'étais trouvé plongé dans quelque jardin baroque imaginaire et crépusculaire. 

Il ne faut pas attendre d'Anne Sofie von Otter une démonstration d'agilité à toute épreuve où le déploiement d'un "coffre" prêt à saturer l'auditeur. La chanteuse suédoise incarne au contraire une fausse fragilité vocale et une vraie force narrative, une articulation exemplaire et, finalement, une aptitude indéniable à nous révéler toute la puissance dramatique de ces arias.

On opposera alors tout naturellement cette lecture d'une plasticité étonnante, avec des phrases étirées comme pour mieux nous faire savourer leurs saveurs sensuelles, à celles, finalement plus sèches et "expéditives"  auxquelles peuvent nous avoir habitué des chefs comme Hervé Niquet par exemple. Parmi les pièces magnifiques de ce disque on notera, outre la sublime "Ombre de mon amant", tirée de Médée et reprise comme titre de l'album, les splendides "... Cruelle mère des amours" de l'acte 3 et "Quelle plainte ne ces lieux m'appelle" de l'acte 4 d'Hyppolite et Aricie de Jean-Philippe Rameau.

Avec la malice qu'on leur connaît, Anne-Sofie von Otter et William Christie ont également parsemé cet enregistrement de pièces écrites par Michel Lambert dont le tout à fait madrigal (et explicite)  "Ma bergère est tendre et fidèle".

Ce disque est une indéniable réussite et restera marquant par sa haute tenue.

Lien direct vers la page du disque sur le site DG.

Lien direct vers le player pour écouter des extraits.

Ombre de mon amant - Arias de Marc-Antoine Charpentier, Michel Lambert, Jean-Philippe Rameau - Anne Sofie von Otter - Orchestre et choeur des Arts Florissants - Direction William Christie - label Archiv Produktion.

Disque coup de coeur du poisson rêveur. 

Insaisissable et singulier Nicola Matteis

La violoniste Amandine Beyer, à la tête de l'ensemble Gli Incogniti, a eu l'excellente idée d'enregistrer des pièces du compositeur napolitain Nicola Matteis. On sait très peu de choses de ce compositeur, hormis sa réputation d'être un personnage fantasque, assez insaisissable et dont la virtuosité et l'inventivité étaient indéniablement reconnues par ses pairs. A l'écoute de la sélection de quarante pièces opérée par Amandine Beyer et son ensemble, on est tout de suite marqué par la diversité de climats que sa musique peut rendre et la maîtrise formelle des différents styles qui se sont croisés au milieu du XVIème siècle entre les formes françaises, italiennes et anglaises. Sans parler du caractère presque visionnaire de certaines pièces. Entre le le quasi-monteverdien Diverse bizarrerie Sopra la Vecchia Sarabanda ò pur Ciaccona, la Fantasia pour violon seule qui préfigure étonnamment une partita ou sonate de JS Bach, l'Aria malinconica (Adagio) annonçant, avec le style le plus français, un Jean-Philippe Rameau, ou bien la Sarabanda, digne d'une aria d'un opéra de Purcell, ou bien encore les toutes mesures plus que vivaldiennes du Preludio Allegro (Prestissimo), ce compositeur caméléon, absolument visionnaire, incarne une transition singulière entre les mondes de la musique ancienne et du baroque.

Le thème qui préside à cet enregistrement est de toute évidence celui des "fausses consonances" pour reprendre le titre du disque et du livret. Si le monde est supposé être régi par un certain ordre et une harmonie devant s'imposer comme une évidence, pour Nicola Matteis il n'est en absolument pas question. Sa démarche, si l'on peut tenter de l'interpréter, est plutôt guidée par l'invention, l'imprévisible et une imagination continue. En partant d'une trame imposée par la rhétorique de son époque, il part très vite sur les chemins de traverses pour nous emmener avec un charme déroutant dans son monde fantasque et ses "bizarreries" harmoniques et rythmiques. Certes celles-ci restent inscrites dans la cohérence du cadre formel de son époque. Mais dans ces "figures imposées", il démontre un sens de l'invention avec une spontanéité particulièrement rafraichissante.

Sa musique est attachante, sensuelle, avec, pour reprendre les termes mêmes d'Amandine Beyer, quelque chose "d'impalpable" qui fascine. Amandine Beyer traduit avec une finesse certaine, et beaucoup de musicalité, les différentes formes des nombreuses pièces interprétées. Son violon est vif, sans excès de nervosité, avec un subtil une certaine légèreté, une insouciance, un dandisme que l'on pourrait presque qualifier "d"anglo-italien" (!), compte tenu de la personnalité du compositeur. Tout ceci est particulièrement bien vu dans ce registre et ce fameux caractère fantasque,
imprévisible est particulièrement bien rendu.

Amandine Beyer est tombée sous le charme de ce compositeur et c'est plus que palpable sur chacune des pistes de ce disque. Son enthousiasme et son plaisir indéniables à interpréter ces pièces sont plus que communicatifs. A ce tire, ce disque est une belle réussite à saluer. Il nous permet vraiment de découvrir un compositeur atypique et très attachant.

Pour en savoir plus, je vous renvoie à l'excellente interview d'Amandine Beyer que Jean-Christophe Pucek a réalisée sur son blog passée-des-arts.com à propos de ce disque le 27 août dernier.

Sinon, je vous propose dé découvrir la petite vidéo de "teasing" certainement faite par le label et diffusée sur Dailymotion. Le fait qu'Amandine Beyer s'attarde sur la technique d'interprétation supposée de Matteis (tenue plus basse du violon ) prend un caractère finalement anecdotique. Le reste de la vidéo permet tout de même d'écouter des extraits intéressants.

Gli Incogniti

envoyé par vincenthure. - Clip, interview et concert.

Nicola Matteis - False consonances of Melancholy - Ensemble Gli Incognito - direction Amandine Beyer (violoniste) - label Zig Zag Territoires.

Coup de cœur du poisson rêveur.

Série limitée sur l'intégrale des cantates de JS Bach par Maasaki Suzuki

Le label suédois BIS, qui accompagne fidèlement Masaaki Suzuki dans l'intégrale exemplaire qu'il enregistre des cantates de JS Bach, vient de prendre une belle initiative. Il propose une édition spéciale de deux coffrets de 10 CDs chacun, regroupant les 20 premiers enregistrements effectués par le Bach Collegium Japan depuis le lancement de cette belle aventure en 1995.

Masaaki Suzuki s'est fixé une vingtaine d'année pour achever son travail soigné, minutieux, d'un niveau d'excellence constant. Cette intégrale, si elle vient à son terme, sera alors, à mon avis, la plus belle et la plus cohérente jamais réalisée.

Pour les mélomanes qui n'auraient pas constitué ces premières briques de l'intégrale au fil des parutions, ces deux coffrets de 10 CDs chacun représentent l'équivalent du prix d'environ 6 CDs au prix actuel des nouveautés. Point important à noter, parce que particulièrement rare dans ce genre d'opération, chacun des disques est fourni avec son livret complet d'origine. La numérotation des enregistrements suit l'ordre chronologique de composition des cantates.

Je vous invite donc à tenter cette découverte. La clarté de la trame polyphonique, la tension subtile de la ligne et la belle humilité du chef face à ce corpus imposant font de cette intégrale l'une des plus belles aventures musicales et humaines qu'il soit possible de connaître.

Lien direct vers le site Amazon pour plus de détails.

Découverte des villancicos de Joseph Ruiz Samaniego

J'avais déjà évoqué dans la note du 10 avril 2009 les excellentes qualités musicales de l'ensemble espagnol Los Músicos de Su Alteza. Ce dernier vient d'enregistrer sous le label Alpha une sélection de villancicos du compositeur aragonais Joseph Ruiz Samaniego. L'ensemble vocal et orchestral, sous la direction de Luis Antonio González, a pour vocation de nous faire découvrir des compositeurs espagnols du XVIIème siècle dignes d'intérêt alors qu'ils demeurent quasiment inconnus. C'est le cas de Joseph Ruiz Samaniego, compositeur qui officia une bonne partie de sa carrière comme maître à la chapelle musicale de "El Pilar" à Saragosse. Personnage visiblement caractériel qui terrorisait ses élèves, il a continué à enseigner de longues années, ses qualités de compositeur faisant que ses employeurs se résignaient à le conserver. Il a composé pour le Vicaire Général d'Aragon, Don Juan d'Autriche, fils bâtard de Philippe IV. Il disposait alors d'effectifs de musiciens importants et sur une gammes d'instruments étendus. Il bénéficiait des services des meilleurs ensembles instrumentaux espagnols au service de la Cours Royale d'Espagne (les musiciens de Son Altesse : Los Músicos de Su Alteza).

Les villancicos sont des pièces sacrées mais écrites dans un esprit résolument expressif, presque théâtral et prenant leur racine dans des chants profanes d'origine populaire. Ils restituent alors des climats très différents selon la nature du texte accompagnent. Luis Antonio González a effectué avec son ensemble une sélection de huit villancicos, de nature chacune très spécifique. Ils reflètent particulièrement bien le style de la musique espagnole baroque du XVIIème siècle. Outre les particularités du phrasé liées à la langue espagnole, on retrouvera des couleurs spécifiques apportées par les instruments qui typent cette musique (ex : la guitare espagnole) et les caractéristiques formelles de la musique traditionnelle ibérique (par exemple, le rythme propre à la jota aragonaise dans le villancico De esplendor se doran los aires.

J'ai particulièrement noté dans ce disque intéressant et assez réussi, les Sirenas del viento, villancico au climat nocturne et au rythme lancinant, Tierno manjar, pan divino, avec sa forme plaintive mais assez sensuelle, et enfin le singulier Sonoras voces el aire pueblan, qui utilise les astuces très en vogue dans la musique ancienne, théâtrale, comme sacrée (cf. les Vêpres de Monteverdi) de la division spatiale des voix et des reprises de ces dernières en échos.

Cette musique associe profane et sacré avec verve, une volupté certaine et quelquefois un sens du clair obscur assez troublant. Elle a indéniablement des accents capiteux et est assez envoutante.

On saluera enfin, comme souvent chez Alpha, la qualité à la fois de l'enregistrement et du livret d'accompagnement, tout comme une couverture qui propose un cadrage surprenant mais explicite d'un superbe portrait de Velázquez (la Dame à l'Eventail que l'on peut admirer à la Wallace Collection de Londres).

Le Groupe Los Músicos de Su Alteza réalise vraiment un travail intéressant de recherche musicale sur le répertoire baroque espagnol et témoigne de belles qualités musicales, notamment, une finesse et un élégance certaine dans l'interprétation.

Joseph Ruiz Samaniego - La vida es sueño... - Ensemble Los Músicos de Su Alteza- Direction : Luis Antonio González - label Alpha- Disque bénéficiant du soutien de la Fondation Orange.

NB : merci encore à Olivier Tcherniak de m'avoir founi l'occasion de découvrir ce disque.

Vespro della beata Vergine par le Cantus Cölln

Le dernier enregistrement du Cantus Cölln, dirigé par Konrad Junghänel et accompagné par le Concerto Palatino est consacré à un recueil de pièces sacrées de différents compositeurs italiens du XVIIème siècle autour du thème des Vêpres mariales de la Vierge.

Sont abordés dans cet album, en majorité Virgilio Mazzocchi, compositeur majeur à la chapelle pontificale de l'Eglise Saint-Pierre de Rome, Giacomo Carissimi, Girolamo Frescobaldi et le maître incontesté de l'école romaine de musique polyphonique, Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Konrad Jungähnel regroupe des pièces de ces différents compositeurs selon le schéma classique des Vêpres, en ayant extrait de psaumes (Dixit Dominus, le Laudate pueri, le Laetatus sum, le Nisi Dominus, le Lauda Jerusalem, le Salve Regina et le conclusif Magnificat), tous composées par Mazzocchi.

Les pièces principales sont ponctuées par des antiennes qui n'étaient pas à l'origine dans l'ordonnancement des Vêpres mariales.

Les pièces de Mazzocchi révèlent une grandeur et majesté indéniables. Elles atteignent parfois un splendide niveau d'élévation particulièrement bien mis en valeur par le chant d'une justesse remarquable des huit interprètes vocaux du Cantus Kölln.

On notera des similitudes parfois troublantes avec les Vêpres de Monteverdi, notamment dans les toutes premières mesures du Beata Mater.

La plus belle composition est indéniablement le Magnificat d'une ampleur spectaculaire où les trombones et cornets du Concerto Palatino doublent parfois les voix, apportant ainsi des sonorités charnues et d'une belle densité.

Les pièces de Carissimi sont quant à elles plus expressives, avec une certaine théâtralité qui tranche avec la relative austérité des compositions de Mazzocchi. La belle part est attribuée à des accompagnements la viole de gambe et à de superbes passages virtuoses des cornets (ex : l'Exsurge cor meum).

Une canzona a due cori attribuée à Frescobaldi (avec tout de même un petit point d'interrogation) vient s'immiscer avec sa facture plus "primitive" où la forme concertante entre les cordes et les instruments à vents (cornets et trombones) reste très cadrée et ne s'écarte pas du cadre formel d'origine  de la canzona.

L'Ave maria stella de Palestrina est tout simplement sublime. Il est révélé par le Cantus Kölln avec une finesse et un une subtilité remarquables.

Sous la direction raisonnée et pertinente de Konrad Junghänel, ces Vêpres aux racines romaines sont plus placées sous le signe de l'élévation et d'une certaine intériorité presque "luthérienne" plutôt que sous celui d'une interprétation ostentatoire. Ces compositions se révèlent donc à nous avec un certain clair-obscur plutôt que sous une lumière saturée et colorée.

On peut être surpris par cette option sur un répertoire italien. Il faut toutefois se rappeler que l'école romaine n'était justement pas réputée, contrairement à celles de musiciens vénitiens, pour être justement la plus débridée.

A noter enfin l'excellente qualité d'enregistrement, comme souvent chez Harmonia Mundi.

Lien direct vers le site d'Harmonia Mundi pour en savoir plus et écouter de courts extraits.

Vespro della beata Vergine - Cantus Cölln, direction Konrad Junghänel - Concerto Palatino - label Harmonia Mundi.

Lambert de Sayve : une messe wallonne sous influence italienne

L'un des derniers disques du label Ricercar est consacré à une messe écrite par Lambert de Sayve pour le Sacre de l'Empereur Matthias par la Fenice et le Choeur de Chambre de Namur, sous la direction de Jean Tubery.

Lambert de Sayve, natif de Liège, fait partie de ces musiciens franco-flamands du début du XVIIème siècle qui, comme leurs contemporains en Allemagne, ont été fortement influencés par l'écriture sacrée polychorale italienne. Il ne fait donc pas exception à cette recherche de l'expressivité et, surtout, de l'ampleur, de la plénitude et des couleurs sonores. Toutefois, il apporte une touche particulière à savoir une forme inévitable d'intériorisation, de solennité toute maîtrisée.

La messe, ici admirablement restituée par Jean Tubery avec le raffinement et le magnifique sens des nuances qu'on lui connaît, constitue en fait un corpus de sources très diverses.  Les parties traditionnelles de la messe (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) sont issues de la Missa super Dominus Regnavi à seize voix en quatre chœur. Cette configuration confère à la messe une réelle ampleur. Elle tout à fait conforme au rang du mandataire de cette messe, l'archiduc Matthias en Autriche. D'autres parties de cette messe de couronnement proviennent de Symphonies Sacrées écrites par Lambert de Sayve, parmi un corpus de plus d'un quarantaine de motets avec des effectifs vocaux allant de 4 à 16 voix.  Enfin, des pleins chants ponctuent cette messe, issus du Graduale Romanum écrit par Jean Moretus en 1599 (et interprétés pour l'occasion par l'ensemble belge de chant grégorien Psallentes).

L'ensemble paraît tout de même assez homogène alors que son origine est si composite.

Malgré les origines italiennes dans la recherche d'une certaine richesse harmonique et de couleurs que procurent la combinaison des voix avec, notamment les cornets à bouquin (par exemple très représentatives dans l'Alleluia - piste 8), cette messe reste assez austère, d'une posture finalement très hiératique et encore tenue par les origines qu'elle puise à la fois dans les traditionnelles antiennes mais également dans les compositions polyphoniques des grands maîtres franco-flamands comme Roland de Lassus ou Adrian Willaert.

Je tourve donc que, contrairement à Heinrich Schütz qui avait réussi une fusion exemplaire entre l'éclat italien et l'intimité, le recentrage luthérien sur l'homme, Lambert de Sayve, reste finalement assez ancré dans ses racines franco-flamandes, n'exploitant des compositeurs du sud que la plénitude sonore polychorale mais en restant ancré dans une certaine austérité.

Cette messe est tout de même fascinante pas son oscillation permanente entre les racines  "primitives" de l'art polyphonique et la recherche d'expressivité qui sera ensuite sublimée par le baroque.

Lien direct vers la page du label Ricercar consacrée au disque pour plus de détails et écouter un extrait.

Messe pour le Sacre de l'Empereur Matthias  - Lambert de Sayve - La Fenice et le Choeur de Chambre de Namur - Direction de Jean Tubery - Label Ricercar.

Deux messes intéressantes à découvrir

Le disque sorti récemment par Rinaldo Alessandrini avec le Concerto Italiano a l'intérêt d'exhumer deux messes peu connues et dignes d'intérêt : la Missa Romana de Giovanni Battista Pergolesi (ou Jean-Paptiste Pergolèse si vous voulez tout traduire) et la Messa per il santissimo natale d'Alessandro Scarlatti.

La messe de Pergolèse confirme le génie de ce compositeur qui, s'il avait eu la richesse de production et la longévité de Mozart (mourir à trente cinq ans au lieu de vingt six), confirmait qu'il était certainement son rival le plus sérieux. Cette messe flamboyante et majestueuse et prenante de bout en bout. Elle annonce indéniablement les grandes messes mozartiennes et... schubertiennes.

Son caractère visionnaire en est à tel point qu' à l'écoute du Qui tollis peccata mundi d'une tension et d'un pathétique incroyable, on ne peut qu'être interpelé par sa similitude troublante avec le Requiem de Mozart.

Cette messe traduit à merveille les inventions harmoniques et l'élégance des compositions de Pergolese. Tout cela se déploie de façon limpide, comme évidente. Une pure merveille.

La messe d'Alessandro Scarlatti quant à elle reste plus ancrée dans la tradition des œuvres sacrées italiennes des XVIème et XVIIème siècles et notamment Monteverdi auquel on ne peut s'empêcher de penser. C'est particulièrement marquant dans le Gloria qui rappelle les œuvres sacrées de Monteverdi . Comme toujours chez Scarlatti, ce qui reste marquant est la grande ferveur, le côté éclatant et lumineux de sa musique, alors que Pergolese, qui prend la relève à partir du début du XVIIIème siècle, joue plus sur les contrastes. C'est un peu comme si l'on comparait en peinture la tradition des peintres vénitiens et celle des maîtres du clair-obscur, ou, par exemple Giovanni Bellini et le Caravage. Cette messe est en tout cas d'une certaine élégance, notamment le Credo, admirablement écrit.

 L'interprétation de Rinaldo Alessandrini est comme toujours vive, alerte, mais aussi... presque autoritaire. Même si la tension nécessaire de la ligne est bien tenue, je reprocherais seulement à ce grand chef italien de la musique ancienne et baroque une certaine dureté, un côté un peu systématique dans les phrasés ce qui peut conduire aux travers d'une interprétation parfois trop mécanique. C'est très caractéristique dans le final en "bourdon" du Gloria que je trouve trop agressif. Ceci est aussi lié au caractère forcément plus solennel et déclamatoire de la musique italienne alors que, pour ma part, je me sens plus proche de l'intimisme et de l'humilité de la tradition allemande luthérienne qui s'est certes appropriée les couleurs et la vivacité du style italien mais revues avec plus de subtilité et de nuances.

Lien direct vers le site naiveclassique.com  pour plus de détails sur ce disque.

Giovanni Battista Pergolesi : Missa Romana - Alessandro Scarlatti : Messa per il santissimo natale - Concerto Italiano - Direction Rinaldo Alessandrini - label Naïve.

De Profundis(2)

Je vous renvoie également à la note de Jardin Baroque très complète sur ce disque.

De Profundis : les graves sublimées

Le dernier album de Philippe Pierlot et le Ricercar Consort, De Profundis, vient un peu en écho au superbe De Aeternitate, sorti également chez Mirare il y a maintenant près de sept ans. A la voix de contre-ténor, poignante et expressive, de Carlos Mena (cf. note du 9 octobre 2006), se substitue celle de basse, plus austère et retenue de Stephan MacLeod.

Le répertoire reste de la même veine. A savoir une sélection de pièces sacrées de compositeurs allemands du XVIIème siècle qui ont indiscutablement influencé Jean-Sébastien Bach. Au sens de la lumière que Heinrich Schütz a apporté de son expérience italienne, et ce, malgré le contexte ravageur et meurtrier de la guerre de trente ans,  les contemporains choisis opposent vraiment la noirceur et les ténèbres. Le tout est accentué non seulement par le timbre de la voix de basse mais aussi pas un continuo incarné par le son velouté et profond du superbe orgue de Saint-Loup sur Thouet, lieu de l'enregistrement.  Le rôle prépondérant de l'orgue qui donne la respiration de ces œuvres se comprend aussi par le fait que ces compositeurs sont tous de grands organistes.

Je trouve que cet orgue, admirablement interprété par Francis Jacob, joue un rôle en effet clé dans le climat restitué par des œuvres.  Les compositeurs cette fois sélectionnés sont, non seulement le grand Friedrich Buxtehude, mais aussi ses élèves dont le plus doué était Nikolaus Bruhns. Les deux motets de ce dernier (dont le De Profundis qui est à l'origine du titre du disque) et le lamento de Jean-Christoph Bach ("Wie bist du denn o Gott") sont les pièces les plus remarquable de l'album.

Avec une prise de son subtile et d'un réalisme saisissant, les violes de gambes (dont celle de Philippe Pierlot) ainsi que le violon piccolo de François Fernandez, déploient leur grain et leur timbre de toute beauté, avec un tempo qui s'étire pour ajouter à la voix du soliste toute la plasticité qui révèle le mystère des ces œuvres. Stephan MacLeod montre une très bonne tenue de voix et révèle une belle virtuosité lorsque les cordes tentent de le mener dans des dédales périlleux. Il est simplement à regretter le caractère peut-être un peu trop lisse de la voix, avec laquelle on attendait plus de pathos (ce que Carlos Mena réussit à merveille dans un tout autre registre).

Disque à écouter dans la nuit noire de l'hiver avec le plus grand recueillement.

Lien direct vers le site du label mirare pour plus de détails sur le disque et écouter un extrait.

De Profundis - Bach, Bruhns, Buxtehude, Tunder - Cicercar Consort - Direction Philippe Pierlot - Stephan MacLeod, basse - Label Mirare.

L'Ensemble Contraste fait bouger les lignes

L'Ensemble Contraste pourrait émerger comme le nième ensemble de musique de chambre français. Son parti pris fait qu'il se distingue du circuit traditionnel par le fait que ses membres, visiblement tous de formation classique, tentent d'explorer de nouveaux horizons musicaux avec mélange d'audace et d'élégance, matiné de la juste proportion de second degré. En partant d'une facture toute classique, ils expérimentent de nouvelles formes d'expression musicale, visiblement avec beaucoup de pertinence.

Le cas le plus récent, et qui  été judicieusement relayé par des médias comme France Musique (cf. l'émission Magazine du 19 décembre animée par Lionel Esparza et qui avait donné carte blanche à l'ensemble Contraste), est la lecture toute personnelle et assez envoutante que cet ensemble musical nous propose du Tango, sous ses différentes formes (le Tango traditionnel, rythmé, vif, le Tango chanté, la Milonga au tempo étiré, langoureuse et mélancolique).

Un album est à paraître d'ici quelques jours chez Zig Zag Territoires, label toujours aussi brillant pour dénicher les talents émergeants et nous faire explorer avec intelligence de nouveaux horizons.

L'ensemble se produit également en concert au Kiron Espace, du 13 janvier au 7 février.

Ci-dessous, extrait d'une des prises pour le disque et tiré du site dailymotion.

 

Oblivion / Piazzolla
envoyé par vincenthure

Missa votiva de Zelenka : l'énergie positive

La Missa votiva de Jan Dismas Zelenka fait partie de ces petits chef d'œuvre à garder soigneusement dans sa discothèque. La version enregistrée récemment par Vclav Luks, à la tête du Collegium 1704 et paru chez Zig Zag Territoires, est absolument à découvrir.

Ce compositeur bohémien aurait écrit cette messe après avoir guéri d'une grave maladie. On n'en n'est absolument pas surpris tant on devine, par la ferveur et l'énergie que dégage cette messe, l'immense joie d'un homme qui se considère comme un miraculé.

Dès les premières mesures du Kyrie d'introduction, la tonalité est donnée. On est d'emblée pris par une ivresse irrésistible, avec un orchestre chatoyant et d'une vélocité incroyable. Je trouve que ce Kyrie a l'ampleur et la veine d'une introduction d'opéra. Je me la passe en boucle sans m'en lasser !

D'ailleurs cette messe alterne avec bonheur des passages de facture très classique, incarnant une grande dévotion, avec des moment d'envolée lyrique digne de grands airs d'opéra. L'écriture d'une richesse indéniable semble révéler la boulimie d'un homme revenu à la vie.

L'ensemble Collegium et Collegium Vocale 1704 restituent  la ferveur de cette messe avec énergie sans pour autant sacrifier à la lisibilité du texte et à une belle netteté des différents motifs. Cette performance est à souligner compte tenu de la richesse harmonique de cette oeuvre est indéniable.

A l'écoute complète de la messe vous aurez peut-être l'impression d'un patchwork reprenant çà et là des motifs déjà entendus chez nombre de compositeurs fameux du XVIIIème siècle et sans véritable unité. Je trouve cela pour ma part assez attachant car je pense que cela traduit en fai une écriture très spontanée, foisonnante et sans inhibition.

Parmi les autres passages traduisant cette énergie presque électrisante, on notera le Gloria in excelsis deo qui déclame de façon résolue et volontaire la gloire au Seigneur, suivie d'un Qui Tollis, quant à lui solennel, qui n'est pas sans rappeler une certaine réminiscence des vêpres Monteverdiennes ! D'une façon générale, les sept composantes du Gloria de cette messe sont, je trouve, les passages les plus prenants et inspirés de cette messe. Ils représentent une unité parfaite et constituent en quelque sort une messe dans la messe.

Le Credo "parade" encore plus que le Kyrie avec les accentuations des hautbois qui contribuent à créer un climat festif.

Le Sanctus apporte les couleurs d'un requiem, sombre, inquiétant et tout de suite très prenant. On ne peut s'empêcher à penser à celui de Mozart, cinquante ans en avance...

Il n'y a que l'AgnusDei pour, tradition oblige, nous amener à douceur et recueillement, y compris dans la reprise complète du thème du Kyrie d'introduction dans le Dona nobis pacem final. Vaclav Luks, avec finesse, nous restitue ce thème d'introduction en tous points identiques dans une style beaucoup plus coulé, linéaire, supprimant les aspérité, accentuations rythmiques de l'introduction pour rester fidèle à la rercherche de sérénité que doit incarner l'Agnus Dei.

Le choeur et les solistes sont tous très convaincants et constituent un groupe homogène. Ils affrontent de façon exemplaire la partition qui demande beaucoup d'agilité vocale.

Très belle découverte à écouter absolument du label Zig Zag Territoires (enregistrment à partir d'une production du Festival de Sablé).

Détails du disque sur le site de Zig Zag Territoires.

Vous pouvez également en savoir plus sur Quobuz.com.

Lien vers le site youtube pour vous permettre d'apprécier le Kyrie d'introduction.

Jan Disma Zelenka - Missa votiva - Collegium 1704 & Collegium Vocale 1704 - Direction Vaclav Luks - Label Zig Zag Territoires.

Measha Brueggergosman : quel tempérament !

Une très belle révélation que cet album récemment sorti chez Deutsche Grammophon et enregistrée par la soprano canadienne Measha Brueggergosman avec l'Orchestre Symphonique de la BBC, sous la direction de David Robertson et avec le pianiste William Bolcom.

La chanteuse, que je trouve d'ailleurs plus mezzo que soprano, a pris des options assez audacieuses avec un répertoire exigeant (William Bolcom, Arnold Schoenberg, Erik Satie). Le climat général du disque est bien celui du cabaret, y compris chez un Arnold Schoenberg qui avait composé des airs dans un registre tout ce qu'il y a de plus tonal.

Le tempérament de cette jeune chanteuse est vraiment formidable, la plasticité de sa voix extraordinaire avec une tessiture digne des plus grandes chanteuses de Jazz. Elle démontre dans ce disque une vraie musicalité en déployant une voix très timbrée, chaude et expressive.

Je trouve que c'est sur les airs de William Bolcom qu'elle déploie avec vigueur et humour tout son art du phrasé, avec une décontraction, une aisance désarmantes. A noter le très drôle "Toothbrush Time" ou le surprenant et très court "Surprise" qui ouvre l'album et est à l'origine de son titre. Measha Brueggergosman se défend également bien sur une série de chansons de cabarets d'Arnold Schoenberg pourtant assez "mono-typées". Elle est irrésistible sur le second degré légendaire des airs de Satie dont la fameuse valse "Je te veux" (cf. morceau choisi N°11) et je la trouve moins contenue que la grande Jessye Norman sur cette chanson. A noter trois chansons de Satie accompagnées au piano par... William Bolcom.

Sur certains airs, j'aurais aimé un orchestre plus pétillant, moins "passe partout" mais ce disque est tout de même réussi et apporte lumière et énergie toujours bienvenues en période automnale !

Lien direct sur la page de cette artiste sur le site Deutsche Grammophon. On peut notamment y visionner une vidéo sur la production de l'album.

Surprise ! - Airs de William Bolcom, Arnold Schoenberg et Erik Satie - Measha Brueggergosman - Orchestre Symphonique de la BBC - Direction David Robertson - William Bolcom (piano) - Label Deutsche Grammophon.

Codex Caioni : noces tziganes

Jean-Christophe Frisch et son ensemble XVIII-21 continuent leur singulier itinéraire baroque nomade avec cette fois le Codex Caioni. Johannes Caioni est un organiste du XVIIème siècle, originaire de Transylvanie, et officiant dans un monastère franciscain. Son parcours fait partie des destinées particulières de cette époque à la frange de la musique ancienne et du baroque. Compositeur, facteur d'orgue, ce musicien dont les talents sont reconnus en Europe, a construit au fil des ans un Codex, recueil d'œuvres originales mais aussi transcriptions, copies de compositions, dont une partie provenait des musiciens vénitiens, particulièrement influents en Europe centrale.

Comme le souligne Jean-Christophe Frisch dans le livret accompagnant le CD, le manuscrit (d'ailleurs retrouvé par hasard par un maçon en 1988 alors qu'il avait été dissimulé par les moines lors de l'invasion soviétique), est noté en tablatures d'orgues. Les notes sont indiquées sur la portées avec des lettres correspondant aux différentes touches du clavier de l'orgue. Caioni, comme beaucoup d'organistes de son époque, procédait ainsi car, connaissant les œuvres par cœur, il se contentait de cette notation sommaire pour disposer de marques lui permettant de reprendre ses repères harmoniques et rythmiques. La conséquence est une indispensable tentative d'extrapolation, ce d'autant plus que nombre de voix ne sont pas copiées en ligne et qu'en outre, le manuscrit comprend de nombreuses fautes, du fait d'une rédaction rapide.

Jean-Christophe Frisch a également pris le parti, réussi, d 'associer des musiciens du répertoire populaire tzigane à son ensemble.

Ce codex est alors présenté ici comme l'accompagnement musical d'un mariage traditionnel en Transylvanie avec quatre tableaux : le matin au château, à l'église, petit spectacle devant les mariés, banquet.

Alternent des pièces de compositeurs italiens (Carissimi, Praetorius, Ucellini), qui rappellent aussi bien Monteverdi, Gabrielli que certaines consonances "Schütziennes". Le codex permet de découvrir un très beau Salve Regina, semble-t-il de Caioni lui-même. On notera également la Bergamasque étonnante d'Uccellini, dernière piste du CD.

Ces compositions, pour la plupart sacrées, sont ponctuées d'airs traditionnels tziganes et des compositions inclassables.On est tout de suite  capté par le lancinant Lepus intra sata quiescit, symbolique, selon Jean-Christophe Frisch, de la vie trépidante de Caioni, menacé tout à tour par la royauté, l'armée et le clergé, s'identifiant au lièvre (Lepus) traqué lui aussi en permanence par les chasseurs. D'où le choix de la superbe aquarelle de Dürer représentant un lièvre comme couverture du CD.

J'ai noté le magnifique et poétique O quales flores et également, le très oriental Lupul Vaidane eneke.

L'ensemble orchestral composé pour l'occasion est d'une justesse émouvante, tout comme l'excellente soprano Cyrille Gerstenhaber, au timbre limpide et sensuel.

Ce CD tient vraiment une place à part dans la lecture du répertoire baroque et son approche est particulièrement rafraichissante. A recommander quand on désire sortir des sentiers battus.

L'ensemble XVIII-21 interprète ce Codex en concert sous le titre de "Noce Tziganes" le 2 décembre à la salle Gaveau.

Lien direct vers le site Arion Music pour plus de détails.

Lien direct vers classicnews.com ou qobuz.com également pour plus d'informations.

Codex Caioni - Ensemble XVIII-21 - Direction Jean-Christophe Frisch - label Arion Music.

Oeuvres orchestrales de Vincent d'Indy : l'ivresse des grands espaces

Si vous recherchez une musique orchestrale rappelant, avec une petite touche française tout de même, l'univers mystérieux et envoutant que peuvent restituer les grands compositeurs germaniques de la fin du XIXème siècle, ce premier volume consacré aux oeuvres orchestrales de Vincent d'Indy devrait vous combler.

Ce compositeur fait l'objet de nombreux enregistrements récents est on ne peut que s'en réjouir. Il a, semble-t-il, trop longtemps vécu dans l'ombre de Debussy. D'Indy offre une synthèse intéressante entre les grands élans wagnériens ou brucknériens avec les dynamiques saisissantes des grands masses orchestrales et la poésie, l'étrangeté de l'univers debussien, avec ses évocations permanentes aux divers sons de la nature.

Les trois oeuvres admirablement restituées par l'Orchestre Symphonique d'Islande, sous la direction de Rumon Gamba, plongent l'auditeur dans un univers aux couleurs intenses et aux contrastes saisissants.

C'est particulièrement vrai pour la Forêt enchantée et un Jour d'été à la montagne.

L'écriture de Vincent d'Indy, d'une facture finalement assez classique, évoque le monde pictural des pointillistes et des fauvistes. Il va au delà du pur impressionnisme, atteignant parfois une forme de saturation des impressions sonores au même titre que les peintres post-impressionnistes qui parviennent à une saturation des couleurs.

La qualité d'enregistrement de ce disque est également remarquable. J'ai opté pour le téléchargement sur mon Ipod et même les morceaux médiocrement compressés par la plate-forme de téléchargement iTunes me permettent de goûter aux splendides nuances de l'orchestre et à sa belle dynamique. Un exploit !

Disque à emporter avec vous cet été avec un baladeur, au sommet d'une montagne, soit à l'aube, soit au crépuscule. Si possible un lecteur CD et non un baladeur "mp truc" (destructeur de dynamique et aplatisseur de nuances).

Lien direct vers le site Quobuz pour des détails intéressants sur ce disque et la possibilité de le télécharger.

Vincent d'Indy - La Forêt enchantée - Jour d'été à la montagne - Souvenirs - Orchestre Symphonique d'Islande - Direction Rumon Gamba - label Chandos Records.

Sonates pour violon de Tartini : l'alternative italienne

Le label Zig Zag Territoires continue à nous émerveiller et nous faire découvrir des pièces en dehors des sentiers battus avec un soin particulier porté à la qualité de l'interprétation et de l'enregistrement.

C'est le cas du disque consacré aux sonates pour violon de Giuseppe Tartini, interprétées par la violoniste italienne Chiara Banchini. Ces sonates sont ponctuées de quelques "canzonettas", chantées a cappella par la soprano Patricia Bovi et rappelant le chant des gondoliers vénitiens.

Ces sonates pour violon apportent une alternative intéressante aux fameuses sonates et partitas de JS Bach. Elles aussi guidées par la recherche d'une ligne pure et abstraite, elles ne peuvent toutefois dissimuler leurs racines méditerranéennes. Certaines d'entre elles déploient un chant presque charnel, et s'assimilent quasiment à une voix chantante et lumineuse. L'interprétation très dépouillée, sans afféterie de Chiara Banchini y est pour beaucoup. Le son chaleureux de son violon, couplé avec une interprétation très simple, humble, spontanée, rendent ces sonates assez touchantes. De cette interprétation se dégage une poésie certaine. Les chants a cappella contribuent à renforcer cette impression de voyage en dehors du temps.

Disque très intéressant et finalement assez touchant.

Lien direct vers le site Zig Zag Territoires pour plus de précisions.

Sonates pour violon de Tartini - Chiara Banchini  / violon - chants : Patricia Bovi  - label Zig Zag Territoires.

Estampies et danses royales : l'empreinte orientale

L'un des derniers disques de l'ensemble Hespèrion XXI sous la Direction de Jordi Savall, met en évidence la singularité de la musique de la Cour Royale de France, à la frontière des XIIIème et XIVème siècles.

Jordi Savall et ses musiciens ont pris le parti d'alterner des danses, estampies de compositeurs anonymes avec des chansons de compositeurs attitrés du XIIIème siècle (comme Raimbaut de Vaqueiras).

L'intérêt de ce disque réside dans le climat singulier révélé par l'interprétation de ces oeuvres. On y ressent très nettement une influence orientale, tout au long des différentes pièces. Plus qu'une touche médiévale, ce sont des couleurs méditerranéennes et mosarabes qui ressortent, avec des instruments dont les timbres sont typiques (ex : le psalterium ou psalterion) et, surtout, une rythmique renforcée par des percussions contribuant fortement à "l'exotisme" de ce répertoire.

Jordi Savall souligne que l'interprétation exacte de ces estampies et danses royales se transmettait par tradition orale et que le peu d'indications manuscrites qui sont parvenues jusqu'à reposent sur un système de notation musicale très sommaire. Jordi Savall et ses musiciens ont donc pris un certain nombre d'options (instrumentation, phrasés, tempos, structures rythmiques) qui sont forcément subjectives et nul de peut juger leur conformité avec les interprétations de l'époque.

La singularité de ces pièces réside également dans la sonorité, les timbres très typés de certains instruments propres à la période médiévale. La sonorité dominante est portée par les les vièles à cordes, les vielles à roue, les rebabs ou les chalemies.

Des 15 estampies et danses interprétées, je trouve que la 2ème Danse (plage 10) est la plus fascinante. Introduite par une ceterina d'amore, elle est vite ponctuée par la percussion pour introduire très vite un psalterium et un dulcimer qui font écho note par note à la ceterina. Cette musique vraiment envoutante s'inscrit complètement dans la tradition des musiques à structure circulaire, où l'on imagine des danseurs tournant sur eux-mêmes de façon enivrante tels des derviches tourneurs.

A découvrir pour explorer un monde musical à la fois familier et lointain.

Plus de détails sur le site classicnews.com et sur le site du label AliaVox.

Estampies et danses royales -  Hespèrion XXI - Direction : Jordi Savall - label AliaVox.

Renaissance de l'Oiseau Lyre

Decca a eu l'excellente idée de rééditer quelques titres du prestigieux label L'Oiseau Lyre qui a initié un mouvement sur la musique ancienne et baroque outre-Manche avec des enregistrements demeurés légendaires.

Ce label a notamment produit les enregistrements de Christopher Hogwood avec the Academy of ancient Music.

Des différents titres réédités (cf. site du label DECCA), j'ai retenu l'intéressant CD consacré aux airs virtuoses de la musique italienne enregistré par Philip Pickett à la tête du New London Consort et accompagné de la soprano Catherine Bott.

Ces deux interprètes ont défriché ce terrain (à l'époque quasiment vierge) en 1988, soit plus de vingt ans avant les titres les plus florissants sur ce répertoire, des compositions de musique ancienne et baroque italiennes des XVIème et XVIIème siècles.

Catherine Bott, avec une voix d'une agilité exceptionnelle mais sans excès d'expression, avec une justesse quasi-instrumentale déjoue vocalises et méllismes de ces airs, dont certains rappellent les compositions réalisées pour les fameuses dames de Ferrare (cf. note du 7 avril 2008).

Sur les différentes compositions interprétées, j'ai surtout été marqué par le sublime O primavera de Luzzasco Luzzaschi  (compositeur émérite de la cour de Ferrare), Indarno Febo de Francesco Rasi, O che nuovo stupor de Francesca Caccini, où la mélancolie de la voix rivalise avec la flûte qui double le thème principal et O dulcissima dilecta mea de Stefano Bernardi.

Disque à découvrir avec l'ensemble des rééditions de ce beau label.

NB : les mêmes inteprètes avaient enregistré un superbe Pilgrimate to Santiago également disponible sous le même label.

Lien direct vers le site du label avec la liste des différentes rééditions depuis septembre 2007.

Virtuoso Italian Vocxal Music - Catherine Bott (soprano) - New London Consort - Direction Philip Pickett - Label L'Oiseau Lyre.

Ave Regina Colerum de Guillaume Dufay

Le troisième volume que l'ensemble Cantica Symphonia consacre à Guillaume Dufay, complète l'ensemble de motets déjà enregistrés dans le volumes précédents (cf. note du 18 juin 2007 sur le volume II). Giuseppe Maletto, avec son ensemble vocal et instrumental, résussit à nouveau à nous faire pénétrer de façon exemplaire l'univers fascinant du maître français de la polyphonie.

Je reconnais volontiers le travail d'une précision exceptionnelle réalisé par cet ensemble. Mon tout petit reproche reste le fait que je m'attende sur ce type de répertoire à une approche plus intériorisée, presque plus spirituelle. Les qualités vocales du Cantica Symphonia sont indéniables. Comme le dite justement Gisueppe Maletto dans un intéressante interview du Diapason de mai réalisée par David Fiala (pages 16 et 17), cet ensemble a au moins le mérite d'apporter une expressivité toute méridionale qui vient bien contrebalancer l'austérité à laquelle les ensembles anglo-saxons nous ont habitués sur ce répertoire. J'attendrais toutefois plus de plasticité, moins de dureté dans les timbres, comme dans la ligne mélodique. Il y a comme quelque chose d'acidulé dans la couleur vocale et instrumentale de cet ensemble qui tent un peu à m'irriter sur la durée...

Ce dernier volume est surtout à retenir pour une restitution impressionnante de l'un des motets les plus puissants de Guillaume Dufay : Ave Regina Colerum, et, surtout, le dernier, Ave Regina Celorum / Miserere Tui Labentis complètement a cappella et sur lequel l'ensemble Cantica Symphonie imprime une tension extrême. Prodigieux.

Les autres motets passent par une multitude de climats sonores, avec quelques audaces harmoniques comme celles du motet O proles Yspanie.

L'Ave Virgo, Que De Celis est très révélateur des mystères de cette musique, à la frontière du Médiéval et de la Renaissance.

Comme toujours chez Glossa, la qualité d'enregistrement est impeccable. L'espace sonore est ample sans excès de réverbération.

"Supremum est mortabilus bonum" - Intégrale des motets de Guillaume Dufay - Cantica Symphonia - Direction Giuseppe Maletto - Label Glossa.

Bizet par Minkowski

Après s'être lancé avec succès dans Jacques Offenbach (cf. note du 18 janvier 2007), Marc Minkowski tente de rafraîchir nos oreilles à l'écoute de deux fameuses séries de pièces pour orchestre de Georges Bizet : Le Prélude et les entractes de Carmen et, surtout, les suites pour orchestre de l'Arlésienne.

On savoure alors avec bonheur la vivacité et la précision des Musiciens du Louvre sous la baguette acérée du chef français. Marc Minkowski nous dépoussière quelque peu ces pièces écoutées des centaines de fois (dont la 1ère suite pour orchestre de l'Arlésienne). Après les travers un peu ampoulés des "orchestres modernes" du siècle dernier, Marc Minkowski ouvre la voie à une lecture nerveuse, avec des motifs sonores bien détourés, une bonne tension de la ligne qui donne enfin de la tenue et et du relief à ces oeuvres. Il nous démontre, comme pour Offenbach, que cette musique, d'une facture très classique nécessite une réelle rigueur d'interprétation pour révéler tous ses attraits. C'était en effet une erreur fondamentale de considérer que ce répertoire français de la fin du XIXème siècle, jugé "mineur" pouvait se contenter de lectures et interprétations approximatives.

Des grands "baroqueux" comme John Eliot Gardiner l'ont bien compris, ce dernier, par exemple, prenant un réel plaisir à nous faire redécouvrir toute la saveur et la densité de ce répertoire à l'Opéra Comique (exemple récent avec l'Etoile d'Emmanuel Chabrier).

Les habitués et admirateurs de Marc Minkowski (dont je fais partie) pourront globalement juger que cet album manque un tout petit peu d'engagement et d'épaisseur sur la durée (l'Arlésienne n'est pas tout à fait égale, la 1ère suite est très convaincante, la 2ème moins habitée, son caractère pastoral semblant avoir un tout petit peu piégé le chef dans le registre de "l'anecdotique").

Toutefois, avec un soleil printanier qui tarde à se montrer, ce disque apporte de beaux rayons de soleil et un entrain formidable.

A noter également la belle entreprise avec le label naïve, d'avoir accompagné cet enregistrement d'un luxueux livret en couleur avec de superbes reproductions d'oeuvres de peintres impressionnistes ou modernes qui ont séjourné à Arles (dont le magnifique Tilleul de Joan Mitchell, que je ne connaissais pas) ainsi que de textes pertinents.

Georges Bizet - Carmen - L'Arlésienne - Les Musiciens du Louvre - Grenoble - Direction Marc Minkowski - Label naïve.

Vidéo tirée du site dailymotion.

Marc Minkowski, Les Musiciens du Louvre-Grenoble | Bizet CD
Vidéo envoyée par naiveclassique

Le concert secret des Dames de Ferrare

Ce ne sont pas des italiens comme Alessandrini ou la Venexiana qui nous révèlent une partie du secret associé aux fameuses Dames du Duché de Ferrare mais un français qui n'est autre que Denis Raisin Dadre avec son ensemble Doulce Mémoire. Avec la participation heureuse de trois sopranos de talent (Pascale Boquet, Axelle Bernage et Christel Boiron), il a tenté cette expérience périlleuse de nous faire découvrir l'univers sonore et poétique de trois femmes exceptionnelles qui ont marqué la Cour de Ferrare et une bonne partie de l'Italie de la Renaissance pendant de nombreuses années au XVIème siècle.

Ces trois femmes (Anna, Laura et Livia), "enfermées" à la Cour de Ferrare se produisaient lors de concerts privés donnés à l'attention du Duc Alfonso de Ferrare et d'un cercle de privilégiés triés sur le volet.

Le disque se concentre sur deux compositeurs qui ont dédié leur écriture à l'agilité vocale et la virtuosité légendaire de ce trio féminin : Luzzascho Luzzaschi et Ludivico Agostini. Leur style initie déjà la seconde pratique madrigale et ils ont visiblement compté parmi les compositeurs les plus marquants ayant contribué aux quelques centaines de madrigaux (et oui !) que les Dames de Ferrare auraient interprétés.

L'écriture était très centrée sur des effets que les sopranos à la voix cristaline devaient restituer avec, semble-t-il, une technique époustouflante. Notamment, le style "cantar di gorgia" où, pour reprendre le texte du livret écrit par Denis Raisin Dadre "chaque note est articulée, très suavement, de façon à donner une articulation legato qui, disait-on, rappelait le murmure des eaux et le bruissement du vent dans les feuilles".

De Giaches de Wert (cf. note du 30 janvier 2007) à Gesualdo, quelques maîtres de l'écriture madrigale ont semble-t-il eu le privilège d'écouter ce trio d'exception et en ont été profondément marqués, jusque dans leurs options esthétiques.

Ces trois femmes, idéalisées par l'histoire du chant, incarnent, ne serait-ce que par les pièces interprétées dans ce disque, un mélange indéniable de sensualité et de mystère.

J'ai particulièrement été marqué par les pièces suivantes : "Io mi son giovinetta" (track 4), "T'amo mia vita" (track 10) et "Deh vieni hormai" (track 24) de Luzzaschi et "Quel canto oime" (track 13) d'Agostini.

Le chant le plus beau et le plus "monteverdien" est indéniablement le sublime "O dolcezze amarissime" d'Agostini (track 16).

L'ensemble est d'un très bon niveau. La ligne tenue par l'ensemble vocal est un peu moins claire et un peu plus sèche que ne l'aurait restituée la Venexiana. Toutefois, tout le mystère de cette belle Renaissance et la poésie du chant madrigal sont bien présents.

Ce disque, sorti il y a déjà plusieurs mois, est quasiment passé inaperçu et c'est dommage.

Encore une belle initiative du label Zig Zag Territoires à découvrir. Un beau disque de plus à écouter lors d'une belle nuit d'été étoilée.

Lien direct vers la page du site du label Zig Zag Territoire dédiée au disque avec possibilité d'écouter des extraits.

Luzzaschi - Agostini - Le Concert Secret des Dames de Ferrare - Ensemble Doulce Mémoire - Direction Denis Raisin Dadre - Label Zig Zag Territoires.

La petite révolution madrigale du Vème Livre de Monteverdi

Je n'avais pas encore eu l'occasion d'évoquer dans une note toute l'admiration que je porte au travail minutieux et pertinent de La Venexiana sur les madrigaux de Monteverdi.

L'ensemble vocal italien continue se patiente constitution d'une intégrale de ces chefs d'oeuvre du maître de Mantoue. La récente sortie de l'enregistrement du Vème Livre mérite que l'on s'y attarde tout particulièrement. D'abord parce que dans le corpus complet des madrigaux de Monteverdi, ce Vème Livre tient une place charnière. Il initie en effet la seconde pratique, à savoir une suggestion encore plus évidente des affects et de ce qui constituera les bases de l'art lyrique moderne. Ensuite, parce que l'ensemble La Venexiana confirme sa finesse d'interprétation, la plasticité extraordinaire de son chant, et surtout une unité presque parfaite. Ils privilégient la pureté de la ligne et ce parti pris est tout à fait défendable.

Si on a été habitué au style plus impétueux et théâtral imprimé dix ans plus tôt par Rinaldo Alessandrini avec son ensemble Concerto Italiano, on est surpris par la retenue apparente de La Venexiana (dont les piliers sont justement des anciens du... Concerto Italiano).

Pour ma part, j'adhère plus au projet de La Venexiana, tout au moins pour les Madrigaux jusqu'au VIIème Livre. Leur approche apparaît malheureusement comme trop distanciée et froide sur les madrigaux d'amour et de guerre (VIIIème Livre) qui ont, quant à eux, presque totalement basculé dans le monde théâtrale. Je préfère la version de Jordi Savall ou de Gabriel Garrido.

Pour revenir au Vème Livre, on notera la beauté des timbres et la finesse de rendu des nuances harmoniques sur des chefs d'oeuvres comme le Cruda Amarilla d'introduction, Era l'anima mia ou le fascinant M'è più dolce il penar per Amailli.

Enfin, sur la plus célèbre pièce, avec accompagnement instrumental et basse continue (c'est bien Monteverdi qui a initié l'orchestration sur les madrigaux), à savoir le fameux Questi vaghi concenti, l'équilibre entre ensemble vocal et accompagnement instrumental est parfait et d'un raffinement rare.

A souligner également la qualité d'enregistrement du label Glossa et la présentation soignée du livret (comme cet éditeur sait toujours bien le faire).

Monteverdi - Quinto Libro dei Madrigali - 1605 - Ensemble La Venexiana - label Glossa.

"So what ?" : un portrait de Friedrich Gulda

Deutsche Grammophon a sorti il y a quelque mois un excellent DVD qui brosse le portrait de Friedrich Gulda sous le titre principal de "So what".

Le titre fait référence à une interview de ce pianiste atypique, présentée dans le DVD, où ce dernier dit, dans l'autrichien le plus direct : d'aucuns qui ne veulent mettre des musiciens que dans des cases ne supportent pas que l'on ne puisse pas ne cataloguer uniquement dans la catégorie des musiciens classiques, ce à quoi je réponds "so what ?"

Friedrich Gulda était un musicien accompli, d'un talent hors du commun et qui a simplement refusé de rester cantonné au répertoire classique. Il était fasciné par le jazz et avoue avoir passé de nombreuses années à tenter de se hisser à un bon niveau sur ce répertoire. C'était un esprit ouvert, volontiers provocateur et iconoclaste qui a apporté une vraie fraîcheur dans le monde austère et codé du répertoire classique. Il était avide de découvrir sans cesse de nouveaux univers musicaux.

Je lui voue une profonde admiration car, sous une apparence fantasque et sous couvert d'une sorte de clownerie permanente, se cachait un homme d'une musicalité hors du commun.

Ne serait-ce que ce magnifique récital qu'il a donné en 1993 à Montpellier (cf. note du 19 septembre 2006 sur un double CD à se procurer absolument) montre à quel point il était un musicien exceptionnel.

Le DVD comprend ce reportage instructif "So what" de 2002 qui commence par cette anecdote ahurissante sur le communiqué que Gulda lance dans toutes les TV et radios d'Autriche annonçant... sa mort. Il regroupe également une série de concerts live. A noter une superbe interprétation de "der Wanderer" de Schubert et une très émouvante transcription de l'air de Sarastro pour piano, tiré de la Flûte Enchantée de Mozart.

Mozart, justement, je pense que Friedrich Gulda a été l'un de ses plus nobles et brillants serviteurs. Notre pianiste iconoclaste disait de son compatriote qu'il était, avec Jésus, l'un des plus grands bienfaiteurs de l'humanité (à méditer).

Ci-dessous, interprétation du 2ème mouvement du concerto en ré mineur K 466 pour piano de Mozart (le N°20) par Gulda, avec l'Orchestre Philharmonique de Munich (film tiré du site dailymotion). On pourrait croire que le pianiste fait un peu le singe en dirigeant l'orchestre. Je crois qu'il est simplement sincère et emporté par la grâce du génie salzbourgeois. Vive Mozart et vive Gulda !

Gulda - Mozart : Cto piano n°20 - 2/3
Vidéo envoyée par kst75m

Diana Damrau : sacré tempérament

Tout comme le Jardin Baroque, je ne raffole pas de ces disques "récitals" que sortent actuellement les chanteurs lyriques à grand renfort de Marketing.

D'une façon générale, l'interprète en question aligne des arias qui n'ont d'autre vocation que d'éblouir le public à coup de vocalises, de façon souvent impersonnelle, sans forcément de ligne directrice. En outre, bon nombre de ces récitals en studio souffrent d'un manque flagrant de cohérence et de complicité entre le ou la soliste et l'orchestre.

Il y a toutefois quelques exceptions comme Cecilia Bartoli, pour laquelle ce type de disque résulte d'un vrai travail musical, d'une véritable démarche esthétique (cf . exemple le plus récent sur Maria Malibran).

Je viens de trouver une autre exception avec l'enregistrement éblouissant fait par la chanteuse allemande Diana Damrau avec Le Cercle de l'Harmonie sous la Direction de Jérémie Rhorer.

Cette soprano, véritable bête de scène, a un sacré tempérament. Je trouve que  c'est l'une des rares sopranos actuelles associant une agilité impressionnante de la voix avec une véritable incarnation de ses personnages, un engagement que l'on sent total.

Dans ce disque, elle réussit au moins deux exploits indéniables : rendre les arias de Salieri vivants et pétillants mais, surtout, incarner une des Reines de la Nuit de la Flûte enchantée de Mozart, les plus effrayantes qui soient. Elle aligne les deux fameux airs  ("O zittre nicht" et "Der Hölle Rache") avec une forme d'insolence. C'est la chanteuse qui m'a semblé la plus décomplexée par rapport à la monumentalité de ce rôle. Elle s'affranchit avec brio des obstacles techniques célèbres de ces airs et surtout, avec un phrasé extraordinaire, marque les accents de haines avec les bonnes intontations sur un texte germanique, qu'elle maîtrise nativement. Tout ceci donne enfin vie à cette femme diabolique. Enfin une Reine de la Nuit faite de chaire et de sang ! C'est prodigieux.

La voix est limpide, d'une agilité indéniable. Elle est capable de rendre de belles nuances. On peut ne pas forcément aimer un léger vibrato mais le timbre est suffisamment charnu pour que l'on tombe sous le charme.

A noter, une perle rare de ce disque à savoir l'aria "Ombra dolonte", tiré de l'opéra Il natale d'Apollo, de Vincenzo Righini. Avec une sensualité indéniable, la soprano chante en duo avec un hautbois qui apporte une touche de mélancolie certaine à ce superbe air qui s'égare dans les méandres des tonalités en mineur.

La réussite de ce disque est aussi largement attribuable au jeune et fougueux chef d'orchestre Jérémie Roher. Sa direction énergique et nerveuse n'est aucunement synonyme de raideur et confirme une maturité exceptionnelle. Je l'avais découvert au Festival de Beaune en 2006 (cf. note du 31 août 2006), où il avait donné un Idoménéé "démoniaque". C'est un vrai chef mozartien qui regroupe tous les ingrédients que l'on peut rechercher pour servir le génie salzbourgeois : fraîcheur, vivacité, sonorités riches mais aériennes, aucune dureté mais bien quelque chose de pétillant.

La complicité entre la chanteuse et le chef semble bien réelle. Ils sont tout à fait sur la même longueur d'onde.

Beau disque pour faire le plein d'énergie avant la fin de cet hiver.

Diana Damrau - Arie de Bravura - Mozart, Salieri, Righini - Le Cercle Harmonique - Direction Jérémie Rhorer - label Virgin Classics.

Svetlanov révèle Glazounov

Dans l'intégrale impressionnante des oeuvres interprétées par le grand chef russe Evgeny Svetlanov, l'un des tous derniers volumes parus (N°31) et dédié à Alexandre Glazounov, est particulièrement intéressant (Warner Music).

Avec cette "Edition officielle" Svetlanov, Nina Svetlanova nous fait bénéficier de l'héritage d'un des plus grands chefs russes avec l'Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie. Ces disques fournissent une véritable anthologie de la musique russe à la charnière des XIXème et XXème siècles.

Ce volume 31 nous permet de découvrir un des maîtres du style post-romantique russe avec sa 1ère symphonie en ré majeur opus 5 et une série de trois tableaux symphoniques dédiés au Kremlin (opus 30).

Svetlanov nous délivre une version lumineuse et aérienne de la 1ère symphonie. On ressent une incroyable sensation d'immensité à l'écoute de cette oeuvre. Je la qualifierais volontiers de musique des grands espaces. On retrouve bien-sûr une certaine forme de lyrisme transcrite de façon fine et équilibrée par un Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie aux sonorités rondes et fluides. Au même titre qu'à lécoute d'un Sibelius on imagine aisément les forêts finlandaises qui se déploient à l'infini, chez Glazounov, on ressent le même souffle, une forme de déploiement de grands espaces sauvages et magnifiques, où le se met à rêver d'une nature encore vierge et intacte.

Les tableaux symphoniques nous font quant à eux bien revenir dans le monde des humains. A noter le second tableau ("At the Monestary"), un Andante qui évoque de façon saisissante l'atmosphère de recueillement d'un monastère orthodoxe.

Espérons que le prochain opus de l'intégrale Svetlanov continue avec les autres symphonies de Glazounov.

Rappel du contenu des CD N°1 à 25 avec le lien direct sur le site svetlano-evgeny.com et la possibilité d'écouter des extraits (dommage que le site ne soit pas vraiment à jour...).

Edition Officielle Evgeny Svetlanov - Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie - N°31 - Alexandre glazounov - 1ère Symphonie - Kremlin : tableaux symphoniques opus 30 - Warner Music.

Les cinq glorieuses

Je ne résiste pas au plaisir de vous proposer de partager mon émotion sur l'un de mes cadeaux de Noël musicaux : le coffret de DVDs consacré aux cinq premières années de Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre de Lucerne.

En co-production avec Arte, l'éditeur EuroArts a eu la belle idée de proposer une sélection de concerts parmi les plus marquants que le chef italien ait enregistré depuis qu'il dirige l'Orchestre de Lucerne (sur les cinq premières années tout au moins).

Claudio Abbado a hissé cet ensemble orchestral à un niveau exceptionnel et parmi ces cinq DVDs, figurent non seulement la sublime version de la Mer de Debussy (cf. note du 2 octobre 2006), mais également les 5ème et 6ème symphonies de Mahler, la 7ème de Bruckner et rien moins que le 3ème concerto pour piano de Beethoven avec Alfred Brendel comme le 4ème avec Maurizio Pollini.

Ce coffret permet de découvrir comment Claudio Abbado, après avoir surmonté l'épreuve de la maladie,  s'est emparé de ces oeuvres en y apportant un souffle apollinien. Sous sa baguette, les symphonies de Mahler s'inscrivent sous le signe de la lumière et le chef fait ressortir des sonorités d'une beauté saisissante.

A se procurer d'urgence !

Lien direct vers le site EuroArts pour plus de détails.

Lien direct vers la bande annonce ("trailer") du DVD tiré également du site.

Liturgies du codex Faenza 117 : à la fois familier et étrange

Faventina, le dernier album de l'ensemble Mala Punica, sous la direction du flûtiste Pedro Memelsdorff, regroupe une série de pièces de musique liturgique tirées du Codex de Faenza et dont les manuscrits ont été miraculeusement préservés à La Bibliothèque Communale Manfrediana de Faenza.

Il s'agit de diminutions musicales, ou, pour reprendre le terme de Pedro Memelsdorff, de gloses musicales. Le principe est de partir de mélodies simples et de les compléter par une série de variations qui, comme les décorations en bordure de page ou sur le cadre d'un tableau, viennent apporter des ornementations permettant de compléter, révéler, voire contredire la ligne mélodique principale.

Je propose de vous renvoyer vers l'excellente note du blog le Jardin Baroque sur le contexte historique et musical de ces pièces et sur une analyse très complète.

Ici, tout l'enjeu est de se risquer à interpréter, au sens littéral du terme, une musique, à la frontière des XIVème et XVème siècle, transcrite essentiellement via des tablatures et où s'est produite une rupture complète dans la transmission orale des règles d'instrumentation et d'interprétation.

Faute de références, je recommande alors de prendre ces pièces telles qu'elles se présentent à nous avec le parti pris esthétique de l'ensemble Mala Punica.

Ce que l'on écoute alors est un mélange singulier de familiarité (principalement liée à la trame mélodique principale soutenue par le plein chant qui nous renvoie au chant grégorien) et d'étrangeté, de singularité (associées quant à elles aux ornementations presque hypnotiques, soit au clavicymbalum, soit à l'orgue ou aux deux).

Cette musique, à l'origine sacrée, révèle une empreinte particulièrement profane, voire une sensualité étonnante (ex : l'Alleluja Ego sum pastor bonus de l'Ordinarium missae- piste 5 : où s'entrelacent les voix masculines et féminines dans un élan majestueux).

L'interprétation inspirée et engagée de Mala Punica nous révèle tout le mystère de ces pièces inclassables dans notre référentiel musical. On se trouve plongé dans un monde extraordinaire et qui nous pousse à penser que la musique médiévale tardive était certainement d'une bien plus grande richesse harmonique que l'on pouvait l'imaginer.

Parmi les pièces les plus représentatives de ce mystère, dans le registre de cet appel nocturne et séculaire des voix profondes et étranges, j'ai noté particulièrement le Kyrie Orbis factor de l'Ordinarium missae, où des voix féminines, lointaines, murmurées, agissent comme des vagues sombres, sous la pluie fine des ornementations du clavicymbalium. Il y même quelque chose d'intemporel dans cette musique.

L'introduction du Per verità portare (Cantasi come) avec la voix de la soprano doublée par la flûte virtuose de Pedro Memelsdorff, reproduisant presque le même timbre, est fascinante. Viennent ensuite, comme par un effet de tuilage, une deuxième voix de soprano et un contre-ténor.

L' Ad vespras s'avère quant à lui d'emblée fervent et déclamatif. C'est encore une autre atmosphère qui nous est suggérée, plus intense encore et où les ornementations jouent un rôle presque obsessionnel, nnivrant, les voix à l'unisson se révélant par vagues successives.

Cet album ne mérite absolument pas une écoute distraite car il peut alors s'avérer irritant du fait des ornementations permanentes découlant de cet exercice de réduction. Il demande de la disponibilité, un esprit prêt à s'imprégner de cette part de mystère qui ne se révèle qu'au prix d'un minimum d'effort. Ce disque que certains jugeront peut-être trop ésotérique résulte en tout cas d'un exercice esthétique formidable et complètement défendable.

Indéniablement à découvrir.

Détail du disque sur le site du label Naïve avec la possibilité d'écouter des extraits.

Faventina - Musique liturgique du Codex Faenza 117 - Ensemble Mala Punica - Direction Pedro Memelsdorff - Label Ambroisie - Distribution Naïve.