Le poisson rêveur

Sigismondo d'India et un joyau de la seconde pratique

L'enregistrement que Leonardo García Alarcón a consacré à une série de "lamenti & sospiri" de Sigismondo d'India nous révèle à quel point ce compositeur, contemporain de Claudio Monteverdi, fait la jonction entre la Renaissance et le Baroque. On peut écouter des pièces vocales avec accompagnement instrumental, emblématiques de le "seconda pratica" déjà initiée par Claudio Monteverdi dans les derniers livres de ses madrigaux.

Sigismondo d'India met parfaitement en exergue cette approche consistant à considérer que l'expression des affects par la musique se réserve le droit de dépasser le texte. Il s'agit en quelque sorte d'une forme de théâtralisation des sentiments, tourments, douleurs, que le texte doit certes révéler mais avec le parti pris que la trame mélodique, les harmonies doivent aussi les exprimer pleinement, voire prendre le dessus par rapport au texte.

Les 19 pièces, interprétées soit par une unique soprano, soit à deux voix, révèlent des harmonies d'une beauté saisissante. On est d'emblée baigné dans un univers d'une sensualité, douceur incroyables avec l'aria N°1 Ardo, lassa, o non ardo I à deux voix, mais aussi dans les tourments, la douleur, qui restent la thématique principale de cette série de lamenti.

Sigismondo d'India révèle déjà les clés de l'expression Baroque, que ce soit le contrepoint dans l'introduction de Chi nudrisce tua speme ou une expression quasi-opératique dans les arias Piangono al pianger moi et la la Lamentation d'Olympia, particulièrement dramatique.

On notera l'air Mentre che ‘l cor d'une audace harmonique incroyable, inclassable, hors du temps, ténébreux, inquiétant, démarrant avec la tension de saisissantes attaques d'archets, puis un orgue sombre introduisant la seconde partie, et une magnifique interprétation de Mariana Flores. Cette dernière et la soprano Julie Roset qui l'accompagne dans les airs à deux voix, sont parfaites de justesse et d'expressivité.

 

Dans la lignée de Gabriel Garrido, Leonardo García Alarcón, à la tête de son ensemble Cappella Mediterranea, assure une direction musicale d'un bel équilibre et, surtout, traduit une expressivité à la hauteur de ce que nous révèlent ces magnifiques compositions, avec la touche latino-américaine qui apporte une certaine chaleur et une belle nervosité à ses interprétations.

Coup de coeur du Poisson Rêveur.

Lien vers le site d'Outhere Music et la page de l'enregistrement pour écouter des extraits.

Sigismondo d'India - Lamenti & sospiri - Capella Mediterranea, direction Leonardo García Alarcón - Mariana Flores et Julie Roset, sopranos - Label Ricercar (Outhere Music).

Ballades de Guillaume de Machaut : intensité du dialogue intérieur

Le travail réalisé par l'ensemble Musica Nova sur des Ballades de Guillaume de Machaut (label aeon) est exemplaire. Avec une tenue exceptionnelle dans l'interprétation et des options rhétoriques d'une cohérence rare, cet ensemble nous révèle la richesse inouïe de l'écriture de Guillaume de Machaut, l'un des compositeurs français les plus fascinants, je dirais même les plus déroutants.

Le thème retenu ici est la Ballade. Cette forme très codée, repose sur les trames polyphoniques traditionnelles mais a pour vocation d'évoquer les tourments amoureux, proposant, selon ses constructions plus ou moins savantes, l'enchevêtrement de plusieurs textes.

Nous sommes ici à la jonction de la période médiévale et de la Renaissance. Ces ballades portent en elles les accents primitifs des futures formes, y compris celles des plus purs styles madrigaux, notamment dans le tuilage très caractéristiques des différentes voix attachées chacune à un texte donné. On reste encore toutefois bien ancré dans les formes de musique circulaire propre à la musique médiévale, ces sortes d'ostinatos des temps anciens. La juxtaposition des voix et des textes, propres à la Ballade, est exploité par Guillaume de Machaut avec une ingéniosité diabolique. Il met en exergue avec virtuosité ce dialogue autant interne à chaque Ballade qu'entre les Ballades elles-mêmes se renvoyant en écho.

Cette musique savante, particulièrement élaborée n'est pas forcément d'un accès facile. La nécessaire  attention que demande son écoute permet cependant de s'évader de façon exemplaire dans ce monde de l'amour courtois, particulièrement singulier et fascinant.

L'un des beaux disques de la fin d'année 2009 que je mettrai, avec un petit décalage que vous me pardonnerez, dans les coups de cœur 2010.

A lire également la chronique du blog Passée des arts sur ce disque.

Plus de détails sur le site Outhere.

Guillaume de Machaut - Ballades - ensemble Musica Nova - label aeon.

Coup de cœur du Poisson rêveur.

Extrait : Se quanque amours puet donner a amy.

Que je chatouille ta fossette...

Sous ce titre amusant et singulier, Denis Raisin Dadre et son ensemble Doulce Mémoire proposent l'un des disques les plus réussis de ces quatre premiers mois de l'année. Avec un travail comme toujours précis et pertinent, Denis Raisin Dadre nous emmène dans le monde assez fascinant des "Danceries" de Pierre Attaingnant ("Que je chatouille ta faussette" est le titre d'une Branle gay faisant partie de ce corpus de danses). Pierre Attaingnant est entré dans l'histoire et de la musique et de l'imprimerie pour avoir sans doute été le premier à élaborer un dispositif d'impression de partitions à partir de caractères mobiles, reprenant la portée et les notes. Cette invention a contribué à largement diffuser tout une série de compositions, Pierre Attaingnant ayant édité plus de 150 recueils. Les compositions en question sont en grande majorité des pièces de musique vocale profane et religieuse mais la caractéristique principale du catalogue édité par Pierre Attaignant réside dans la part assez importante qu'elle alloue à la musique instrumentale, principalement différents types de danses.

C'est justement une sélection de ces pièces aux climats et aux tonalités très diverses que nous propose Denis Raisin Dadre. On y retrouvera des "basses dances" énergiques, où les instruments à vent paradent avec des postures assez solennelles. En guise d'introduction, La Basse dance La Magdalena & Tourdion instaure, par exemple, une atmosphère d'emblée envoutante avec son caractère martial accentué par les roulements de tambour.

Avec la Première suite de Bransles d'Escosse qui vient juste après, on ne peut s'empêcher de penser à l'état de transe associée aux musiques et danses circulaires orientales, notamment lors de l'accélération du tempo, même si la pièce en l'occurrence exécutée dispose de racines celtiques indéniables, comme son titre l'indique. Ce tournoiement incessant prend une intensité incroyable à partir du minutage 2':42".

Vient ensuite une Pavane qui séduit inéluctablement par sa douceur, comme les autres pavanes qui vont suivre.

Le disque propose également des chansons écrites soit, par Claudin de Sermisy, soit par Pierre Sandrin.

Ce superbe enregistrement, avec des interprétations d'une finesse et d'une justesse de ton exemplaires fait preuve d'une cohérence remarquable. L'étendue stylistique de ces différentes "danceries" étant assez large, partant des danses les plus raffinées d'origine aristocratique aux bransles de souche populaire, l'ensemble Doulce Mémoire fait preuve d'une capacité à intégrer la rhétorique propre à chacun de ces styles de façon indéniablement brillante. Tout cela est également, et surtout, très vivant, pétillant, sans prétention démonstrative ou savante. On prend alors un plaisir immédiat et presque sensuel à savourer ces gourmandises de Pierre Attaingnant, concoctées avec une telle finesse.

Parmi les pièces remarquables, outre celles mentionnées juste avant, on notera la superbe Allemande "Et d'où venez-vous Madame Lucette & Allemandes 2,6, 5, 4, la Pavane première et Gaillarde première (2), la Basse Dance la Brosse (annonçant de façon singulière les pièces militaires d'origine celtiques que l'on peut entendre dans Barry Lyndon et qui ont été composées près de trois cents ans plus tard !), la Pavane 8 et Pavane des Dieux puis la Gaillarde.

Pour plus de précisions, je vous renvoie au site du label Ricercar ainsi que l'excellente chronique de Jean-Christophe Pucek sur ce disque dans le blog Passée des arts, comme l'interview qu'il a réalisée de Denis Raisin Dadre le 14 avril dernier.

Indéniablement le plus disque le plus réussi parmi ceux que j'ai écoutés sur ce premier trimestre de 2010.

Pierre Attaingnant - "Que je chatouille ta fossette" - Danceries - Ensemble Doulce Mémoire - Direction Denis Raisin Dadre - label Ricercar.

 Coup de coeur du poisson rêveur.

Extrait : Track 14 : Basse dance La Brosse (1).

Benjamin Alard s'attèle avec bonheur au premier volume de la Clavier Ubung de JS Bach

Benjamin Alard n'est pas seulement un excellent organiste (cf. entretien du 27 novembre 2009). Il est également (et surtout ?) un claveciniste qui fait déjà preuve d'une extraordinaire maturité musicale.

Il a entrepris, avec le soutien de Jean-Paul Combet qui dirige le la bel Alpha, d'enregistrer l'ensemble des recueils de la "Clavier übung" de JS Bach. Le premier regroupe les fameuses six partitas que JS Bach a composées entre 1726 et 1730 pour le clavecin et dont on peut recenser des versions de références tant au clavecin (ex : Gustav Leonardt, Kenneth Gilbert, et pour une partie seulement Scott Ross) qu'au piano (ex : Rosalyn Tureck, Glenn Gould ou Murray Perahia, pour ne citer que celles qui m'ont, pour ma part, le plus touché).

Ce qui marque d'emblée dans l'approche de Benjamin Alard par rapport à ces aînés est le choix d'un tempo plus étiré et d'un toucher d'une grande délicatesse. Cela n'empêche nullement la nécessaire nervosité / fébrilité (ex : l'incroyable Gigue de la quatrième partita en ré majeur) ou le "forte" nécessaire sur certains accords, si on peut vraiment parler de nuance sur un clavecin..., (ex : la Sinfonia d'introduction de la deuxième partita en ut mineur d'une d'une autorité indéniable).

On retrouve alors le caractère propre au jeu de Benjamin Alard, notable également à l'orgue, à savoir des phrasés très naturels, une douceur assez rare pour être soulignée si bien qu'il parvient justement à rendre des couleurs et nuances qui sont si rares au clavecin. D'aucuns lui reprochent alors, à tort je pense, un style qu'ils trouveraient trop "en dedans", ou un certain manque d'engagement. Je pense que c'est justement mal analyser sa lecture et son approche. Il aborde ce répertoire avec une belle humilité et ne recherche pas à être justement démonstratif. Toute la clé de cette interprétation réside dans cette posture attachée à servir a mieux le texte sans chercher à démontrer une vision ou approche particulière de l'oeuvre. Le jeu de Benjamin Alard dispose d'une élégance, d'une simplicité et d'un lyrisme naturels qui permettent de littéralement savourer chacune de ces pièces avec plaisir.

On notera également le souci de clareté, transparence et, surtout, d'équilibre entre les différentes formes qui sont à la source des cas partitas, que ce soit les ornementations à la françaises ou une certaine forme de cantabile à l'italienne. Benjamin Alard ne force pas le trait sur l'un deces caractères et semble être en permanence soucieux de maintenir une certaine alchimie entre tension de la ligne, détachement des notes, ornementations, et appui.

Je ne suis pas très familier avec le répertoire pour clavecin, cet instrument étant bien trop souvent mal enregistré et restituant ainsi des sonorités assez sèches. en outre, nombre d'interprètes, y compris ceux que l'on considère comme de grands maîtres, notamment Gustav Leonhardt, proposent des versions souvent austères et par trop "intimidantes" de ces partitas. Benjamin Alard nous rappelle, fort justement, que ces pièces "d'exercice" peuvent aussi avoir un caractère presque ludique et, rappelons-le, font très souvent référence à la danse, sous ses différentes formes.

Dans ce premier volume, on notera particulièrement l'interprétation de la deuxième partita en ut mineur, la quatrième en ré majeur et de la sixième en mi mineur.

enfin, la qualité de l'enregistrement réalisée par Alpha est exemplaire. Les beau timbré et le son particulièrement clair du clavecin sont particulièrement bien rendus, la dynamique est excellente et la captation qui semble au plus près de l'instrument évite tout effet d'éloignement ou de réverbération.

On attend avec impatience le prochain volume.

JS Bach - Clavier Ubung - Volume 1 : six partitas - Benjamin Alard (clavecin) - label Alpha.

 Coup de coeur du poisson rêveur.

Extrait : Corrente de la sixième partita en mi mineur.

Schubert et l'alto

Je trouve que le disque que l'altiste Antoine Tamestit a consacré à Franz Schubert est une véritable réussite. Avec la collaboration du pianiste Markus Hadulla et de la soprano Sandrine Piau, il nous invite à visiter autrement l'univers du compositeur autrichien.

Le premier angle de lecture intéressant réside dans la transposition pour alto de la fameuse sonate en la mineur pour arpeggione. L'alto apporte une projection, des couleurs et une pureté de ligne très spécifiques et qui nous révèlent cette superbe sonate sous une tout autre lumière, plus franche, plus nette qu'avec le violoncelle. Le jeu d'Antoine Tamestit évite fort justement de tomber dans les pièges d'une démarche qui serait trop démonstrative. La lecture est sensible et d'une certaine noblesse de ton.

Viennent ensuite une série de lieder où l'alto se substitue à la voix. On est là certainement au centre de l'approche originale de cet album, à savoir décliner les différentes formes du chant et du lyrisme schubertien. J'ai particulièrement été marqué à quel point cette version révèle la beauté et l'intemporalité du lied "An den mond" qui, dans sa composition vocale d'origine, accompagne un texte de Goethe. Il est intéressant de noter comme l'alto peut, grâce à son ambitus assez large, proposer un registre aussi étendu que la voix et traduire, avec un fin contrôle du vibrato, de belles émotions. L'absence de texte conduit à plus de linéarité dans le déroulement du chant mais aussi à plus d'ampleur, la ligne mélodique étant libérée des contraintes de l'articulation du texte.

Le disque se termine par des lieders cette fois vraiment chantés. C'est Sandrine Piau, d'une justesse toujours aussi éblouissante, qui vient apporter sa lecture aérienne et d'une belle plasticité, même si elle semble un peu moins à l'aise (et on peut le comprendre) sur le phrasé allemand que sur l'italien. Ici la voix humaine et celle de l'alto ne substituent pas, ni ne s'opposent d'ailleurs, mais dialoguent non sans une certaine sensualité. Leur interprétation du fameux "Der hirt auf dem felsen" est tout à fait convaincante et d'une tendresse indéniable.

Ce disque repose sur un projet cohérent et d'une belle intelligence. Il nous permet d'explorer les mystères d'une forme de convergence entre les cordes vocales et celles d'un instrument qui opère sur un registre insuffisamment exploré car encore trop jugé comme intermédiaire. Les pièces choisies révèlent un Schubert introspectif et d'une douceur inouïe. D'aucuns n'apprécieront peut-être pas le tempo assez souvent étiré des différentes interprétations que comprend cet album et rechercheront plus de nervosité. ON ne peut toutefois nier le jeu fin et délicat des trois protagonistes et qui nous plonge dans une atmosphère d'un raffinement extraordinaire avec, je trouve, une évocation assez nette du monde nocturne.

Schubert - Arpeggione & lieder - Antoine Tamestit (alto) - Sandrine Piau (soprano) - Markus Hadulla (piano) - label Naïve.

Coup de coeur du Poisson Rêveur.

Je propose comme extraits la version "altiste" du lied "An den mond" que l'on peut "opposer" à celle de Dietrich Fischer-Dieskau.

Version de l'album "Arpeggione & lieder". Version de Dietrich Fischer-Dieskau / Gerald Moore. 

Superbe messe de Saint-Donatien écrite par Jacob Obrecht

L'album comprenant un CD et un DVD réalisé par l'ensemble Cappella Pratensis et sorti fin 2009 est une petite merveille. Il est consacré à une messe injustement passée dans l'oubli et écrite par Jacob Obrecht.

En introduction, le DVD précise les circonstances liées à la composition de cette messe à Bruges en 1487. A la mort en 1483 de Donaas de Moor, riche marchand de fourrures de Bruges, Adriane de Vos, son épouse, commande une messe pour son salut et qui devait être donnée le jour de la Saint-Donatien. Elle s'adresse à l'un des compositeurs flamands les plus connus de cette époque et vivant à Bruges : Jacob Obrecht. La messe est donnée le 14 octobre 1487 à Bruges dans la chapelle de la Sin-Jacobskerk. Le film enregistré sur DVD, et le CD correspondant, tentent de recréer les conditions les plus proches possibles de la production de cette messe polyphonique pour huit voix.

Le travail de l'ensemble Cappella Partensis se révèle d'une précision exemplaire, tentant de reconstituer dans les moindres détails le déroulement des offices avec, notamment, l'insertion de psaumes déclamés dans le style monodique du plain-chant.

Après l'Introitus, le déploiement du chant polyphonique écrit par Jacob Obrecht avec l'antienne du premier Kyrie est saisissant de simplicité et de beauté. Jacob Obrecht dévoile une trame harmonique particulièrement aérienne, même si elle reste dans la tradition des textures assez resserrées de la polyphonie de l'école flamande. L'enchevêtrement des huit voix s'articule selon des lignes d'une pureté rare. Ce compositeur flamand insuffisamment enregistré atteint ici un niveau de transcendance impressionnant.

Le Credo, le Sanctus comme l'Agnus Dei reprennent d'ailleurs en introduction le motif principal du Kyrie pour proposer ensuite un déploiement différent de la trame sur huit voix. Le compositeur fait preuve d'une imagination étonnante pour colorer cette messe différemment selon la vocation de ses différents versets tout en préservant une unité exemplaire. L'Hosanna déclamé à la gloire de Saint-Donatien à la fin du Sanctus révèle un niveau de plénitude et de douceur extraordinaires. La parenté de cette partie de la messe avec les compositions de Johannes Ockeghem est particulièrement flagrante.

L'ensemble Cappella Pratensis a effectué ici un travail musical et historique exemplaire, avec une interprétation de haut niveau, fervente et sincère de cette messe qui nous projète avec force près de 500 ans dans le passé. Dans la version DVD, la messe se déroule dans son intégralité, avec, dans un souci de véracité, la présence du triptyque de la Lamentation peint par le Maître de la Légende de Sainte-Lucie et prêté à l'occasion par le musée Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Ce projet est une superbe réussite et le coffret qui en résulte est fortement recommandé si vous désirez vous initier au mystères de la musique vocale polyphonique de la Renaissance. On notera également de belles improvisations à l'orgue qui ponctuent cette messe.

Le DVD comprend également un documentaire extrêmement intéressant, notamment des explications sur chacun des versets de la messe, le lieu de création de cette messe ou le système de notation musicale de l'époque.

Lien vers le très intéressant site Internet dédié à ce projet.

Jacob Obrecht - Missa de Sancto Donatiano - Ensemble Cappella Pratensis - Label Challenge Records.

 Coup de coeur du Poisson rêveur.

Extrait : Premier et deuxième Kyrie.

Saisissant concerto Jeunehomme de Mozart par Alfred Brendel

Dieu sait si je ne suis pas un grand fanatique d'Alfred Brendel. Les lecteurs du poisson rêveur ont dû s'en apercevoir aisément. Cependant, çà et là, il est capable de me bouleverser un nombre suffisant de fois pour que ces quelques interprétations restent bien gravées dans ma mémoire. Parmi ces différents chocs, je citerais volontiers un concert consacré à des lieder de Schubert avec Matthias Goerne un certain mois de juin 2001 au Châtelet, ou une version méditative et crépusculaire du célèbre Adagio cantabile de la sonate H. XVI - 49 mi bémol majeur découverte sur youtube (mais semble-t-il disparue du site).

A tout cela, il convient incontestablement d'ajouter le double CD consacré aux concerts d'adieux donnés par le pianiste autrichien à Hanovre puis dans ses terres (au Musikverein à Vienne), respectivement les 14 et 18 décembre 2008.

Sous le titre mondialisant "Alfred Brendel, The Farewell Concerts", le label DECCA nous permet de vivre toute la tension d'enregistrements "live" liés à des concerts qui clôturent une carrière exemplaire de près de... soixante ans.

Dans ce coffret (d'ailleurs d'une présentation superbe et soignée), figure, selon moi, un morceau d'anthologie qui, lorsque je l'ai écouté furtivement sur France Musique (dans la rubrique actualité du disque de la matinale animée Judith Chain et Stéphane Grant) m'a complètement bouleversé. Il s'agit de l'Andantino du concerto en mi bémol majeur de WA Mozart (le fameux 9ème concerto dit "Jeunehomme") par un Alfred Brendel saisissant, accompagné par l'Orchestre Philharmonique de Vienne, sous la direction de Sir Charles Mackerras. Jamais je n'ai entendu ce mouvement interprété avec une telle intensité dramatique et une telle beauté. L'émotion de cette version où (enfin...) Alfred Brendel dévoile son âme et son intimité avec Mozart, m'a littéralement pris à la gorge. On finit même par s'abstraire des grommellements chroniques du pianiste comme des toussotements indécents du public qui sont autant de parasites pouvant gâcher ce moment unique (sans parler de la prise de son décidément médiocre, travers fréquent du label DECCA Classics).

Vous me direz que tout cela reste bien entendu subjectif, et il se peut que cette version vous laisse totalement de marbre si vous prenez le temps de la découvrir. Je ne peux m'empêcher d'en douter tout de même...

NB : les autres pièces interprétées sont également d'autant plus intéressantes qu'elles portent l'empreinte de la tension extraordinaire propre à la captation d'un évènement qui, pour le pianiste comme les musiciens qui l'accompagnent ainsi qu'une grande partie du public, est chargé d'un contenu émotionnel unique.

Alfred Brendel - The Farewell Concerts - label DECCA.

Lien vers le site DECCA Classics pour prendre connaissance du détail des deux CDs.

Extrait de l'interprétation de l'Andantino du concerto en mi bémol majeur pour piano et orchestre de WA Mozart que je viens de mentionner ci-avant :

Le coup de cœur 2009 du poisson rêveur

Comme chaque année, depuis la création du blog, je vous propose de sélectionner, parmi les 17 coups de cœur de cette année 2009, celui qui se distingue de cette sélection.

Il s'agit indéniablement du superbe enregistrement La poesia cromatica, consacré à des madrigaux tardifs de Michelangelo Rossi - par le Huelgas Ensemble, sous la direction Paul Van Nevel (label Deutsche Harmonia Mundi).

Ce disque démontre la modernité sidérante des dissonances et frottements harmoniques que le compositeur italien était capable d'atteindre. Je saluerai dans ce disque tout ce que l'on attend d'un grand enregistrement : la découverte d'un répertoire magnifique et insuffisamment diffusé, la niveau exceptionnel de l'interprétation et la qualité d'enregistrement.

Ceci me fournit l'occasion au passage de saluer l'excellent travail réalisé par Paul Van Nevel et son ensemble vocal sur le répertoire de la musique polyphonique de la Renaissance.

Je vous renvoie à la note que j'avais faite sur ce disque le 3 octobre 2009.

Un Baroque intimiste et coloré sous les doigts de Racha Arodaky

Dans le cadre du lancement de son disque consacré aux suites de GF Haendel, Racha Arodaky donnait un récital lundi 16 novembre au théâtre de l'Athénée-Louis Jouvet. Au programme, Georg-Friedrich Haendel, Jean-Philippe Rameau et Domenico Scarlatti.

Le choix de ces trois compositeurs, avec GF Haendel ouvrant et clôturant le concert, était particulièrement judicieux. Racha Arodaky nous a permis de comprendre la différence de climats, de couleurs entre ces trois compositeurs, d'ailleurs pratiquement nés la même année (seul Jean-Philippe Rameau, né en 1683, était de deux ans l'ainé de ses deux contemporains allemand et italien).

Le premier volet du concert, dédié aux suites en suites N°5 en mi mineur HWV 438 et N°6 en sol mineur HWV 439 de GF Haendel, initie le concert sous le signe de tout ce qui constitue l'essence de compositions pour clavier du compositeur allemand. Racha Arodaky révèle avec une finesse rare les splendides couleurs de ces sonates, avec le parti pris d'une approche intimiste, délicate.

On notera la très belle version de la suite N°6 en sol mineur HWV 439 cahier N°2, notamment l'Allemande d'introduction, d'une gravité mais aussi d'une grandeur inouies. Racha Arodaky nous rappelle judicieusement au piano moderne, avec les nuances que ce dernier permet, que GF Haendel était aussi un excellent organiste. La majesté avec laquelle cette Allemande se déploie rappelle inévitablement l'ampleur quasi-orchestrale de l'orgue. L'opposition main droite / main gauche sur cette Allemande fait aussi invariablement penser au chant, à une aria, incarnée par la main droite, dont le thème est repris par l'orchestre, les graves, jouées à la main gauche. Racha Arodaky imprime une tension impressionnante à ce mouvement, due en grande partie à un tempo assez allongé qui apporte comme une sorte de questionnement. On reste accroché au déroulement du superbe motif de ce mouvement du début à la fin.

Le concert se prolonge avec la suite en la mineur de Jean-Philippe Rameau, plus nerveuse, et qui se déroule comme un aiguillon, dont les tonalités plus vives, viennent en contraste avec le clair obscur et les couleurs fondues des suites de GF Haendel.

En troisième partie, Racha Arodaky nous transporte ensuite dans sa lecture sensuelle et délicate des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti (sonates en fa mineur K 466, en do majeur K 159, en la majeur K208 et en ré mineur K1). On ne peut que se laisser séduire par la sublime sonate en fa mineur K 466 qui incarne à merveille cette capacité de Racha Arodaky à nous plonger dans une sorte de douceur contemplative.  Avec un jeu gracile, et une grande finesse de toucher, elle donne à ces sonates de splendides couleurs et instaure un climat au charme envoutant. Avec un jeu nécessairement plus articulé que pour GF Haendel, Racha Arodaky nous permet de savourer les belles couleurs méditerranéennes de la musique de Domenico Scarlatti et on sent une réelle intimité avec l'univers du compositeur napolitain.

Le concert se termine par deux suites de Haendel qui s'inscrivent plus, quant à elles, sous le signe de la virtuosité (suite N°5 en mi majeur HWV 430, et suite N°8 en fa mineur HWV 433). Racha Arodaky s'affranchit sans encombres des mouvements les plus difficiles, aussi bien musicalement que techniquement, qu'il s'agisse de la fameuse variation dite de l’Harmonieux forgeron de la sonate en mi majeur, que de la Fugue de la sonate en fa mineur.

En bis, outre le rappel de sa version de la sonate en fa mineur de Scarlatti et dont on ne se lassera jamais, Racha Arodaky fait preuve d'une audace aussi rare que rafraichissante dans le monde de la musique dite classique.

L'un des bis n'est autre que l'accompagnement au piano, sur une pièce de GF Haendel, d'une poésie arabe déclamée par Fadhel Messaoudi qui a rejoint la pianiste sur scène pour l'occasion. Cette magnifique tentative (déjà présentée au public dans le cadre d'un concert à la Fenice) de la rencontre de deux mondes que finalement beaucoup de points rapprochent, s'avère être une superbe expérience humaine et musicale. Les mélismes de Fadhel Messaoudi, raisonnent comme un plainte, que les notes délicatement distillées par le piano, viennent ponctuer. L'intensité émotionnelle de ce duo a indéniablement interpelé le public, et plongé la salle dans un silence impressionnant.

L'avant dernier bis était quant à lui des plus improbables mais d'un charme fou, avec Racha Arodaky se lançant dans le "Do it again" (George Gershwin), immortalisé par Marilyn Monroe, et s'accompagnant au piano. Clin d'œil malicieux et d'une sensualité qui n'avait rien à envier à la blonde américaine !

Le bis final, revenait aux maîtres baroques, et, inévitablement à JS Bach, avec la transcription de l'Andante de la deuxième sonate pour violon seul. L'ampleur là encore quasi orchestrale que prend le piano, rappelle inévitablement, les grandes compositions pour orgue.

Très beau concert, d'une artiste authentique et dont la générosité et la sincérité sont suffisamment rares pour être soulignées. Dans ma note du 28 septembre 2009, après avoir écouté en avant-première des extraits du disque enregistré par Racha Arodaky et consacré à des Suites de GF Haendel, j'avais déjà fait part de mon enthousiasme sur la façon dont Racha Arodaky poursuit son exploration de la musique des compositions baroques pour clavier.

A l'écoute complète du disque, sorti depuis maintenant environ un mois, je confirme à quel point cet enregistrement est une belle réussite. Comme pour le JS Bach de Murray Perahia, à l'issue d'une audition de ce disque de Racha Arodaky, on ressent une impression de sérénité et de plénitude rares. Ce disque fait indéniablement partie de mes coups de cœur 2009.

GF Haendel - Suites pour clavier - Racha Arodaky, piano - label air note.

Coup de cœur sur les quatuors de Haydn par le Jerusalem Quartet

Pour faire écho à ma note du 20 septembre 2009, en réécoutant le deuxième disque consacré aux quatuors de Joseph Haydn par le Jerusalem Quartet, paru cette année chez Harmonia Mundi, je ne peux m'empêcher de l'évoquer à nouveau dans ce blog, en ajoutant la référence du coup de cœur du poisson rêveur.

Pour vous permettre d'apprécier l'élégance et la haute tenue de ce quartet sur la beauté de la musique de chambre de Joseph Haydn, je vous propose cette vidéo tirée de youtube consacrée au premier mouvement du quatuor opus 20 N°5 en fa mineur (Allegro moderato).

Joseph Haydn - Quatuors op.20/5 Hob.III:35 (fa mineur), op.33/3 Hob.III:39 (do majeur) ("l'Oiseau) et op.76/5, Hob.III:79 (ré majeur) - Jerusalem Quartet - Label Harmonia Mundi.

Les partitas de JS Bach prennent chair avec Murray Perahia

J'avais déjà titré ma note, à propos de la belle version du clavier bien tempéré de JS Bach par Vladimir Ashkenazy : "Jouer Jean-Sébastien Bach : rien ne sert d'être baroqueux". Rien ne sert forcément d'être "gouldien" non plus.

Après un splendide premier volume consacré aux partitas 2, 3 et 4, Murray Perahia vient encore plus abonder dans ce sens avec la sortie récente de l'enregistrement des partitas 1, 5 et 6 chez Sony Classical. Même naturel confondant, même place laissée au chant et, même, cette fois, à la danse. Murray Perahia donne une leçon exemplaire de retour à une musicalité s'imposant comme une évidence. Bertrand Darnoncourt, dans le dernier numéro de Classica, en comparant inévitablement Glenn Gould à Murray Perahia, oppose "le diamant à l'ivoire, la fougue et le flegme, l'instant et l'éternité".

Murray Perahia révèle en effet ces partitas sous un autre jour, sous le signe d'une sérénité et d'une hauteur de vue impressionnantes. Son toucher charnu, la plénitude sonore de son Steinway se trouvent entièrement dévoués au déploiement majestueux de la polyphonie de ces partitas, sans aucun travers, aucune faute de goût, et qui pourraient constituer les pièges typiques des interprétations sur piano moderne. A la dureté d'un travail qui serait par trop rhétorique et contraint par une approche "claveciniste", Murray Perahia oppose la respiration, l'ampleur et le rendu de nuances que permet le piano. Nul doute, comme il le mentionne lui-même, que JS Bach, ayant déjà pratiqué les tous premiers modèles de piano forte, gardait en tête ce jeu des nuances. Pourquoi alors s'en priver en asséchant l'interprétation par une vision qui serait trop axée sur la pure transparence et la netteté de la ligne polyphonique, au détriment des couleurs et de la richesse des timbres ?

La partita dont la version est emblématique de cette approche est indéniablement la superbe 6ème. Dès la Toccata d'introduction, la richesse des couleurs est impressionnante et la fugue se dévoile progressivement en atteignant une ampleur saisissante. Ensuite, les autres mouvements viennent encore contribuer à la puissance narrative de cette interprétation. Du très grand art.

Lien direct vers une interview de Murray Perahia pour Classica et qui éclaire tout à fait sur son approche esthétique et ses références musicales.

Indéniablement, comme pour 2008, ce recueil de partitas constitue un des plus beaux coups de cœur de l'année.

Court extrait (Allemande de la 6ème partita) - avec cette Allemande, si vous vous procurez le disque Haendel de Racha Arodaky, vous serez marqué(e) par la filiation naturelle entre ces deux pianistes. Racha Arodaky a été élève de Murray Perahia. Indéniable.

JS Bach - Partitas 1, 5 et 6 - Murray Perahia, piano - label Sony Classical.

 Coup de cœur du Poisson Rêveur.   

La poesia cromatica de Michelangelo Rossi : troublantes audaces harmoniques

Le dernier disque de l'Huelgas Ensemble, dirigé par Paul Van Nevel, est consacré à treize madrigaux tardifs composés par Michelangelo Rossi. Il est important de préciser qu'il s'agit de l'enregistrement d'un concert donné le 13 juillet 2008 dans le cadre du Festival de Saintes. Cette précision permettra de juger du niveau de perfection atteint par cet ensemble vocal sur le répertoire polyphonique.

Dans le cas précis, il s'agit en outre de pièces particulièrement complexes, traduisant une audace harmonique redoutable. Michelangelo Rossi, musicien surdoué (violoniste, organiste et compositeur) dépasse encore les voies déjà tracées par Gesualdo et Sigismondo d'India (son maître) dans l'exploration des dissonances, frottements harmoniques, ruptures rythmiques. Ces madrigaux, que l'on pourrait volontiers qualifier de maniéristes, figurent parmi les derniers vestiges du genre, avant l'éclosion de l'art lyrique. Ils constituent alors un aboutissement particulièrement saisissant. Dès les premières mesures, par exemple, du tout premier madrigal du disque (Per non mi dir ch'io moia), ce que l'on pourrait qualifier comme une forme d'avant-gardisme se révèle de façon envoutante et troublante. Certains chromatismes marqués, une forme de minimalisme également, annoncent indéniablement la musique contemporaine.

A ce titre, ces madrigaux, tous splendides, prennent un caractère intemporel, révèlent une magnificence qui retient systématiquement l'attention. Certaines associations audacieuses d'accords, la volonté de ne pas se laisser emprisonner par une seule tonalité lors du déroulement d'un madrigal, des changements parfois brusques de rythme, l'art savant de l'articulation des motifs musicaux par rapport au texte, tout cela fait partie de l'univers maniériste de Michelangelo Rossi. Cette "exubérance mélodique" (pour reprendre les termes mêmes de Paul Van Nevel dans le livret accompagnant le disque) s'exprime alors avec une élégance rare, une capacité unique à subjuguer l'auditeur.

On retiendra les magnifiques "O miseria d'amante" aux connotations mystiques, "Or che la notte", dont les accords descendants des premières mesures nous font plonger dans les ténèbres, "Ah dolente partita", modèle d'équilibre parfait. J'ai pour ma part été bien plus envouté par les pièces polyphoniques a cappella que par celles accompagnées par des instruments.

Paul Van Nevel, avec son ensemble vocal, confirme le niveau d'excellence à mon avis inégalé sur ce répertoire. Il n'y a guère que le Collegium Vocal de Gand pour parfois se hisser à la hauteur de l'ensemble Huelgas. Ce dernier, d'une homogénéité saisissante, révèle des couleurs sublimes, restitue les nuances et intonations les plus infimes avec une précision saisissante, tout en conservant la ligne directrice. Du très grand art.

Ce disque, par l'excellence de son interprétation et le caractère singulier et passionnant de son contenu, représente certainement l'une des plus belles réussites de l'année.

Très court extrait (Per non mi dir ch'io moia) :

Michelangelo Rossi - La poesia cromatica - Ensemble Huelgas - direction Paul Van Nevel - label Deutsche Harmonia Mundi.

Coup de cœur du Poisson Rêveur.

Le disque Haendel de Racha Arodaky en pré-commande

Ce n'est pas mon habitude de recommander un disque avant qu'il ne paraisse mais une fois n'est pas coutume. La pianiste Racha Arodaky, dont j'ai vanté plusieurs fois le talent sur ce blog (cf. les superbes sonates de Scarlatti et mon entretien avec elle en avril), a eu la gentillesse de me faire écouter un extrait du disque qu'elle va prochainement sortir (en octobre) sur des suites de Haendel et la fameuse Sarabande.

Avec les couleurs magnifiques de son jeu et sa finesse de toucher, Racha Arodaky nous révèle au piano moderne un Haendel fascinant. Elle fait preuve d'une puissance narrative hors du commun, exploitant de façon exemplaire l'entrelacement des différentes voix du contrepoint magnifique de ces suites. Tantôt sous le signe de la danse, tantôt sous celui de la noirceur, en passant par celui la séduction, l'enchaînement de ces suites nous révèle des climats littéralement envoutants nous suggérant ainsi les différentes facettes du tempérament du compositeur.

Le jeu particulièrement délicat et aérien de la pianiste n'empêche aucunement le déploiement de sonorités bien timbrées avec de très belles nuances. Il y a en outre comme un sentiment d'urgence, une tension de la ligne sous-jacente qui font que ces suites sont très prenantes.

Racha Arodaky fait partie de ces rares pianistes qui apportent un soin particulier à la cohérence narrative de ces suites.  Son intention est que leur interprétation dépasse la prouesse technique pour tenter de démontrer que la musique baroque, avant le monde classique et romantique, s'attachait elle aussi à révéler les tourments de l'âme humaine. Elle démontre admirablement comment le contrepoint de Haendel, aussi conforme soit-il à la rhétorique, comprend une petite part de folie. Cet entrelacement complexe des voix fait en effet que la frontière avec l'improvisation devient particulièrement floue. La difficulté de l'interprétation de ces suites réside principalement dans cet équilibre subtil à obtenir sur la forme et cela, Racha Arodaky l'a parfaitement compris et intégré dans son jeu.

Il est d'ores et déjà possible de "pré-commander" cet enregistrement, qu'elle réalise sous son propre label, sur amazon.com. Pour ma part, je l'ai fait sans tarder ! La Fnac distribuera de façon exclusive un DVD accompagnant le CD et comprenant l'enregistrement de quelques suites et surtout la présentation par Racha Arodaky de son approche sur l'interprétation de Haendel. La sortie est

prévue le 15 octobre.

Disque déjà chaudement recommandé. Je tiens à préciser que je n'en tire aucun intérêt personnel si ce n'est celui - le plus important- d'avoir contribué honnêtement et modestement à vous faire découvrir une artiste que j'apprécie particulièrement.

Pour rappel, elle édite ce disque sous son propre label (air note). La pochette (cf. photo) révèle déjà l'atmosphère de mystère et de charme qui préside dans ce disque.

Trois ans, trois coups de coeur

Comme promis, l'équipe de rédaction du poisson rêveur (une personne) s'est réunie pour désigner à l'unanimité les "coups de cœur des coups de cœur". Pour fêter les trois ans du blog, j'ai sélectionné pour chaque année, 2006, 2007, 2008 un disque par année qui se distinguerait de la douzaine de coups de cœur de cette même année.

Le verdict est le suivant, sur les 44 disques cités :

2006 : Une nuit sur le mont Chauve (Modest Moussorgski) - Le Mandarin merveilleux (Béla Bartók) - Le Sacre du Printemps (Igor Stravinsky) - Esa-Pekka Salonen - Los Angeles Philharmonic - Concert "live" au Walt Disney Concert Hall - Label Deutsche Grammophon.

2007 : Amor Sacro : Motets d'Antonio Vivaldi - Simone Kermes, Soprano - Venice Baroque Orchestra - Direction Simone Marcon - Label Archiv Produktion.

2008 : JS Bach - Messes brèves BWV 234 et 235 - Ensemble Pygmalion - direction Raphaël Pichon - Eugénie Warnier (soprano), Magid El-Bushra (alto), Emiliano Gonzalez-Toro (ténor), Sydney Fierro (baryton) - Label Alpha.

Ces trois enregistrements ont un point commun : l'audace, une dynamique, une justesse incroyables.

De ces trois disques émergent une énergie prenante, des couleurs éclatantes, sur des registres qui peuvent être pourtant radicalement différents.

Si je ne devais en retenir qu'un seul, ce serait le phénoménal Sacre du Printemps par Esa-Pekka Salonen.

Gli amori d'Apollo e di Dafne de Francesco Cavalli

Je suis extrêmement reconnaissant à Olivier Tcherniak de m'avoir fait découvrir le superbe opéra de Francesco Cavalli, Gli amori d'Apollo e di Dafne. Gabriel Garrido et son Ensemble Elyma nous permettent de savourer toutes les nuances de cette pièce lyrique qui s'inscrit dans la même veine que l'Orfeo de Claudio Monteverdi.

Tout comme le maître de Mantoue, Cavalli révèle un art particulièrement achevé de l'expression lyrique.

Ce qui marque le plus à l'écoute de cet opéra est un mélange subtil de raffinement et de simplicité dans la composition. Les arias traduisent une légèreté et des couleurs qui confèrent à cette oeuvre une dimension poétique certaine sans aucune mièvrerie, sans aucun archaïsme.

Le style direct, lumineux et spontané imprimé par la direction de Gabriel Garrido, fin connaisseur de ce répertoire, est particulièrement approprié. Les chanteurs sont tous d'un niveau homogène, maîtrisant particulièrement bien le phrasé et la rhétorique de ce type d'œuvre qui préfigure l'opéra moderne.

Je recommande d'écouter cet opéra sans modération par les belles journées et nuits d'été avec ses saveurs italiennes qui s'y prêtent parfaitement.

Lien vers disquesoffice.ch pour plus de précision écouter de très courts extraits.

Francesco Cavalli - Gli amori d'Apollo e di Dafne - Ensemble Elyma- direction Gabriel Garrido- label K617 - disque disposant du soutien de la Fondation Orange.

Petit miracle des Cuiller sur Bach

Le père (Daniel Cuiller, à la tête de l'ensemble Stradivaria) et le fils (Bertrand Cuiller, au clavecin) nous livrent chez Mirare l'une des plus belles versions que l'on puisse imaginer de trois concertos pour clavecin et orchestre de JS Bach (ré mineur BWV 0152, sol mineur BWV 1058, fa mineur BWV 1056, la majeur BWV 1055).

La formation orchestrale est volontairement "chambriste" (2 violons, 1 alto, 1 violoncelle et 1 contrebasse) et le rendu général est particulièrement enthousiasmant.

Tout d'abord, on peut enfin écouter un clavecin qui n'est pas écrasé par la masse orchestrale, et, surtout, on a affaire ici à des musiciens qui montrent un degré de cohérence et une unité assez rare pour être soulignée. Le jeu de Bertrand Cuiller, alerte et léger, fait pétiller son clavecin. Il nous délivre des sonorités fines comme de la dentelle, tout en conservant un certain mordant, une vivacité toute contrôlée. En effet, il ne faut pas se méprendre pour autant. Cette version imprime d'emblée, sur chaque concerto, une certaine tension de la ligne qui ne se ralâche jamais. La pulsation, déterminante dans ces concertos, est parfaitement maîtrisée, subtilement maintenue et la vivacité de cette version n'a rien d'agressif ou d'expéditif, bien au contraire.

On peut regretter occasionnellement un tempo un peu trop rapide (particulièrement sur le concerto en sol mineur) mais c'est aussi parce que nos oreilles ont été certainement par trop habituées à des trains de sénateurs sur de nombreuses versions précédentes.

La famille Cuiller joue ces concertos avec un naturel et une spontanéité confondante.  Tout cela respire, vit, "sans se poser de questions métaphysiques". C'est aussi un version où les interprètes s'engagent de façon certaine et avec le parti pris d'une version que je situerais volontiers sous le signe de la danse et d'un petit clin d'œil à l'improvisation, ce qui, dans le cas de JS Bach est d'un sacré culot. Le signe de la danse, cela n'a rien de surprenant quand on se rappelle les nombreuses contributions de Daniel Cuiller à différentes productions chorégraphiques.

Un autre point intéressant dans le parti pris de cette version est l'apparente opposition entre la légèreté, luminosité du clavecin et la gravité, noirceur de l'orchestre (ah ! les relations père / fils, un peu comme Wolfgang Amadeus avec Leopold !...).

Parmi les petites merveilles de ce disque, j'ai noté la version du concerto en fa mineur, notamment son fameux Largo.

Par rapport à la version un peu "tarabiscotée" de David Fray évoquée récemment (cf. note du 25 avril 2008), les Cuiller nous fournissent une belle leçon d'humilité et d'évidence. Par rapport à celle de Murray Perahia, chère à mon cœur malgré ses accents assurément aguicheurs (cf. note du 16 octobre 2006), on revient à une lecture plus sobre, moins ampoulée. Certes, je compare l'incomparable (versions piano et version clavecin).

Je trouve que ce disque est une vraie réussite, sur un répertoire aux versions pourtant innombrables. Un de mes disques coups de cœur de l'année 2009.

Lien vers le site Mirare pour en savoir plus et écouter un extrait.

JS Bach : concertos pour clavecin et orchestre (ré mineur BWV 1052, sol mineur BWV 1058, fa mineur BWV 1056, la majeur BWV 1055) - Bertrand Cuiller, clavecin - Ensemble Stradivaria - direction Daniel Cuiller - label Mirare.

Philippe Herreweghe et le mystère brucknérien

Décidément, Philippe Herreweghe continue à nous fasciner par son intelligence musicale hors du commun. Après le superbe enregistrement des Cantiones Sacrae sex vocum de Roland de Lassus avec le Collegium vocale de Gent (cf. note du 12 mars 2009), il nous offre une version de la 5ème symphonie en si bémol majeur d'Anton Bruckner avec l'Orchestre des Champs-Elysées, d'une plénitude rare. Cette facilité de passage à deux univers musicaux aussi radicalement différents est vraiment fascinante.

On pourra alors opposer cette lecture, typique de l'identité sonore du travail orchestral du chef belge, aérienne, lumineuse et aux sonorités chatoyantes, à la sublime version d'une densité incroyable et d'une noirceur terrifiante que Nikolaus Harnoncourt avait enregistrée et le Philharmonique de Vienne (cf. note du 26 décembre 2006).

Dans les premiers enregistrements Brucknériens de Philippe Herreweghe (comme 4ème ou la 7ème symphonie), le seul petite reproche que l'on pouvait faire jusqu'alors était que cette chaleur des timbres, la ductilité qu'apportent les instruments anciens sur ce registre pouvaient pêcher par manque à la fois d'ampleur et de mordant dans les attaques.

Toute la complexité est bien là dans les symphonies de Bruckner. La nécessaire ampleur orchestrale qui doit servir le caractère massif, imposant de ces œuvres mais qui doit être conjuguée tout de même avec une dynamique, une clarté des plans sonores indispensables pour servir au mieux les changements brusques et incessants de climats est le marquage net, tendu des ostinatos très caractéristiques de l'écriture brucknerienne.

Par rapport justement à la 4ème ou la 7ème symphonie de Bruckner avec le même orchestre, Philippe Herreweghe aborde cette fois les attaques avec une belle férocité, établit une tension de la ligne tenue de bout en bout. Car il est bien question ici de tension permanente, d'opposition incessante de climats, de tiraillements, de l'Adagio d'introduction au Finale.

Anton Bruckner était fasciné par le Requiem de Mozart. La direction finalement très XVIIIème siècle de Philippe Herreweghe (formation orchestrale plus réduite, instruments anciens) met en évidence de façon flagrante la parenté de l'un des thèmes principaux de la 5ème symphonie de Bruckner (dévoilé au milieu du premier mouvement et repris dès l'ouverture du Finale) avec le non moins saisissant Introitus du Requiem de Mozart.

Philippe Herreweghe réussit ici une splendide version une haute tenue des différents instrumentistes (les quatre cors, cruciaux comme toujours chez Bruckner, Marcel Ponseele, hautboïste, fidèle des fidèles de Philippe Herreweghe, comme toujours sublime, surtout sur l'introduction de l'Adagio).

Ce souci de transparence, de clarté, nous permet enfin de découvrir un Bruckner bien moins rustre et sévère. Ce chef d'œuvre imposant semble gagner en proximité et nous révélant une autre part de ses mystères. On y retrouve bien entendu les ressorts mystiques, presque panthéistes de cette composition mais de façon beaucoup moins écrasante, démonstrative et intimidante que dans les versions germaniques.

Un autre coup de cœur de cette année 2009.

Lien direct vers le site Harmonia Mundi pour plus de détails.

Bruckner - 5ème symphonie en si bémol majeur - Orchestre des Champs-Elysées - direction Philippe Herreweghe - label Harmonia Mundi.

Monteverdi - Teatro d'Amore : la liberté et la sensualité enfin retrouvées !

Jusqu'ici, tous les interprètes de Monteverdi, y compris parmi les plus prestigieux et les plus pertinents (comme Gabriel Garrido), ont toujours voué un respect très solennel au texte du maître de Mantoue, comme si la grandeur manifeste de sa musique poussait à une docilité absolue, guidée par une forme d'intimidation.

Avec Teatro d'Amore, Christina Pluhar démontre à nouveau à quel point le retour à la spontanéité, à la fraîcheur s'avère particulièrement efficace, y compris avec un "monument" comme Claudio Monteverdi. Ne nous méprenons tout de même pas. La perfection technique est bien là, la maîtrise de la rhétorique propre aux compositions vénitiennes du XVIème siècle parfaitement maîtrisée. Ces fondamentaux étant bien calés, Christina Pluhar lance son ensemble l'Arpeggiata, avec les quelques superbes chanteurs qui l'accompagnent, dans le "grand saut". Il s'agit de revenir à une liberté de ton, voire aux plaisirs de l'improvisation, pratiques qui étaient, rappelons-le, assez fréquentes à la charnière de la Renaissance et du Baroque.

Pour s'adonner à cet exercice où, finalement le vrai plaisir de faire de la musique est enfin mis à jour, Christina Pluhar dispose d'un choix de premier plan : le VIIème livre de madrigaux, avec le fameux Combat de Tancrède et Clorinde, mais surtout le sublime VIIIème livre de madrigaux ("de guerre et d'amour"), l'opéra avec le Couronnement de Poppée, quelques "canzonetta".

Dans ces textes, où la référence subtile et voluptueuse à l'amour cohabite avec la fougue guerrière du "Combattimento", Christina Pluhar prend, je trouve, le parti de la sensualité, y compris dans les extraits qui doivent être habités par le style "concitato" insufflé par Monteverdi.

Avec la participation très inspirée de Philippe Jaroussky et Nuria Rial, l'ensemble Arpeggiata nous baigne alors dans un monde Monteverdien très personnel, d'un charme fou et d'une liberté de ton unique.

Cet ensemble met bien en évidence la puissance évocatrice de grands airs comme le magnifique Pur ti miro du Couronnement de Poppée avec un Philippe Jaroussky et une Nuria Rial au timbre cristallin qui nous transportent littéralement dans les cieux, l'élégiaque Si dolce è'l tormento ou le grave Interrotte speranze, tiré du Combat de Tancrède.

Il fait aussi ressortir avec un naturel confondant la fraîcheur de ritournelles comme la Damigella tutta bella où le théorbe, le luth, la guitare baroque et le cornet redoublent de virtuosité et "concertent" au sens monteverdien du terme, c'est à dire se livrent à une petite joute musicale.

Le plus audacieux, et parfaitement réussi, dans ce disque est la déclinaison "jazzy" et jubilatoire de Ohimè ch'io cado et de Chiome d'oro où respectivement Philippe Jaroussky et Naria Rial dévoilent leur talent d'improvisation avec une musicalité exquise et des accompagnateurs malicieux. C'est franchement déroutant au tout début mais tout à fait cohérent et on se prend à être aussi enivré par cette nouvelle forme de lecture.

Ma seule petite réserve, vraiment mineure, est une lecture du fameux Lamento de la Ninfa, que j'aurais préférée plus lente, suspendue, interrogative (je suis resté à jamais marqué par la version unique d'Edwin Loehrer avec le "Lugano Chamber Society Orchestra & Chorus").

Ce disque qui restitue une lecture contemporaine décomplexée de Monteverdi revient finalement à l'esprit de cette musique en faisant souffler un accent de liberté impressionnant.  C'est vraiment une très belle réussite et une introduction conseillée aux compositions madrigales et lyriques de Monteverdi, notamment à l'intention de celles et ceux qui, à tort, n'osent pas écouter ce répertoire de peur d'être confrontés à une musique trop savante.

A noter en fin l'excellente qualité d'enregistrement du disque.

Lien direct vers le site dédié au disque pour plus de détails.

Pour ma part, je ne me lasse pas de l'écouter savourant chaque note de ces sublimes compositions.

A noter que l'ensemble Arpaggieta se produit en concert avec le même programme lundi 2 février à la Salle Gaveau.

A titre d'illustration de la haute tenue de l'album, ci-dessous, quatre minutes de temps suspendu et d'envolées célestes par Philippe Jaroussky sur Si dolce è'l tormento et tirée du site youtube :

Monteverdi - Teatro d'Amore - L'Arpaggiata - Christina Pluhar - label Virgin Classics.

Coups de coeur 2008

Comme chaque année depuis la création du blog, j'ai initié un album dans la colonne de droite "Coups de cœur 2008".

Si je ne devais retenir qu'un disque, c'est bien le formidable récital de Diana Damrau avec le pétillant Jérémie Rhorer (Diana Damrau - Arie de Bravura - Mozart, Salieri, Righini - Le Cercle Harmonique - Direction Jérémie Rhorer - label Virgin Classics).

C'est une Reine de la Nuit littéralement phénoménale.

Je vous renvoie à la note du 10 février 2008 pour plus de détails.

Ci-dessous, un extrait du récital tiré du site youtube. Bonne écoute !

Goerne sublime Schubert

Les deux premiers volumes d'une sélection de lieder de Schubert par Matthias Goerne révèlent la maîtrise exceptionnelle de cet art par le chanteur autrichien. Ce dernier est au sommet de son art avec un phrasé d'une expressivité parfaitement maîtrisée, un son velouté aux intonations subtiles. La chaleur et le timbre caractéristiques de sa voix continuent à nous envouter dès les premières mesures de chaque Lied. Nul n'est besoin de maîtriser la langue allemande pour appréhender le climat propre à chaque texte.

De la mélancolie romantique chère à Schubert (d'où le titre de  "sehnshucht"), à la colère, signe de révolte, en passante par la joie insouciante, digne du plaisir immédiat des mélodies que l'on imaginerait bien interprétées lors des fameuses "schubertiades", le chanteur déploie tout son art de la nuance.

Il s'adapte parfaitement aux accompagnements très différents de trois pianistes (Elisabeth Leonskaja sur le volume 1 "Sehnsucht", puis Helmut Deutsch et Eric Schneider sur le volume 2 "An mein Hertz").

De ses trois pianistes, malgré tout le respect que je porte à la grande Elisabeth Leonskaja , c'est vraiment Eric Schneider que je trouve le plus dans l'esprit d'un accompagnement équilibré et attentionné du lied schubertien. Le toucher délicat, cette sorte de discrétion bienveillante, mettent encore plus en relief la densité du chant de Matthias Goerne.

De la liste impressionnante de lieders de ces deux recueil, l'un d'entre eux m'a particulièrement  marqué : il s'agit du poignant "Du Bist die Ruh", D. 776, sur un texte de Friedrich Rückert.

Avec ces deux disques on tient là deux magnifiques restitutions de la quintessence du romantisme incarnée par ses chants profonds, révélant les tourments d'une voix intérieure.

La prise de son, d'une qualité exceptionnelle, permet de bénéficier de la présence vivante et saisissante de la voix du chanteur.

Matthias Goerne Schubert Edition - volume 1 : Sehnsucht - volume 2 : An mein Herz - label Harmonia Mundi.

Messes brèves de JS Bach par Pygmalion : nuées ardentes

L'enregistrement de deux messes brèves de JS Bach (BWV 235 et 234) par le jeune Ensemble Pygmalion sous la direction de Raphaël Pichon est bien une révélation. Je partage complètement l'avis de Lili qui apparente les talents de ce jeune chef à celui d'un autre phénomène, à savoir Jérémie Rohrer (cf. notes du 31 août 2006 et du 10 février 2008).

Raphaël Pichon aborde ce superbe répertoire des messes brèves avec une ferveur, une générosité impressionnantes tout en ne négligeant pas la tension de la ligne, la précision, la justesse de ton indispensables. La plénitude sonore est également ce qui marque le plus, aussi bien sur la masse orchestrale que sur les chœurs. On est véritablement enveloppé par des sonorités chatoyantes et colorées.

Dans une interview entendue cette semaine sur France Musique, le jeune chef expliquait que son cursus s'est fait d'emblée avec des maîtres qui avaient exploré la rhétorique des musiques ancienne et baroque avant lui et que cette dernière lui était alors complètement naturelle.

Ce naturel conduit à belle ferveur, une vitalité indéniables. Cette option est tout à fait défendable sur la musique du cantor. Elle est d'autant bien vue que ces messes s'apparentent aux cantates chorales les plus expressives de JS Bach. La retenue excessive sous prétexte de religiosité serait certainement une erreur. Tout comme dans le Magnificat, il faut, je pense, tout au contraire servir le texte avec une inflexion, une prise "à bras le corps" de chacun des versets de ces messes.

Cette version nous fait donc aussi monter aux cieux avec une ivresse très prenante et irrésistible. Tout cela respire à merveille. C'est du Bach tonifiant, généreux et lumineux.

A noter parmi les plus beaux passages, indéniablement les Kirie et Gloria des des deux messes, le choeur final de la messe BWV 234 (Cum Sancto Spiritu) ainsi que le Motet "Des Gerechte kommt um".

Les solistes ne sont pas toujours d'une tenue parfaite (phrasé, tenue de la voix par rapport aux accompagnements instrumentaux) mais cela n'est pas très grave compte tenu de la générosité et de l'engagement indéniable de cette interprétation.

Vivement le 2ème volume. A absolument découvrir.

Lien direct vers le site du label Alpha pour en savoir plus et écouter un extrait.

JS Bach - Mèsses brèves BWV 234 et 235 - Ensemble Pygmalion - direction Raphaël Pichon - Eugénie Warnier (soprano), Magid El-Bushra (alto), Emiliano Gonzalez-Toro (ténor), Sydney Fierro (baryton) - Label Alpha.

Pollini - Mozart : haute densité (2)

Comme pour les 17ème et 21ème concertos pour piano de Mozart (cf. note du 7 octobre 2006), Maurizio Pollini continue de nous éblouir avec son dernier enregistrement, toujours avec l'Orchestre Philharmonique de Vienne, cette fois du 12ème et du 24ème (label Deutsche Grammophon).

Là encore, le maître nous délivre une leçon magistrale de génie du phrasé, de l'intonation. Seul un immense pianiste comme Maurizio Pollini peut se payer le luxe de revisiter des concertos pour piano et orchestre de Mozart en nous surprenant encore. Rien de démonstratif ou de rhétorique. Le maître s'est affranchi de ce type de travers. Il présente à nouveau ces concertos avec un jeu d'une densité inouïe, des motifs dessinés avec un trait énergique et d'une précision impeccable mais aussi, et surtout, de l'épaisseur, du grain, une véritable narration. Son Mozart est bien de chair et de sang, tantôt d'une douceur innocente, presque enfantine, tantôt d'une dureté et d'un dramatique bouleversant mais sans excès, tout en nuances.

Le 12ème concerto en la majeur nous dévoile comme une fausse sérénité que Maurizio Pollini transcrit avec finesse et pertinence sur les trois mouvements. Dans l'Andante, il transcrit à merveille le caractère bouleversant que peut avoir chez Mozart la simplicité, la spontanéité presque juvénile de bon nombre de ses mouvements lents.

Le 24ème en ut mineur, l'un des concertos les plus graves et les plus "romantiques" de Mozart, nous est quant à lui révélé dans ses tourments les plus profonds. Sur l'Allegro d'introduction, Maurizio Pollini monte progressivement en puissance avec une intensité dramatique qui est maximale lors de la reprise du motif principal. C'est proprement éblouissant.

Le piano restitue des couleurs d'une densité rare, l'Orchestre Philharmonique de Vienne, qui répond au doigt et à l'oeil, est souverain, impérial. Il déploie ses sonorités chatoyantes pour constituer un écrin magnifique mettant en valeur la limpidité du jeu du pianiste. Cette version des concertos de Mozart a bien quelque chose de transcendant. Maurizio Pollini dépasse largement le débat futile de la véracité ou de l'authenticité instrumentale (derrière laquelle se réfugie volontiers un Andreas Staier pour nous asséner des concertos sans âme et où finalement aucune véritable histoire ne nous est racontée) pour aborder la musique pure, un toucher d'une subtilité extrême, des nuances qu'on ne pouvait même pas imaginer sur ces concertos.

Lien direct vers le site Deutsche Grammophon pour obtenir plus de détails, écouter des extraits et télécharger l'album.

Vivement le prochain enregistrement.

WA Mozart - Concertos pour piano et orchestre N°12 et N°24 - Maurizio Pollini (piano et direction d'orchestre) - Orchestre Philharmonique de Vienne - Label Deutsche Grammophon.

NB : désolé de ne pas avoir pu mettre en vignette la pochette du disque. J'ai tenté trois JPEG différents que Typepad ne veut visiblement pas faire apparaître dans le cadre.

Bach par Perahia : place au chant

Je me lance dans un sujet forcément à controverse. Je veux parler des interprétations des pièces pour clavier de JS Bach par Murray Perahia. J'avais loué dans la note du 13 octobre 2006 ses versions, jubilatoires et d'une musicalité extraordinaire, des concertos pour piano du même compositeur, avec l'ensemble St Martin in the Fields.

Je ne peux que confirmer mon enthousiasme pour un tout dernier enregistrement qu'il vient de faire des partitas N°2, 3 et 4 (label Sony).

Pour reprendre l'expression de Nicolas Baron dans le Diapason d'avril, Murray Perahia, via une extraordinaire alchimie, "donne sereinement vie à l'abstraction". Son jeu, d'une musicalité et d'une subtilité extrêmes, donne en effet une vie, une saveur extraordinaires à ces pièces qui sont aussi, rappelons-le, constitués de mouvements de danse. Avec un toucher charnu mais parfaitement dosé, une rythmique d'une évidence et d'une sérénité époustouflantes, Perahia donne la priorité au chant. Ses phrasés privilégient la souplesse, une dynamique tout en rondeur mais sans afféterie. Son approche apparaît donc comme incroyablement naturelle et ludique. On ne se lasse jamais d'écouter ces partitas chantantes avec ce jeu guidé par une vraie spontanéité.

Je voue pour ma part une réelle admiration pour une telle approche esthétique car elle se dégage enfin des circonvolutions un peu trop cérébrales, de cette sorte de crispation qu'ont tant d'interprètes qui cherchent désespérément à faire des ces pièces les vecteurs de leur propres angoisses ou turpitudes.

On reprochera sans doute à Murray Perahia, avec son Steinway moelleux, de conduire les partitas JS Bach "avec le confort digne d'une limousine" pour reprendre l'image un peu provocatrice de Stéphane Friédérich dans Classica. Toutefois la prise de risque n'est pas forcément de restituer un jeu timbré, habité et tumultueux mais, au contraire, d'afficher une sérénité imperturbable mais sans tomber dans le piège de l'ennui. Je trouve qu'il est faux de dire que le jeu de Perahia manque d'aspérité. Au contraire, sa simplicité apparente est plutôt synonyme d'une certaine force et densité.

Pour vous faire une idée, je vous conseille simplement d'écouter, par exemple, soit la superbe Sarabande de la 2ème Partita (track 4), soit la longue et troublante Allemande de la 4ème Partita (track 15). Avec cette dernière, Murray Perahia effectue la jonction naturelle de ces pièces originales avec les compositions romantiques qu'elles ont considérablement influencé (réminiscences fugaces de Mendelssohn ou de Beethoven). Enfin, les nuances exquises que cet immense pianiste nous restitue, nous permettent d'imaginer tous les plaisirs qu'aurait certainement ressenti le cantor s'il avait déjà eu à sa disposition un "piano forte". Vaste débat !

Disque que je trouve pour ma part sublime et parti pour être un des mes enregistrements préférés de l'année.

JS Bach - Partitas pour clavier 2, 3 et 4 - Murray Perahia - Label Sony.

Stabat Mater : Sances, Bertali, Schmelzer

L'ensemble Ricercar Consort, dirigé par Philippe Pierlot et accompagné par Carlos Mena viennent de sortir une nouvelle perle rare chez Mirare. Après les superbes Stabat Mater de Vivaldi et de Pergolese, ainsi que le singulier De Aeternitate (recueil de mélodies de l'Allemagne luthérienne)  (cf. note du 9 octobre 2006 sur Carlos Mena), ou des cantates de JS Bach (cf. note du 12 mai 2007), ces mêmes interprètes nous font découvrir un répertoire méconnu. Il s'agit de pièces sacrées écrites par des musiciens de la cour de Vienne, sous le règne de Leopold 1er.

Le livret mentionne que le château du Prince Carl von Lichtenstein-Castelcorn à Kremsier (rattachée maintenant à la République Tchèque) renferme une bonne partie des ces oeuvres sous forme manuscrite et qu'elles n'ont été exhumées qu'au XXème siècle. La Vienne Impériale comprenait un nombre important d'excellents musiciens qui sont depuis totalement passés dans l'ombre. La raison principale, évoquée par le livret du CD est que l'on interdisait compositeurs du XVIIème siècle de faire imprimer leurs oeuvres afin qu'elles ne restent accessibles qu'aux élites impériales.

Ce CD regroupe plusieurs compositeurs qui ont successivement assuré la direction de la chapelle de la cour de Vienne : Giovanni Felice Sances, Johann Hienrich Schmelzer, violoniste exemplaire dont la réputation allait au delà de la cour de Vienne, Antonio Bertali et Johann Joseph Fux. Une pièce composée par l'Empereur lui-même, musicien avisé, a même été intégrée.

On est d'emblé sous le choc de la toute première pièce interprétée, le magnifique Stabat Mater de Sances, avec un Carlos Mena, toujours aussi fascinant, aux intonations d'une subtilité extrême, et un Ricercar Consort qui accompagne comme toujours avec finesse le phrasé du chanteur. Le tout est littéralement poignant. L'association Mena / Pierlot marque de plus en plus son empreinte dans l'interprétation de la musique ancienne et baroque.

Dès les premières mesures, on est pris de frissons tant on est transporté par la beauté de ce chant qui se déploie au fil du dialogue voix/ orchestre. Ces deux musiciens sont arrivés un niveau de fusion et de complicité exemplaires. La voix de Carlos Mena, modèle d'équilibre, se déroule avec un legato d'une pureté impressionnante et un parti pris d'intimisme propre à ce répertoire placé sous le signe de l'introspection. Ce Stabat mater comprend encore quelques archaïsmes hérités du chant madrigal mais il annonce déjà par le chant baroque par ses audaces chromatiques. A noter à un moment la mise en échos entre les mélismes de la voix (héritage de la première pratique madrigalesque) avec celui, reproduit en imitation par les cordes des violes de gambe. Prodigieux.

Les autres pièces sacrées sont moins inventives mais on ne se lasse pas du timbre si singulier et de la précision de Carlos Mena qui nous restitue les moindres détails de la partition avec une justesse remarquable.

Ces pièces sacrées sont ponctuées par des sonates pour cordes assez intéressantes de Johan Heinrich Schmelzer.

La qualité d'enregistrement, comme toujours chez Mirare, est excellente. Le livret est également très soigné et complet.

Je note déjà ce CD parmi mes coups de coeur 2008. Chaudement recommandé.

Lien direct vers le site du label Mirare pour plus d'informations avec possibilité d'écouter le Stabat mater de Sances dans son intégralité.

Stabat mater - Carlos Mena (alto) - Ricercar Consort - direction Philippe Pierlot - label Mirare.

Coups de coeur 2007

Je ne dérogerai pas en ce tout début de 2008 à la règle bien classique des bilans de l'année en tentant de sélectionner 15 enregistrements, pour la plupart parus en 2007, avec toujours le même critère assez simple : la probabilité élevée que je les écoute à nouveau avec un plaisir au moins comparable à celui éprouvé lors de leur découverte.

S'il n'y en n'avait qu'un à retenir sur 2007, ce serait Amor Sacro, sélection de motets de Vivaldi inteprétés par la soprano allemande Simone Kermes, accompagnée par le Venice Baroque Orchestra, dirigé par Andrea Marcon (label Archiv Produktion) (cf. note du 4 mars 2007).

Paru au début de 2007, ce disque est une très belle réussite et Simone Kermes révèle à quel point est la la soprano colorature idéale sur le répertoire si difficile de la musique vocale de Vivaldi. La complicité avec le chef semble également évidente.

Les mêmes interprètes sortent, dans les tous prochains jours, un second album Vivaldi intitulé "Amor profano", cette fois consacré à des arias des opéras du prêtre roux. Je ferai une petite note dès que je l'aurai écouté. Il est d'ores et déjà disponible en mp3 par téléchargement sur le site Deutsche Grammophon (du moins, dès que DG activera la commande en ligne car celle-ci est suggérée mais ne s'enclenche pas quand on la demande...).

J'ai regroupé ces 15 disques, qui ont tous fait l'objet de notes dans ce blog, dans un album photo sur la colonne de droite du blog sous le titre "Les disques coups de Coeur 2007" . Comme pour l'album des sélections 2006, en cliquant sur la vignette, vous obtenez la liste des disques avec leur couverture et leur description.

Cette sélection est bien-sûr tout à fait subjective, mais elle est toujours guidée par la sincérité et l'émotion.

J'espère que vous y trouverez votre bonheur.

Motets d'Henry du Mont : grandeur et plénitude

Je ne sais pas si cela vous est déjà arrivé. Un disque qui, de prime abord, ne vous a pas marqué plus que cela. Puis, quelques années après, lorsque vous le réécoutez, alors qu'entre temps l'écoute s'est affinée, l'horizon des découvertes s'est élargi, vient le temps de la révélation.

C'est exactement ce qui s'est produit en écoutant l'enregistrement de grands motets d'Henry du Mont fait par le Ricercar Consort, sous la direction de Philippe Pierlot.

Certes la musique du maître de Chapelle le plus apprécié de Louis XIV peut paraître bien austère. Le paradoxe est que la musique sacrée française du XVIIème siècle a moins été sujette aux influences italiennes que celle de l'Allemagne luthérienne. Dans cette dernière, Heinrich Schütz à Friedrich Buxtehude, en passant par Samuel Scheidt, la lumière du Nord s'irrise d'éclats italiens. Les concerts spirituels, les symphonia sacrae ou les cantates sont marqués par l'expressivité issue des écoles vénitiennes, que ce soit la patte de Claudio Monteverdi ou de Giovanni Gabrieli.

Chez Henry du Mont (d'ailleurs natif de Liège) il n'en n'est rien. Autant les allemands tentent d'associer grandeur divine et intimité humaine, d'ajouter couleurs et contrastes, autant chez le musicien de la Cour Royale française, on est dans le registre d'une forme ascétisme et l'élévation vers le divin doit plus se traduire par une certaine plénitude des sonorités vocales et orchestrales mais sans référence aux affects humains.

Philippe Pierlot et son ensemble l'ont bien compris. La tension de la ligne est bien là, toute maîtrisée, mais, surtout, l'espace sonore s'emplit totalement avec des harmonies très riches. Cette musique paraît plus linéaire mais elle est en fait incroyablement savante et complexe.

Des quatre motets, c'est bien le Mater Jerusalem qui m'a le plus marqué. Les solistes entament une première partie avec intériorité et gravité (démarrage par la basse austère et solennelle). Ensuite, vient le choeur ample et admirablement servi par le Choeur de chambre de Namur. Enfin, chaque soliste reprend ses versets avec, le magnifique et vibrant Carlos Mena parmi les intervenants.

Henry du Mont est un compositeur intéressant à découvrir et qui était visiblement soucieux de remplir pleinement l'espace sonore avec une texture vocale et instrumentale dense mais très élégante.

Splendide enregistrement.

Lien direct vers le détail du disque sur le site Ricercar.

Henry du Mont - Grands Motets - Ricercar Consort - Direction Philippe Pierlot  - label Ricercar.

Motets d'Henry Desmarest : ferveur et élégance

Les vacances sont décidemment bien salutaires. J'avais laissé sur mon lieu régulier de villégiature l'enregistrement de trois grands motets lorrains d'Henry Desmarest, interprétés par les Arts Florissants, sous la Direction de William Christie. Jugeant que ce disque ne méritait pas sa place dans la discothèque principale, je l'avais relégué à celle de la résidence secondaire.

Il se trouve que, loin des tumultes et de la frénésie urbaine, prendre le temps de se plonger dans ces trois motets souverains et majestueux constitue une moyen très efficace de se ressourcer.

Tout d'abord, soulignons la convergence unique que procure ce disque entre ces compositions élégantes et élancées avec le raffinement du style de direction de William Chrsitie. L'ardeur du principal soliste, le magnifique haute-contre Paul Agnew, ainsi que la justesse impeccable des autres solistes (dont les deux "dessus" Sophie Daneman et Rebecca Ockenden) contribuent nettement à la beauté indéniable de ce disque. Enfin, petit détail qui a son importance : la basse continue à l'orgue n'est autre qu'Emmanuelle Haïm. Avec cet enregistrement de 1999, cette excellente interprète officiait encore pour William Christie avant de voler de ses propres ailes.

Henry Desmarest, dont j'avais déjà noté la finesse remarquable des compositions lors du concert qu'avait donné Hervé Niquet à la Salle Gaveau le 24 avril dernier (cf. note du 26 avril 2007), a injustement été déclassé au second rang des musiciens de la cour Royale de France, à la suite d'une existence remplie de diverses péripéties, dont un séjour prolongé et visiblement douloureux en Espagne au service de Philippe V. Ce n'est qu'à la fin de sa vie, appelé à la cour de Lorraine, qu'Henry Desmarest a, semble-t-il, retrouvé une certaine sérénité, exerçant le poste de surintendant de la musique de la cour de Lorraine. Les trois motets enregistrés ici datent de cette époque.

Des trois motets, j'ai sourtout retenu le premier enregistré "Usquequo domine" (écrit sur le Psaume XII) et le second "Lauda Jerusalem" (écrit sur le Psaume CXLVII). Le premier motet imprime d'emblée une tension bien restituée par William Christie. D'une richesse harmonique étonnante, ce motet déploie toute sa complexité dans le verset "Quamdiu" où les solistes et l'orchestre s'engagent dans une polyphonie d'une virtuosité assez prenante. Au fil de son déroulement, le motet nous conduit à une sorte de libération et de félicité, soulignée par un chœur final ample et apaisant.

Le second motet est l'illustration même de l'élégance du style de composition d'Henry Desmarest. Il se déroule de façon assez fluide et linéraire, avec quelques élancements des voix d'une beauté confondante. Le verset "Mittit crystallum" avec l'entrelacement des deux voix de dessus avec celle de taille est magnifique et tient presque du madrigal. Le chœur final "Non fecit taliter" annonce de façon évidente les chœurs de cantates chorales de JS Bach.

Le troisième motet "Domine, ne in furore" est le plus austère des trois. Selon le même procédé que le premier motet, les premiers versets sont restitués avec une tension presque pesante. Ensuite, à partir du superbe et fervent "Turbatus est a furore", la lumière surgit pour nous engager vers la libération finale du chœur "Erubescant".

C'est visiblement un disque très réussi et qui permet de découvrir l'évidente beauté de l'écriture d'Henry Desmarest.

Henry Desmarest - Grands Motets Lorrains - Les Arts Florissants, Direction William Christie - Sophie Daneman, Rebecca Ockenden (dessus), Paul Agnew (haute-contre), Laurent Slaars (taille), Arnaud Marzorati (basse) - label Erato.

Les "Elémens" de Jean-Fery Rebel : stupéfiant et avant-gardiste

J'avais déjà évoqué les très belles sonates pour violons et basse continue de Jean-Fery Rebel (cf. note du 13 décembre 2006). Ce compositeur français du XVIIème siècle, inventif, assez influencé par le monde la danse, offre une théâtralité étonnante dans ces sonates.

Benoît, dans un des commentaires me mentionne alors les Elémens dont m'avait également parlé un très bon ami (Yves qui se reconnaîtra). Je me suis donc procuré l'enregistrement fait par Marc Minkowski pour Erato en 1993 avec les Musiciens du Louvre.

Outre la pièce mentionnée précédemment, cet enregistrement comprend les Caractères de la Danse et le Tombeau de M. de Lully, plus connu, et dont on peut comparer la version avec celle de L'Assemblée des Honnestes curieux - Label Zig Zag Territoires que j'évoque dans la note du 13 décembre.

Pour les Elémens, le passage le plus inouï est incontestablement l'enchaînement violent des tous premiers accords de la première pièce Le Cahos.  La basse continue, clavecin en tête, frappe d'entrée les coups du déluge avec une tension et une dramatisation hors du temps. On se croirait presque dans un film de Kubrick et ces toutes premières mesures auraient pu être composées au XXIème siècle ! Viennent ensuite les glissandos de violon et les arpèges des flûtes qui marquent, de façon plus datée, le courroux des "Elémens". Cette première pièce agit un peu comme l'ouverture d'un opéra qui fixe le climat d'ensemble de l'oeuvre.

Viennent ensuite les dix autres pièces de styles très variés.  On passe de la Chaconne la plus stylée (N°3 - "Le Feu") aux Tambourins, très dansants, dignes des turqueries de Lully (N°7). Le Caprice, sorte de prémisse des grands airs d'apparat de Haendel, ponctue la série. J'ai particulièrement aimé la fine et troublante Sicilienne (N°9).

Les caractères de la Danse regroupent une série d'airs qui s'associent chacun à un style d'expression différent. D'apparence assez conventionnelle, ces très courts airs contiennent un élan et une élégance indéniables jusque dans les passages s'associant aux danses les plus rustiques (ex : la bourrée et l'ironique musette). L'enchaînement de ces pièces qui font entre 15 secondes et un peu plus d'une minute est un tourbillon enivrant et d'une beauté sidérale qui révèle tous les styles de danse et humeurs imaginables.

Tout cela nous est restitué par un Marc Minkowski qui, à ses débuts, était encore guidé par une verve et une frénésie certaine. Il restitue de très belles couleurs avec un ensemble qui était déjà d'un niveau technique impressionnant. Il faut simplement un peu s'habituer au pas de charge...

Pour le Tombeau de M. de Lully, si vous avez les deux versions, je vous laisse le soin de faire la comparaison Musiciens du Louvre et Assemblée des Honnestes curieux. Dans le premier cas, on écoute une formation plus large, dans une logique orchestrale alors que le second est plus "chambriste" et donc intime. Si inspiré du style du lamento issu de la musique ancienne, le début de cette pièce a des similitudes troublantes avec le "Ach dass Ich Wassers g'nug hätte" de Johann Christoph Bach qu'a enregistré Carlos Mena dans l'album De Aeternitate chez Mirare (cf. note du 9 octobre 2006)

Très beau disque.

NB : cette collection le voyage musicale d'Erato est vraiment bien faite. Les notices d'accompagnement du disque sont très didactiques.

Jean-Fery Rebel - Les Elémens - Les Caractères de la Danse - Le Tombeau de M. de Lully - Marc Minkowski - Les Musiciens du Louvre - Label Erato - Warner Classics.

Lima, La Plata, Chiquitos et missions jésuites

Après l'enthousiasmant concert de Gabriel Garrido du 30 novembre 2006 à Gaveau pour les 25 ans d'Elyma (cf. note du 1er décembre), rien de plus naturel que d'entamer le périple de découverte de la musique ancienne et baroque du Nouveau Monde.

Grâce au travail patient de recherche de Gabriel Garrido depuis plus de vingt ans dans les archives d'Amérique du Sud, des belles pièces nous ont été exhumées, opérant une fusion passionnante entre les modèles de composition européenne (comme notamment le style italien, la musique galante) et la musique populaire et folklorique d'Amérique du Sud, avec son rythme et sa spontanéité.

C'est dans le registre sacré que cette fusion est la plus intéressante, car les compositeurs ont associé l'élévation divine que suggèrent les canons européens de composition sacrée (comme le contrepoint) avec la ferveur, la joie, le côté naturellement extraverti et naturel du style sud-américain. Garrido excelle alors pour nous transcrire l'esprit de ces oeuvres.

J'ai commencé avec le disque enregistré en 1992 et regroupant quatre pièces de compositeurs différents de la même période, juste à la jonction des XVIIème et XVIIème siècles (Juan de Araujo, Domenico Zipoli, Tomas de Torrejon Y Velsaco, Diego J. de Salazar).

Il s'agit du répertoire sacré colonial, destiné aux cours et diocèses des villes nouvelles Lima et La Plata, composé par des musiciens espagnols ou italiens et destiné à être interprété par des indiens.

Chez Juan de Araujo, musicien espagnol ayant officié en Bolivie, Gabriel Garrido a sélectionné quatre airs. Le 1er, très rythmé et animé "Hola, Hola, que vienen gitana" nous plonge d'emblée dans cet étonnante synthèse évoquée ci-avant. Le tambourin ponctue avec vigueur cet air enjoué et vif.

Le "Silencio, pasito" est une berceuse instaurant un climat paisible et recueilli avec les trois solistes entrecroisant leurs voix.

Le Dixit Dominus emmené par les voix du choeur d'enfants de Cordoba est particulièrement émouvant. Le Salve Regina est quant à lui complètement dans la tradition de la musique sacrée espagnole du XVIIème siècle.

De Domenico Zipoli, compositeur italien ayant séjourné à Séville et ensuite basé au Paraguay où il effectuait également sa fonction de missionnaire dans l'ordre des Jésuites, Gabriel Garrido a retenu dans cet album la Missa San Ignacio, belle messe aérienne, saturée de lumière du Sud mais restituant bien l'intensité de la dévotion des fidèles. Le Kyrie est simple mais efficace avec à nouveau le timbre émouvant des voix enfantines. Le splendide Gloria démarre avec la même exaltation et bascule soudain, au minutage 0'57", dans un climat d'un recueillement saisissant. Le Credo s'inscrit presque, avec les voix des ténors qui impriment la tonalité d'ensemble, dans la tradition médiévale du plein chant. Le bref Sanctus ponctue cette messe avec un Osanna in execelcis empli de gaieté et d'espoir.

De Torrejon y Velasco (maître de chapelle à la cathédrale de Lima), avec un Invitatorio de difuntos et un Magnificat, se distingue moins nettement que les deux compositeurs précédents.

Le morceau le plus étonnant, dont on pourrait croire qu'il a été écrit à notre siècle est incontestablement le Salga el Torillo de Diego J. de Salazar, digne d'une musique de fête folklorique sud-américaine !

De très très brefs extraits de ces oeuvres peuvent être écoutés sur Amazon.fr.

Lima - La Plata - Missions Jésuites - Ensemble Elyma - Choeur d'enfants de Cordoba - Direction Gabriel Garrido - label K617.

Concerto pour deux pianos et orchestre de Francis Poulenc : deux claviers font leur cinéma

Belle découverte de que ce disque consacré, entre autres, au concerto pour deux pianos en ré mineur de Francis Poulenc.

La tonalité de ce concerto n'a justement rien de mineur : le premier mouvement démarre à tue-tête. Le rythme est enivrant et d'emblée ce concerto annonce la couleur : on oscille en permanence entre mélodies dignes de bandes originales de film, clins d'oeil ironiques aux concertos classiques, accélérations, ruptures, contre-pieds. On retrouve Gerschwin, avec, sur le premier mouvement, les tonalités d'une rhapsodie très urbaine, avec ses cuivres frénétiques. Emerge ensuite Mozart avec, dans le second mouvement, une reprise très nette et assez ironique du thème principal de l'Andante du 21ème concerto pour piano en do majeur ! Quel culot ! On y croise enfin Chostakovitch dans le troisième mouvement. Phrases heurtées, martelées, à la manière du compositeur russe.

Eric Le Sage, connu comme excellent chambriste et pilier d'un groupe à géométrie variable, dont le clarinettiste Paul Meyer, oeuvre ici en compagnie de Frank Braley. Les deux pianistes déploient un jeu vif, très gai et coloré. Leurs arpèges sont éblouissants de netteté. Ils forment un ensemble très homogène, avec l'Orchestre Philharmonique de Liège sous la Direction de Stéphane Denève. Belle réussite.

Le disque comprend également, par Eric Le Sage, une version du concerto pour piano et orchestre de Francis Poulenc de même facture, ainsi que la pièce Aubade, composée de 10 morceaux assez brefs, s'enchaînant comme dans un récit. Francis Poulenc a qualifié ces pièces de "concerto chorégraphique". Aubade est un ensemble dont la tonalité est plus grave et l'atmosphère générale assez tourmentée. Eric Le Sage transcrit avec précision et sensibilité ces différents climats.

Il s'agit d'un disque assez réussi et présentant des oeuvres méconnues du répertoire moderne français. Pourquoi donc ne les joue-t-on jamais vraiment en concert ?

Francis Poulenc - Concerto pour deux pianos et orchestre en ré mineur - concerto pour piano - Aubade - Eric Le Sage, Frank Braley - Orchestre Philharmonique de Liège - Direction Stéphane Denève - Label RCA Red Seal.

NB : j'ai téléchargé ce disque sur mon iPod via iTunes pour tester l'écoute sur baladeur numérique. Qualité assez correct si on est itinérant mais qui n'a bien entendu rien à voir avec le CD sur une chaîne Hifi (manque flagrant de dynamique et de relief).

Mendelssohn et Magaloff : la belle rencontre

Ce disque est presque passé inaperçu lors de sa nouvelle sortie en 2004 alors qu'il est particulièrement intéressant. Il s'agit de l'enregistrement d'un récital du grand pianiste Nikita Magaloff au Festival de Montreux en 1988 et entièrement consacré à Felix Mendelssohn (label Accord).

Le programme riche et composite nous permet de découvrir un panorama assez complet des oeuvres pour piano de Mendelssohn.

On y écoutera un Nikita Magaloff qui, à 76 ans lors de l'enregistrement, fait preuve d'une verve incroyable. Ses interprétations, particulièrement inspirées lors de cette captation, sont vives, alertes, pétillantes. Le tempo paraîtra même singulièrement rapide, tant le pianiste, servi par sa virtuosité, se prend au jeu. Nikita Magaloff, qui nous a laissé, dans les années soixante de très beaux enregistrement de Chopin, est un interprète au toucher délicat, d'une grande finesse et restituant avec élégance et justesse le climat propre à ce répertoire. Exactement le contemporain de Chopin, Mendelssohn n'a pas marqué aussi fortement le répertoire pour piano et on a peut-être injustement considéré son oeuvre comme plus secondaire, moins inspirée. La filiation est toutefois naturelle, comme elle l'est, avec certaines pièces de Schumann. Il y en outre un point commun entre Mendelssohn et Chopin à savoir leur admiration très nette pour l'art du contrepoint et de la fugue de JS Bach.

C'est sur ce registre que démarre l'enregistrement avec une belle version, très déliée et enlevée du Prélude et Fugue Op. 35 N°5.  La Fugue et bien un Allegro con fuoto et Nikita Magaloff prend parfaitement ces termes à la lettre. C'est superbe.

Viennent ensuite une série de variations dites Sérieuses Op. 54, au nombre exact de 17. très courtes, elles s'enchaînent comme pour faire une seule oeuvre. C'est en tout cas visiblement le parti pris parfaitement réussi de Nikita Magaloff. La dernière variation (piste 20) est splendide et puissante.

Dans la série qui suit des Neuf Romances sans paroles, Nikita Magaloff prend l'option de nous les enchaîner dans un ordre spécifique. On redécouvrira la très célèbre légère et enjouée Op. 62 N°6 ("Fruhlingslied" : chanson de printemps) (piste 26). J'ai également noté l'Op. 67 ("Spinnerlied"), qui a été pendant de nombreuses années le générique de l'émission de France Inter Le Masque et la Plume (piste 27).

Pour terminer, Nikita Magaloff réussit une très belle lecture intériorisée du fameux Rondo Cappriccioso Op.14 ainsi que de la sonate très schumanienne Op.106.

Ce grand pianiste nous fait découvrir un Mendelssohn chantre des belles émotions romantiques, mais sans mièvrerie aucune, avec des compositions pour piano très colorées.

Disque splendide d'un interprète qui avait une très grande classe.

Lien sur le détail du disque tiré du site Universal Music.

Nikita Magaloff - Récital au Festival de Montreux de 1988 - Oeuvres pour piano de Felix Mendelssohn - Label Accord (Universal Music).

1er et 2ème concertos pour piano de Rachmaninov : l'exigence absolue de Krystian Zimerman

Pour certains enregistrements hors norme, il faut certainement un certain temps de "décantation" avant d'apprécier toute leur complexité et leur saveur.

C'est typiquement le cas du CD gravé il y a maintenant près de trois ans (que le temps passe !) par Krystian Zimerman et Seiji Ozawa et dédié aux 1er et 2ème concerto pour piano et orchestre de Rachmaninov.

Depuis plus de vingt ans maintenant, je suis cet exceptionnel interprète qu'est Krystian Zimerman au fil de ses rares apparitions et enregistrements. Son perfectionnisme que d'aucuns qualifieront de presque pathologique, a malheureusement plus tendance à irriter la critique qu'à la fasciner. Le résultat est que je suis persuadé qu'elle passe à côté de la richesse indéniable du propos et du parti pris esthétique de ce pianiste.

Tout d'abord, depuis le début, Krystian Zimerman a un son unique, éclatant et un toucher fascinant, capable de restituer des nuances et des couleurs sur un spectre très large. Autre caractéristique indéniable, se mélange d'élégance, de grandeur et de puissance très focalisée, hyper-précise.  Sans fournir d'explication trop rationnelle (et c'est tant mieux), je suis un inconditionnel du "son Zimerman".

En 2003, il décide, avec le grand Seiji Ozawa et son orchestre attitré (le Boston Symphony Orchestra) de pénétrer jusqu'au plus profond mystère de ces deux célèbres concertos de Rachmaninov. La virtuosité de ce dernier, notamment sur ses propres oeuvres est devenue légendaire. Krystian Zimerman s'inscrit je pense dans la logique interprétative du compositeur. Ces concertos ont une ampleur hors du commun, demandent une ténacité et une constance extrêmement difficiles à tenir sur la durée. En outre, l'âme slave, Krystian Zimerman la maîtrise à fond (cf. ses exemplaires interprétations de Chopin).

Sur cet enregistrement, il relève donc le défi d'une trilogie infernale : précision absolue, force quasi-autoritaire et ampleur. Le résultat interpelle forcément parce que très difficile à cerner mais d'une telle richesse ! Complexe, c'est bien le qualificatif que l'on retiendra. C'est pourquoi, à l'écoute, et avec le recul, on découvre à quel point les mises en abyme, les différents reliefs et changements de climat sont dessinés avec soin et intelligence.

Pour servir ce propos intimidant du pianiste parce que fondamentalement concentré et inspiré, Seiji Ozawa apporte une pâte sonore d'une grande souplesse et sensualité, comme pour estomper les traits d'un dessin tellement vivant et précis mais d'une grande dureté.

Ecoutez plusieurs fois ce disque et vous serez certainement emporté(e) dans la tourmente de ces oeuvres et vous ne pourrez certainement pas en sortir sans séquelles !

A l'écoute, finalement je trouve l'interprétation du 1er concerto encore plus convaincante que le 2ème. L'interprétation de l'Allegro vivace a quelque chose de surhumain.

Sur le 2ème, oubliez les versions trop flatteuses et apprêtez-vous à affronter, dès les premières mesures, la vague sombre et tourmentée des gammes d'introduction.

La qualité d'enregistrement est en outre excellente. Elle sert admirablement l'extrême virtuosité du pianiste.

Lors d'une interview lors du lancement du disque, Krystian Zimerman avait indiqué qu'il ne se sentait pas encore prêt à attaquer le 3ème, le plus difficile techniquement mais aussi le plus fascinant. Croisons les doigts pour que le miracle de la rencontre se produise.

Lien direct vers le détail du disque avec des extraits, issu du site de DG.

1er et 2ème concertos pour piano et orchestre de Rachmaninov - Krystian Zimerman - Seiji Ozawa - Boston Symphonie Orchestra - labell Deutsche Grammophon.

Marcelle Meyer : Rameau transcendé au piano

Dans sa série les Rarissimes, EMI classics a réédité en 2004 l'interprétation de pièces pour clavier de Rameau par Marcelle Meyer. Ce disque est exceptionnel à plusieurs titres.

Tout d'abord l'ambition, au milieu des années cinquante, d'aborder ces oeuvres écrites pour le clavecin dans une logique pianistique, avec un instrument moderne. On ne parle, dans ces mêmes années cinquante, que de l'audace du jeune Glenn Gould lorsqu'il adopte des choix esthétiques et instrumentaux identiques sur JS Bach. Marcelle Meyer, quant à elle, relève ce défi, mais avec un parti pris interprétatif plus convainquant et ce, sur un répertoire plus large (non seulement Rameau, mais aussi Couperin ou Dandrieu).

Ensuite, il y a le charme, l'agilité exceptionnelle de cette artiste avec son jeu qui nous fait apprécier cette musique française du XVIIème siècle dans tout ce qu'elle a de chantant, dansant et voluptueux. Ces différentes suites pour clavecin sont en effet redoutables. Sous le carcan métronomique de ces petites pièces courtes, très codées, se cache, soit le drame le plus profond, soit un humour, une légèreté, que Marcelle Meyer nous révèle avec un grande finesse.

L'un des ressorts de cette interprétation très inspirée est la capacité de cette interprète à restituer au clavier d'un piano moderne les ornementations avec vivacité et légèreté. Son jeu est assez timbré mais il conserve une finesse, un douceur étonnantes avec un interprétation des mordants et trilles propres à ce répertoire qui semble irréelle sur ce type d'instrument. Contrairement à un Glenn Gould pour lequel le détachement des notes est quasi-obsessionnel, Marcelle Meyer opte pour un jeu assez délié, un legato, certainement beaucoup plus dans l'esprit des interprétations pour clavecin voulues par les compositeurs de l'époque.

Ceci donne un jeu très expressif. On déguste alors chacune de ces pièces comme une friandise. On sera peut-être étonné par le tempo assez enlevé sur les pièces rapides. Ce n'est finalement pas choquant. Le rythme reste toujours très juste on se laisse emporter par la virtuosité de Marcelle Meyer.

Sur le CD1, à noter le dramatique et solennel Prélude d'entrée du Premier Livre de Pièces pour Clavecin où Marcelle Meyer fait raisonner les cordes avec un legato qui nous emporte sans nous lâcher. L'interprétation du très court Menuet qui clôture cette série est aussi d'une justesse époustouflante.

Sur la suite en mi mineur, j'ai particulièrement été marqué par l'expressivité du jeu sur l'étonnante pièce VI : le Rappel des oiseaux. On est comme dans une "volière" sonore, avec un jeu éthéré et d'une grande poésie.  Le célèbre Tambourin, nous ramène à un univers plus folklorique, restitué avec une ampleur quasiment orchestrale.

Toute la suite en ré majeur est quant à elle un plaisir absolu d'écoute, où on se trouve emporté dans le mystère d'un jardin français à la tombée de la nuit.

Sur le CD2, à noter particulièrement la Gavotte et les doubles des nouvelles suites de pièces de clavecin en la mineur (piste 3), et quelques splendides pièces de la suite en sol mineur : l'Indifférente avec son mouvement circulaire, la Poule, avec les picotements de son bec qui ponctuent en permanence le mouvement, la célèbre pièce les Sauvages (à vous de jouer si vous êtes pianiste), emportée avec entrain, l'étonnante et obsessionnelle Enharmonique et l'Egyptienne qui semble s'être évadée du clavier bien tempéré de JS Bach.

Ce disque mérite bien son titre de rarissime et je ne me lasse jamais de l'écouter en boucle. Cette grande interprète française a influencé de nombreux pianistes (jusqu'aux plus jeunes, comme Alexandre Tharaud). Il est dommage qu'elle ne soit pas assez rééditée. Elle est en tout ca étonnamment absente des moteurs de recherche internet.

Nb : l'interprétation des pêchés de jeunesse de Rossini a été ajoutée à l'album pour une raison qui m'échappe. Pour ceux qui aiment...

Les Rarissimes de... Marcelle Meyer - Rameau - Rossini - Label EMI CLassics - réf  : 0724358522822.

La nuit transfigurée de Schönberg : profonde et intrigante

La découverte des dernières mesures du poème symphonique La nuit transfigurée (die Verklärte Nacht) d'Arnold Schönberg fut pour moi une véritable révélation.

Cette pièce, d'une veine assez classique, est vraiment troublante. Faussement monolithique et répétitive, elle est d'une grande expressivité. Elle alterne des climats de grande tension et de noirceur (le premier mouvement : Grave), d'élan lyrique (A tempo), puis de questionnement presque métaphysique, pour se terminer avec un nocturne fascinant où les violons à l'unisson, suspendent le temps et instaurent un climat d'une grande sensualité. Le final est incroyablement puissant et évocateur, avec les violons qui prolongent leurs notes dans un mouvement étiré qui rappelle l'univers brucknérien.

Arnold Schönberg avait 25 ans lorsqu'il a composé ce poème symphonique dont la structure ambivalente reste marquée par certains "archaïsmes" de la forme romantique tout en préfigurant tout de même ses oeuvres plus contemporaines. Cette pièce s'inspire d'un poème de Richard Dehmel, quant à lui imprégné de l'univers symboliste et cultivant une forme de fascination esthétique pour l'association de la sensualité féminine et de la mort (ce que Schubert avait déjà exploité avec le quatuor "Der Tod und das Mädchen, d'après le poème de Matthias Claudius).

Sensuelle, mais aussi par certains aspects morbide, cette Nuit transfigurée l'est assurément.

Il s'agit 25 minutes d'une musique complexe et fascinante et qui ne se laisse pas appréhender facilement et demande plusieurs écoutes pour en cerner la richesse. Même si elle est composée en cinq mouvements, elle se déroule comme une sorte de continuum alors qu'elle contient une certaine richesse narrative.

La version que j'ai écoutée est celle pour orchestre avec l'Orchestre de la Radio Bavaroise sous la baguette de son chef attitré Mariss Jansons (enregistrement "live" sous le label Sony Classical).

J'ai également écouté la version d'origine pour sextuor à cordes dirigée par Pierre Boulez (même label Sony Classics). Avec ce dernier, on gagne en intensité dramatique mais au détriment de la part de rêve que nous restitue Mariss Jansons. Pierre Boulez milite pour une version sévère, rude et implacable.

A chacun de retrouver, dans l'une ou l'autre version, ses propres repères esthétiques.

A écouter dans l'obscurité la plus profonde d'un ciel noir d'hiver.

Coups de coeur 2006

Je n'ai pas dérogé à la règle bien classique des bilans de l'année en tentant de sélectionner 15 enregistrements, pour la plupart parus en 2006, sur la base d'un critère assez simple : la probabilité élevée que je les écoute à nouveau avec un plaisir au moins comparable à celui éprouvé lors de leur découverte.

S'il n'y en n'avait qu'un à retenir, c'est bien le dernier enregistrement du Sacre du Printemps par Esa-Pekka Salonen à la tête du Los Angeles Philharmonic Orchestra.

Tous ces disques ont fait l'objet de notes dans ce blog mais je les ai regroupés dans un album photo sur la colonne de droite du blog sous le titre "Les disques coups de coeur 2006". En cliquant sur les couvertures des disques, vous obtiendrez leur description.

Tout cela est éminemment subjectif mais guidé par la sincérité et l'émotion.

J'espère que vous y trouverez votre bonheur.

Incontournable : le concerto en ut majeur de Haydn par Rostropovitch

Depuis toujours, je porte le premier concerto pour violoncelle et orchestre en ut majeur de Joseph Haydn au sommet des oeuvres concertantes classiques. Plus spécifiquement, l'Adagio de ce concerto compte parmi mes morceaux de musique à emporter sur l'île déserte. Cette pièce préfigure non seulement le Mozart le plus inspiré et le plus profond mais son onde de choc s'étend incontestablement jusqu'aux grands romantiques.

Pour prouver cela, rien de mieux que le grand Mstislav Rostropovitch pour nous le démontrer sur "instrument moderne". Ma version de chevet de ce concerto a toujours été, depuis maintenant vingt ans, celle, pure et impétueuse, initiatrice du mouvement sur instruments anciens de Christophe Coin avec Christopher Hogwood dirigeant the Academy of Ancient Music (label Oiseau Lyre). J'avais également été séduit (comme la critique) par l'intéressante insertion de Jean-Guihen Queyras avec le Freiburger Barokorchester dirigé par Petra Müllejans (label Harmonia Mundi). Cette version, avec le grain particulier du violoncelle du soliste, est encore plus nerveuse, âpre, décapée mais cohérente.

Puis, l'éditeur Unitel /EuroArts a eu l'excellente idée de faire récemment paraître un DVD reprenant un concert qu'avait donné Mstislav Rostropovitch (partie solo et direction d'orchestre) avec the Academy of Saint-Martin in the Fields. Quel choc ! Ce grandiose concerto est interprété avec une perfection plastique saisissante par un Rostropovitch au sommet de son art (concert filmé en 1975). Toutes les nuances sont transcrites avec une exactitude et une pertinence saisissantes et la voix profonde du maître ressort de son instrument avec une facilité étourdissante. Mstislav Rostropovitch dirige au sens littéral du terme l'intégralité de ce concerto et la fusion orchestre / interprète est totale. Le tempo est soutenu et le style d'un grand clacissisme atteint la perfection.

Je recommande très chaleureusement de regarder et écouter ce DVD.

Une seconde partie est consacrée au concerto pour piano en ré mineur de J. Haydn, interprété par Homéro Francesch, accompagné du même ensemble orchestral, sous la direction de son célèbre chef attitré Neville Marriner. L'interprétation est correcte même si elle peut paraître maintenant plutôt contenue et académique par rapport, par exemple, à ce qu'un Jos Van Immerseel nous propose maintenant.

DVD - Les deux concertos pour violoncelle et orchestre de J. Haydn - Mstislav Rostropovitch - Academy of Saint-Martin in the Fields. Concerto en ré mineur pour piano et orchestre de J. Haydn - Homéro Francesch - Neville Marriner - Academy of Saint-Martin in the Fields. Label Unitel.

Le Sacre du Printemps de Stravinsky : Salonen entre dans l'histoire

Je le tiens enfin le disque de l'année ! Il était temps, 21 jours avant de fêter le grand Saint Sylvestre.

J'avais déjà consacré une note le 5 octobre à un de mes plus beaux concerts de l'année, le 9 mars dernier : Esa-Pekka Salonen, attrape l'Orchestre de Paris et le met au pas pour un voyage de 45' de folie avec une interprétation magistrale de l'Oiseau de Feu d'Igor Stravinsky. Avec sa gestuelle unique, il modèle littéralement le son, fait ressortir les différents motifs avec une netteté et un force sidérantes. Il nous abasourdit littéralement et l'Oiseau de feu irradie toute la salle.

Quelques semaines avant (le 1er janvier 2006), il avait pris d'assaut le saint des saints : le Sacre du Printemps avec cette fois, toujours en "live", son orchestre attitré le Los Angeles Philharmonic, au Walt Disney Concert Hall. Quand on entend les sonorités sidérantes qu'il est capable de faire sortir de notre orchestre parisien (encore plus dans la cauchemardesque salle du théâtre Mogador), on n'ose pas imaginer ce que cela donne avec le "LAP" !

Et bien, on obtient tout simplement quelque chose d'exceptionnel. Salonen imprime à nouveau la même tension. Réglée au millimètre, celle-ci est au service d'une vérité expressive je pense inégalée sur Stravinsky : le rythme barbare, les inquiétantes phrases qui doivent nous plonger jusque dans nos origines les plus primitives sont bien là. En outre, Salonen, avec son regard perçant, restitue tout ce climat avec une telle densité et intelligence, qu'on écoute finalement se dérouler une passionnante aventure humaine de 30' où se mêlent bizarrement brutalité sauvage du rythme et pureté de la ligne ! C'est vraiment unique.

Pour terminer, l'Orchestre est d'un niveau technique, d'une précision et homogénéité à couper le souffle. Les différents plans sonores sont ciselés au laser et les solos d'instruments sont sans faille. Pour autant, tout ceci n'est absolument pas désincarné, au contraire.

Quant à la prise de son : 20/20 ! Pour une fois qu'un hybride CD / SACD tient la route avec autant de relief, il faut le signaler.

Je vous le dis, on tient au moins l'un des cinq disques de l'année, et un des tous meilleurs parmi ceux que j'ai écoutés depuis quelques années.

Imaginez si jamais Maurice Béjart avait eu Salonen !

Le Sacre est couplé avec Une nuit sur le mont Chauve de Modest Moussorgski et Le Mandarin merveilleux de Béla Bartók.

La maintenant célébrissime Nuit sur le mont Chauve, exploitée n fois par les l'industrie cinématographique et publicitaire pour une durée souvent inférieure à 15" (sauf Fantasia !) est ici proposée dans sa version d'origine. L'interprétation est de la même veine. Accrochez vos ceintures !

Pour des commentaires pertinents et forcément encore plus précis que les miens, vous pouvez vous référer à l'article de CLASSICA-Répertoire de décembre-janvier où Bernard Dernoncourt et Stéphane Friédérich expriment à quel point ils ont été également impressionnés par cet enregistrement (pages 64 - 65 - un des R10 du mois).

Détail du disque tiré du site Universal Music.

Cours extraits que l'on peut écouter depuis le Track listing du site Deutsche Grammophon.

Une nuit sur le mont Chauve (Modest Moussorgski) - Le Mandarin merveilleux (Béla Bartók) - Le Sacre du Printemps (Igor Stravinsky). Esa-Pekka Salonen - Los Angeles Philharmonic - Concert "live" au Walt Disney Concert Hall. Label Deutsche Grammophon.

Rosalyn Tureck : et si Gould n'avait rien inventé ?

Titre peut-être un peu présomptueux... Glenn Gould nous a apporté une lecture unique, totalement à part parce reposant sur une "pathologie" qui lui est propre, à savoir l'obsession de l'interprétation "hyper-pianistique" des oeuvres de Bach. L'univers de Gould est si singulier, sa lecture de Bach si personnelle, qu'on n'écoute plus du Bach mais du Bach-Gould.

Ceci étant dit, une interprète, pour laquelle Glenn Gould vouait d'ailleurs une réelle admiration (en dehors d'une forme légitime de fraternité anglo-saxonne), a servi admirablement la musique pour clavier de Bach, à savoir Rosalyn Tureck.

Particulièrement ignorée par le public français pendant de nombreuses années, l'américaine de Chicago compte certainement parmi les pianistes les plus inspirés dans l'interprétation des oeuvres du Cantor.

L'écoute de son interprétation des livres I et II du Clavier bien tempéré a été pour moi un réel choc. Comme pour Suzuki sur les cantates, l'évidence, le phrasé que l'on attendait sans le soupçonner, se révèlent enfin. J'avais tenté en vain de pénétrer l'univers de Richter, considéré comme une référence... (décidemment avec ce tapeur de clavier rêche, péremptoire et soviétique, je n'y arriverai jamais...). Le style de Tureck s'est imposé alors avec évidence.

Tureck nous dévoile ces pièces avec une intelligence, une précision rythmique et une expressivité inouïes. Elle exerce une forme de magnétisme, révélant toute la puissance de l'écriture harmonique de chacun des préludes et des fugues associées. Tout cela se déroule finalement avec un mélange singulier à la fois de naturel (Prélude N°8 en mi bémol mineur - livre I) et d'autorité (ex : les splendides Prélude et Fugue N°2 en do mineur - livre I).

Son étonnante énergie, son sens des nuances ainsi que la netteté de son toucher font oublier la qualité moyenne d'enregistrement.

Sur le 2ème prélude du Livre II (extrait tiré du site amazon.com), on découvre à quel point la tension rythmique, quasi-enivrante, préfigure le jeu de Gould (en audition aveugle, il y a vraiment de quoi se tromper...).

Du grand art, dont un des sommets est certainement le sublime couple Prélude et Fugue N°7 en mi bémol majeur (livre I). Lien vers l'extrait du prélude tiré du site amazon.com. Rappelons la note du présent blog consacrée au deux dernières sonates de Beethoven (note du 11 novembre - catégorie "Monumental"). Ecouter la Fugue N°7 en mi bémol majeur de Bach par Tureck puis la Fugue du dernier mouvement de la sonate Opus 110 de Beethoven par Arrau... La boucle est bouclée !

Un autre extrait, tiré du site Abeille.com (Abeille Distribue la série BBC Legends en France) : il s'agit du 4ème prélude en do dièse mineur - livre II.

Rosalyn Tureck - Le Clavier bien tempéré : Livre I (2CDs) et livre II (2CDs) - Label BBC Legends.

Le petit miracle d'Amoyel sur les Nocturnes de Chopin

Le mot de miracle n'est finalement pas trop fort...

La critique a souvent vanté le dernier enregistrement des Nocturnes de Chopin par Maurizio Pollini (Deutsche Grammophon). Ce qui est certainement salué ici est l'intensité légendaire du toucher de Pollini, sa précision implacable, extirpant du Steinway des sonorités quelquefois irréelles... Seulement, cette approche virile, d'une certaine dureté, prend finalement des contours abstraits dont le propos passe... à côté de l'esprit même des Nocturnes. Dieu sait si Pollini est bien l'un des pianistes les plus fascinants que l'on puisse imaginer mais il arrive qu'un malheureux quiproquo surgisse...

Le petit miracle est plutôt à rechercher du côté d'un interprète dont l'envergure n'est en rien comparable avec celle de Pollini mais qui, lors de ses séances d'enregistrement d'un disque paru en septembre 2004, a visiblement été sous le coup de la grâce et de l'enchantement.

Pascal Amoyel a fait deux choix pour son enregistrement et qui ont certainement contribué à cette merveilleuse alchimie :

• instrumental : un Steinway & Sons assez ancien, entièrement rénové et dont la clarté, la dynamique confèrent quelque chose de vibrant, une sorte de "seconde voix" à cette interprétation,
• géographique : l'enregistrement a été fait au domaine national de Chambord (quel cadre !).

Comme pour le disque "Two hands" enregistré par Léon Fleischer où ce dernier délivre une sublime version du 2ème nocturne en ré mineur Opus 27 (cf. note de ce blog catégorie Nocturnes), Pascal Amoyel a saisi l'option indispensable pour nous faire pénétrer cet univers unique des Nocturnes, à savoir... le choix d'un tempo assez lent, étiré, avec une douceur, une délicatesse de toucher exemplaires. Avec un sens développé du rubato, Amoyel nous dévoile ces pièces avec un mélange subtil de mélancolie mais aussi de subtile "fausse" insouciance. Il a parfaitement réussi à éviter pour autant de sombrer dans la mièvrerie et le sentimentalisme.

Tout cela conduit à une lecture très attachante, limpide, évidente, parfaitement respectable car d'une grande richesse narrative. Il s'agit indéniablement d'une invitation très séduisante à la rêverie et l'on pénètre un peu plus encore le mystère de l'extraordinaire force d'attraction de ces pièces typiquement romantiques. Le temps est suspendu, les phrasés très coulés, et chaque silence reprend sa part légitime dans le récit... Comme quoi avec Chopin, il faut vraiment savoir prendre le risque de suspendre le temps, de prendre une respiration ample et savourer chaque note.

Autre point intéressant à noter qui est la parti pris d'une certaine homogénéité dans la façon d'approcher chacune de ces pièces, contribuant à une certaine cohérence, unicité de climat (même type d'approche que celle qu'avait eue François-René Duchâble sur les les 24 préludes Opus 28, ce qui était encore moins évident !).

Au risque d'enfoncer des portes ouvertes, le terme de Nocturnes prend alors, en toute simplicité, sa véritable signification...

A relever, plus particulièrement l'interprétation envoûtante du splendide Nocturne Op. 15 n°1 en fa majeur (CD1 - piste 5), de la célèbre Berceuse en ré bémol majeur Op. 57 (CD1 - piste 1). A retenir également celle du Nocturne Op. 27 n°1 en ut dièse mineur (CD1 - piste 8) (avec une sorte de fébrilité...), et sur le CD2, des célèbres Nocturnes en sol mineur et sol majeur Op. 37 n°1 et n°2 (quel contraste avec d'autres versions dans la beauté plastique, le sens de la suspension dans les phrasés !) et des puissants Nocturnes en si majeur et en mi majeur Op. 62 n°1 et n°2. Le CD2 regroupe les Opus les plus familiers...

21 nocturnes et la Berceuse en ré bémol majeur Op. 57 - Pascal Amoyel - Label CALLIOPE - 2 CDs.

Leon Fleisher : la deuxième main retrouvée

Transition toute naturelle avec la note précédente sur la magie des interprétations de Bach par Masaaki Suzuki, ce disque particulièrement émouvant enregistré par Leon Fleisher en juin 2004, comprenant en introduction un sublime "Jésus que ma joie demeure", méditatif et d'une humilité presque poignante.

Fleisher, meurtri par une distonie de la main droite, a été prématurément plongé il y a plus de trente cinq ans  dans un silence qui a touché tous ceux qui appréciaient sa musicalité et son sens du toucher.

Après avoir vaincu la maladie, le brillant élève d'Artur Schnabel nous revient avec cet enregistrement émouvant et d'une grande justesse.

Le programme retenu est assez composite (Bach, Scarlatti, Chopin, Debussy, Schubert).

Outre les pièces de Bach, a retenir particulièrement l'interprétation du 2ème nocturne en ré mineur Opus 27 de Chopin où Fleisher savoure chaque note retrouvée par ses mains avec le choix d'un tempo lent, infiniment étiré. Cette version est particulièrement envoûtante et réussie. Nouvelle démonstration que l'on peut faire le choix sur Chopin de suspendre le temps, de prendre une respiration ample, souveraine (option trop souvent négligée par de nombreux pianistes qui, peut-être sous le coup d'une forme d'intimidation à l'égard de la puissance du discours pianistique de Chopin, oublient de "prendre le temps").

Très belle interprétation du Clair de Lune de Debussy, également méditative, faisant la belle part aux silences, aux points en suspension.

Enfin, une version remarquable (intériorisée et métaphysique à souhait) de la puissante sonate en si majeur D.960 de Schubert (à l'exception de l'Andante sostenuto dont la lenteur interminable d'interprétation en devient particulièrement pesante...).

La qualité d'enregistrement est excellente, restituant admirablement la sonorité pleine du Steinway et la beauté du toucher de Fleisher. Le parti pris d'un tempo systématiquement très lent et d'une dynamique complètement inscrite dans une logique de "temps suspendu" risquent d'irriter. Ce parti pris ne laisse pas indifférent et est tout à fait respectable car souvent pertinent par rapport au climat des pièces choisies par Fleisher.

Un disque à écouter les soirs de mélancolie pour une invitation aux rêves et pour partager la joie retrouvée par Fleisher d'enfin caresser pleinement son clavier.

Lien vers un article La Scena Musicale en ligne sur Leon Fleisher.

Leon Fleisher - Two hands - Label Vanguard Classics.

Marcel Ponseele : quand le chant du hautbois incarne le divin

Discret mais fidèle serviteur des plus grands ensembles baroques (notamment Philippe Herreweghe et le Collegium vocal de Gent), le hautboïste Marcel Ponseele est un musicien remarquable. 

Il imprime à son instrument une sonorité toute divine, aérienne, avec beaucoup de naturel, sans afféteries. Son style très coulé est directement reconnaissable, notamment lorsqu'il dispose d'une "Sinfonia" toute à sa dimension dans une cantate (ex : la poignante Sinfonia d'introduction dans la cantate Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen BWV 12 enregistrée très récemment par Philippe Herreweghe et le Collegium Vocale de Gent - Harmonia Mundi).

Il y a quatre ans, il s'est "jeté à l'eau" en enregistrant quelques morceaux baroques fameux avec l'ensemble Il Gardellino dont il assurait également la direction orchestrale (label Accent).

Ce disque permet de découvrir pleinement la musicalité de cet interprète. Outre le choix de trois splendides Sinfonias extraites de cantates de JS Bach (dont celle évoquée precédemment), il interprète de façon très équilibrée et inspirée le célèbre concerto d'Alessandro Marcello en ré mineur.

Il s'agit donc d'une bien belle occasion d'écouter le chant splendide de ce hautboïste d'exception dans un recueil de pièces spécifiquement écrites pour cet instrument.

Un petit extrait, (l'illustre Adagio du concerto de Marcello) tiré du site Abeillle-musique, distributeur du label Accent ainsi que le détail du disque.

Perahia : un petit miracle sur les concertos de Bach

Enfonçons une porte déjà largement ouverte depuis la parution de ces deux disques ... Mais que cela est bon de les écouter en boucle ! Avec ces journées qui raccourcissent, un seul remède : les concertos pour piano de Bach par Murray Perahia en boucle tout l'automne et une bonne partie de l'hiver. On peut alors allègrement jeter à la corbeille les boîtes de fortifiants et vitamines qui couvrent presque toutes les lettres de l'alphabet...

Ces deux disques, qui regroupent l'intégrale des concertos pour piano seul du grand Jean-Sébastien, font en effet partie de ces petits miracles qui alignent un sans faute sur la "sainte trinité" discographique tant recherchée : musicalité - respiration - qualité d'enregistrement. Cela s'appelle finalement... l'évidence. Murray Perahia, dirigeant depuis le clavier the Academy of Saint-Martin in the Fields, insuffle une dynamique, un naturel confondants... Ces enregistrements sont sous le signe d'une sorte d'ivresse, de frénésie communicative, de spontanéité, tout en préservant en permanence un équilibre parfait, un toucher complètement maîtrisé. Une note précédente avait évoqué comment Pollini peut nous époustoufler en prenant Mozart à bras le corps (cf. Catégorie "Mozart 250"). Perahia est indéniablement (pas de surprise là-dessus) de la même trempe. Son toucher d'habitude plus dur et charnu, est ici guidé par une sorte de grâce.

Deuxième exploit, plus anecdotique, des ces disques : l'éditeur a réussi à prendre Perahia en photo en train de sourire (on oserait dire presque hilare)...

Un très court extrait tiré du site BBC Legends - IMG Artists de l'Allegro du 1er concerto en ré mineur BWV 1052

Cela "swinguerait" presque... En tout cas, cela nous change un peu des tics pianistico-obsessionnels de Gould...

Murray Perahia - Intégrale des concertos pour piano de JS Bach - Ensemble Saint Martin in the Fields - Sony Classical.

Carlos Mena : grandeur et discrétion

Carlos Mena, contre-ténor, est un interprète d'exception. Il dispose d'un couverture médiatique incroyablement plus faible que les Andreas Scholl, David Daniels, Gérard Lesne, voire même Philippe Jaroussky.

Pourtant ce chanteur, d'une musicalité extrême, avec son timbre de voix immédiatement reconnaissable, a réalisé deux superbes enregistrements avec l'excellent ensemble Ricercar Consort, sous la direction de Philippe Pierlot.

Ces deux disques ont en commun un registre où le pathos doit être exprimé avec un équilibre subtil, un grand intimisme, sans théâtralité, alors qu'il s'agit du répertoire baroque. Carlos Mena parvient parfaitement à nous émouvoir, avec un ensemble orchestral également expressif doté d'un "grain" caractéristique.

Les deux enregistrements, sous le label MIRARE sont respectivement :

De Aeternitate : recueil de mélodies de l'Allemagne luthérienne (airs composés entre 1615 et 1715), dont le sublime Lamento "Ach dass Ich Wassers g'nug hätte" de Johann Christoph Bach (neuvième fils de JS Bach..). Cet air a d'ailleur été repris par Magdalena Kozena avec Reinhard Goebel à la tête Musica Antiqua Köln (Deutsche Grammophon).

Le Stabat Mater de Vivaldi, accompagné du Salve Regina et du Nisi Dominus RV 608. Carlos Mena nous offre une deuxième version de référence après le légendaire enregistrement de James Bowman avec Christopher Hogwood - interprétation très différente, concentré de drame humain et de pleurs avec une certaine intériorité.

A noter également les prises de son excellentes, très vivantes, la présentation soignée et la richesse des livrets de l'éditeur MIRARE.

Carlos Mena se produit de temps à autre avec Jordi Savall, notamment lors de concerts de musique ancienne dédiée au répertoire espagnol ou sud-américain.

C'est un chanteur discret, un vrai musicien, d'une finesse extrême, et dont le timbre si caractéristique est quelquefois bouleversant.

Pour en savoir plus, lien vers Goldberg. Biographie sur le site Harmonia Mundi.

Pollini - Mozart : haute densité

Plus de trente ans après l'enregistrement de deux concertos pour piano de Mozart avec Karl Böhm (avec notamment une version historique du 23ème en la majeur - voir colonne "Au sommet" du blog), Maurizio Pollini prend le pari risqué de nous éblouir au clavier et à la tête du Philharmonique de Vienne avec deux concertos emblématiques : le 17ème en sol majeur et le 21ème en do majeur.

Pari largement tenu. Dans la surenchère des interprètes qui se bousculent pour se faire "mousser" sur Mozart en cette année de célébration mercantile du 250ème anniversaire de Wolfgang, Pollini joue "hors concours". Il fait partie de cette race des seigneurs du clavier qui transcendent littéralement les lectures précédentes des oeuvres qu'ils approchent.

Musicalité, sens travaillé des nuances, densité phénoménale du toucher, agilité quasi-surnaturelle de la main droite, rendu des couleurs pianistiques et orchestrales... Tout est là pour nous éblouir d'une lumière nette, avec des ombres franches... Le Philharmonique de Vienne déroule sa sonorité pleine avec générosité sous l'autorité souveraine d'un Pollini rayonnant. Dieu que tout cela est beau !

On reste notamment cloué d'admiration pour l'interprétation qu'il nous délivre du fabuleux andante du concerto en sol majeur, mouvement incarnant si parfaitement l'ambiguïté mozartienne.

Pollini, comme Arrau, fait partie de ces grands maîtres qui n'acceptent aucune concession et sont d'une droiture implacable au service de la musique.

Lien vers l'ePlayer du site Deutsche Grammophon pour savourer des extraits.

Nouvelle référence discographique absolue.

Abbado... la résurrection

Ce n'est pas seulement au titre de la 2ème Symphonie de Mahler que doit faire référence le terme de "résurrection" mais bien au nouvel Abbado, qui, après avoir vaincu la maladie et la souffrance, nous fait don d'interprétations rayonnantes à la tête de l'Orchestre du Festival de Lucerne.

Abbado a trouvé là un matériau idéal. La musicalité extrême qu'il insuffle aux différents instrumentistes par sa direction d'orchestre plus que jamais inspirée, nous produit quelques petits miracles.

Au sommet de ceux-ci, indéniablement l'interprétation de "La mer" de Debussy... On croyait avoir tout dit, tout entendu. On se laissait bercé par les illusions d'une certaine forme de convenance, y compris jusqu'à Michael Tilson Thomas ("MTT" pour les intimes..), à la tête du Philharmonia Orchestra, qui, avec un soupçon de pétillant (trop bien dosé) apportait un tout petit clin d'oeil presque "hollywoodien"...

Eh bien non ! La véritable interprétation que l'on attendait inconsciemment est celle qu'apporta avec fébrilité Claudio Abbado avec l'orchestre de Lucerne un soir d'août 2003 : "exit" la mer d'huile gris moyen qu'on nous avait fait avaler pendant plus de trente ans... Voici la mer débordante d'écume, aux vives couleurs contrastées, aux lames inquiétantes ; cette mer, la vraie, est une étendue d'eau sauvage aux reflets chatoyants...

Interprétation "live" (décidemment, il est souvent vrai que le "live" produit des miracles...), incontestablement historique. Interprétation à proprement parler fauviste... Cette mer de Debussy a la toute la pâte d'un Derain ou d'un Vlaminck...

Double programme : Claude Debussy : La Mer / Gustav Mahler 2ème Symphonie en do mineur "Résurrection" - C. Abbado - Orchestre du Festival de Lucerne. Enregistrement Deutsche Grammophon.

Minuscule extrait (2ème mouv. : Jeu de vagues) issu du site amazon. Rien que ces 30'' illustrent l'effet d'irisation qu'Abbado est capable de restituer...

Kleiber et Argerich mettent le feu...

Certains concerts s'inscrivent sous le signe d'une force unique, d'une fusion rare avec le public, sorte d'état de grâce. Cela a été évoqué dans une note précédente sur le concert de F. Gulda à Montpellier en 1993 (voir catégorie Nocturnes).

A noter deux concerts qui, quant à eux, représentent chacun un condensé incroyable d'énergie et de tension quasi-électrique - les micros étaient là pour capter ces moments uniques :

• la 6ème symphonie (la Pastorale) en fa majeur Opus 68 par Carlos Kleiber à la tête du Bayerisches Staatsorchester (label Orfeo)

• le 3ème concerto pour piano de Rachmaninov en ré mineur Opus 30 par Martha Argerich avec Riccardo Chailly à la tête du Berlin Radio Symphonie Orchestra (label Philips).

Premier constat : ce n'est pas forcément avec les phalanges les plus prestigieuses que des chefs et solistes d'exception obtiennent des musiciens de l'orchestre, dans ces soirées magiques, des sonorités inouïes, des glissandos à faire frémir, des accélérations, changement de rythme étourdissants.

La 6ème de Beethoven : dans un registre qu'affectionne particulièrement Kleiber, à savoir l'imprévisibilité, il embarque son orchestre dans une véritable tempête, un souffle quasi-diabolique et un tempo incroyablement rapide. Tout ceci n'est pas bâclé pour autant... Au contraire, il extirpe de cette "Pastorale" tous les ressorts propres à la virilité, la force beethovénienne. Mouvement le plus spectaculaire : indéniablement l'Allegro ("Gewitter, Sturm). En allemand, tout est dit.

Le public, littéralement sous le choc à la fin du concert... met quelques secondes à revenir sur terre ... puis à applaudir, encore transit...

Le 3ème de Rachmaninov : un des concertos les plus difficiles, exigeants et surtout physiques, qu'il ait été permis d'écrire... La tigresse Martha l'attaque au collet dès le premier mouvement pour ne jamais le lâcher et le dévorer... Le final est un exploit musical et "athlétique". Conserver une telle lucidité, et surtout musicalité, tout en conservant une énergie aussi intense, un toucher aussi incisif sur la durée (13'53" exactement - surtout entre 12'30" et la fin : la descente est vertigineuse) fait que cette interprétation est forcément historique.

La grande Martha, avec son toucher majestueux, scintillant et ses phrasés phénoménaux, embarque le vaillant orchestre du RSO Berlin, avec un Chailly comme toujours impérial aux commandes, dans un voyage sonore saisissant.

NB :

• l'enregistrement par C. Kleiber de la 7ème de Beethoven, également édité par Orfeo, est quant à lui particulièrement décevant. Le rendez-vous était unique et sacré sur la 6ème, il est malheureusement manqué sur la 7ème...
• le célébrissime 1er concerto de Tchaikovsky par M.Argerich couplé avec le 3ème de Rachmaninov est splendide - Un grand chef l'accompagne également de façon exemplaire (Kirill Kondrashin - Symphonie - Orchester des Bayerischen).

De nombreuses notes sont à venir sur la grande Martha Argerich dans se blog. Lien vers le site Tribute to Martha Argerich.

Cantates Italiennes de Haendel : la rencontre choc entre Kozena et Minkowski

Un disque choc découvert à sa sortie en 2001, avec cette alchimie entre une œuvre, les interprètes et la qualité d’enregistrement : les cantates italiennes de Friedrich Haendel par Magdalena Kozena et Marc Minkowski (le Musiciens du Louvre).

Cet enregistrement a été fait au moment où M. Kozena commençait à prendre le plein contrôle de ses moyens techniques (elle est maintenant, sans doute, au sommet de son art). Son interprétation, comme toujours pleine de sensualité, s’assortit d’une fougue, d’une autorité que Minkowski accompagne admirablement avec sa direction d’orchestre (et surtout de hautbois !) nerveuse et presque tranchante.

On sent ici la fine lame acérée d’artistes qui ne sont pas là pour faire semblant… Ceci est d’autant plus à propos que ces cantates de Haendel, extrêmement techniques, doivent briller de toute leurs couleurs italiennes (un Haendel qui, à Rome, au contact de Scarlatti et Corelli, a parfaitement intégré tout l’éclat de la forme italienne…).

L’entrée en matière avec « Il Delirio Amoroso », suivant une longue introduction orchestrale,  est particulièrement « décoiffante ».

Epoustouflant…

Cantates italiennes de GF Haendel – Magdalena Kozena – Marc Minkowski – les Musiciens du Louvre – Label Archiv / Polygram (voir également colonne Au sommet du blog).

NB : la version récente avec Natalie Dessay et Emmanuelle Haïm (label Toshiba), irréprochable du point de vue technique, manque malheureusement de chaleur et de conviction. Natalie Dessay vocalise d’une façon quasi-absente et son timbre de voix certes cristallin, est d’une froideur plutôt à contre-emploi pour des pièces dont la forme musicale et le texte demandent infiniment plus de théâtralité.

Magdalena Kozena vient de sortir son premier disque avec simon Rattle, dédié à ... Mozart (décidemment, ce 250ème anniversaire...). Ecoute en cours pour impression dans une porchaine note. Avec Jos Van Immersel au piano forte, cela s'annonce en tout cas alléchant...

Tchaikovsky + Mravinsky = Chostakovtich ?

Equation qui peut paraître énigmatique… A écouter le 2ème mouvement de la cinquième symphonie de Tchaikovsky, avec sa tonalité martiale affirmée avec autorité par le maître Evgeny Mravinsky à la tête du Philharmonique de Leningrad, on détient une partie des clés de cette énigme.

A mettre à la catégorie des chocs, et encore sous le signe de l’évidence : l’interprétation en effet de la 5ème symphonie en mi mineur de Tchaikosvky par Mravinsky. Sous la direction du maître russe implacable, ce chef d’œuvre incontestable ressort enfin libéré des interprétations romantico-miéleuses pour reprendre toute sa vigueur classique. Le hiératisme imprimé par Mravinsky, la tension de la ligne infligée à un orchestre aux ordres, révèle de façon étonnante la beauté et la force de cette œuvre…

   

Mravinsky avait la réputation de faire partie de la catégorie de ces chefs autocrates… Qu’importe, il revient avant tout au texte, à la ligne nette (avec lui, les phrases sont ciselées avec une lame particulièrement tranchante) et nous démontre qu’une œuvre écrite avec génie, dépouillée des fioritures diverses qu’on a cru bon lui appliquer sous prétexte qu’elle était écrite par un « compositeur de ballets russes », reprend finalement une puissance expressive extrême.

Par deux fois, sur le phénoménal dernier mouvement, les attaques aux archets pour ponctuer le rythme ont même une sorte de brutalité sauvage qui préfigure... Stravinsky...

Un très court extrait tiré du site FNAC du final de la 5ème avec le motif célébrissime et obsédant que Tchaikovsky imprime d'ailleurs dans chacun des mouvements de la symphonie.

Quant au raccourci ou la filiation à Chostakovitch, cela peut paraître audacieux ou déplacé… Il suffit d’écouter l’allegretto de sa 5ème (quelle coïncidence !) en ré mineur ….

… Le fil rouge (sans mauvais jeu de mot), la synthèse absolue, c’est bien entendu ce génial Mravinsky, certainement le plus grand chef russe du siècle qui a fait du Philharmonique de Leningrad une des trois ou quatre phalanges mythiques, également de ce siècle.

En cette année « Chostakovitch par ci, Chostakovitch par là »… il faut également retenir la référence parmi les enregistrements d’Evgeny Mravinsky, la 10ème symphonie en mi mineur où Chostakovitch, qui a dû « composer » (comme Mravinsky d’ailleurs) avec l’enfer stalinien, libère enfin avec une force monumentale les émotions, la fibre humaine et… l’âme russe. Attention : la version de Mravinsky demande d’avoir le cœur bien accroché…

Un très très court extrait tiré du site FNAC du deuxième mouvement de la 10ème.

Evgeny Mravinsky - Leningrad Philharmonic Orchestra :

• 4ème, 5ème et 6ème ("Pathétique") symphonies de Tchaikovsky - Deutsche Grammophon / Polygram,
• 10ème symphonie de Chostakovitch - Erato.

Pour en savoir plus sur Mravinsky, ce lien raccroché à un site dédié à... Nikolai Lugansky (tiens, tiens !).

Mozart et Haydn par Anima Eterna : secouez, secouez-moi...

J'ai mis quelques mois à découvrir l'ensemble Anima Eterna sous la Direction de Jos Van Immerseel (Label Zig Zag Territoires)... C'était à l'écoute du Menuetto de la symphonie N°39 en mi bémol majeur de Mozart (KV 543), sur France Musique, quelque chose comme... 7h30 du matin. Le réveil fut alors tout à fait tonique ! Quelle révélation ! Van Immerseel a imprimé une telle vigueur au staccato des instruments à vent qui ponctuent ce mouvement, que celui-ci en prenait une teneur presque enivrante.

Cette symphonie (de loin ma préférée sur les trois dernières de Mozart) prend une toute autre dimension avec cette interprétation. On est certes dans la grande mouvance des post-baroqueux actuels, à savoir la manie de tout diriger à 250 km/h... Seule exception ici, la vigueur de la ligne, le tempo soutenu, avec un orchestre très ramassé et la qualité d'enregistrement : tout cela conduit à une version à "haute densité" qui est tout à fait dans l'esprit Mozartien (la Symphonie est tout de même en mi bémol majeur...). Ce parti pris est en revanche décevant car trop "expéditif" sur la 40ème et la Jupiter.

Rien que pour la 39ème, il faut écouter ce disque...

Extrait musical sur le site Zig Zag Territoires.

Autre brèche ouverte par Anima Eterna, celle du concerto pour flûte et harpe en do majeur KV299 de Mozart, qu'on a trop souvent entendu dans des versions convenues, lisses, guindées et qui est ici passé au décapant. A noter le grain exceptionnel des instruments ; le son a quelque chose de capiteux. Comme quoi, avec flûte et harpe on peut donner une version avec infiniment plus de dynamique et de tonicité

Extrait musical sur le site Zig Zag Territoires.

De Mozart à Haydn, le pas se franchit très aisément avec cette splendide Symphonie N°44 en mi mineur (dite Funèbre : "Trauer") de Haydn, en fait pas funèbre pour un sou, surtout avec Jos van Immersel...  A passer en boucle : le sublime Adagio (dont la légende dit que J. Haydn aurait voulu qu'on l'exécute lors de ses obsèques...). Rien de funèbre mais un intériorité touchante qui révèle la belle intimité que l'on trouve parfois entre certaines pièces de Haydn et celle de Mozart... Une évidence....

Extrait musical sur le site Zig Zag Territoires.

Décidemment, Zig Zag Territoires est un Label qui nous émerveillera toujours...

Gulda au plus profond de la nuit

Un disque qui n'a pas fait grand bruit lors de sa sortie alors qu'il est tout à fait exceptionnel. Il s'agit de l'enregistrement du récital qu'avait donné Friedrich Gulda à Montpellier en 1993.

Cet enregistrement est envoûtant à plus d'un titre. Outre l'éclectisme, la poésie, l'art consommé du second degré de Friedrich Gulda, il s'agit surtout d'un concentré de moments d'une fusion inouïe entre l'interprète et son public dans une chaude nuit estivale. Le grand Viennois profite de ce moment magique au bord de la méditerranée pour nous faire passer presque deux heures de moments musicaux étourdissants.

Selon une tradition perdue, il annonce à sa manière les oeuvres qu'il joue, enjôleur à souhait. Dans les moments remarquables, on notera une version de la fantaisie en ut mineur de Mozart K475 d'une intensité incroyable et qui illustre à quel point Beethoven se profile à l'horizon. Epoustouflant...

Après être passé par Schumann, Chopin, Debussy, il termine (avec les commentaires "live" qui s'imposent...) par des airs traditionnels viennois qui vont de la chanson folklorique (chanson du cocher) à une version quasi-jazzy de "Die Rheblaus" ! Pour terminer, le choix judicieux de la berceuse de Brahms ("Guten Abend") !

Une soirée de folie musicale servie par la musicalité débridée de ce génial Gulda ! A écouter et écouter encore au plus profond de la nuit.

Récital Montpellier - Friedrich Gulda - 1993 - Label Accord - N° ASIN : B0001W8DP6.

Détail des deux CDs sur le site Universal Music.

Voir rubrique "AU SOMMET" de ce blog pour un lien vers Amazon et des extrait musicaux.

Enregistrements tardifs de Günter Wand : la découverte de l'évidence

Ma découverte des enregistrment tardifs de Günter Wand s'est faite en 2000 au travers de son enregistrement époustouflant des 8èmes (inachevée) et 9ème symphonies de Schubert (voir rubrique "Au sommet" avec le lien Amazon.fr). L'enchaînement est venu ensuite très vite avec ses enregistrements des symphonies de Bruckner entre 2000 et 2002 avec le Philharmonique de Berlin, ainsi que l'intégrale très intéressante (et bien antérieure) des symphonies de Beethoven avec l'Orchestre symphonique de la NDR.

Dans la direction orchestrale,  on retrouve chez Wand la même singularité que chez Arrau dans ses interprétation des oeuvres pour piano : une lisibilité, limpidité extrême, avec un agencement net des plans sonores qui révèlent complètement l'architecture générale des oeuvres interprétées.  La ligne mélodique est maintenue avec une constance et fermeté. Cela donne quelque chose de finalement évident et beaucoup moins maniéré ou fantasque que la direction d'un Karajan avec le même orchestre sur les mêmes oeuvres. La tension insufflée fait que tout est concentré sur la ligne et l'on reste finalement plus captivé qu'avec un chef qui tomberait dans les facilités du "dramatisme", particulièrement piégeant dans des oeuvres comme, par exemple, celles de Bruckner.

Un aperçu de sa discographie.

A titre d'exemple, une 4ème de Bruckner sous le signe d'une tension extrême (enregistrement "live")...

De courts extraits écoutables sur le site FnacMusic. (Sélectionner la page "The Essential Recording" / RCA et, tout à la fin de la liste,  écouter des extraits des quatre mouvements de la Symphonie N°4 in E Flat major (mi bémol majeur)).

A noter en outre de très belles versions des fameuses trois dernières symphonies de Mozart (39, 40, 41).

En revanche, les options de Wand pour Brahms ne semblent absolument pas s'accorder avec le climat que l'on attend de ces oeuvres (le piège des symphonies "faussement romantiques" de Brahms)... interprétations malheureusement trop lisses, sans aspérités.