Le poisson rêveur

Divine Theatre : la musique sacrée de Giaches de Wert

On connaît le plus italien des compositeurs flamands pour ses superbes madrigaux (cf. post du 30 janvier 2007 sur l'enregistrement de la Jérusalem Libérée par l'ensemble la Venexiana), mais beaucoup moins pour son corpus de motets.

Le disque récemment enregistré par l'ensemble vocal anglais Stile Antico (label Harmonia Mundi) nous permet de découvrir l'écriture de Giaches de Wert pour la musique sacrée. Sa polyphonie est d'une élégance rare, assez épurée, aérienne avec une belle structure souvent soutenue par les voix de sopranos.

L'ensemble Stile Antico, pour lequel j'avais plusieurs fois émis quelques réserves du fait de sa relative froideur (cf. le post du 10 décembre 2010 sur la Missa puer natus est de Thomas Tallis)  (décidément dans la tradition des interprétations de la musique polyphonique outre Manche), ne déroge pas à cette impression avec ce dernier enregistrement. C'est très net, propre, irréprochable techniquement mais dans un contrôle permanent qui fait qu'il manque tout de même ce "supplément d'âme" que l'on attendrait, surtout lorsqu'il s'agit d'un compositeur qui a vécu à Mantoue, sous l'influence de la lumière et des couleurs italiennes, même si je ne nie pas le travail très sérieux et d'une belle constance de cet ensemble sur les différents corpus de la musique polyphonique et qui en fait, de facto, un des ensembles de référence. A noter tout de même que, sur certains motets, Stile Antico réussit indéniablement à établir une certaine tension de la ligne tout à fait réussie (cf. cas du Peccavi super numerus sur les voix en accords). 

Parmi les plus belles pièces de la sélection faite par l'ensemble Stile Antico, on notera le superbe motet Amen, amen dico vobis, où le tuilage des voix révèle une écriture plus audacieuse que les autres pièces composées par le compositeur flamand. 

Le Vox in Rama audita quant à lui, est certainement le motet dont l'écriture est la plus audacieuse, instaurant, avec l'introduction par les basses, un climat surnaturel, relayé directement par des sopranos aériennes, dont la clarté des voix nous emporte. Il est de forme pratiquement madrigale, avec, à partir du minutage 1'30", des frottements harmoniques, des dissonances dignes de Gesualdo ou Rossi.

A noter également le final du Egressus Jesus, avec la superbe envolée des sopranos.

Même si je ne suis pas toujours emporté par les interprétations de l'ensemble Stile Antico, du fait d'un certain manque de chaleur (décidément, je n'arrive pas à m'affranchir de la densité et des couleurs des interprétations de Paul Ven Nevel avec l'ensemble Huelgas) , je recommande tout de même cet enregistrement, de très belle facture, cohérent, et qui permet d'explorer cette jonction qui peut être opérée entre les motets polyphoniques, dans la lignée des compositeurs franco-flamands, avec le style madrigal italien.

Plus de détails sur le site Harmonia Mundi.

Coup de coeur du poisson rêveur

Divine Theatre - Motets de Giaches de Wert - Ensemble Stile Antico - Label Harmonia Mundi. 

10 ans 10 disques

Le blog le poisson rêveur fête ses dix ans en 2016. A deux jours de la fin de cette année, je vous propose de compléter la liste de sélection des enregistrements qui m'ont le plus marqué, en n'en retenant qu'un par an. La liste complète établie chaque année figure dans les albums de la colonne de droite du blog (LES DISQUES COUPS DE COEUR de 2006, 2007, 2008, 2009, 2010, 2011, 2012, 2013, 2014, 2015, 2016).

Pour rappel, la sélection des 7 enregistrements proposés pour les 7 ans du poisson rêveur étaient le suivant :

L'ordre proposé était celui de la chronologie de mes coups de cœur, de 2006 à 2013.

Deux critères principaux ont présidé à ce choix : le choc à la première écoute (conduisant souvent au plaisir de la réécoute) et des genres musicaux assez différents afin de constituer une sélection relativement large.

   

    

  

J'ajouterai les 3 disques suivants, tirés des coups de coeur 2014, 2015, 2016 :

 

Joyeux Noël énergique avec le Cantor !

Rien de tel que les grands classiques (Oratorios de Noël de JS Bach) mais avec les couleurs et la verve que JE Gardiner peut leur donner, avec l'une des toutes meilleures formations chorales depuis plus de trente ans (le Monteverdi Choir).

On peut écouter ces oratorios à l'infini.

Recueil inédit de "duetti da camera"

Le label Aracana (Outhere Music) propose une série de duos de voix féminines de compositeurs vénitiens de l'âge d'or des "duetti da camera", principalement au milieu du 17ème siècle, pièces intimistes mais qui conservent tout de même une belle part de théâtralité. Ils s'agit pour la plupart d'enregistrements inédits de pièces de compositeurs comme Agostino Steffani, Antonio Lotti, Francesco Lucio ou Giovanni Bononcini.

Il s'agit d'une sélection de pièces interprétées par sept chanteuses autour de Sara Mingardo, accompagnées par l'ensemble instrumental Cenacolo Musicale.

L'écriture de ces pièces faisait l'objet d'une étroite collaboration entre les auteurs des textes et les compositeurs. Les poètes travaillaient le texte en anticipant sur l'articulation possible de la musique afin de maîtriser les impératifs de la prosodie. 

Au centre du dispositif pour ce disque, on retrouvera donc la magnifique voix de Sara Mingardo, accompagnée, selon les arias, de différentes chanteuses talentueuses, dont le timbre s'associe admirablement avec celui de l'alto vénitienne. Il est à noter que la plupart de ces pièces étaient composées, selon le même principe que la cantate avec continuo, pour deux voix égales (dans le cas présent, pas tout à fait égale car il y a au moins une note d'écart entre Sarah Mingardo et Francesca Biliotti par exemple).

On obtient alors des duos magnifiques comme le Crudeltà rimproverata.

D'autres duos sont pour sopranos ou mezzosopranos, avec une distribution de jeune interprètes, toutes talentueuses : Lucia Napoli (mezzosoprano), Silvia Frigato (soprano), Lea Desandre (mezzosoprano), Giorgia Cinciripi (soprano), Lisa Castrignanò (soprano), Loriana Castellano (mezzo-soprano), Francesca Biliotti (contralto).

On notera une pièce tout à fait à part, un solo, sous forme de lamento, chanté par Sarah Mingardo : le magnifique Fuggi pur, o crudele composé par Francesco Lucio et Monteverdien à souhait (on retrouve toute la trame des lamenti de Claudio Monteverdi, à la limite du plagiat d'ailleurs...).

J'ai également particulièrement aimé le duo de Sara Mingardo et Lucia Napoli sur le Sempre piango / Sempre rido de Giovanni Bononcini ainsi que le magnifique duo Ché Languendo avec ses frottements harmoniques qui conclut cette pièce.

Les voix aériennes et la belle sensualité du duo de sopranos Lisa Castrignanò et Giorgia Cinciripisur l'aria Non consosce piacer de Giovanni Bononcini sont également superbes et confirment le degré d'achèvement et d'inventivité supérieur des compositions de ce dernier.

Il s'agit ici d'un très beau projet, avec des interprétations raffinées, d'une élégance réelle, nous faisant découvrir un répertoire "intermédiaire", écrit à l'attention de chanteurs professionnels de l'époque pour les salons de la noblesse vénitienne, et se situant entre la tradition madrigale et le champ lyrique.

Coup de coeur du poisson rêveur.

Lien vers la page du site Outhere Music pour plus de détails et écouter des extraits.

Vidéo présentant le projet:

Se Con Stille Frequenti - Ensemble Cenacolo Musicale - arias pour une ou deux voix féminines d'Agostino Steffani, Antonio Lotti, Francesco Lucio ou Giovanni Bononcini - Sara Mingardo (alto), Lucia Napoli (mezzosoprano), Silvia Frigato (soprano), Lea Desandre (mezzosoprano), Giorgia Cinciripi (soprano), Lisa Castrignanò (soprano), Loriana Castellano (mezzo-soprano), Francesca Biliotti (contralto) - label Arcana (Outhere Music).

Morceau choisi N°66 : le Fac me verum tecum flere du Stabat Mater de J Haydn

Cette aria du magnifique Stabat Mater de Joseph Haydn est proprement bouleversante : il s'agit du Fac me verum tecum flere. Cet air exprime la douleur d'une mère avec une acuité saisissante. 

Je propose la belle version (que les baroqueux trouveront peut-être trop romantique...) de Frieder Bernius, à la tête du Württemberg Chamber Orchestra et du Stuttgart Chamber Chorus et qui figure intégralement sur youtube.

Belle critique de ce disque dans formulera.com.

L'aria démarre au minutage 45':51". Elle est interprétée, et véritablement incarnée, par Julia Hamari, mezzo-soprano. Superbe interprétation. 

Musique et Eternité

Le film réalisé par Trần Anh Hùng, Eternité, sort demain 7 septembre prochain avec à l’affiche Audrey Tautou, Mélanie Laurent et Bérénice Bejo. Il est tiré du roman L'élégance des veuves, écrit par Alice Ferney (Editions Actes Sud).

Je suis allé visionner ce film magnifique en avant-première et en ai été profondément bouleversé. Trần Anh Hùng est un réalisateur dont le travail repose beaucoup sur la restitution des sensations, des instants capturés, avec une densité, une intensité remarquables. Il est très attaché aux perceptions sensorielles, préoccupation esthétique que l'on retrouve souvent dans l'expression de nombre d'artistes asiatiques ou d'origine asiatiques.

Il est important de noter la part importante allouée à la musique dans ce film. Ce point n'est, pour l'instant, pratiquement jamais souligné dans les premiers articles consacré au film, tant les médias se concentrent sur le trio des stars féminines françaises qui tient l'affiche... Sur près de deux heures, dans ce film aux dialogues très resserrés et rares, la force de l'image, la beauté de la photographie sont sublimées par la musique (admirable travail également de la directrice artistique de Tran Nu Yên Khê, épouse du réalisateur et actrice principale du film qui l'avait révélé en 1993, L'Odeur de la Papaye Verte ainsi que du directeur de la photographie, Mark Lee Ping Bin).

Les nombreux morceaux de musique classique sélectionnés, pour la plupart interprétés au piano, et dont certains sont très connus des mélomanes, jouent en effet un rôle déterminant dans la narration.

Pour reprendre les propres termes de Trần Anh Hùng : 

"Comme les images de ce film ne sont pas faites pour raconter une histoire mais pour créer un flot de situations esquissées, entrainé par le temps inexorable, j’ai découvert que certains morceaux de musique que j’ai utilisés avaient un rôle « narratif » et épousaient de près l’intériorité des personnages, et en même temps maintenaient le spectateur à la bonne distance des drames dont il est témoin". La musique travaille de concert avec la voix off ; et ensemble, elles produisent un récit qui se déploie de façon inédite et profondément émouvante".

J'ai en outre découvert, en suivant le générique de fin, qu'outre la sélection admirable opérée quant aux pièces interprétées, le fait que les pianistes sélectionnés figurent parmi les interprètes qui me sont les plus chers (ex : Racha Arodaky sur GF Haendel avec la Sarabande de la suite N°4 en mi mineur, le menuet en sol mineur de la suite N°1, Aldo Ciccolini sur nombre de pièces dont Debussy, Arturo Benedetti Michelangeli sur le concerto en sol de Ravel, Stephen Kovacevich sur Beethoven...), Arcadi Volodos sur JS Bach entre autres,...

Film très singulier, d'une puissance narrative impressionnante et belle performance d'actrices. A voir absolument.

Plus de détails sur le film.

Interview intéressante du réalisateur :

Bruch sublimé

A l'écoute du quintette à cordes en la mineur de Max Bruch, interprété par une formation constituée sous la direction du violoniste Vadim Gluzman (avec des membres du Bergen Philharmonic Orchestra : Sandis Šteinbergs, Violon, Maxim Rysanov, alto, Ilze Kļava, alto, Reinis Birznieks, violoncelle), j'ai eu un véritable choc. Il est vraiment surprenant que la musique de chambre du compositeur allemand soit si peu programmée en concert ou enregistrée au disque. Cette musique est admirablement composée, d'un raffinement mais aussi d'une force expressive extraordinaires.

Cette version, ample, élégante et d'une belle énergie est magnifique.

Le quintette est couplé avec le fameux concerto N°1 pour violon en sol mineur opus 26. Même si on a écouté tant de fois ce chef d'oeuvre de la musique romantique, la version de Vadim Gluzman déploie un superbe lyrisme, sans afféterie. Tout au contraire, tout est en densité, dynamique, avec un panache certain. Le Bergen Philharmonic Orchestra, dirigé par Andrew Litton l'accompagne d'une belle façon, permettant une mise en valeur très correcte de la virtuosité du violoniste, tout en ne tombant pas dans le piège d'une interprétation trop en dedans, sachant que l'équilibre soliste, masse orchestrale est souvent un dilemme dans ce genre de répertoire.

Indéniablement un coup de coeur du poisson rêveur.

 

Mes remerciements au passage à Renaud Machart qui m'a permis de découvrir ce disque lorsque j'ai écouté son émission Zig Zag sur France Musique.

Max Bruch -  Concerto No. 1 in en sol mineur pour violon et orchestra Op. 26, Romance en fa majeur Op.85 (orig. pour alto and orchestre), Quintette à cordes in en la mineur Op. posth - label BIS.

Une magnifique 2ème édition du Festival international de piano à la cour de Solliès-Pont

La ville de Solliès-Pont organise, pour la deuxième année, son festival international de piano à la cour. La programmation de haut niveau, confirme la stature que revendique ce festival avec des pianistes confirmés de renommée internationale comme de jeunes talents tout à fait prometteurs. La nouvelle direction artistique du festival est assurée par Frédéric Bernard et la marraine du festival est la pianiste Racha Arodaky.

Cette saison a démarré hier avec un très beau concert de Maciej Pikulski. Ce pianiste est notamment l'accompagnateur des plus grandes voix. Il nous a fait voyager avec sensibilité, dans l'intimité d'oeuvres du répertoire romantique, de Chopin à Schumann, via Liszt et Schubert. Le programme, intelligemment construit et commenté avec charisme par le pianiste, révélait un toucher subtil, un sens magnifique des couleurs, une rare intelligence du texte.

Ce soir, c'était au tour de l'excellent pianiste Iddo Bar-Shai, d'effectuer une belle transition des romantiques aux modernes, mêlant le style allemand et la verve espagnole, avec un programme très varié, exigeant, sortant des sentiers battus (pièces de Chopin, Albeniz, Granados, Weissenberg, Schubert).

Le festival se prolonge jusqu'à dimanche avec, demain la pianiste Mara Dobresco, et dimanche Edna Stern, fidèle de Solliès-Pont.

Lien vers la page de la mairie de Solliès-Pont dédiée au Festival (avec possibilité de télécharger le programme détaillé).

Lien vers la page Facebook du Festival. 

Très belle 37ème édition des Fêtes Musicales du Château de Pionsat

La 37ème édition des Fêtes Musicales du Château de Pionsat s'est déroulée du 25 au 29 juillet. Comme chaque année, une belle programmation a été proposée à un public fidèle et averti.

On notera, entre autres, le retour de Jean-Marc Luisada, fidèle au Festival qui a donné un magnifique concert autour de Haydn, Schumann et Chopin 

Jean-Marc Luisada nous a interprété un Haydn aérien, subtil avec tendresse et un superbe toucher. La Grande Humoresque de Schumann flamboyante, d'une tension impressionnante révélait une maîtrise magistrale de ces changements brusques d'humeur si spécifiques au compositeur allemand. La deuxième partie du concert de Jean-Marc Luisada consacré à des valses de Chopin jouait sur les contrastes des climats,  les jeux de couleurs.

Le pianiste a interprété des bis exceptionnels dont une Cathédrale Engloutie de Debussy d'une beauté sidérante.

Le festival a également proposé de jeunes interprètes, de belles découvertes, comme la pianiste Mara Dobresco, accompagnée de l’excellent violoniste Jan Orawiec, et le quatuor tchèque Bennewitz, un des meilleurs ensembles de chambre européens.

Le succès du Festival tient aussi au fait qu'il tente toujours d'explorer les différentes facettes de l’expression musicale, au delà du répertoire classique et romantique. Ainsi cette année, le contre-ténor Théophile Alexandre, avec le pianiste David Abramovitz, qui a accompagné les plus grands artistes lyriques, ont fait découvrir de splendides arias d’opéras et d’oratorios baroques. Le mercredi, comme pour les éditions précédentes, était quant à lui consacré à un diner concert, avec le quatuor vocal A'Dam, placé sous le signe d’un éclectisme allant de Claudin de Sermisy aux… Beatles.

Lien vers la page du site du festival vous permettant de prendre connaissance de la richesse de la programmation de ce festival depuis plus de 5 ans (le festival existant quant lui depuis 36 ans, longévité exceptionnelle par les temps qui courent !) et vers la page Facebook du festival.

Saoû chante Mozart depuis plus de 25 ans

Saoû chante Mozart fait partie des festivals dont la longévité mérite d'être soulignée, surtout en ces temps de réduction des subventions et de disparition des manifestations culturelles d'été. Il tire son nom de la petite ville de la Drôme où il a pris naissance, sachant que les 232 concerts qui ont été donnés dans le cadre du festival depuis 25 ans se sont produits sur près de 42 communes différentes dans le département de la Drôme. L'accent est mis sur l'association de la beauté des sites et de la qualité de l'acoustique.

Trois personnes clé oeuvrent à la programmation et aux choix artistiques du festival : Philippe Andriot, musicologue, Philippe Bernold, flûtiste (Premier Grand Prix du Concours Jean-Pierre Rampal) et chef d'orchestre, et Franck-Emmanuel Comte, spécialiste de la musique baroque, directeur artistique du choeur et orchestre du Concert de l’Hostel Dieu à Lyon.

Comme le nom du festival l'indique, les thématiques tournent toujours autour du prodige autrichien. 

Cette année, le festival a démarré par le désormais traditionnel week-end mozartien de Saoû, du 8 au 12 juillet, avec des concerts de musique de chambre donnés par des artistes en résidence (Philippe Bernold, Henri Demarquette, Claire Désert, Chlolé Hanslip, Paul Meyer, Miguel da Silva), des conférences pédagogiques, la balade musicale et pédagogique en forêt et le dîner sous les platanes. Il s'est ensuite prolongé jusqu'au 28 juillet et clôturé par un concert à l'église Saint-Jean de Valence.

Ce festival propose d'explorer, avec convivialité, les oeuvres de compositeurs qui ont été inspirés, directement ou indirectement, par Mozart.

Pour plus d'information, se référer au site du festival. 

21 juin, fête de la musique mais pas des... Musiciens

Sur France Culture, dans son billet économique de ce matin, Marie Viennot rappelle les aberrations du modèle économique actuel du secteur de la musique avec l'impératif de plus en plus fort pour les musiciens de s'auto-produire (ils seraient 55% maintenant), du fait de la baisse très marqué du nombre d'emplois chez les éditeurs et producteurs (-17% entre 2011 et 2013), tout cela pour obtenir des revenus de plus en plus faible de leur travail.

Les musiciens professionnels récoltent les miettes en fin de chaîne de valeur. Deux exemples probants : selon Pascal Nègre, ex PDG d'Universal, un clip vu 16 millions de fois génèrerait 1 600 à 2 000 Euros pour les artistes qui se produisent dans ce clip (décalage de chiffres extrêmement surprenant, car 16 millions de vues c'est considérable sur youtube). L'ADAMI a calculé que les 9,99 € de forfait mensuel par abonné rapporteraient 46 centimes pour les artistes concernés et qu'ils devront se partager (à multiplier par le nombre d'abonnés tout de même, non précisé, mais enfin...). Deezer revendique 6 millions d'abonnés payants. Si on considère que 90% sont vraiment actifs, cela fait 0,46 € x 6M x 0,90 =2 484 000 € à se partager. Reste à savoir sur combien d'artistes (il y a 40 millions de titres en ligne sur Deezer).

Toujours,selon l’ADAMI, les sites de streaming déclarent reverser deux tiers de leurs revenus aux producteurs... qui, quant à eux ne reversent que 10% en moyenne à leurs artistes.

Il reste le "live", les concerts, pour compléter les revenus, le statut d'intermittent n'étant visiblement possible que si l'artiste cumule au moins... 40 concerts pour 10 mois (il a intérêt à avoir un bon tourneur !).

Superbe intégrale de l'oeuvre de Matthias Weckmann

Disciple de Heinrich Schütz, Matthias Weckmann (1616-1674) est un compositeur du nord de l'Allemagne qui s'inscrit dans la lignée des grands compositeurs luthériens allemands. Tout comme eux, il a été fortement influencé par la musique italienne de son époque. 

On retrouve dans ses compositions, une élégance formelle, une subtilité, un sens de l'équilibre qui captivent, aussi bien sur les oeuvres sacrées que profanes.

Dans le cadre de l'anniversaire des quatre cents ans de la naissance du compositeur, le label Ricercar propose un coffret de 5 CDs comprenant l'enregistrement de l'intégralité de son oeuvre, sur une période de près de vingt cinq ans par respectivement  l'ensemble vocal et instrumental du Ricercar Consort, sous la direction de Philippe Pierlot, la Cappela Sancti Michaelis, sous la direction d'Eric Van Nevel, l'ensemble la Fenice, sous la direction de Jean Tubery, Siebe Henstra au clavecin et Bernard Foccrouille à l'orgue, l'un des grands spécialistes des compositions de Buxtehude pour cet instrument.

Le 1er et le 2ème CD comprennent des motets, ou plutôt, la forme qu'avait magistralement initiée Heinrich Schütz, de concerts spirituels, même si la terminologie appropriée est celle de cantates. Ces pièces, avec des accords magnifiques, illustrent comment, de façon magistrale, les compositeurs luthériens réussissent à associer l'élévation du sacré avec une proximité indéniable de la condition humaine. C'est notamment, ce qui en fait des oeuvres particulièrement poignantes. Ces cantates sont servies de façon magistrale par le groupe vocal qui les a enregistrées et qui compte parmi les meilleurs serviteurs de la musique ancienne et baroque (Greta De Reyghere, soprano, Jill Feldman, soprano, James Bowman, countertenor, Ian Honeyman,tenir, Guy De Meyer, ténor, Max Van Egmond, basse).

Le 3ème CD est consacré aux pièces pour clavecin, interprétées par Siebe Henstra. Le 4ème regroupe des lieder pour soprano, interprétés par Greta De Reyghere et des pièces pour orgue, interprétées par Bernard Foccrouille, empiétant sur le dernier et 5ème CD.

Cette intégrale fait indéniablement référence sur le corpus des oeuvres composées par les compositeurs allemands de la seconde moitié du 17ème siècle. 

On notera également la qualité exceptionnelle des enregistrements.

Coup de coeur du poisson rêveur.

Plus de détails sur le site d'Outhere Music.

Sur youtube, il est possible d'écouter l'intégrale des cantates, (comme sur Deezer d'ailleurs...), même si la piètre qualité ne remplacera pas celle du CD. 

Matthias Weckmann - intégrale des oeuvres sacrées et des pièces pour clavecin et orgue - label Ricercar / Outhere Music.

Brahms souverain et encore inatteignable

Johannes Brahms est certainement le compositeur qui tend le plus de pièges aux nombreux interprètes qui tentent de s'imprégner de son oeuvre et de restituer toute sa richesse.

Sur le corpus des symphonies par exemple, les plus grands chefs ne sont pas toujours parvenus à restituer cette richesse sans tomber dans le piège d'une suavité, forme archétype du style romantique (ex : Carlo Maria Giulini dont la critique a pourtant vanté le fait que son intégrale soit la référence). Jusqu'au jour où vous écoutez, avec son grain de folie, son extraordinaire maîtrise rythmique, son exigence absolue de la transparence, de la netteté du contour des lignes, son sens indéniable de la tension, un Carlos Kleiber sublime, par exemple, la 4ème symphonie en mi mineur.

Dans le cas des compositions pour piano, notamment les sonates, force est de constater que, pour ma part, le choc n'a pas encore eu lieu. Il y a certes la noirceur extrême, la morbidité saisissante d'Arturo Benedetti Michelangeli sur les géniales balades opus 10. Il y a bien entendu le lyrisme, le panache, mais aussi l'inégalité, de Julius Katchen, encore considéré comme l'interprète de référence. J'avais évoqué l'intégrale tout à fait honnête mais tout de même peu imaginative et assez polissée de Peter Rösel, récemment rééditée. Même Claudio Arrau, dont l'intelligence du texte, de la construction des oeuvres était exceptionnelle, ne parvient pas à nous transporter, du fait, peut-être d'une distanciation trop marquée.

Il y a pourtant, d'une façon faussement inattendue, le sens indéniable du contrepoint et la maîtrise rythmique de Glenn Gould qui en font, au delà des idées reçues, un des meilleurs serviteurs au piano du compositeur allemand (cf. sa version des klavierstücke).

Tout dernièrement, le pianiste français, François-Frédéric Guy, loué de façon régulière par la critique, notamment pour sa maîtrise technique indéniable, son sens de l'architecture, s'est risqué à enregistrer une intégrale des sonates de Johannes Brahms, ce qui est tout à son honneur.

Cependant, il rejoint la cohorte des interprètes qui passent visiblement à côté du mystère brahmsien et ne semblent pas parvenir à le percer, ni, de toute évidence, à nous en imprégner.

Le pianiste semble avoir une telle obsession de la maîtrise technique, de la performance, que tout le propos donne l'impression d'être centré sur la fermeté du phrasé, une lecture assez analytique, la pureté de la ligne. Le résultat est un Brahms assez effrayant, avec des accords implacables, autoritaires et une sécheresse au détriment du lyrisme pourtant indispensable pour restituer ce mystère (ex : le scherzo de la sonate N°2 en fa dièse mineur ou l'allegro de la sonate N°1 en do majeur). Certes, les lignes sont claires, le souci de transparence est évident et la vélocité du jeu impressionnante. La structure de ces sonates nous est restituée de façon très nette mais je trouve que la magie est absente. J'ai recherché en vain le supplément d'âme.

Sur les mouvements lents, on attend sans espoir que l'alternance de la tendresse et de la noirceur, marques de fabrique de la forme brahmsienne soient révélée (ex: l'andante de la sonate N°2, approché de façon presque maniériste). La richesse, le foisonnement harmonique de ces pièces sont vidés de leur substance où l'exploration de l'univers du compositeur tient plus du domaine de la dissection que de l'introspection. Le cas symptomatique est la version du fameux andante de la sonate N°3 que nous propose François-Frédéric Guy où l'on est plongé en apnée, et l'on recherche en vain respiration, ampleur et un minimum de grain, d'épaisseur.

La qualité d'enregistrement assez sèche contribue en outre à accentuer cette impression de manque de densité.

Je reste toujours sceptique sur les louanges de la critique portée à l'égard de interprétations actuelles, plus axées sur la performance, la virtuosité au détriment du chant, de la respiration.

Johannes Brahms - sonates pour piano - Jean-Frédéric Guy - label Evidence (distribution Harmonia Mundi).

Matthias Goerne et Christoph Eschenbach pénètrent le mystère brahmsien

J'avais assisté il y a huit ans à Pleyel à un très beau récital donné par Matthias Goerne et Christoph Eschenbach sur des lieder de Brahms et de Schumann (cf. post du 18 mars 2007).

J'avais évoqué à quel point voix chaude et la plasticité du phrasé de Matthias Goerne m'ont toujours fasciné. Ce soir là, on a encore eu le privilège d'écouter ce grand baryton, nous faire pénétrer le mystère des ces lieders, avec un Christoph Eschenbach parfait. Le pianiste avait complètement maîtrisé l'équilibre subtil entre le soutien rythmique du chanteur et les échappées du piano, prévues par le compositeur pour instaurer un nouveau climat, appporter une respiration ou tout simplement jouer un rôle résolutoire.

Dans les lieder de Brahms, le foisonnement harmonique, les nécessaires vagues de lyrisme doivent toujours être parfaitement maîtrisés afin de conserver une ligne claire. Le duo, qui s'adonne à cet exercice en concert depuis presqu'une décennie y parvient sans conteste.

Le dernier enregistrement de ce duo, récemment sorti chez Harmonia Mundi, et consacré à une petite vingtaine de lieder, confirme la haute tenue du travail. Je n'y ai pas retrouvé la tension extraordinaire que j'avais ressentie lors du concert, mais le récit reste très convaincant avec un piano qui, avec des sonorités chatoyeuses, accompagne avec subtilité le timbre dense du baryton allemand.

La tendresse et la mélancolie avec laquelle certaines pièces de Brahms peuvent nous emporter sont particulièrement bien restituées. C'est le cas avec les deux magnifiques chants So stehen wir, ich und meine Weide et Wie bist du, meine Königin qui s'enchaînent aux pistes 8 et 9.

La noirceur des deux magnifiques lieder opus 85 est également traduite avec une densité remarquable. Pour soutenir la complainte du chant, le piano avec ses notes perlées apporte une dimension rêveuse, une forme de questionnement, soutenant ainsi de façon remarquable la narration.

Le disque se termine par les quatre chants sérieux opus 212, qui justement avaient été interprétés lors du concert de 2007 à Pleyel, et qui donnent son titre à l'enregistrement (Vier ernste Gesänge). Il s'agit ici d'une forme de testament musical écrit par Brahms, avec des textes bibliques. Outre le caractère mystique de ces chants, on notera la densité mais aussi parfois l'ampleur quasiment symphonique de la partie pour piano qui révèle le même génie que dans les oeuvres du compositeur allemand pour piano, parmi ses plus emblématiques (sonates, klavierstücke).

Ce disque révèle bien à quel point le chant brahmsien évoque un univers nocturne, tourmenté, mais aussi une tendresse indéniable, une mélancolie qui font que Brahms reste un compositeur extrêmement attachant.

On notera la très belle qualité de l'enregistrement avec un équilibre voix / piano bien maîtrisé, même si j'aurais, à titre personnel, apprécié un peu moins de réverbération.

Une nouvelle belle pièce dans la discographie de Matthias Goerne qui a visiblement le don de mettre en totale confiance ses accompagnateurs. Il contribue également à nous les faire découvrir sous un jour nouveau, s'exposant quelque part un peu plus (ex : Alfred Brendel dans un concert mémorable il y a quelques années au Châtelet, et, dans le cas présent, Christoph Eschenbach).

Coup de coeur du poisson rêveur.

 

Johannes Brahms - Vier ernste Gesänge - Matthias Goerne (baryton), Christoph Eschenbach (piano) - Label Harmonia Mundi.

Morceau choisi N°65 : andante de la sonate N°3 en fa mineur opus 5 de Johannes Brahms

La 3ème sonate pour piano en fa mineur de Johannes Brahms est certainement un des chefs d'oeuvre du compositeur allemand, d'une ampleur magnifique presqu'orchestrale.

Il y a de nombreuses versions avec des lecture très différentes. J'ai choisi, pour le sublime andante, la version mêlant une certaine méditation avec une tension indéniable de Krystian Zimerman.

La 6ème symphonie de Mahler interprétée par un orchestre... synthétique

Cette vidéo illustre l'intrusion de l'Intelligence Artificielle dans... la musique symphonique.

Un logiciel interprète chacun des groupes d'instruments (cordes, hautbois et bassons, cuivres, percussions...) sur le 1er mouvement de la symphonie N°6 en la mineur dite "Tragique" de Gustav Mahler (allegro energico, ma non troppo) conformément à la partition, l'ensemble est ensuite assemblé, mixé pour restituer toute l'ampleur de l'orchestre symphonique.

Le résultat est, de prime abord, assez spectaculaire (l'interprétation démarre au minutage 1':00''). Toutefois, la netteté indéniable des différents plans instrumentaux et la régularité métronomique font que, même avec une écoute à l'aveugle, on ne peut que déplorer le manque d'âme, compte tenu du caractère mécanique de l'interprétation.

En revanche, du point de vue technique, académique, il s'agit d'un outil extrêmement efficace pour comprendre les ressorts principaux, la structure harmonique de ce mouvement.

Il faut enfin noter que cette restitution aurait demandé six mois de travail pour son concepteur, note par note.

L'"uberisation" des chefs d'orchestre n'est donc pas encore pour tout de suite. 

Envoûtantes Rheinmädchen

Après le répertoire baroque et classique, Raphaël Pichon s'est attelé, avec son ensemble Pygmalion, aux légendes du Rhin, plus spécifiquement, sous le titre explicite de "Rheinmädchen", ces femmes des mythes associés au fleuve qui a le plus inspiré les poètes et musiciens allemands.

Au programme, figurent des pièces pour orchestre et choeur féminin, écrites par Schumann, Schubert, Wagner et Brahms. On plonge ainsi dans les différentes dimensions de la musique romantique et post-romantique d'outre-Rhin avec de superbes pièces.

La pièce d'introduction, vraiment singulière, instaure un climat incroyablement fantastique, tirée de l'Or du Rhin de Richard Wagner (Aus dem Grunde des Rheine, pour un choeur de 24 femmes voix de femmes, harpe, 4 cors et 2 contrebasses). Une sorte de bourdon, de pièce se déployant comme un mouvement de balancier où les voix font écho aux 4 cors. Cette pièce d'une modernité impressionnante nous fait entrer d'emblée dans le royaume ténébreux des légendes du Rhin.

Les 4 duets opus 78 de Robert Schumann qui suivent, proposent une parenthèse rêveuse, méditative, tout en ne perdant pas la dimension onirique qui constitue le fil rouge de ce disque.

On notera également le caractère presque divin, aérien des 5ème et 6ème des 6 Romenzen für Frauenstimmen Vol. I opus 69 de Robert Schumann, qui, chantées a cappella, semblent revenir aux racines du champ polyphonique.

Enfin, mon coup de coeur va indéniablement aux 4 songs opus 17 de Johannes Brahms qui vous emportent dans un monde complètement onirique. Les voix vous enveloppent créant un climat irréel avec les arpèges de la harpe qui évoque inévitablement les frémissements du fleuve légendaire.

Le travail rigoureux de Rapahël Pichon démontre son intelligence du texte, par le choix des pièces et la cohérence de l'histoire qu'il nous raconte. Le tout petit bémol, que l'on a pu lui reprocher dans des enregistrements plus récents notamment de JS Bach, est une certaine sagesse, un caractère parfois un petit peu trop lisse. En étant visiblement à la quête d'une fluidité qui s'avérerait, sans mauvais jeu de mot, tout à fait appropriée au sujet, la plasticité recherchée se fait au détriment d'un grain, d'une forme de nervosité que l'on serait en droit d'attendre. Ces "Rheinmädchen" sont bien sages. La pureté recherché de leur ligne de champ nous séduit d'emblée. Toutefois, sur la durée, au fil de l'enregistrement, on est un tout petit peu frustré de ne pas obtenir plus de couleurs, de contrastes, d'attaques plus saillantes.

Il s'agit tout de même d'un très beau travail, avec un choeur très homogène et d'une très bonne tenue, qui nous démontre qu'outre être un très bon chef orchestral, Raphaël Pichon excelle dans la direction chorale, domaine dans lequel il a débuté et qui lui tient particulièrement à coeur. Il nous aide à nous élever dans les sphères de l'imaginaire lié à la poésie germanique avec son caractère nocturne, ténébreux, indéniablement envoûtant. 

 

Coup de coeur du poisson rêveur

Plus de détail sur le site Harmonia Mundi avec l'écoute possible d'extraits.

Rheinmädchen - Ensemble Pygmalion - Direction Raphaël Pichon - Label Harmonia Mundi.

Un MOOC sur les quatuors de Joseph Haydn

L'Université de Standford a lancé son premier cours gratuit en ligne d'analyse de forme musicale. Ce dernier est consacré à la forme des quatuors à cordes composés par Joseph Haydn. Le choix peut se comprendre dans la mesure où le compositeur autrichien a établi pratiquement toute les base de la forme romantique et moderne du quatuor à cordes..

Les cours intègrent l'interprétation de quatuors de Haydn par le St. Lawrence String Quartet.

Plus de détails sur le site de l'Université de Standford et sur la page d'accès aux cours gratuits.

Les Larmes de Saint Pierre sur Culturebox

Le site Culturebox diffuse le concert donné par Philippe Herreweghe avec son ensemble le Collegium Vocal de Gant, le 21 avril à l'Oratoire du Louvre et consacré aux Larmes de Saint Pierre, véritable testament musicale de Roland de Lassus (production Philippe Maillard).

Audition fortement recommandée, Philippe Herreweghe étant certainement, avec Paul Van Nevel, l'un des meilleurs serviteurs du compositeur flamand.

Lien vers la page de diffusion du concert.

L'Orchestre du Festival de Budapest nouvelle victime de l'obscurantisme

Il y a les prétextes de situation de crise des finances publiques pour supprimer des subventions culturelles (ex : le gouvernement flamand avec la Petite Bande - cf. post du 10 décembre 2010). Il y a également le prétexte qu'un ensemble d'origine régionale ait atteint un tel niveau de notoriété internationale qu'il n'a finalement plus besoin d'autant de soutiens de sa ville (ex : Les Musiciens du Louvre avec la ville de Grenoble).

Il y a aussi le constat de la suppression de près de 180 manifestations culturelles en France en 2015.

Les priorités changent. La culture, plus spécifiquement la musique, deviennent les victimes collatérales toutes désignées des indigences de la gestion de certaines régions ou municipalités, pour certaines d'entre elles surendettées à coup de prêts reposant sur des obligations "pourries" (les fameux "subprimes"). Visiblement, elles viennent aussi en second rang après les choix dogmatiques de municipalités "vertes" qui revendiquent le "recentrage local" (SIC).

La dernière victime en date, est cette fois située en Hongrie. La problématique est ici relativement différente. C'est celle des conséquences du règne d'un gouvernement ultra-conservateur, avec un de ses représentants, le maire de la ville de Budapest, M. István Tarlós, personne dont le raffinement n'a pas l'air d'être la première qualité. Tout en finesse, ce dernier, qui a visiblement le chef attitré de notoriété internationale, Iván Fischer, dans le collimateur, a tout simplement décidé de diviser par quatre les aides apportées à l'Orchestre du Festival de Budapest. Il a en outre trouvé le bon goût de le faire en plein milieu de la saison, donc lorsque celle-ci était déjà programmée et largement lancée.

L'argument officiel fait état d'impératifs d'austérité. L'historique des faits et la spirale de propos haineux à l'encontre d'Iván Fischer, ne trompent personne, ce d'autant plus que ce dernier revendique publiquement ce qu'il pense de l'équipe municipale en place. Le couperet tombe inévitablement.

On est en face des conséquences des choix électoraux qui portent au pouvoir des individus dont l'objectif est de museler toute expression artistique autre que des décisions d'Etat, parfaitement muselées et contrôlées. Les performances de l'Orchestre du Festival de Budapest permettent au plus grand nombre de découvrir la musique classique, interprétée d'ailleurs par des musiciens qui, au sein de cette belle Europe centrale, sont parmi les plus doués et les plus sensibles (rappelons-nous, par exemple, l'admiration qu'avait WA Mozart pour les musiciens tchèques). Tout ceci doit être jugé trop subversif par ceux dont la préoccupation est beaucoup plus l'isolationnisme et le rejet des différences. Une autre forme de "recentrage local" !

Le résultat de tout cela : annulation de 30 concerts dans les écoles, 10 concerts d'opéra pour les enfants, 3 concerts dans le Palais des Arts de Budapest et du concert gratuit de minuit donné traditionnellement en décembre. Belle performance.

Le spectre de l'inculture au service du populisme et de la plus vile des vulgarités, continue à se répandre en Europe et bien au delà. Il arrive même au tour final des primaires américaines. Jamais d'ailleurs, ce mot "primaire" n'a jamais aussi bien raisonné dans ce cas précis...

Pour plus d'informations, je vous renvoie à l'article (en anglais) très complet dans hungarianspectrum.org. 

Un piano orchestral pour le Sacre du Printemps

Georges Pludermacher, pianiste que je porte parmi les interprètes qui m'ont le plus marqué depuis plusieurs décennies, a effectué un travail considérable et magnifique consistant à transcrire et interpréter pour piano une oeuvre monumentale : le Sacre du Printemps d'Igor Stravinsky.

J'avais eu le privilège de l'écouter interpréter cette transcription dans le cadre des Fêtes Musicales du Château de Pionsat en juillet 2012.

Depuis, il l'a registrée, dans une version "live" en 2013 et le disque est sorti récemment, produit par Jean-Paul Bazin d'Arts et Spectacles.

Le choc à l'écoute reste intact, ce d'autant plus que la qualité de l'enregistrement est remarquable. Le piano est très présent, sans réverbération, avec une excellente projection et beaucoup de naturel.

Au delà de la performance technique époustouflante, Georges Pludermacher nous emmène dans un voyage fantastique en tenant la ligne jusqu'au bout, révélant toutes les couleurs orchestrales, avec une maîtrise rythmique proprement hypnotique. Il a atteint un tel niveau d'intimité avec cette pièce monumentale que le piano déroule tous les plans qui construisent ce récit avec un naturel impressionnant et la magie opère dès les premières mesures sans faillir une seule fois. La rythmique est admirablement maîtrisée, les forte sont charnus, envoutants mais sans aucune agressivité, tant l'équilibre des voix est maîtrisé.

Le thème d'introduction prend d'emblée une couleur assez "jazzy". On ne peut s'empêcher de découvrir à quel point ce Sacre, comme certaines pièces de Maurice Ravel, sur lequel je reviendrai un peu plus tard, préfigure les grandes pièces pianistiques ou orchestrales de Jazz. D'ailleurs, Georges Pludermacher, est un grand passionné de Jazz et on ressent à quel point son jeu reflète aussi cette influence sur le plan formel. 

La densité de son interprétation sur les différents tableaux suivants est magnifique. La maîtrise de la complexité rythmique extrême de certains passages vous envoûte littéralement (ex : le cortège du sage et la danse de la terre qui s'enchaînent avec leur structure complexe, diabolique, inquiétante). Là encore, est évoqué, de façon subliminale, le monde du Jazz avec l'exercice de l'improvisation où les harmonies doivent s'enchevêtrer et sortir des sentiers battus.

Dans d'autres passages, Georges Pludermacher nous emmène avec l'élégance qui le caractérise et qui s'impose, dans un monde ravélien et symboliste (ex: le largo de la deuxième partie, le Sacrifice).

L'ampleur orchestrale, ses couleurs, le rôle que jouent les différents pupitres, le legato du solo d'introduction du basson, l'introduction du hautbois et des autres instruments, tout y est, sans aucune faille, avec un équilibre saisissant des voix, une ligne restant parfaitement claire (visiblement pas ou peu d'usage de la pédale qui confirme à quel point le travail est maîtrisé et sans filets ). On notera également un toucher suffisamment charnu et dense que demande cette oeuvre, évoquant un monde primitif et virginal mais aussi une pulsation régulière, naturelle, implacable. Tout est parfaitement en place avec une architecture admirablement pensée et un respect du texte très rigoureux. Sans parler de la prise de risque permanente, que l'on ne ressent pas en tant qu'auditeur vue la maîtrise de l'interprète, mais qui reste onmiprésente du fait du caractère "dantesque" de la partition. Certainement un des plus beaux enregistrements que j'ai été amené à écouter depuis plusieurs années.

Une toute dernière piste est consacrée à un travail effectué par le pianiste en collaboration avec Georges Paczynski, grand batteur de Jazz. Exercice d'improvisation, de dialogue et de confrontation piano / percussions, qui fait bien entendu écho au Sacre et déployé, en fonction de l'humeur captée ce moment là, le 1er février 2013.

Indéniablement un coup de coeur du poisson rêveur.

Le disque est en vente sur le site d'Arts et Spectacles.

Igor Stravinsky - Le Sacre du Printemps - transcription et interprétation par Georges Pludermacher - Du Rite au Combat (from Rite to Fight) - improvisions piano / percussions - Georges Pludermacher et Georges Paczynski -Production Arts et Spectacles.

Des concertos brandebourgeois électrisés

J'avais émis plusieurs fois des réserves sur la manie qu'ont les ensembles baroqueux récents d'interpréter des œuvres concertantes au pas de charge. La rapidité du tempo, associée à une sonorité astringente, font qu'au delà de la simple volonté de bénéficier d'une nouvelle lecture, l'auditeur fatigue rapidement.

Dans le cas de cette version des concertos Brandebourgeois de JS Bach par l'ensemble Simphonie du Marais, sous la direction d'Hugo Reyne, on est également d'emblée interpelé par un tempo assez rapide, une rythmique très marquée, des phrases très courtes, très ciselées. Toutefois, ce n'est pas la sensation "d'agressivité" qui ressort mais celle d'une forme de jubilation, une énergie indéniable, avec un clavecin virevoltant. L'interprétation de ces Brandebourgeois est ouvragée comme de la dentelle, même si ces derniers ont bien été pris à la lettre comme des formes concertantes (c'est assez marqué sur le 5ème concerto BWV 1050 avec un clavecin très présent et une cadence interminable qui clôture l'allegro d'ouverture).

Le choix d'une certaine tension mais avec suffisamment de clarté, des sonorités lumineuses, un rythme assez enlevé mais sans sécheresse, font que cette version assez singulière, et assez attachante, se détache du corpus déjà très volumineux des différentes versions, pré et post-baroqueux. Toutefois, j'ai tout de même, à titre personnel, un petit problème d'épuisement sur la durée avec ce type de démarche, même si les mouvements lents font exception avec un côté méditatif intéressant (ex : Andante du 4ème concerto). En outre, même si le parti pris d'enregistrements "live" était très bien vu, le manque indéniable de relief et de grain de l'enregistrement dessert le travail de ces musiciens et peut conduire à une certaine frustration.

On attend donc toujours la version qui allie entrain, virtuosité, clarté, dynamique, mais avec des sonorités suffisamment charnues et d'une belle ampleur, afin de sentir les différents voix et couleurs instrumentales se déployer dans une belle projection spatiale mais sans réverbération...

Disparition de Philippe Beaussant

L'académicien Philippe Beaussant nous a quitté le 8 mai dernier. Il a rédigé des ouvrages qui ont fait référence dans le domaine de la musique baroque. Il est également l'auteur de biographies chez Fayard : François Couperin, Jean-Philippe Rameau (Rameau de A à Z), ou Jean-Baptiste Lully (Lully ou le musicien du Soleil). Cette dernière a été à l'origine du scénario du film "Le roi danse", réalisé par Gérard Corbiau en 2000.

Il été également producteur sur France Musique ainsi que créateur et conseiller artistique du Centre de Musique Baroque de Versailles. Le rayonnement actuel du CMBV doit énormément à l'impulsion donnée par Philippe Beaussant.

Son ouvrage Passages - de la Renaissance au Baroque, paru en 2006, constitue une référence pour comprendre la transition qui s'est opérée entre la musique ancienne et la musique baroque.

L'angélisme des uns au service du cynisme des autres

La couverture de presse et l'émotion puérile de certains médias sur le concert donné par Valéri Guerguiev dans la cité antique de Palmyre ont de quoi laisser sans voix.

Salué par la Russie, ce concert intitulé "prière pour Palmyre" est sensé illustrer comment la musique peur incarner la lutte contre le terrorisme..

Seulement, ce sont les mêmes acteurs qui ont certes libéré Palmyre mais sont également en train de détruire Alep, portant depuis cinq ans la responsabilité de plusieurs centaines de milliers de morts en Syrie.

Ce type d'évènement a quelque chose de terrible et constitue un acte d'un indécence inouïe. Tout en portant un message d'espoir indéniable de victoire et de force de l'expression artistique contre l'atrocité des actes d'un terrorisme barbare et obscurantiste, il cautionne toutefois un régime dont les actes sont tout aussi immondes.

Que faut-il en penser ?

Article du Figaro.

Article du Monde.

De nombreuses archives vidéos sur le site du Lincoln Center

Le site Internet du Lincoln Center, met à disposition de nombreuses vidéos (enregistrements de concerts live, interviews...). Ceci a été notamment possible grâce au soutien de la Fondation Bloomberg Philantropies.

On y trouve notamment 21 vidéos sur des concerts donnés dans le cadre de la manifestation "Mostly Mozart" qu'organise la salle de concert new yorkaise depuis maintenant plus de 30 ans.

Le site présente également la liste des futurs "livestreams" (concerts en direct).

Le talent d'un artiste génère 22 fois plus qu'il ne lui rapporte

Le site de l'ADAMI met en évidence la problématique chronique de l'insignifiance de la rémunération des artistes avec l'avènement du numérique et, plus spécifiquement, du streaming.

L'infographie présentée par l'ADAMI est on ne peut plus démonstrative : pour rapporter 100 € à un artiste, un titre doit faire l'objet de 250 000 streamings sur un site payant et... 1 000 000 de streamings sur un site gratuit. Sur 9,99 € d'abonnement à un site de streaming comme Deezer ou Spotify, l'artiste perçoit 0,46 €, soit près de 22 fois moins...

Les web radios n'échappent pas à cette "exception numérique" où l'équivalent de la répartition 50/50 existant dans le domaine de la diffusion radio hertzienne n'est toujours pas d'actualité.

La musique devient donc un service de "commodity", pour lequel les auditeurs attribuent de moins en moins de valeur. Le plus ironique dans ces nouveaux "modèles" économiques est que la question de la pérennité des plates-formes numériques elle-même peut également se poser (risque d'un modèle "perdant - perdant" - cf. le report de l'introduction en Bourse de Deezer).

Le projet de loi Liberté de création est sensé apporter une réponse à ce déséquilibre invraisemblable. Toutefois, il semble que les pistes explorées visant à un partage plus équitable, ne permettent pas de rééquilibrer suffisamment ce modèle.

Seuls les concerts et la synchronisation se révèlent les pistes permettant d'assurer un revenu minimal aux artistes, les enregistrements étant alors des vecteurs de promotion de leurs créations et non, pour l'instant, une source de revenus.

Nikolaus Harnoncourt (1929 - 2016)

La mort de Nikaulos Harnoncourt a été largement couverte par les médias spécialisés ce qui est la moindre des choses, tant le chef autrichien a marqué le monde musical de son empreinte.

Avec Alfred Brendel (encore parmi nous), Nikolaus Harnoncourt est un véritable musicien de la tradition autrichienne (même s'il est né à Berlin).

Le site anglais Gramophon, propose une sélection discographique qui reflète bien le travail exemplaire ce ce chef, sans parler de ses nombreuses performances en concert qui ont aussi exercé une marque indéniable sur son public.

Il fait même partie des rares directeurs musicaux à avoir quelque peu, par deux fois en 2001 et 2003, bouleversé le climat du rituel concert du nouvel an, avec une lecture sombre, ténébreuse des compositions de Johann Strauss (belle performance...).

Il faut surtout se rappeler comment, tout comme Gustav Leonhardt, qui a quitté ce monde quatre ans avant lui, et il a révolutionné la lecture et l'interprétation du corpus des cantates de JS Bach. Il en était de même avec Monteverdi, notamment sur les madrigaux.

J'avais mentionné, dans la sélection que j'avais proposée pour Noël 2014, l'excellent recueil d'entretiens "La Parole musicale", parue chez Actes Sud.

Racha Arodaky nommée Chevalier des Arts et des Lettres

Racha Arodaky, pianiste concertiste et fondatrice du label Air Note, a été nommée Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres, par arrêté du Ministère de la Culture et de la Communication.

Eve Ruggieri lui remettra l’insigne de Chevalier des Arts et des Lettres lors d’une cérémonie qui se tiendra le 28 janvier 2016.

Cette distinction est largement méritée, compte tenu du rayonnement de Racha Arodaky, de l'intégrité de son travail, notamment sur le répertoire baroque au piano, de la fidélité de son public et, plus particulièrement de son attachement à la diffusion de la musique au plus grand nombre, en donnant des récitals auprès de publics qui n’ont pas accès à la musique classique (ZEPs, maisons d’arrêt...) ou pour des causes caritatives.

En plus de sa carrière de pianiste, elle exerce les fonctions de conseillère artistique ou directrice musicale de plusieurs festivals de musique (Festival International de Solliès-Pont, Saison Musicale du Théâtre de l’Onde à Vélizy, …) où elle a, à plusieurs reprises, mis en échos des univers musicaux a priori différents mais qui entrent en résonance de façon extraordinaire (ex : le concert qu'elle a donné avec Paco El Lobo le 9 juin 2012 : Scarlatti Iberico). Elle est également directrice artistique des Fêtes Musicales du Château de Pionsat depuis 2011.

Je suis, tout comme beaucoup de personnes qui suivent son parcours, très fier pour elle.

Je vous renvoie à mes posts sur ses enregistrements Scarlatti (19 septembre 2006), Haendel (21 novembre 2009) et JS Bach (24 novembre 2011), ainsi qu'à mon interview du 6 avril 2009. 

Une messe en si sous tension

La Chaîne Mezzo (dans sa version Mezzo Live HD) retransmet l'interprétation de la Messe en si de Jean-Sebastien Bach sous la direction de John Eliot Gardiner, avec the English Baroque Soloists et le Monteverdi Choir (concert donné à la Philharmonie de Paris le 3 avril 2015).

Le chef anglais conçoit cette oeuvre monumentale avec une certaine théâtralité, et une mise sous tension, dont on peut perte accoutumé à l'écoute de ses enregistrements des cantates de JS Bach. Disposant d'une des meilleures formations chorales actuelles (comme cela l'a été depuis près de trente ans) avec le Monteverdi Choir, il peut marquer d'une empreinte assez forte les différentes parties de ce chef d'oeuvre du cantor. C'est particulièrement le cas, en toute logique, du Kyrie eleison d'introduction, du Credo in unum Deum, du magnifique Crucifixus et du Dona nobis pacem qui clos la messe.

On ne sera pas dans l'humilité et le respect strict du texte d'un Masaaki Suzuki ou dans la plasticité d'un Philippe Herreweghe mais dans la volonté d'imprimer une tension assez forte, un caractère assez monolithique.

Certains considéreront que cette lecture se fait au détriment d'une certaine élévation. Rien de céleste en effet dans cette version. Plutôt, au contraire, quelque chose de très tellurique, bien armé au sol, ramenant très habilement cette oeuvre gigantesque à notre échelle humaine. C'est en tout cas extrêmement bien fait même si l'inconvénient est le risque (très sensiblement perceptible par moment) de ne pas rester tout à fait égal dans cette tension.

Autre petit bémol : le fait de faire appel à des membres du choeur pour la partie soliste. Je ne peux m'empêcher de penser que ce n'est pas le même tempérament, la même rhétorique. Certains solistes pêchent tout de même par manque d'épaisseur, de charisme et proposent une version un peu empruntée d'arias qui sont pourtant d'une beauté éclatante.

Même si cette version ne correspond au type d'approche qui me touche le plus, je dois avouer sa cohérence et son intensité dramatique.

Plus de détails (notamment sur de futures retransmissions de ce concert) sur le site de mezzo.tv (en vous souhaitant plus de chances que moi, les temps de réponse étant très longs sur le site lors de mes dernières recherches).

Les enregistrements coups de coeur de 2015

L'année 2015 a semble-t-il été riche, surtout sur son dernier trimestre, en parutions de qualité. La baisse des ventes d'enregistrements, notamment en musique classique, ne s'accompagne pas pour autant d'un tarissement de la production. Nous pouvons donc continuer à nous réjouir de découvrir de nouvelles magnifiques versions d'œuvres déjà explorées (ex : le Membra Jesu Nostri de F Buxtehude) tout comme des enregistrements inédits qui nous font découvrir des pièces injustement oubliées.

La sélection que j'ai faite s'inscrit dans cette logique. On y retrouvera en outre des interprètes dont j'ai déjà plusieurs fois vanté les qualités sur de précédents enregistrements (ex : l'ensemble Huelgas, l'ensemble Vox Luminis, le Poème Harmonique...), des interprètes dont la renommée n'est plus à faire et qui ont conservé une certaine intégrité dans leur travail artistique, sans sombrer dans les pièges de la facilité (ex : Andreas Scholl, John Eliot Gardiner...) et des ensembles, interprètes que, pour ma part, je ne connaissais pas encore.

Le Membra Jesu Nostri de Friedrich Buxtehude par l'ensemble Rosso Popora, sous la direction de Walter Testolin (label Stradivarius)

Je n'ai pas eu le temps, comme aux premières années du blog, de rédiger des chroniques sur bon nombre de ces enregistrements et vous prie de m'en excuser. Je me contenterai d'une ou plusieurs petites phrases de résumé et vous laisserai vous forger votre propre opinion, ou, mieux encore, me faire part sur le blog de vos commentaires si vous avez déjà écouté certains d'entre eux.

La sélection apparaîtra également dans la colonne des sélections annuelles (coups de coeur du poisson rêveur 2015), dixième édition depuis celle du millésime 2006.

Je vous souhaite une bonne écoute si cette liste vous donne l'envie de découvrir certains de ces enregistrements.

Le premier de la liste est celui qui fait l'objet de la vignette ci-dessus. C'est en écoutant l'émission "En pistes" animée sur France Musique par Emilie Munera et Rodolphe Bruneau-Boulmier que j'ai eu ce véritable choc à l'écoute d'un extrait de la version du Membra Jesu Nostri de F Buxtehude par l'ensemble Rosso Porpora, sous la direction de Walter Testolin. Cette version est d'une densité extraordinaire,  d'une humanité qui vous saisit d'emblée. Les voix de cet ensemble, d'une tenue parfaite, n'ont pas la froideur des Venexiana mais, au contraire, une très belle richesse expressive, tout en conservant un équilibre formel parfait. La qualité d'enregistrement est exemplaire. C'est vraiment passionnant d'écouter cette lecture italienne de ce compositeur luthérien qui, tout comme ses contemporains, a été fortement influencé par le style madrigal italien. Superbe révélation.

Pour la liste qui va suivre, je prendrai plus ou moins la convention de la liste alphabétique du compositeur ou du titre de l'album en cas de compilation d'oeuvres d'origines diverses, la petite exception étant l'association d'enregistrements qui aborderaient des répertoires d'époques comparables, sur des thématiques différentes mais dont les écoutes peuvent se faire écho.

Airs de cours français de la fin du XVIème siècle, le Poème Harmonique, direction Vincent Dumestre, (label Alpha - Outhere Music)

Stefano Landi - Aria de Cantarsi - Ensemble Il Festino, direction Manuel de Grange (label Musica Fecta)

Je continue avec le disque consacré aux Airs de Cour français de la fin du XVIème siècle, interprétés par le Poème Harmonique, dirigé par Vincent Dumestre. On y retrouve, avec l'élégance que l'on connaît pour cet ensemble, le raffinement des compositions écrites à l'apogée de la Renaissance française. Je ne peux m'empêcher de mettre ce disque en écho avec le 2ème enregistrement d'un ensemble que j'apprécie tout particulièrement, Il Festino, cette fois consacré à des airs pour voix seule (arie da cantarsi) de Stefano Landi, incarnation du compositeur humaniste, dont l'érudition dépassait largement le domaine de la musique. On reste dans un univers poétique, raffiné, guidé par une élévation presque divine. On peut à nouveau écouter avec plaisir la très belle voix et le phrasé parfaitement maîtrisé de Dagmar Saskova. Il est d'ailleurs amusant de constater la similitude de l'iconographie des deux pochettes de disques incarnant la sensualité et la féminité, thèmes communs aux deux projets !

Roland de Lassus l'Européen - Biographie Musicale Volume V - Ensemble Vox Luminis, direction Lionel Meunier (label Musique en Wallonie)

J'enchaîne avec un répertoire en apparence plus austère mais avec l'un des compositeurs les plus inventifs de son époque, Roland de Lassus, exploré par l'excellent ensemble Vox Luminis, sous la direction de Lionel Meunier, qui interprète une vingtaine d'airs profanes et sacrés avec sa plasticité, son sens de la respiration, des couleurs.

Kaspar Förster - Pièces sacrées - Ensemble les Traversées Baroques, direction Etienne Meyer (label Chamins du Baroque)

La suite vient assez naturellement avec Kaspar Förster dont des motets et psaumes sont admirablement interprétés par l'ensemble Les Traversées Baroques, sous la direction d'Etienne Meyer. Là encore, de la respiration, une pâte sonore exemplaire, une très belle densité pour servir des pièces magistrales, injustement passées à l'oubli. Je recommande au passage l'excellente chronique du blog Wunderkammern à propos de ce disque.

Arias for Senesino - Andreas Scholl - Academai Byzantina, direction Ottavio Dantone (label DECCA Classics)

C'est GF Handel (accompagné d'Albinoni, Lotti, Alessandro Scarlatti et Porpora) qui suit avec l'enregistrement qu'Andreas Scholl a réalisé d'arias de ces compositeurs qui avaient été interprétées par le contralto et castrat Francesco Bernardi dit Senesino. On prend toujours plaisir à écouter la voix du contreténor allemand, d'une clarté et d'une tenue impressionnantes dans des airs assez virtuoses. Andreas Scholl a toujours ce don étonnant d'apporter une sérénité impressionnante à ses interprétations. Il écarte toute afféterie pour privilégier la limpidité de la ligne.

Benedetto Marcello - Psaumes - Voces 8 - Les Inventions, direction Patrick Ayrton (label Signum Classics)

J'ai également apprécié le travail de Voces 8 et de l'ensemble instrumental Les Inventions, sous la direction de Patrick Ayrton, sur des superbes psaumes écrits par Benedetto Marcello. Ce dernier est surtout connu pour avoir composé l'Estro poetico-armonico qui est une transcription musicale des cinquante paraphrases des Psaumes de David. Cette très belle version, met très bien en lumière l'écriture subtile du compositeur italien, à ne pas confondre avec son frère ainé, Alessandro, compositeur du fameux concerto pour hautbois en ré mineur.

   

Claudio Monteverdi - Vespro della Beata Vergine - English Baroque Soloist - Monteverdi Choir - Direction John Eliot Gardiner (label Alpha)

Petite "exception" avec cette fois un DVD (ou Blue Ray) qui permet de visionner et écouter la magnifique version des Vêpres de la Vierge de Claudio Monteverdi sous la direction de John Eliot Gardiner (The English Baroque Soloist et le magnifique choeur le Monteverdi Choir). Ce concert, donné à la Chapelle Royale du Château de Versailles, était visionnable sur Culture Box pendant plusieurs semaines et je l'avais déjà évoqué dans le blog. Le sens des couleurs, de la théâtralité que révèle le maître anglais du baroque sert à merveille cette oeuvre ultime de Monteverdi. La beauté du Monteverdi Choir est toujours exceptionnelle.

 

WA Mozart

Enregistrement de d'oeuvres (symphonies, concertos, Requiem) par Frans Brüggen, Orchestra of the Eighteenth Century (label Note 1 Music Gmbh)

Intégrale des concertos pour piano et orchestre par Christian Zacharias, Orchestre de Chambre de Lausanne (label MDG Gold)

Passage maintenant au style classique avec deux dignes serviteurs de WA Mozart, dont un émminent en la personne de Frans Brüggen, qui nous a quitté il y a un an. Une sélection d'oeuvres concertantes et symphoniques mais aussi une version "live" historique du Requiem. Christian Zacharias, quant à lui, nous propose son intégrale des concertos pour piano que je place parmi les meilleures qui aient été gravées.

 

Le Mystère de "Malheur me bat" - Huelgas Ensemble, direction Paul Van Nevel (label Deutsche Harmonia Mundi | Sony )

Les habitués du blog savent à quel point il m'est quasiment impossible de proposer une sélection sans y inclure un enregistrement de l'Huelgas Ensemble dirigé par Paul Van Nevel. La thématique ici est autour du rondeau "Malheur me Bien à toi", de nombreuses fois décliné par différents maîtres de le musique polyphonique de la Renaissance. L'enregistrement regroupe des pièces anonymes, mais aussi un composition de Johannes Ockeghem et 5 versions de Messes qui malheur me bat par Josquin Desprez. C'est toujours fascinant de savourer la maîtrise, l'humanité, la densité des interprétations de cet ensemble qui se hisse parmi les plus grands dans ce répertoire.

 

Igor Stravinsky - Petrouchka et le Baiser de la Fée - Orchestre Philharmonique de Leningrad, direction Evgeny Mravinski

Une clôture de cette sélection qui peut paraître singulière, vu le répertoire jusqu'ici très axé sur la musique ancienne et baroque mais mon admiration d'Evgeni Mravinski est telle que toute nouvelle édition est un "must". Il s'agit ici d'interprétation de compositions d'Igor Stravinsky. Il s'agit ici de la rencontre de deux maîtres russes avec une phalange légendaire (l'orchestre Philharmonique de Leningrad). La rythmique implacable imprimée par Mravinski sert à merveille l'énergie, la force des compositions de Stravinsky.

Morceau choisi N°64 : la cantate ''Muß der Tod denn auch entbinden'' de D Buxtehude

La cantate Klag-Lied ''Muß der Tod denn auch entbinden'' BuxWV76 est une magnifique élégie composée par Dietrich Buxtehude en hommage à son père et faisant suite au décès de ce dernier.

Composée pour une voix de soprano, je vous propose cette belle version par le contre ténor Andreas Scholl, accompagné de Markus Märkl (orgue / positif), Friederike Heumann (viole de gambe basse continue), Friederike Heumann (viole de gambe alto), Brigitte Gasser (viole de gambe basse continue).

Le modèle perdant / perdant du streaming

Deezer reporte son introduction en Bourse et Qobuz est placé en redressement judiciaire.

Le modèle du streaming, qui maintenant dépasse largement celui du téléchargement (les revenus du streaming représenteraient au moins la moitié des ventes numériques de musique), s'avère également désastreux pour les artistes (la rémunération est de l'ordre de 0,002 € par écoute pour un artiste). L'excellent article de France Musique (musique classique et streaming : que touchent les artistes ?) décrit très clairement, avec un graphique, que sur le montant mensuel moyen payé par un abonné sur une plate-forme de streaming (9,99 €), 0,46 € reviennent... à l'ensemble des artistes qui ont été écoutés par ledit abonné sur le mois.

Ce modèle ne rémunère donc pratiquement pas les artistes et guère plus les labels.

En outre, des nombreux observateurs, et visiblement des investisseurs, restent sceptiques sur le modèle économique des acteurs eux-mêmes du streaming. L'abonnement à 9,99 € / mois peut s'avérer insuffisant, compte tenu des coûts d'exploitation de ces plates-formes qui doivent garantir un niveau de service élevé, tout en gérant de nombreux titres et une base de plusieurs millions d'auditeurs (le catalogue en ligne de ces plates-formes entre, par exemple Deezer et Spotify, peut être estimé à environ 30 millions de titres pour Environ 6 à 15 millions d'abonnés (d'ailleurs Spotify compte 60 millions d'utilisateurs pour 15 millions qui payent pour un abonnement) (6 millions d'abonnés payants pour Deezer).

Le cas Qobuz montre à quel point la recherche de qualité peut être confrontée à cette "commoditisation" de l'écoute désespérante chez nombre d'auditeurs, à un manque cruel de soutien des pouvoirs publics (à quoi sert le Ministère de la Culture ?) pour soutenir un acteur qui cherche à servir les mélomanes avec des écoutes HD, sur le répertoire classique, le jazz, la chanson française. Le modèle n'est visiblement pas viable et les repreneurs ne semblent pas se bousculer... C'est d'autant plus rageant que les offres haut débit des FAI, notamment avec la fibre, permettent désormais de servir confortablement ce type de service. L'obstacle n'est donc plus technique mais bien économique. On est arrivé à une absurdité consistant à considérer que la consommation de musique doit être quasiment gratuite, alors que les coûts de production / promotion / diffusion des enregistrements sont incompressibles et que les artistes ne travaillent pas seulement pour la gloire. Le tendance semble être la même pour le cinéma avec des enjeux encore plus importants, vus les budgets de production.

Je ne pense pas que l'accord dit "historique" sur la juste rémunération des artistes pour la filière musique, signé par la Ministre de la Culture, après la médiation opérée par Marc Schwartz, conseiller maître à la Cour des comptes, suffise à mettre en place des modèles qui permettent à chacun d'y retrouver son compte.

Pour l'instant, les modèle est visiblement perdant au moins au carré (artistes, plates-formes), voire puissance 4 (artistes, plates-formes, labels et... auditeurs, sur la qualité de l'écoute).

Magnifique concert de l'ensemble Huelgas

Les lecteurs du blog connaissent certainement mon admiration pour le travail de Paul Van Nevel et sa formation vocale, l'ensemble Huelgas, sur le répertoire de la musique polyphonique, notamment celle des XVème et XVIème siècles. J'ai chroniqué à plusieurs reprises une partie de leurs enregistrements (cf. notes du 26 décembre 2011, 23 juin 2010, 3 octobre 2009, 24 juillet 2008).

Le superbe enregistrement que l'ensemble avait réalisé de pièces de Michelangelo Rossi (la poesia cromatica) avait même figuré sur la sélection des 7 meilleurs enregistrements que j'avais effectuée dans le cadre des 7 ans du blog. Je tiens à rappeler d'ailleurs que cet enregistrement était un "live" dans le cadre du Festival de Saintes.

Paul Van Nevel, avec son ensemble vocal, confirment le niveau d'excellence à mon avis inégalé sur ce répertoire. L'ensemble, d'une homogénéité saisissante, révèle des couleurs sublimes, restitue les nuances et intonations les plus infimes avec une précision saisissante, tout en conservant la ligne directrice.

Ce qui le distingue surtout par rapport aux premiers ensembles qui ont exploré ce répertoire et quant à eux d'origine anglo-saxonne, c'est l'expressivité, la respiration, la vie, un tempérament, tout en respectant strictement la rhétorique et en conservant une réelle élégance. Paul Van Nevel, comme Philippe Herreweghe avec le Collegium Vocal de Gant, et plus récemment Lionel Meunier avec Vox Luminis, apporte une plasticité, une humanité, une volonté d'exprimer certaines intonations en fonction du texte et de la structure harmonique, qui font de ce répertoire une musique vivante, vibrante et qui nous touche profondément.

Pour ma part, elle me marque bien plus que l'approche de nombre d'ensembles britanniques, proposant des interprétations certes de très haut niveau, ayant souvent été les pionniers dans ce répertoire, mais privilégiant plus une tenue assez fixe de la ligne, une transparence, conduisant souvent à un certain manque d'aspérité, à une certaine froideur.

Jeudi 5 novembre dernier, j'ai eu l'occasion d'écouter l'ensemble Huelgas en concert pour la première fois (concert donné au sein du magnifique Temple de Pentemont, dans le cadre de la saison 2015 du festival Terpsichore). Il est d'ailleurs à noter que l'ensemble Huelgas ne se produit que rarement en France (ce que l'ensemble semble également déplorer).

Le programme a été monté par Paul Van Nevel avec l'intelligence du texte qui le caractérise. Il s'agissait d'une exploration d'environ 1h30 de l’œuvre du compositeur Cipriano de Rore.

D'origine flamande, il a composé la majeure partie de son œuvre en Italie, notamment à Ferrare. Il s'agit d'un exemple intéressant d'un compositeur qui pourrait représenter une synthèse entre la polyphonie de tradition franco-flamande et l'art du madrigal italien, tout comme le grand compositeur de madrigaux Adrian Willaert, qu'il aurait d'ailleurs cotoyé. On n'a d'ailleurs que très peu d'indication sur le pays où Cipriano de Rore aurait eu sa formation musicale, celle-ci oscillant entre les Flandres et l'Italie. Il est à noter qu'il aurait eu Jacques de Wert comme élève, ce qui ne m'étonne pas, car j'ai pensé à des pièces de ce compositeur lors du concert (cf. note du 30 janvier 2007 du blog sur l'enregistrement de madrigaux de ce compositeur par l'ensemble la Venexiana).

Le titre du concert "Cipriano de Rore l'humaniste" était particulièrement bien choisi car le travail de Paul Van Nevel (sélection des pièces, choix d'interprétation) a très justement révélé que ces compositions, si elles peuvent avoir un caractère transcendant, notamment les œuvres sacrées, nous touchent par une certaine tendresse, une forme d'intériorité qui leur confère proximité et humanité.

Le concert a été construit en quatre parties : 1. des œuvres profanes sur des textes classiques (poèmes de Virgile), 2. des pièces profanes et sacrées composées pour des mécènes, 3. des pièces qui révèlent Cripriano le poète (dont le saisissant et inclassable Mon Petit Cœur), 4. des œuvres composées pour des occasions particulières.

Parmi les pièces qui m'ont particulièrement marqué, figurent celles écrites pour des mécènes. Tout d'abord le magnifique madrigal à 4 voix, cité par Monteverdi : Mia Benigna Fortuna, tiré du second livre de madrigaux, d'un raffinement incroyable, avec un tuilage des voix particulièrement impressionnant, une très belle ligne soutenue par la soprano et des dissonances millimétrées. Ensuite le Sanctus & Agnus Dei du Missa "Doulce memoire", à 5 /hommage au collègue Pierre Sandrin. Le Sanctus et l'Agnus Dei révèlent la plénitude et la douceur que peut atteindre l'écriture de Cipriano de Rore. L'ensemble Huelgas démontre ici le niveau d'excellence qu'il peut atteindre dans ce type de répertoire.

On notera ensuite, dans la deuxième partie du concert, le magnifique Mon petit Cœur, pièce véritablement hypnotique, qui se déploie en huit lignes continues et qui gagne progressivement en intensité et en couleurs, pièce que l'ensemble Huelgas est visiblement le seul à rendre avec une telle densité et un tel raffinement.

Enfin, même si tout le programme était splendide, l'Agnus Dei de la messe "Praeter Rerum seriem" à 7, écrite pour le Duc de Ferrara, Ercole II d'Este constituait le final particulièrement impressionnant de ce concert. Les voix de sopranos engagent cet Agnus Dei dans des lignes aériennes vertigineuses, cette dernière étant ensuite étirée avec une tension saisissante, parsemée de frottements harmoniques inouïs.

J'ai brièvement rencontré Paul Van Nevel à l'issue du concert afin de le féliciter pour cette soirée exemplaire qui nous a permis d'appréhender toute la profondeur des compositeur Cipriano de Rore. Il m'a confirmé à quel point, selon lui, l'écriture de ce dernier est incroyable, chaque note ayant parfaitement sa place, chaque œuvre reposant sur une architecture très rigoureuse.

Le concert était enregistré par France Musique.

Pour illustrer le travail de l'ensemble Huelgas sur Cripriano de Rere, j'ai inséré cette vidéo de youtube présentant leur enregistrement de la messe Praeter rerum seriem. Elle est tirée d'un enregistrement que l'ensemble a réalisé chez Harmonia Mundi il y a plus de dix ans.

Composition de l'Ensemble Huelgas

• Cantus : Sabine Lutzenberger, Axelle Bernage, Poline Renou
• Altus : Witte Maria Weber
• Tenor : Bernd Oliver Frôhlich, Timothy Leigh Evans, Tom Phillips, Matthew Vine
  Baritonans : Frederik Sjollema
• Bassus : Guillaume Olry
• Direction : Paul Van Nevel

Programme complet interprété :

Œuvres sur des textes classiques

• O socii neque enim, à 5 / texte: Vergilius
• O fortuna potens, à 5 / texte: Vergilius
• Dissimulare etiam sperasti, à 5, 6 & 7 / texte: Vergilius

Œuvres pour des mécènes

• Quis tuos presul, à 6 / pour le Cardinal Cristoforo Madruzzo
• Mia Benigna Fortuna, à 4 / cité par Monteverdi
• Sanctus & Agnus Dei du Missa "Doulce memoire", à 5 /hommage au collègue Pierre Sandrin

Cipriano, le poète

• Amour me faict, à 5
• Datemi Pace, à 4 / texte: Petrarca
• Mon petit Coeur, à 8

Œuvres pour des occasions particulières

• Donec gratus eram tibi, à 8 / texte: Horatius / pour Albrecht II van Beieren
• Agnus Dei uit de Missa "Praeter Rerum seriem" à 7 / pour le Duc de Ferrara, Ercole II d'Este

Vox Luminis explore la dynastie Bach

Le dernier enregistrement de Vox Luminis est consacré à des motets composés par des ancêtres de JS Bach. Les 2 CDs enregistrés par l'ensemble dirigé par Lionel Meunier, et à nouveau édités par le label Ricercar (Outhere Music), demandent une écoute attentive, même si elle est éclairée de façon toujours pertinente et parfaitement documentée par Jérôme Lejeune.

Les aînés du Cantor sélectionnés sont, Johann Bach, grand oncle de JS Bach ainsi que Johann Christoph Bach  et Johann Michael Bach, tous deux fils d'un des frères de Johann Bach (Heinrich).

Les pièces enregistrées révèlent leurs sources puisées dans la musique polyphonique franco-flamande mais également l'influence de la musique pluri-chorale du style madrigal, tous deux d'origine italienne, sur la musique allemande luthérienne du XVIIème siècle.

Les oeuvres sont toutes des compositions sacrées, motets écrits pour différents offices de la liturgie protestante (motets funèbres, motets pour le temps de la Passion, pour le temps de Noël).

Outre la configuration en deux choeurs, on retrouvera également des compositions où les voix se renvoient en échos, celles en second plan, ayant certainement vocation à évoquer l'au delà (ex : "Halt, was du hast" de Johann Michael Bach (CD 1 - piste 7).

De toute évidence, à l'écoute de ces différentes compositions, conformément à la déclaration même de Jean-Sébastien Bach à propos de ses aînés, je trouve que c'est Johann-Christoph Bach qui se détache comme le compositeur à la fois le plus profond (le superbe motet "Der Mensch, vom Weiben geboren" en témoigne) (CD 1 - piste 5), mais aussi le plus inventif. Les harmonies, les envolées de parties solistes, les ruptures rythmiques étonnantes révèlent le caractère singulier de ce motet et cette inventivité de Johann-Christoph Bach se présente comme une évidence.

Sinon, on retiendra également, un motet pour le temps de Noël, "Merk of, hein Herz" de Johann Michael Bach (CD 2 - piste 7) qui se singularise également par rapport aux autres pièces. Il est construit sur 7 versets, tous très différents, avec des climats parfois assez singuliers.

Le travail réalisé par Vox Luminis est, comme toujours, exemplaire, très réfléchi et la facture est de très haut niveau.

L'ensemble vocal, comme pour les enregistrements précédents, est très homogène. L'interprétation est d'une fluidité remarquable avec une belle respiration, une clarté de la ligne et une souplesse d'ailleurs indispensables, compte tenu du caractère peut-être un peu aride que certaines pièces pourraient prendre avec une version qui serait guidée par trop de rectitude.

Il s'agit d'un projet courageux, dont la cohérence est suffisamment rare pour être soulignée, sur un répertoire qui n'est pas d'un accès très facile. On pourrait en effet vite se lasser du caractère en apparence conventionnel de l'écriture de ces ancêtres du Cantor. Vox Luminis nous permet de nous affranchir de ce risque et nous plonge dans l'intimité du travail de ce compositeurs, ne serait-ce que par leur intelligence du texte.

On retiendra également la belle qualité d'enregistrement, comme pour tous les disques de l'ensemble. Les voix se déploient avec beaucoup de naturel et la spacialisation apporte beaucoup de relief à ces motets, sans aucun excès de réverbération.

Coup de coeur du poisson rêveur.

German Baroque Sacred Music - Bach (Johann, Johann Christoph, Johann Michael) Motetten - Vox Luminis - Direction musicale : Lionel Meunier - label Ricercar (Outhere Music).

Morceau choisi N°63 : l'andante cantabile du quatuor pour piano et cordes en mi bémol majeur opus 47 de Robert Schumann

Le mouvement lent du quatuor pour piano et cordes en mi bémol majeur opus 47 de Robert Schumann est certainement l'une des plus belles pièces romantiques qui aient été écrites pour la musique de chambre. Mélancolie et douceur extrêmes.

Magnifique version du Quatuor Emerson avec le grand Menahem Pressler au piano (label Deutsche Grammophon).

Très belle 36ème édition des Fêtes Musicales du Château de Pionsat

Les habitués du blog savent que je couvre chaque année les Fêtes Musicales du Château de Pionsat. J'y suis impliqué en tant que bénévole, notamment sur la communication Internet du Festival.

La directrice artistique du festival, Racha Arodaky, a placé cette édition (du 27 au 31 juillet) sous le signe du croisement des genres avec une très belle distribution.

Le festival s'est ouvert avec un duo piano / voix de très haute tenue : François-René Duchâble qui accompagne au piano la soprano Sophie Marin-Degor. Le programme, mettait en écho la musique française, la musique allemande de la fin du XIXème et du début du XXème siècle avec des intermèdes au piano seul intégrant des pièces de Frédéric Chopin, Frantz Liszt ou Franz Schubert.

Parmi les belles pièces de ce concert, j'ai particulièrement été touché par leur version de 4 lieder de Richard Strauss dont le magnifique Morgen. La complicité évidente entre les deux interprètes a conféré une réelle magie à cette soirée qui a très vite conquis le public. 

Le second concert associait Racha Arodaky interprétant des sonates de Domenico Scarlatti avec le chanteur de Flamenco Paco El Lobo. Le programme était de la même facture que celui qu'ils avaient donné au théâtre de Vélizy (cf. note du 2 juin 2012). Intensité du chant et couleurs, luminosité du jeu de Racha Arodaky pour nous plonger dans le mystère de la rencontre inédite de l'éclat des notes napolitaines avec la noirceur du chant andalou. Par rapport au concert de Vélizy, les deux artistes ont pris le parti d'imbriquer encore plus les deux univers, provoquant une émotion encore plus vive.

Le milieu de semaine, a été ponctué par deux concerts : un concert jeunes solistes à l'église où la pianiste Louise Cournarie, qui termine son cycle supérieur à la Royal Academy of Music de Londres, a interprété un concert Haendel, Bach et Schubert. Elle a notamment déployé une très belle et sensible version des six moments musicaux D 780 de Franz Schubert (on peut visionner un de ses enregistrements sur youtube, lors d'un concert donné le 5 décembre 2014 à St James Picadilly).

La soirée du mercredi 30 juillet, devenue dîner concert depuis l'édition 2014, a fait honneur à un iconoclaste qui a souvent décliné avec brio des grands airs du classique avec des paroles hilarantes et sous le signe de l'absurde. La musique classique revisité par Francis Blanche était donc le thème principal de cette soirée avec l'interprétation truculente et très second degré du baryton-basse Jean-François Vinciguerra, accompagné au piano par Isabelle Fleur. Ce spectacle avait été créé par Jean-François Vinciguerra il y a quelques années au Théâtre de la Potinière à Paris où il avait connu un franc succès.

Les deux jours qui ont suivi ont permis d'écouter d'une part deux superbes quatuors pour piano (celui de Robert Schumann opus 41 en mi bémol majeur et le N°1 en sol mineur opus 25 de Johannes Brahms) interprétés par le Quatuor Giardini à l'église Saint-Bravy, et d'autre part le talentueux guitariste Emmanuel Rossfelder, grand habitué du Festival et qui a retrouvé, avec un bonheur partagé, son public sur un programme où il a pu une fois de plus, révéler sa musicalité et une belle virtuosité.

Le programme détaillé peut être consulté via ce lien et la présentation plus détaillée du Festival et de ses éditions précédentes sur le site musicalesdepionsat.com. 

Festival international de piano à la cour : du très haut de gamme

Le Festival de piano à la cour, produit dans le superbe cadre du château de Solliès-Pont, propose cette année un programme de récitals de piano d'un niveau exceptionnel : 

Jeudi 20 août : Marylin Frascone, avec un programme Liszt, Rachmaninov, Ravel et Grieg.

Vendredi 21 août : Oleg Poliansky, avec un programme Schubert, Debussy, Prokofiev.

 

Samedi 22 août : Vittorio Forte, interprétant Couperin, Chopin, Schubert, Liszt, Rachmaninov, Wild, Strauss et Godowsky.

Dimanche 23 août : concert jeune prodige avec Louise Cournarie interprétant Bach, Mozart, Handel et Schubert.

Ce festival, doté d'une nouvelle direction artistique, reprise par Frédéric Bernard, avec le soutien de la Ville de Solliès-Pont, affirme sa volonté de proposer des interprètes d'exception. A ne manquer sous aucun prétexte !

Plus de détails (notamment le programme détaillé de chaque pianiste) sur le site de la ville de Solliès-Pont.

Réservations possibles auprès de l'Office de Tourisme au 04 94 28 92 35 ou via [email protected].

Le streaming détrône le téléchargement

L'usage du numérique pour l'écoute de la musique passe de plus en plus par le streaming, les ventes de téléchargements étant en baisse. L'article d'Alain Beuve-Mery dans le Monde daté du 6 août présente les chiffres, pour la France, comme à l'international.

Les chiffres de 2014, diffusés par l'IFPI (International Federation of Phonographic Industry) mettent en évidence une hausse de 39% des revenus tirés du streaming contre un baisse de 8% des revenus issus des téléchargements.

Plus de détails (en anglais) sur le site de l'IFPI.

"Rippez" près de 3 000 CDs

Je cherchais une solution pour stocker et écouter via un serveur unique ma discothèque (majoritairement CDs de musique classique, de jazz est quelques CDs de rock/pop). Après avoir étudié différentes solutions, mon choix s'est fixé sur le serveur audio Bluesound Vault fabriqué avec des composants de la marque NAD par Lenbrook Industries Ltd. En reliant ce serveur avec votre box Internet (par un câble Ethernet fourni) et en le branchant sur l'amplificateur de votre chaîne Hifi, vous disposez des avantages suivants :

• Le serveur permet de "ripper" (charger le contenu) de tous vos CDs en format non compressé (FLAC) ou compressé (MP3, à éviter sauf problème d'espace disque) en allant également rechercher par Internet la pochette de disque sur des serveurs en fonction de l'encodage du CD rippé (lecteur optique d'origine Teac intégré pour intégrer la pochette de disque). Comme le serveur est connecté à la box Internet, il est possible d'accéder aux fichiers musicaux en format FLAC depuis un ordinateur connecté au réseau domestique et de les écouter également depuis l'ordinateur (prévoir l'installation d'un logiciel comme VLC pour lire les pistes en format FLAC sur un Mac car iTunes ne les lie pas...). Avec une mémoire de 2 To (disque dur Seagate), il est possible de stocker l'équivalent de près de 3000 CDs en mode FLAC.

• Le serveur peut être directement connecté avec des sites de streaming comme Deezer ou Qobuz pour de l'écoute de musique en ligne (dont des morceaux en HD via Qobuz).

• La configuration du serveur et la recherche de pistes des CDs rippés comme des serveurs de streaming se fait via un smartphone sous IOS ou Android relié en wifi. Il suffit de télécharger l'application de Bluesound par exemple sur l'App Stire (l'application prend 24 Mo).

Le temps de chargement / "rippage" d'un CD prend en moyenne une dizaine de minute. J'ai déjà rippé près de 160 CDs tranquillement en trois semaines et qui occupent 4% de la capacité totale de 2 To du disque dur du serveur. Il faut bien s'assurer pendant une trentaine de secondes que le CD est bien lu et non rejeté. Certains CDs un peu "récalcitrants" (pour une raison qui m'échappe) demandent parfois à être réintroduits plusieurs fois dans la fente de chargement avant que le rippage ne s'enclenche vraiment. Ne partez donc pas faire autre choses immédiatement, une fois le CD introduit, car parfois il est rejeté au bout de quelques secondes. 

Il est possible d'effectuer une sauvegarde sur n'importe quel disque dur externe à condition qu'il fasse au moins 2 To de capacité via un port USB.

Cette solution offre un confort d'écoute extraordinaire. On peut partir sur son lieu de vacances avec son cube à condition d'avoir une liaison Internet et écouter toute sa discothèque sans emporter le moindre CD. On peut même, si on en a les moyens, avoir une 2ème serveur Bluesound Vault sur un lieu fixe de vacances et on ne se déplace qu'avec son disque dur pour charger le contenu du premier serveur.

Seule limite, il faut garder les livrets papier du CD à part car ils ne sont pas disponibles sur Internet. C'est tout de même un point d'une certaine importance dans le domaine de la musique classique, notamment pour la musique lyrique avec les livrets d'opéras.

La qualité d'écoute est très correcte. Elle est un tout petit peu plus "sèche" que via la lecture de mes CDs sur mon lecteur CD Arcam mais comme on est en format FLAC, une bonne partie de la dynamique et de la clarté d'enregistrement est préservée. En revanche, un CD mal enregistré restera bien entendu un mauvais CD à l'écoute, même grippé.

Plus de détail en français sur le site son-video.com, très sérieux, et où j'ai acheté mon Bluesound Vault et en anglais sur le site du fabricant.

Cette solution peut paraître coûteuse (1000 €) mais elle apporte énormément d'avantages et de praticité. Le serveur est en outre assez bien fini, très peu encombrant, assez design. Il existe en noir ou en blanc.

Ce serveur a obtenu la distinction Qobuzissime avec une remarquable analyse technique de ce composant hifi entièrement numérique.

France Musique : la peau de chagrin

Les dirigeants de Radio France et de France Musique semblent avoir les yeux rivés sur l'audience de... Radio Classique. La conséquence, une simplification de la grille dans l'optique d'être "plus grand public". Ce n'est pas cela le plus inquiétant mais, semble-t-il, la réduction de près de 50% des budgets consacrés à la captation des concerts avec la concentration de l'enregistrement dans des salles ayant leur propre régie.

Lien vers l'article de Telerama.

Morceau choisi N°62 : andante du 2ème concerto pour piano en fa majeur de Chostakovitch

Cet andante donne le frisson dès que le piano intervient.

Version de Denis Matsuev, accompagné de Valery Gergiev à la tête de l'Orchestre du Théâtre Mariinsky.

Les injustices historiques ?

Géry de Ghersem, compositeur né à Tournai vers 1573, contemporain d'autres grands polyphonistes franco-flamands comme Roland de Lassus, né un peu plus de cinquante ans après Josquin Desprez, a surtout travaillé pour la cour d'Espagne. Et si son œuvre considérée comme très prolifique n'avait été détruite lors des incendies qui ont suivi le terrible tremblement de terre de Lisbonne en 1755 ?

Les cas d'artistes tombés dans l'oubli parce que leur travail a subi les altérations ou destructions implacables de l'Histoire sont assez nombreux.

La ‪Missa Ave Virgo Sanctissima‬, d'une fluidité et d'une douceur indéniables, illustre le travail exemplaire de ce compositeur. Interprétation d'Erik Van Nevel (neveu de Paul, le directeur musical du Huelgas Ensemble) à la tête de son ensemble Currende (label Accent).

 

Morceau choisi N°61 : 1er mouvement des Nuits dans les jardins d'Espagne

A écouter par ce beau soir digne du plus bel été : Les nuits dans les jardins d'Espagne de Manuel de Falla par Alicia de Larrocha et Rafael Fruhbeck de Burgos à la tête du London Philharmonic Orchestra. 1er jardin : En el Generalife (jardins de jasmins du palais de l'Alhambra).

Everynoise.com recense plus de 1 300 genres musicaux

Le site everynoise.com permet de tester de façon interactive quelques secondes de musique sur 1 374 genres musicaux différents. En cliquant sur un genre donné, le site propose l'écoute d'un nombre impressionnant de groupes associés à ce genre. Il s'agit d'une tentative de classification sur la base d'algorithmes qui associent les différents groupes musicaux par genre.

Quand on écoute un extrait tiré d'un groupe, en cliquant sur la flèche en bout de fenêtre d'écoute, le site renvoie vers la page Spotify du titre avec, si disponible, la pochette de l'album (ex : Renaissance --> Jean Mouton --> renvoi sur le disque "The Medici Wedding" du Ring ensemble chez Alba sur le site de Spotify).

J'ai testé ce site sur la musique renaissance ou baroque et la liste est particulièrement riche.

On y retrouvera également des classifications assez exotiques comme le blues rock psychédélique, la pop vietnamienne, la pop classique turque, selon votre niveau de spécialisation.

Lien vers le site.

Les Vêpres de Monteverdi à Versailles par JE Gardiner

Il est possible de visionner et écouter avec une qualité sonore très correcte sur Culturebox une très belle version des "Vespro della Beata Vergine" de Claudio Monteverdi, interprétée sous la Direction de John Eliot Gardiner, avec l'ensemble The English Baroque Soloist et, surtout, le magnifique Monteverdi Choir qui continue à s'imposer comme l'une des meilleures formations chorales au monde sur le répertoire de la musique ancienne et baroque.

L'acoustique exceptionnelle de la Chapelle royale de Versailles constitue un écrin idéal pour ce chef d'œuvre. John Eliot Gardiner a décidé, de façon très pertinente, d'exploiter les différents niveaux que fournit ce lieu pour proposer une "mise en scène" particulièrement réussie.

Vous pourrez constater à quel point le Monteverdi Choir sert cette œuvre avec une élégance, une élévation uniques. La beauté et les audaces de l'écriture du maître de Mantoue sont ainsi magnifiquement révélées. La théâtralité inévitablement associée à ces Vêpres, est également complètement préservée.

Une exposition, un disque : au détriment de la musique ?

Outhere Music a édité, dans le cadre de l'exposition que consacre le Grand Palais au peintre Diego Velasquez, un enregistrement sous le titre "La musique au temps de Velasquez".

Pour reprendre la description de cette nouveauté du catalogue du label flamand, la distribution comprend plusieurs interprètes et ensembles musicaux : La Real Camara, Ensemble La Romanesca, Jean Tubéry, La Fenice, Choeur de Chambre de Namur, Bernard Foccroulle, Alice Foccroulle, Jean-Marc AYMES, Syntagma Amici, Leonardo García Alarcón, Cappella Mediterranea, Ensemble Clematis.

Ces différents protagonistes nous proposent un mélange de pièces profanes et sacrées, de compositeurs espagnols contemporains d'un des plus grands maîtres de la peinture occidentale.

A l'écoute de ce disque, on ne peut s'empêcher de se rappeler le fait que la musique était encore loin, à cette époque, d'atteindre les niveaux de maturité, d'élévation, de virtuosité auxquels la peinture s'était déjà élevée, surtout en Espagne. Pour reprendre les différents propos de Salvador Dali, qui considérait d'ailleurs Velasquez comme l'un des plus grands peintres de tout les temps, sur le fait que la musique restera toujours un art mineur par rapport à la peinture (j'ai intégré en fin de note la vidéo du site de l'INA, restituant une "conversation entre Salvador Dali et le professeur Henri Laborit" où il faut visionner les premières minutes pour écouter ce que dit le peintre catalan surréaliste sur la musique - on notera d'ailleurs la ressemblance frappante de Velasquez sur la pochette du disque avec Dali sur la vignette de la vidéo !), force est de constater que ce disque n'abonde pas vraiment dans le sens de la démonstration du contraire.

Pour être plus clair, je ne suis pas certain que cette initiative d'Outhere Music soit très glorieuse pour l'art musical, surtout quand il est mis en écho avec un peintre de la stature de Velasquez. On pourrait même penser que c'est assez désobligeant pour la mémoire de ce maître incontesté.

Dans ce disque, on pourra écouter des oeuvres de compositeurs plus ou moins influencés par les compositeurs italiens, sans en atteindre d'ailleurs, ni la magnificence, ni l'inventivité. Pour certaines pièces, les compositeurs sélectionnés puisent également leur inspiration dans le répertoire folklorique espagnol.

Pour les pièces à raisonnante plus populaire, c'est Leonardo García Alarcón qui prend la main avec l'ensemble Clematis et la Cappella Mediterranea. Les pièces sacrées sont, quant à elles, confiées à Jean Tubery, avec son ensemble la Fenice. Entre ces deux ensembles, La Real Camara et La Romanesca se fraient une petite place.

Le tout, (16 pièces interprétées) est relativement homogène au niveau de l'interprétation avec toutefois le caractère assez affirmé des deux ensembles qui occupent le premier rang. On retrouvera la vitalité, le caractère entier, et non sans une certaine sécheresse, de la lecture de Leonardo García Alarcón sur des pièces comme celles de Matheo Romero ou Gioseffo Zamponi. Comme je l'avais mentionné dans de précédentes chroniques, je ne suis pas vraiment emporté par les interprétations de Leonardo García Alarcón qui manquent, selon moi, d'une forme d'élan, de lyrisme et qui restent d'une trop grande dureté, comme s'il expédiait ces pièces avec une certain désinvolture. On retrouve le côté un peu "brut" des interprétations de Gabriel Garrido qui n'est pourtant pas sans me déplaire, mais malheureusement avec les couleurs en moins.

J'ai pour ma part plus d'affinités avec la démarche de Jean Tubery qui, même si elle peut être qualifiée d'assez retenue, voire quelquefois cérébrale, atteint toujours une certaine élévation, joue sur de belles touches subtiles, une forme d'élégance. C'est particulèrement notable sur les deux seules pièces qui m'ont séduit sur ce disque : le Magnificat a 8 de Matheo Romero et la très courte et belle pièce "Pan divin grazioso" de Francisco Guerrero.

Pour conclure, hormis ces deux pièces, je n'ai vraiment pas été conquis par ce disque. Je trouve qu'il n'apporte pas d'éléments notables dans le discographie consacrée aux compositeurs du monde hispanique dans cette période du tout début de la période baroque.

Plus de détails sur le site d'Outhere music.

La musique au temps de Velasquez - La Real Camara, Ensemble La Romanesca, Jean Tubéry, La Fenice, Choeur de Chambre de Namur, Bernard Foccroulle, Alice Foccroulle, Jean-Marc AYMES, Syntagma Amici, Leonardo García Alarcón, Cappella Mediterranea, Ensemble Clematis - label Ricercar / Outhere Music.

 

Richter aurait eu cent ans aujourd'hui

Né en 1915, Sviatoslav Richter aurait cent ans aujourd'hui. Je vous propose de l'écouter en compagnie de Carlos Kleiber, à la tête du Bayerisches Staatsorchester München, interpréter le concerto pour piano en sol mineur opus 33 d'Anton Dvořák.

Un Schubert si prévisible ?

Vu l'engouement d'un certain nombre d'internautes et de critiques professionnels (ex : "Le jeu de David Fray est un bijou de lyrisme et de toucher, révélant la richesse mélodique unique de Schubert" - France Musique / ou la critique du site piano bleu), je me suis tout de même résolu à écouter son dernier enregistrement consacré de nouveau à Schubert. Autant être clair d'emblée : je n'ai jamais écouté David Fray en concert et ma seule écoute d'un de ses enregistrements date d'il y a un certain temps (cf. note du 25 avril 2009 consacrée au DVD du film réalisé par Bruno Monsaingeon sur David Fray, enregistrant trois concertos pour piano et orchestre de JS Bach avec le Deutsche Kammerphilharmonie Bremen).

En guise de conclusion de cette chronique, j'avais rédigé à l'époque : "Je dois avouer toutefois que sur la durée, cette imagination et énergie débordantes ont un caractère plutôt épuisant. La fébrilité imprimée par David Fray s'avère un peu fatigante après l'écoute des trois concertos. En outre, les options marquées qu'il prend, tant au niveau de l'accentuation de certains contrastes dans les phrasés, que du changement de tempo ou de rythme sont, à mon goût, quelquefois discutables."

A l'écoute du dernier enregistrement, six ans après, consacré à des œuvres tardives de Schubert, force est de constater, comme le souligne son partenaire sur la Fantaisie en fa mineur pour quatre mains, son ex professeur Jacques Rouvier, que le "chien fou" s'est assagi.

Le programme du disque comprend : la sonate N°18 en sol majeur D 894, la Mélodie Hongroise en si mineur D 817, l'Allegro in en la mineur, "Lebensstürme", pour quatre mains D. 947 et la fameuse fantaisie en fa mineur pour quatre mains D 940.

Aborder, quel que soit l'interprète, une nouvelle écoute de la sonate N°18 et de la Fantaisie à quatre mains en fa mineur, quand on dispose à l'oreille de respectivement Radu Lupu (certainement selon moi un des plus grands schubertiens avec Sviatoslav Richter) et de la fameuse version Perahia / Lupu, la barre est fixée très, très haut.

Le but d'une écoute n'est pas de tenter de comparer à tout prix, mais force est de constater que l'on a toujours une écoute forgée par une interprétation de référence jusqu'au jour où, une nouvelle apparaît comme une véritable révélation qui s'impose comme une évidence (cela m'est arrivé, pour reprendre le cas de Schubert, avec l'interprétation de la sonate N°16 en la mineur D 845 que j'ai écoutée tant de fois par Alfred Brendel, jusqu'au beau soir du 11 mai 2011 à Pleyel, où Radu Lupu, avec une prise de risque saisissante et un sens de la narration unique, a balayé d'un trait noir et franc cette empreinte que j'avais, marquée pourtant des années durant, par l'interprétation d'Alfred Brendel).

Ici, pour revenir à David Fray, rien de tout cela. Rien de bouleversant. Ce qui devient un peu plus gênant alors, c'est l'écart constaté entre la posture un peu "doctorale", affirmative dudit interprète dans son interview postée par Warner sur youtube qui donne l'impression d'une vision et d'un souffle lyrique si puissants et visionnaires (cf. vidéo ci-dessous) et... la réalité de l'interprétation qui est tout autre.

Tout ceci n'est finalement qu'anecdotique. Ce que l'on attend d'un artiste, c'est avant tout une démarche d'une certaine cohérence, dont les options esthétiques, même si on ne les partage pas forcément, peuvent se défendre.

Mon impression est que David Fray a tenté de marquer cet enregistrement sous le signe d'une certaine introspection, d'une forme de retenue, pour incarner la mélancolie qui imprègne les œuvres tardives d'un Schubert que l'on sait désespéré, derrière une fausse insouciance. Le pianiste prend le parti d'une certaine fluidité de la ligne, sur l'ensemble des pièces interprétées. C'est, à mon avis, malheureusement inapproprié sur la Mélodie hongroise qui perd quelque peu de sa substance, en gommant la rythmique propre à ces mélodies populaires, véritables danses. En cherchant le parti d'une élégance ou d'un lyrisme raisonné, ne passe-t-on pas à côté de l'essence même des ces pièces ? On frôle le hors-sujet. Il suffit d'une écoute comparée avec Alfred Brendel pour comprendre ce que je veux dire ici. Je ne suis pas d'accord avec la critique de piano bleu qui mentionne que "La courte "Mélodie hongroise", en perd presque sa mélancolie, ici emportée par une légèreté aérienne". Elle perd carrément son âme, pas seulement sa mélancolie.

Pour revenir aux deux pièces maîtresses, la sonate N°18 et la fantaisie à quatre mains en fa mineur, on reste dans la même intention. La sonate se déploie, linéaire, avec une subtilité de toucher qui peut frôler le maniérisme mais n'y bascule pas vraiment, par bonheur. On est dans la recherche du beau son, mais aussi dans le travers, si fréquent dans le peu d'écoutes que j'ai faites de cet interprète, d'un jeu qui rappelle certaines personnes dont on dit souvent par agacement qu'elles aiment s'écouter parler. Paradoxalement, si on ignorait ce que révèle la personnalité de David Fray, on pourrait même penser, inversement, qu'il y aurait une sorte de distanciation, de retenue, comme un aversion à la moindre prise de risque, quelque chose de convenu. Il y a tout de même quelques beaux moments fugitifs avec des couleurs intéressantes (ex : le fondu très réussi au minutage 02':54" du premier mouvement) et le troisième mouvement a souvent une certaine ampleur et une  respiration certaine.

Sur la Fantaisie, David Fray semble "embarquer" son vénérable professeur dans la même démarche. La complicité entre primo et secondo semble assez évidente et personne ne tire vraiment la couverture pour lui. C'est déjà un bon point, vue la personnalité du primo... Là encore, on est dans des sonorités très léchées, un certain sens du legato, une fluidité, clarté de la ligne certaines mais tout cela ne nous embarque pas vraiment tant les contrastes sont gommés. Schubert était un viennois. Même s'il souffrait et plongeait dans une mélancolie poignante, sa musique révèle admirablement l'âme viennoise, ce mélange singulier de rires et de pleurs. C'est un peu comme si les deux protagonistes faisaient de la musique française, où il est de bon ton de ne pas dessiner les traits et les ombres de façon franche mais en passant l'estompe un peu partout...

Pour conclure, ce Schubert est plaisant, en apparence séduisant par une volonté d'un toucher élégant et d'une retenue certaine, comme une forme de pudeur. Seulement ce n'est pas, pour ma part, le Schubert que j'aime car je ne le reconnais pas. Ses contradictions, ses tourments sont passés au lavis, au service d'un lyrisme de bon ton, un rien apprêté, qui ne vous embarque franchement pas. Le tout est certes visiblement réfléchi, pensé, propre, cohérent mais très balisé, et donc, presque à chaque mesure, tellement prévisible.

Je vous propose ci-dessous la vidéo de près de 14 minutes diffusée par Warner sur youtube. Ceci vous permettra de vous faire déjà une opinion :

Franz Schubert - Sonate N°18 en sol majeur D 984, Mélodie Hongroise en si mineur D 817, Allegro en la mineur, "Lebensstürme", pour quatre mains D. 947, Fantaisie en fa mineur pour quatre mains D 947 - David Fray - Jacques Rouvier - label Erato (Warner).

Qui sera le futur chef ?

Le petit monde de la musique classique est en ébullition avec toutes les conjectures possibles sur le nom du futur chef de... L'Orchestre Philharmonique de Berlin.

Pour une fois, je vais déroger à la règle du blog qui consiste à ne parler que de sujets que j'aime dans une logique de partage (vs ce que je n'aimerais pas dans une logique de démolition / défoulement, comme cela peut être le cas dans le monde du blogging) pour évoquer l'énigme Simon Rattle.

Etant notamment abonné au Digital Concert Hall du Philharmonique de Berlin, je n'ai pu que constater mon évitement systématique de tous les concerts dirigés par le chef anglais. Cela limite particulièrement les choix j'en conviens. Force est de constater, et ceci bien entendu n'engage que moi, que Simon Rattle a réussi l'exploit, durant les seize années de son "mandat", (belle longévité), à faire perdre à cette phalange prestigieuse son identité, cette pâte sonore qui lui était si singulière, initiée par Celibidache,  Furtwängler, Karajan et si admirablement préservée par Abbado... Avec Simon Rattle, on est dans l'incarnation même de cette mondialisation galopante, de la direction d'orchestre sans aspérité, passe partout, complaisante. La transparence, légèreté de la ligne, cette ductilité si caractéristique du Philharmonique de Berlin a indéniablement disparu. Cet orchestre aurait-il perdu son âme ?

Selon un véritable système démocratique, ce sont les 124 musiciens de l'orchestre qui voteront le 11 mai prochain pour décider qui prendra la relève de Simon Rattle. Lourde charge et position si prestigieuse. Espérons que le remplaçant tentera de retrouver un supplément d'âme. Vue l'uniformisation indéniable de l'identité sonore des grandes phalanges européennes depuis plusieurs décennies, notamment les grands orchestres allemands, j'en doute fort. Après Rattle pour Berlin, Guerguiev qui "sévit" souvent pour le Philharmonique de Vienne, un Chailly visiblement en panne chronique d'inspiration pour le Gewandhaus de Leipzig et l'improbable Järvi pour l'Orchestre de Paris, les mauvaises langues pourraient dire que l'on ne pourrait pas dresser pire tableau...

Plus de détails sur le site de France Musique et le site des missions allemandes en France.

Un palmarès rassurant ?

L’Union de la Presse musicale belge récompense chaque année des CD ou DVD musicaux dans le cadre du "Prix Caecilia". Le palmarès a été dévoilé hier soir à la Monnaie.

Il est récapitulé dans l'article de l'Echo paru aujourd'hui.

Le premier prix est un des plus beaux coups de coeur du poisson rêveur pour 2014 : "William Byrd, "Mess for Five Voices" sous la direction de Philippe Herreweghe à la tête du Collegium Vocale Gent (label Phi) (cf. post du 17 décembre 2014).

La liste est plutôt rassurante dans un contexte de pleine crise du CD, avec une richesse qui reste synonyme de qualité.

Une belle note d'espoir sur le devenir de la production discographique liée à la musique classique et ancienne.

Plus d'informations concernant la longue liste des candidats au prix sur le site de la rtbf et la couverture radio de ce palmarès (émission de Pascal Goffaux).