Le poisson rêveur

Insaisissable et singulier Nicola Matteis

La violoniste Amandine Beyer, à la tête de l'ensemble Gli Incogniti, a eu l'excellente idée d'enregistrer des pièces du compositeur napolitain Nicola Matteis. On sait très peu de choses de ce compositeur, hormis sa réputation d'être un personnage fantasque, assez insaisissable et dont la virtuosité et l'inventivité étaient indéniablement reconnues par ses pairs. A l'écoute de la sélection de quarante pièces opérée par Amandine Beyer et son ensemble, on est tout de suite marqué par la diversité de climats que sa musique peut rendre et la maîtrise formelle des différents styles qui se sont croisés au milieu du XVIème siècle entre les formes françaises, italiennes et anglaises. Sans parler du caractère presque visionnaire de certaines pièces. Entre le le quasi-monteverdien Diverse bizarrerie Sopra la Vecchia Sarabanda ò pur Ciaccona, la Fantasia pour violon seule qui préfigure étonnamment une partita ou sonate de JS Bach, l'Aria malinconica (Adagio) annonçant, avec le style le plus français, un Jean-Philippe Rameau, ou bien la Sarabanda, digne d'une aria d'un opéra de Purcell, ou bien encore les toutes mesures plus que vivaldiennes du Preludio Allegro (Prestissimo), ce compositeur caméléon, absolument visionnaire, incarne une transition singulière entre les mondes de la musique ancienne et du baroque.

Le thème qui préside à cet enregistrement est de toute évidence celui des "fausses consonances" pour reprendre le titre du disque et du livret. Si le monde est supposé être régi par un certain ordre et une harmonie devant s'imposer comme une évidence, pour Nicola Matteis il n'est en absolument pas question. Sa démarche, si l'on peut tenter de l'interpréter, est plutôt guidée par l'invention, l'imprévisible et une imagination continue. En partant d'une trame imposée par la rhétorique de son époque, il part très vite sur les chemins de traverses pour nous emmener avec un charme déroutant dans son monde fantasque et ses "bizarreries" harmoniques et rythmiques. Certes celles-ci restent inscrites dans la cohérence du cadre formel de son époque. Mais dans ces "figures imposées", il démontre un sens de l'invention avec une spontanéité particulièrement rafraichissante.

Sa musique est attachante, sensuelle, avec, pour reprendre les termes mêmes d'Amandine Beyer, quelque chose "d'impalpable" qui fascine. Amandine Beyer traduit avec une finesse certaine, et beaucoup de musicalité, les différentes formes des nombreuses pièces interprétées. Son violon est vif, sans excès de nervosité, avec un subtil une certaine légèreté, une insouciance, un dandisme que l'on pourrait presque qualifier "d"anglo-italien" (!), compte tenu de la personnalité du compositeur. Tout ceci est particulièrement bien vu dans ce registre et ce fameux caractère fantasque,
imprévisible est particulièrement bien rendu.

Amandine Beyer est tombée sous le charme de ce compositeur et c'est plus que palpable sur chacune des pistes de ce disque. Son enthousiasme et son plaisir indéniables à interpréter ces pièces sont plus que communicatifs. A ce tire, ce disque est une belle réussite à saluer. Il nous permet vraiment de découvrir un compositeur atypique et très attachant.

Pour en savoir plus, je vous renvoie à l'excellente interview d'Amandine Beyer que Jean-Christophe Pucek a réalisée sur son blog passée-des-arts.com à propos de ce disque le 27 août dernier.

Sinon, je vous propose dé découvrir la petite vidéo de "teasing" certainement faite par le label et diffusée sur Dailymotion. Le fait qu'Amandine Beyer s'attarde sur la technique d'interprétation supposée de Matteis (tenue plus basse du violon ) prend un caractère finalement anecdotique. Le reste de la vidéo permet tout de même d'écouter des extraits intéressants.

Gli Incogniti

envoyé par vincenthure. - Clip, interview et concert.

Nicola Matteis - False consonances of Melancholy - Ensemble Gli Incognito - direction Amandine Beyer (violoniste) - label Zig Zag Territoires.

Coup de cœur du poisson rêveur.

Série limitée sur l'intégrale des cantates de JS Bach par Maasaki Suzuki

Le label suédois BIS, qui accompagne fidèlement Masaaki Suzuki dans l'intégrale exemplaire qu'il enregistre des cantates de JS Bach, vient de prendre une belle initiative. Il propose une édition spéciale de deux coffrets de 10 CDs chacun, regroupant les 20 premiers enregistrements effectués par le Bach Collegium Japan depuis le lancement de cette belle aventure en 1995.

Masaaki Suzuki s'est fixé une vingtaine d'année pour achever son travail soigné, minutieux, d'un niveau d'excellence constant. Cette intégrale, si elle vient à son terme, sera alors, à mon avis, la plus belle et la plus cohérente jamais réalisée.

Pour les mélomanes qui n'auraient pas constitué ces premières briques de l'intégrale au fil des parutions, ces deux coffrets de 10 CDs chacun représentent l'équivalent du prix d'environ 6 CDs au prix actuel des nouveautés. Point important à noter, parce que particulièrement rare dans ce genre d'opération, chacun des disques est fourni avec son livret complet d'origine. La numérotation des enregistrements suit l'ordre chronologique de composition des cantates.

Je vous invite donc à tenter cette découverte. La clarté de la trame polyphonique, la tension subtile de la ligne et la belle humilité du chef face à ce corpus imposant font de cette intégrale l'une des plus belles aventures musicales et humaines qu'il soit possible de connaître.

Lien direct vers le site Amazon pour plus de détails.

Découverte des villancicos de Joseph Ruiz Samaniego

J'avais déjà évoqué dans la note du 10 avril 2009 les excellentes qualités musicales de l'ensemble espagnol Los Músicos de Su Alteza. Ce dernier vient d'enregistrer sous le label Alpha une sélection de villancicos du compositeur aragonais Joseph Ruiz Samaniego. L'ensemble vocal et orchestral, sous la direction de Luis Antonio González, a pour vocation de nous faire découvrir des compositeurs espagnols du XVIIème siècle dignes d'intérêt alors qu'ils demeurent quasiment inconnus. C'est le cas de Joseph Ruiz Samaniego, compositeur qui officia une bonne partie de sa carrière comme maître à la chapelle musicale de "El Pilar" à Saragosse. Personnage visiblement caractériel qui terrorisait ses élèves, il a continué à enseigner de longues années, ses qualités de compositeur faisant que ses employeurs se résignaient à le conserver. Il a composé pour le Vicaire Général d'Aragon, Don Juan d'Autriche, fils bâtard de Philippe IV. Il disposait alors d'effectifs de musiciens importants et sur une gammes d'instruments étendus. Il bénéficiait des services des meilleurs ensembles instrumentaux espagnols au service de la Cours Royale d'Espagne (les musiciens de Son Altesse : Los Músicos de Su Alteza).

Les villancicos sont des pièces sacrées mais écrites dans un esprit résolument expressif, presque théâtral et prenant leur racine dans des chants profanes d'origine populaire. Ils restituent alors des climats très différents selon la nature du texte accompagnent. Luis Antonio González a effectué avec son ensemble une sélection de huit villancicos, de nature chacune très spécifique. Ils reflètent particulièrement bien le style de la musique espagnole baroque du XVIIème siècle. Outre les particularités du phrasé liées à la langue espagnole, on retrouvera des couleurs spécifiques apportées par les instruments qui typent cette musique (ex : la guitare espagnole) et les caractéristiques formelles de la musique traditionnelle ibérique (par exemple, le rythme propre à la jota aragonaise dans le villancico De esplendor se doran los aires.

J'ai particulièrement noté dans ce disque intéressant et assez réussi, les Sirenas del viento, villancico au climat nocturne et au rythme lancinant, Tierno manjar, pan divino, avec sa forme plaintive mais assez sensuelle, et enfin le singulier Sonoras voces el aire pueblan, qui utilise les astuces très en vogue dans la musique ancienne, théâtrale, comme sacrée (cf. les Vêpres de Monteverdi) de la division spatiale des voix et des reprises de ces dernières en échos.

Cette musique associe profane et sacré avec verve, une volupté certaine et quelquefois un sens du clair obscur assez troublant. Elle a indéniablement des accents capiteux et est assez envoutante.

On saluera enfin, comme souvent chez Alpha, la qualité à la fois de l'enregistrement et du livret d'accompagnement, tout comme une couverture qui propose un cadrage surprenant mais explicite d'un superbe portrait de Velázquez (la Dame à l'Eventail que l'on peut admirer à la Wallace Collection de Londres).

Le Groupe Los Músicos de Su Alteza réalise vraiment un travail intéressant de recherche musicale sur le répertoire baroque espagnol et témoigne de belles qualités musicales, notamment, une finesse et un élégance certaine dans l'interprétation.

Joseph Ruiz Samaniego - La vida es sueño... - Ensemble Los Músicos de Su Alteza- Direction : Luis Antonio González - label Alpha- Disque bénéficiant du soutien de la Fondation Orange.

NB : merci encore à Olivier Tcherniak de m'avoir founi l'occasion de découvrir ce disque.

Vespro della beata Vergine par le Cantus Cölln

Le dernier enregistrement du Cantus Cölln, dirigé par Konrad Junghänel et accompagné par le Concerto Palatino est consacré à un recueil de pièces sacrées de différents compositeurs italiens du XVIIème siècle autour du thème des Vêpres mariales de la Vierge.

Sont abordés dans cet album, en majorité Virgilio Mazzocchi, compositeur majeur à la chapelle pontificale de l'Eglise Saint-Pierre de Rome, Giacomo Carissimi, Girolamo Frescobaldi et le maître incontesté de l'école romaine de musique polyphonique, Giovanni Pierluigi da Palestrina.

Konrad Jungähnel regroupe des pièces de ces différents compositeurs selon le schéma classique des Vêpres, en ayant extrait de psaumes (Dixit Dominus, le Laudate pueri, le Laetatus sum, le Nisi Dominus, le Lauda Jerusalem, le Salve Regina et le conclusif Magnificat), tous composées par Mazzocchi.

Les pièces principales sont ponctuées par des antiennes qui n'étaient pas à l'origine dans l'ordonnancement des Vêpres mariales.

Les pièces de Mazzocchi révèlent une grandeur et majesté indéniables. Elles atteignent parfois un splendide niveau d'élévation particulièrement bien mis en valeur par le chant d'une justesse remarquable des huit interprètes vocaux du Cantus Kölln.

On notera des similitudes parfois troublantes avec les Vêpres de Monteverdi, notamment dans les toutes premières mesures du Beata Mater.

La plus belle composition est indéniablement le Magnificat d'une ampleur spectaculaire où les trombones et cornets du Concerto Palatino doublent parfois les voix, apportant ainsi des sonorités charnues et d'une belle densité.

Les pièces de Carissimi sont quant à elles plus expressives, avec une certaine théâtralité qui tranche avec la relative austérité des compositions de Mazzocchi. La belle part est attribuée à des accompagnements la viole de gambe et à de superbes passages virtuoses des cornets (ex : l'Exsurge cor meum).

Une canzona a due cori attribuée à Frescobaldi (avec tout de même un petit point d'interrogation) vient s'immiscer avec sa facture plus "primitive" où la forme concertante entre les cordes et les instruments à vents (cornets et trombones) reste très cadrée et ne s'écarte pas du cadre formel d'origine  de la canzona.

L'Ave maria stella de Palestrina est tout simplement sublime. Il est révélé par le Cantus Kölln avec une finesse et un une subtilité remarquables.

Sous la direction raisonnée et pertinente de Konrad Junghänel, ces Vêpres aux racines romaines sont plus placées sous le signe de l'élévation et d'une certaine intériorité presque "luthérienne" plutôt que sous celui d'une interprétation ostentatoire. Ces compositions se révèlent donc à nous avec un certain clair-obscur plutôt que sous une lumière saturée et colorée.

On peut être surpris par cette option sur un répertoire italien. Il faut toutefois se rappeler que l'école romaine n'était justement pas réputée, contrairement à celles de musiciens vénitiens, pour être justement la plus débridée.

A noter enfin l'excellente qualité d'enregistrement, comme souvent chez Harmonia Mundi.

Lien direct vers le site d'Harmonia Mundi pour en savoir plus et écouter de courts extraits.

Vespro della beata Vergine - Cantus Cölln, direction Konrad Junghänel - Concerto Palatino - label Harmonia Mundi.

Lambert de Sayve : une messe wallonne sous influence italienne

L'un des derniers disques du label Ricercar est consacré à une messe écrite par Lambert de Sayve pour le Sacre de l'Empereur Matthias par la Fenice et le Choeur de Chambre de Namur, sous la direction de Jean Tubery.

Lambert de Sayve, natif de Liège, fait partie de ces musiciens franco-flamands du début du XVIIème siècle qui, comme leurs contemporains en Allemagne, ont été fortement influencés par l'écriture sacrée polychorale italienne. Il ne fait donc pas exception à cette recherche de l'expressivité et, surtout, de l'ampleur, de la plénitude et des couleurs sonores. Toutefois, il apporte une touche particulière à savoir une forme inévitable d'intériorisation, de solennité toute maîtrisée.

La messe, ici admirablement restituée par Jean Tubery avec le raffinement et le magnifique sens des nuances qu'on lui connaît, constitue en fait un corpus de sources très diverses.  Les parties traditionnelles de la messe (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) sont issues de la Missa super Dominus Regnavi à seize voix en quatre chœur. Cette configuration confère à la messe une réelle ampleur. Elle tout à fait conforme au rang du mandataire de cette messe, l'archiduc Matthias en Autriche. D'autres parties de cette messe de couronnement proviennent de Symphonies Sacrées écrites par Lambert de Sayve, parmi un corpus de plus d'un quarantaine de motets avec des effectifs vocaux allant de 4 à 16 voix.  Enfin, des pleins chants ponctuent cette messe, issus du Graduale Romanum écrit par Jean Moretus en 1599 (et interprétés pour l'occasion par l'ensemble belge de chant grégorien Psallentes).

L'ensemble paraît tout de même assez homogène alors que son origine est si composite.

Malgré les origines italiennes dans la recherche d'une certaine richesse harmonique et de couleurs que procurent la combinaison des voix avec, notamment les cornets à bouquin (par exemple très représentatives dans l'Alleluia - piste 8), cette messe reste assez austère, d'une posture finalement très hiératique et encore tenue par les origines qu'elle puise à la fois dans les traditionnelles antiennes mais également dans les compositions polyphoniques des grands maîtres franco-flamands comme Roland de Lassus ou Adrian Willaert.

Je tourve donc que, contrairement à Heinrich Schütz qui avait réussi une fusion exemplaire entre l'éclat italien et l'intimité, le recentrage luthérien sur l'homme, Lambert de Sayve, reste finalement assez ancré dans ses racines franco-flamandes, n'exploitant des compositeurs du sud que la plénitude sonore polychorale mais en restant ancré dans une certaine austérité.

Cette messe est tout de même fascinante pas son oscillation permanente entre les racines  "primitives" de l'art polyphonique et la recherche d'expressivité qui sera ensuite sublimée par le baroque.

Lien direct vers la page du label Ricercar consacrée au disque pour plus de détails et écouter un extrait.

Messe pour le Sacre de l'Empereur Matthias  - Lambert de Sayve - La Fenice et le Choeur de Chambre de Namur - Direction de Jean Tubery - Label Ricercar.

Deux messes intéressantes à découvrir

Le disque sorti récemment par Rinaldo Alessandrini avec le Concerto Italiano a l'intérêt d'exhumer deux messes peu connues et dignes d'intérêt : la Missa Romana de Giovanni Battista Pergolesi (ou Jean-Paptiste Pergolèse si vous voulez tout traduire) et la Messa per il santissimo natale d'Alessandro Scarlatti.

La messe de Pergolèse confirme le génie de ce compositeur qui, s'il avait eu la richesse de production et la longévité de Mozart (mourir à trente cinq ans au lieu de vingt six), confirmait qu'il était certainement son rival le plus sérieux. Cette messe flamboyante et majestueuse et prenante de bout en bout. Elle annonce indéniablement les grandes messes mozartiennes et... schubertiennes.

Son caractère visionnaire en est à tel point qu' à l'écoute du Qui tollis peccata mundi d'une tension et d'un pathétique incroyable, on ne peut qu'être interpelé par sa similitude troublante avec le Requiem de Mozart.

Cette messe traduit à merveille les inventions harmoniques et l'élégance des compositions de Pergolese. Tout cela se déploie de façon limpide, comme évidente. Une pure merveille.

La messe d'Alessandro Scarlatti quant à elle reste plus ancrée dans la tradition des œuvres sacrées italiennes des XVIème et XVIIème siècles et notamment Monteverdi auquel on ne peut s'empêcher de penser. C'est particulièrement marquant dans le Gloria qui rappelle les œuvres sacrées de Monteverdi . Comme toujours chez Scarlatti, ce qui reste marquant est la grande ferveur, le côté éclatant et lumineux de sa musique, alors que Pergolese, qui prend la relève à partir du début du XVIIIème siècle, joue plus sur les contrastes. C'est un peu comme si l'on comparait en peinture la tradition des peintres vénitiens et celle des maîtres du clair-obscur, ou, par exemple Giovanni Bellini et le Caravage. Cette messe est en tout cas d'une certaine élégance, notamment le Credo, admirablement écrit.

 L'interprétation de Rinaldo Alessandrini est comme toujours vive, alerte, mais aussi... presque autoritaire. Même si la tension nécessaire de la ligne est bien tenue, je reprocherais seulement à ce grand chef italien de la musique ancienne et baroque une certaine dureté, un côté un peu systématique dans les phrasés ce qui peut conduire aux travers d'une interprétation parfois trop mécanique. C'est très caractéristique dans le final en "bourdon" du Gloria que je trouve trop agressif. Ceci est aussi lié au caractère forcément plus solennel et déclamatoire de la musique italienne alors que, pour ma part, je me sens plus proche de l'intimisme et de l'humilité de la tradition allemande luthérienne qui s'est certes appropriée les couleurs et la vivacité du style italien mais revues avec plus de subtilité et de nuances.

Lien direct vers le site naiveclassique.com  pour plus de détails sur ce disque.

Giovanni Battista Pergolesi : Missa Romana - Alessandro Scarlatti : Messa per il santissimo natale - Concerto Italiano - Direction Rinaldo Alessandrini - label Naïve.

De Profundis(2)

Je vous renvoie également à la note de Jardin Baroque très complète sur ce disque.

De Profundis : les graves sublimées

Le dernier album de Philippe Pierlot et le Ricercar Consort, De Profundis, vient un peu en écho au superbe De Aeternitate, sorti également chez Mirare il y a maintenant près de sept ans. A la voix de contre-ténor, poignante et expressive, de Carlos Mena (cf. note du 9 octobre 2006), se substitue celle de basse, plus austère et retenue de Stephan MacLeod.

Le répertoire reste de la même veine. A savoir une sélection de pièces sacrées de compositeurs allemands du XVIIème siècle qui ont indiscutablement influencé Jean-Sébastien Bach. Au sens de la lumière que Heinrich Schütz a apporté de son expérience italienne, et ce, malgré le contexte ravageur et meurtrier de la guerre de trente ans,  les contemporains choisis opposent vraiment la noirceur et les ténèbres. Le tout est accentué non seulement par le timbre de la voix de basse mais aussi pas un continuo incarné par le son velouté et profond du superbe orgue de Saint-Loup sur Thouet, lieu de l'enregistrement.  Le rôle prépondérant de l'orgue qui donne la respiration de ces œuvres se comprend aussi par le fait que ces compositeurs sont tous de grands organistes.

Je trouve que cet orgue, admirablement interprété par Francis Jacob, joue un rôle en effet clé dans le climat restitué par des œuvres.  Les compositeurs cette fois sélectionnés sont, non seulement le grand Friedrich Buxtehude, mais aussi ses élèves dont le plus doué était Nikolaus Bruhns. Les deux motets de ce dernier (dont le De Profundis qui est à l'origine du titre du disque) et le lamento de Jean-Christoph Bach ("Wie bist du denn o Gott") sont les pièces les plus remarquable de l'album.

Avec une prise de son subtile et d'un réalisme saisissant, les violes de gambes (dont celle de Philippe Pierlot) ainsi que le violon piccolo de François Fernandez, déploient leur grain et leur timbre de toute beauté, avec un tempo qui s'étire pour ajouter à la voix du soliste toute la plasticité qui révèle le mystère des ces œuvres. Stephan MacLeod montre une très bonne tenue de voix et révèle une belle virtuosité lorsque les cordes tentent de le mener dans des dédales périlleux. Il est simplement à regretter le caractère peut-être un peu trop lisse de la voix, avec laquelle on attendait plus de pathos (ce que Carlos Mena réussit à merveille dans un tout autre registre).

Disque à écouter dans la nuit noire de l'hiver avec le plus grand recueillement.

Lien direct vers le site du label mirare pour plus de détails sur le disque et écouter un extrait.

De Profundis - Bach, Bruhns, Buxtehude, Tunder - Cicercar Consort - Direction Philippe Pierlot - Stephan MacLeod, basse - Label Mirare.

L'Ensemble Contraste fait bouger les lignes

L'Ensemble Contraste pourrait émerger comme le nième ensemble de musique de chambre français. Son parti pris fait qu'il se distingue du circuit traditionnel par le fait que ses membres, visiblement tous de formation classique, tentent d'explorer de nouveaux horizons musicaux avec mélange d'audace et d'élégance, matiné de la juste proportion de second degré. En partant d'une facture toute classique, ils expérimentent de nouvelles formes d'expression musicale, visiblement avec beaucoup de pertinence.

Le cas le plus récent, et qui  été judicieusement relayé par des médias comme France Musique (cf. l'émission Magazine du 19 décembre animée par Lionel Esparza et qui avait donné carte blanche à l'ensemble Contraste), est la lecture toute personnelle et assez envoutante que cet ensemble musical nous propose du Tango, sous ses différentes formes (le Tango traditionnel, rythmé, vif, le Tango chanté, la Milonga au tempo étiré, langoureuse et mélancolique).

Un album est à paraître d'ici quelques jours chez Zig Zag Territoires, label toujours aussi brillant pour dénicher les talents émergeants et nous faire explorer avec intelligence de nouveaux horizons.

L'ensemble se produit également en concert au Kiron Espace, du 13 janvier au 7 février.

Ci-dessous, extrait d'une des prises pour le disque et tiré du site dailymotion.

 

Oblivion / Piazzolla
envoyé par vincenthure

Missa votiva de Zelenka : l'énergie positive

La Missa votiva de Jan Dismas Zelenka fait partie de ces petits chef d'œuvre à garder soigneusement dans sa discothèque. La version enregistrée récemment par Vclav Luks, à la tête du Collegium 1704 et paru chez Zig Zag Territoires, est absolument à découvrir.

Ce compositeur bohémien aurait écrit cette messe après avoir guéri d'une grave maladie. On n'en n'est absolument pas surpris tant on devine, par la ferveur et l'énergie que dégage cette messe, l'immense joie d'un homme qui se considère comme un miraculé.

Dès les premières mesures du Kyrie d'introduction, la tonalité est donnée. On est d'emblée pris par une ivresse irrésistible, avec un orchestre chatoyant et d'une vélocité incroyable. Je trouve que ce Kyrie a l'ampleur et la veine d'une introduction d'opéra. Je me la passe en boucle sans m'en lasser !

D'ailleurs cette messe alterne avec bonheur des passages de facture très classique, incarnant une grande dévotion, avec des moment d'envolée lyrique digne de grands airs d'opéra. L'écriture d'une richesse indéniable semble révéler la boulimie d'un homme revenu à la vie.

L'ensemble Collegium et Collegium Vocale 1704 restituent  la ferveur de cette messe avec énergie sans pour autant sacrifier à la lisibilité du texte et à une belle netteté des différents motifs. Cette performance est à souligner compte tenu de la richesse harmonique de cette oeuvre est indéniable.

A l'écoute complète de la messe vous aurez peut-être l'impression d'un patchwork reprenant çà et là des motifs déjà entendus chez nombre de compositeurs fameux du XVIIIème siècle et sans véritable unité. Je trouve cela pour ma part assez attachant car je pense que cela traduit en fai une écriture très spontanée, foisonnante et sans inhibition.

Parmi les autres passages traduisant cette énergie presque électrisante, on notera le Gloria in excelsis deo qui déclame de façon résolue et volontaire la gloire au Seigneur, suivie d'un Qui Tollis, quant à lui solennel, qui n'est pas sans rappeler une certaine réminiscence des vêpres Monteverdiennes ! D'une façon générale, les sept composantes du Gloria de cette messe sont, je trouve, les passages les plus prenants et inspirés de cette messe. Ils représentent une unité parfaite et constituent en quelque sort une messe dans la messe.

Le Credo "parade" encore plus que le Kyrie avec les accentuations des hautbois qui contribuent à créer un climat festif.

Le Sanctus apporte les couleurs d'un requiem, sombre, inquiétant et tout de suite très prenant. On ne peut s'empêcher à penser à celui de Mozart, cinquante ans en avance...

Il n'y a que l'AgnusDei pour, tradition oblige, nous amener à douceur et recueillement, y compris dans la reprise complète du thème du Kyrie d'introduction dans le Dona nobis pacem final. Vaclav Luks, avec finesse, nous restitue ce thème d'introduction en tous points identiques dans une style beaucoup plus coulé, linéaire, supprimant les aspérité, accentuations rythmiques de l'introduction pour rester fidèle à la rercherche de sérénité que doit incarner l'Agnus Dei.

Le choeur et les solistes sont tous très convaincants et constituent un groupe homogène. Ils affrontent de façon exemplaire la partition qui demande beaucoup d'agilité vocale.

Très belle découverte à écouter absolument du label Zig Zag Territoires (enregistrment à partir d'une production du Festival de Sablé).

Détails du disque sur le site de Zig Zag Territoires.

Vous pouvez également en savoir plus sur Quobuz.com.

Lien vers le site youtube pour vous permettre d'apprécier le Kyrie d'introduction.

Jan Disma Zelenka - Missa votiva - Collegium 1704 & Collegium Vocale 1704 - Direction Vaclav Luks - Label Zig Zag Territoires.

Measha Brueggergosman : quel tempérament !

Une très belle révélation que cet album récemment sorti chez Deutsche Grammophon et enregistrée par la soprano canadienne Measha Brueggergosman avec l'Orchestre Symphonique de la BBC, sous la direction de David Robertson et avec le pianiste William Bolcom.

La chanteuse, que je trouve d'ailleurs plus mezzo que soprano, a pris des options assez audacieuses avec un répertoire exigeant (William Bolcom, Arnold Schoenberg, Erik Satie). Le climat général du disque est bien celui du cabaret, y compris chez un Arnold Schoenberg qui avait composé des airs dans un registre tout ce qu'il y a de plus tonal.

Le tempérament de cette jeune chanteuse est vraiment formidable, la plasticité de sa voix extraordinaire avec une tessiture digne des plus grandes chanteuses de Jazz. Elle démontre dans ce disque une vraie musicalité en déployant une voix très timbrée, chaude et expressive.

Je trouve que c'est sur les airs de William Bolcom qu'elle déploie avec vigueur et humour tout son art du phrasé, avec une décontraction, une aisance désarmantes. A noter le très drôle "Toothbrush Time" ou le surprenant et très court "Surprise" qui ouvre l'album et est à l'origine de son titre. Measha Brueggergosman se défend également bien sur une série de chansons de cabarets d'Arnold Schoenberg pourtant assez "mono-typées". Elle est irrésistible sur le second degré légendaire des airs de Satie dont la fameuse valse "Je te veux" (cf. morceau choisi N°11) et je la trouve moins contenue que la grande Jessye Norman sur cette chanson. A noter trois chansons de Satie accompagnées au piano par... William Bolcom.

Sur certains airs, j'aurais aimé un orchestre plus pétillant, moins "passe partout" mais ce disque est tout de même réussi et apporte lumière et énergie toujours bienvenues en période automnale !

Lien direct sur la page de cette artiste sur le site Deutsche Grammophon. On peut notamment y visionner une vidéo sur la production de l'album.

Surprise ! - Airs de William Bolcom, Arnold Schoenberg et Erik Satie - Measha Brueggergosman - Orchestre Symphonique de la BBC - Direction David Robertson - William Bolcom (piano) - Label Deutsche Grammophon.

Codex Caioni : noces tziganes

Jean-Christophe Frisch et son ensemble XVIII-21 continuent leur singulier itinéraire baroque nomade avec cette fois le Codex Caioni. Johannes Caioni est un organiste du XVIIème siècle, originaire de Transylvanie, et officiant dans un monastère franciscain. Son parcours fait partie des destinées particulières de cette époque à la frange de la musique ancienne et du baroque. Compositeur, facteur d'orgue, ce premier musicien roumain dont les talents sont reconnus en Europe, a construit au fil des ans un Codex, recueil d'œuvres originales mais aussi transcriptions, copies de compositions, dont une partie provenait des musiciens vénitiens, particulièrement influents en Europe centrale.

Comme le souligne Jean-Christophe Frisch dans le livret accompagnant le CD, le manuscrit (d'ailleurs retrouvé par hasard par un maçon en 1988 alors qu'il avait été dissimulé par les moines lors de l'invasion soviétique), est noté en tablatures d'orgues. Les notes sont indiquées sur la portées avec des lettres correspondant aux différentes touches du clavier de l'orgue. Caioni, comme beaucoup d'organistes de son époque, procédait ainsi car, connaissant les œuvres par cœur, il se contentait de cette notation sommaire pour disposer de marques lui permettant de reprendre ses repères harmoniques et rythmiques. La conséquence est une indispensable tentative d'extrapolation, ce d'autant plus que nombre de voix ne sont pas copiées en ligne et qu'en outre, le manuscrit comprend de nombreuses fautes, du fait d'une rédaction rapide.

Jean-Christophe Frisch a également pris le parti, réussi, d 'associer des musiciens du répertoire populaire tzigane à son ensemble.

Ce codex est alors présenté ici comme l'accompagnement musical d'un mariage traditionnel en Transylvanie avec quatre tableaux : le matin au château, à l'église, petit spectacle devant les mariés, banquet.

Alternent des pièces de compositeurs italiens (Carissimi, Praetorius, Ucellini), qui rappellent aussi bien Monteverdi, Gabrielli que certaines consonances "Schütziennes". Le codex permet de découvrir un très beau Salve Regina, semble-t-il de Caioni lui-même. On notera également la Bergamasque étonnante d'Uccellini, dernière piste du CD.

Ces compositions, pour la plupart sacrées, sont ponctuées d'airs traditionnels tziganes et des compositions inclassables.On est tout de suite  capté par le lancinant Lepus intra sata quiescit, symbolique, selon Jean-Christophe Frisch, de la vie trépidante de Caioni, menacé tout à tour par la royauté, l'armée et le clergé, s'identifiant au lièvre (Lepus) traqué lui aussi en permanence par les chasseurs. D'où le choix de la superbe aquarelle de Dürer représentant un lièvre comme couverture du CD.

J'ai noté le magnifique et poétique O quales flores et également, le très oriental Lupul Vaidane eneke.

L'ensemble orchestral composé pour l'occasion est d'une justesse émouvante, tout comme l'excellente soprano Cyrille Gerstenhaber, au timbre limpide et sensuel.

Ce CD tient vraiment une place à part dans la lecture du répertoire baroque et son approche est particulièrement rafraichissante. A recommander quand on désire sortir des sentiers battus.

L'ensemble XVIII-21 interprète ce Codex en concert sous le titre de "Noce Tziganes" le 2 décembre à la salle Gaveau.

Lien direct vers le site Arion Music pour plus de détails.

Lien direct vers classicnews.com ou qobuz.com également pour plus d'informations.

Codex Caioni - Ensemble XVIII-21 - Direction Jean-Christophe Frisch - label Arion Music.

Oeuvres orchestrales de Vincent d'Indy : l'ivresse des grands espaces

Si vous recherchez une musique orchestrale rappelant, avec une petite touche française tout de même, l'univers mystérieux et envoutant que peuvent restituer les grands compositeurs germaniques de la fin du XIXème siècle, ce premier volume consacré aux oeuvres orchestrales de Vincent d'Indy devrait vous combler.

Ce compositeur fait l'objet de nombreux enregistrements récents est on ne peut que s'en réjouir. Il a, semble-t-il, trop longtemps vécu dans l'ombre de Debussy. D'Indy offre une synthèse intéressante entre les grands élans wagnériens ou brucknériens avec les dynamiques saisissantes des grands masses orchestrales et la poésie, l'étrangeté de l'univers debussien, avec ses évocations permanentes aux divers sons de la nature.

Les trois oeuvres admirablement restituées par l'Orchestre Symphonique d'Islande, sous la direction de Rumon Gamba, plongent l'auditeur dans un univers aux couleurs intenses et aux contrastes saisissants.

C'est particulièrement vrai pour la Forêt enchantée et un Jour d'été à la montagne.

L'écriture de Vincent d'Indy, d'une facture finalement assez classique, évoque le monde pictural des pointillistes et des fauvistes. Il va au delà du pur impressionnisme, atteignant parfois une forme de saturation des impressions sonores au même titre que les peintres post-impressionnistes qui parviennent à une saturation des couleurs.

La qualité d'enregistrement de ce disque est également remarquable. J'ai opté pour le téléchargement sur mon Ipod et même les morceaux médiocrement compressés par la plate-forme de téléchargement iTunes me permettent de goûter aux splendides nuances de l'orchestre et à sa belle dynamique. Un exploit !

Disque à emporter avec vous cet été avec un baladeur, au sommet d'une montagne, soit à l'aube, soit au crépuscule. Si possible un lecteur CD et non un baladeur "mp truc" (destructeur de dynamique et aplatisseur de nuances).

Lien direct vers le site Quobuz pour des détails intéressants sur ce disque et la possibilité de le télécharger.

Vincent d'Indy - La Forêt enchantée - Jour d'été à la montagne - Souvenirs - Orchestre Symphonique d'Islande - Direction Rumon Gamba - label Chandos Records.

Sonates pour violon de Tartini : l'alternative italienne

Le label Zig Zag Territoires continue à nous émerveiller et nous faire découvrir des pièces en dehors des sentiers battus avec un soin particulier porté à la qualité de l'interprétation et de l'enregistrement.

C'est le cas du disque consacré aux sonates pour violon de Giuseppe Tartini, interprétées par la violoniste italienne Chiara Banchini. Ces sonates sont ponctuées de quelques "canzonettas", chantées a cappella par la soprano Patricia Bovi et rappelant le chant des gondoliers vénitiens.

Ces sonates pour violon apportent une alternative intéressante aux fameuses sonates et partitas de JS Bach. Elles aussi guidées par la recherche d'une ligne pure et abstraite, elles ne peuvent toutefois dissimuler leurs racines méditerranéennes. Certaines d'entre elles déploient un chant presque charnel, et s'assimilent quasiment à une voix chantante et lumineuse. L'interprétation très dépouillée, sans afféterie de Chiara Banchini y est pour beaucoup. Le son chaleureux de son violon, couplé avec une interprétation très simple, humble, spontanée, rendent ces sonates assez touchantes. De cette interprétation se dégage une poésie certaine. Les chants a cappella contribuent à renforcer cette impression de voyage en dehors du temps.

Disque très intéressant et finalement assez touchant.

Lien direct vers le site Zig Zag Territoires pour plus de précisions.

Sonates pour violon de Tartini - Chiara Banchini  / violon - chants : Patricia Bovi  - label Zig Zag Territoires.

Estampies et danses royales : l'empreinte orientale

L'un des derniers disques de l'ensemble Hespèrion XXI sous la Direction de Jordi Savall, met en évidence la singularité de la musique de la Cour Royale de France, à la frontière des XIIIème et XIVème siècles.

Jordi Savall et ses musiciens ont pris le parti d'alterner des danses, estampies de compositeurs anonymes avec des chansons de compositeurs attitrés du XIIIème siècle (comme Raimbaut de Vaqueiras).

L'intérêt de ce disque réside dans le climat singulier révélé par l'interprétation de ces oeuvres. On y ressent très nettement une influence orientale, tout au long des différentes pièces. Plus qu'une touche médiévale, ce sont des couleurs méditerranéennes et mosarabes qui ressortent, avec des instruments dont les timbres sont typiques (ex : le psalterium ou psalterion) et, surtout, une rythmique renforcée par des percussions contribuant fortement à "l'exotisme" de ce répertoire.

Jordi Savall souligne que l'interprétation exacte de ces estampies et danses royales se transmettait par tradition orale et que le peu d'indications manuscrites qui sont parvenues jusqu'à reposent sur un système de notation musicale très sommaire. Jordi Savall et ses musiciens ont donc pris un certain nombre d'options (instrumentation, phrasés, tempos, structures rythmiques) qui sont forcément subjectives et nul de peut juger leur conformité avec les interprétations de l'époque.

La singularité de ces pièces réside également dans la sonorité, les timbres très typés de certains instruments propres à la période médiévale. La sonorité dominante est portée par les les vièles à cordes, les vielles à roue, les rebabs ou les chalemies.

Des 15 estampies et danses interprétées, je trouve que la 2ème Danse (plage 10) est la plus fascinante. Introduite par une ceterina d'amore, elle est vite ponctuée par la percussion pour introduire très vite un psalterium et un dulcimer qui font écho note par note à la ceterina. Cette musique vraiment envoutante s'inscrit complètement dans la tradition des musiques à structure circulaire, où l'on imagine des danseurs tournant sur eux-mêmes de façon enivrante tels des derviches tourneurs.

A découvrir pour explorer un monde musical à la fois familier et lointain.

Plus de détails sur le site classicnews.com et sur le site du label AliaVox.

Estampies et danses royales -  Hespèrion XXI - Direction : Jordi Savall - label AliaVox.

Renaissance de l'Oiseau Lyre

Decca a eu l'excellente idée de rééditer quelques titres du prestigieux label L'Oiseau Lyre qui a initié un mouvement sur la musique ancienne et baroque outre-Manche avec des enregistrements demeurés légendaires.

Ce label a notamment produit les enregistrements de Christopher Hogwood avec the Academy of ancient Music.

Des différents titres réédités (cf. site du label DECCA), j'ai retenu l'intéressant CD consacré aux airs virtuoses de la musique italienne enregistré par Philip Pickett à la tête du New London Consort et accompagné de la soprano Catherine Bott.

Ces deux interprètes ont défriché ce terrain (à l'époque quasiment vierge) en 1988, soit plus de vingt ans avant les titres les plus florissants sur ce répertoire, des compositions de musique ancienne et baroque italiennes des XVIème et XVIIème siècles.

Catherine Bott, avec une voix d'une agilité exceptionnelle mais sans excès d'expression, avec une justesse quasi-instrumentale déjoue vocalises et méllismes de ces airs, dont certains rappellent les compositions réalisées pour les fameuses dames de Ferrare (cf. note du 7 avril 2008).

Sur les différentes compositions interprétées, j'ai surtout été marqué par le sublime O primavera de Luzzasco Luzzaschi  (compositeur émérite de la cour de Ferrare), Indarno Febo de Francesco Rasi, O che nuovo stupor de Francesca Caccini, où la mélancolie de la voix rivalise avec la flûte qui double le thème principal et O dulcissima dilecta mea de Stefano Bernardi.

Disque à découvrir avec l'ensemble des rééditions de ce beau label.

NB : les mêmes inteprètes avaient enregistré un superbe Pilgrimate to Santiago également disponible sous le même label.

Lien direct vers le site du label avec la liste des différentes rééditions depuis septembre 2007.

Virtuoso Italian Vocxal Music - Catherine Bott (soprano) - New London Consort - Direction Philip Pickett - Label L'Oiseau Lyre.

Ave Regina Colerum de Guillaume Dufay

Le troisième volume que l'ensemble Cantica Symphonia consacre à Guillaume Dufay, complète l'ensemble de motets déjà enregistrés dans le volumes précédents (cf. note du 18 juin 2007 sur le volume II). Giuseppe Maletto, avec son ensemble vocal et instrumental, résussit à nouveau à nous faire pénétrer de façon exemplaire l'univers fascinant du maître français de la polyphonie.

Je reconnais volontiers le travail d'une précision exceptionnelle réalisé par cet ensemble. Mon tout petit reproche reste le fait que je m'attende sur ce type de répertoire à une approche plus intériorisée, presque plus spirituelle. Les qualités vocales du Cantica Symphonia sont indéniables. Comme le dite justement Gisueppe Maletto dans un intéressante interview du Diapason de mai réalisée par David Fiala (pages 16 et 17), cet ensemble a au moins le mérite d'apporter une expressivité toute méridionale qui vient bien contrebalancer l'austérité à laquelle les ensembles anglo-saxons nous ont habitués sur ce répertoire. J'attendrais toutefois plus de plasticité, moins de dureté dans les timbres, comme dans la ligne mélodique. Il y a comme quelque chose d'acidulé dans la couleur vocale et instrumentale de cet ensemble qui tent un peu à m'irriter sur la durée...

Ce dernier volume est surtout à retenir pour une restitution impressionnante de l'un des motets les plus puissants de Guillaume Dufay : Ave Regina Colerum, et, surtout, le dernier, Ave Regina Celorum / Miserere Tui Labentis complètement a cappella et sur lequel l'ensemble Cantica Symphonie imprime une tension extrême. Prodigieux.

Les autres motets passent par une multitude de climats sonores, avec quelques audaces harmoniques comme celles du motet O proles Yspanie.

L'Ave Virgo, Que De Celis est très révélateur des mystères de cette musique, à la frontière du Médiéval et de la Renaissance.

Comme toujours chez Glossa, la qualité d'enregistrement est impeccable. L'espace sonore est ample sans excès de réverbération.

"Supremum est mortabilus bonum" - Intégrale des motets de Guillaume Dufay - Cantica Symphonia - Direction Giuseppe Maletto - Label Glossa.

Bizet par Minkowski

Après s'être lancé avec succès dans Jacques Offenbach (cf. note du 18 janvier 2007), Marc Minkowski tente de rafraîchir nos oreilles à l'écoute de deux fameuses séries de pièces pour orchestre de Georges Bizet : Le Prélude et les entractes de Carmen et, surtout, les suites pour orchestre de l'Arlésienne.

On savoure alors avec bonheur la vivacité et la précision des Musiciens du Louvre sous la baguette acérée du chef français. Marc Minkowski nous dépoussière quelque peu ces pièces écoutées des centaines de fois (dont la 1ère suite pour orchestre de l'Arlésienne). Après les travers un peu ampoulés des "orchestres modernes" du siècle dernier, Marc Minkowski ouvre la voie à une lecture nerveuse, avec des motifs sonores bien détourés, une bonne tension de la ligne qui donne enfin de la tenue et et du relief à ces oeuvres. Il nous démontre, comme pour Offenbach, que cette musique, d'une facture très classique nécessite une réelle rigueur d'interprétation pour révéler tous ses attraits. C'était en effet une erreur fondamentale de considérer que ce répertoire français de la fin du XIXème siècle, jugé "mineur" pouvait se contenter de lectures et interprétations approximatives.

Des grands "baroqueux" comme John Eliot Gardiner l'ont bien compris, ce dernier, par exemple, prenant un réel plaisir à nous faire redécouvrir toute la saveur et la densité de ce répertoire à l'Opéra Comique (exemple récent avec l'Etoile d'Emmanuel Chabrier).

Les habitués et admirateurs de Marc Minkowski (dont je fais partie) pourront globalement juger que cet album manque un tout petit peu d'engagement et d'épaisseur sur la durée (l'Arlésienne n'est pas tout à fait égale, la 1ère suite est très convaincante, la 2ème moins habitée, son caractère pastoral semblant avoir un tout petit peu piégé le chef dans le registre de "l'anecdotique").

Toutefois, avec un soleil printanier qui tarde à se montrer, ce disque apporte de beaux rayons de soleil et un entrain formidable.

A noter également la belle entreprise avec le label naïve, d'avoir accompagné cet enregistrement d'un luxueux livret en couleur avec de superbes reproductions d'oeuvres de peintres impressionnistes ou modernes qui ont séjourné à Arles (dont le magnifique Tilleul de Joan Mitchell, que je ne connaissais pas) ainsi que de textes pertinents.

Georges Bizet - Carmen - L'Arlésienne - Les Musiciens du Louvre - Grenoble - Direction Marc Minkowski - Label naïve.

Vidéo tirée du site dailymotion.

Marc Minkowski, Les Musiciens du Louvre-Grenoble | Bizet CD
Vidéo envoyée par naiveclassique

Le concert secret des Dames de Ferrare

Ce ne sont pas des italiens comme Alessandrini ou la Venexiana qui nous révèlent une partie du secret associé aux fameuses Dames du Duché de Ferrare mais un français qui n'est autre que Denis Raisin Dadre avec son ensemble Doulce Mémoire. Avec la participation heureuse de trois sopranos de talent (Pascale Boquet, Axelle Bernage et Christel Boiron), il a tenté cette expérience périlleuse de nous faire découvrir l'univers sonore et poétique de trois femmes exceptionnelles qui ont marqué la Cour de Ferrare et une bonne partie de l'Italie de la Renaissance pendant de nombreuses années au XVIème siècle.

Ces trois femmes (Anna, Laura et Livia), "enfermées" à la Cour de Ferrare se produisaient lors de concerts privés donnés à l'attention du Duc Alfonso de Ferrare et d'un cercle de privilégiés triés sur le volet.

Le disque se concentre sur deux compositeurs qui ont dédié leur écriture à l'agilité vocale et la virtuosité légendaire de ce trio féminin : Luzzascho Luzzaschi et Ludivico Agostini. Leur style initie déjà la seconde pratique madrigale et ils ont visiblement compté parmi les compositeurs les plus marquants ayant contribué aux quelques centaines de madrigaux (et oui !) que les Dames de Ferrare auraient interprétés.

L'écriture était très centrée sur des effets que les sopranos à la voix cristaline devaient restituer avec, semble-t-il, une technique époustouflante. Notamment, le style "cantar di gorgia" où, pour reprendre le texte du livret écrit par Denis Raisin Dadre "chaque note est articulée, très suavement, de façon à donner une articulation legato qui, disait-on, rappelait le murmure des eaux et le bruissement du vent dans les feuilles".

De Giaches de Wert (cf. note du 30 janvier 2007) à Gesualdo, quelques maîtres de l'écriture madrigale ont semble-t-il eu le privilège d'écouter ce trio d'exception et en ont été profondément marqués, jusque dans leurs options esthétiques.

Ces trois femmes, idéalisées par l'histoire du chant, incarnent, ne serait-ce que par les pièces interprétées dans ce disque, un mélange indéniable de sensualité et de mystère.

J'ai particulièrement été marqué par les pièces suivantes : "Io mi son giovinetta" (track 4), "T'amo mia vita" (track 10) et "Deh vieni hormai" (track 24) de Luzzaschi et "Quel canto oime" (track 13) d'Agostini.

Le chant le plus beau et le plus "monteverdien" est indéniablement le sublime "O dolcezze amarissime" d'Agostini (track 16).

L'ensemble est d'un très bon niveau. La ligne tenue par l'ensemble vocal est un peu moins claire et un peu plus sèche que ne l'aurait restituée la Venexiana. Toutefois, tout le mystère de cette belle Renaissance et la poésie du chant madrigal sont bien présents.

Ce disque, sorti il y a déjà plusieurs mois, est quasiment passé inaperçu et c'est dommage.

Encore une belle initiative du label Zig Zag Territoires à découvrir. Un beau disque de plus à écouter lors d'une belle nuit d'été étoilée.

Lien direct vers la page du site du label Zig Zag Territoire dédiée au disque avec possibilité d'écouter des extraits.

Luzzaschi - Agostini - Le Concert Secret des Dames de Ferrare - Ensemble Doulce Mémoire - Direction Denis Raisin Dadre - Label Zig Zag Territoires.

La petite révolution madrigale du Vème Livre de Monteverdi

Je n'avais pas encore eu l'occasion d'évoquer dans une note toute l'admiration que je porte au travail minutieux et pertinent de La Venexiana sur les madrigaux de Monteverdi.

L'ensemble vocal italien continue se patiente constitution d'une intégrale de ces chefs d'oeuvre du maître de Mantoue. La récente sortie de l'enregistrement du Vème Livre mérite que l'on s'y attarde tout particulièrement. D'abord parce que dans le corpus complet des madrigaux de Monteverdi, ce Vème Livre tient une place charnière. Il initie en effet la seconde pratique, à savoir une suggestion encore plus évidente des affects et de ce qui constituera les bases de l'art lyrique moderne. Ensuite, parce que l'ensemble La Venexiana confirme sa finesse d'interprétation, la plasticité extraordinaire de son chant, et surtout une unité presque parfaite. Ils privilégient la pureté de la ligne et ce parti pris est tout à fait défendable.

Si on a été habitué au style plus impétueux et théâtral imprimé dix ans plus tôt par Rinaldo Alessandrini avec son ensemble Concerto Italiano, on est surpris par la retenue apparente de La Venexiana (dont les piliers sont justement des anciens du... Concerto Italiano).

Pour ma part, j'adhère plus au projet de La Venexiana, tout au moins pour les Madrigaux jusqu'au VIIème Livre. Leur approche apparaît malheureusement comme trop distanciée et froide sur les madrigaux d'amour et de guerre (VIIIème Livre) qui ont, quant à eux, presque totalement basculé dans le monde théâtrale. Je préfère la version de Jordi Savall ou de Gabriel Garrido.

Pour revenir au Vème Livre, on notera la beauté des timbres et la finesse de rendu des nuances harmoniques sur des chefs d'oeuvres comme le Cruda Amarilla d'introduction, Era l'anima mia ou le fascinant M'è più dolce il penar per Amailli.

Enfin, sur la plus célèbre pièce, avec accompagnement instrumental et basse continue (c'est bien Monteverdi qui a initié l'orchestration sur les madrigaux), à savoir le fameux Questi vaghi concenti, l'équilibre entre ensemble vocal et accompagnement instrumental est parfait et d'un raffinement rare.

A souligner également la qualité d'enregistrement du label Glossa et la présentation soignée du livret (comme cet éditeur sait toujours bien le faire).

Monteverdi - Quinto Libro dei Madrigali - 1605 - Ensemble La Venexiana - label Glossa.

"So what ?" : un portrait de Friedrich Gulda

Deutsche Grammophon a sorti il y a quelque mois un excellent DVD qui brosse le portrait de Friedrich Gulda sous le titre principal de "So what".

Le titre fait référence à une interview de ce pianiste atypique, présentée dans le DVD, où ce dernier dit, dans l'autrichien le plus direct : d'aucuns qui ne veulent mettre des musiciens que dans des cases ne supportent pas que l'on ne puisse pas ne cataloguer uniquement dans la catégorie des musiciens classiques, ce à quoi je réponds "so what ?"

Friedrich Gulda était un musicien accompli, d'un talent hors du commun et qui a simplement refusé de rester cantonné au répertoire classique. Il était fasciné par le jazz et avoue avoir passé de nombreuses années à tenter de se hisser à un bon niveau sur ce répertoire. C'était un esprit ouvert, volontiers provocateur et iconoclaste qui a apporté une vraie fraîcheur dans le monde austère et codé du répertoire classique. Il était avide de découvrir sans cesse de nouveaux univers musicaux.

Je lui voue une profonde admiration car, sous une apparence fantasque et sous couvert d'une sorte de clownerie permanente, se cachait un homme d'une musicalité hors du commun.

Ne serait-ce que ce magnifique récital qu'il a donné en 1993 à Montpellier (cf. note du 19 septembre 2006 sur un double CD à se procurer absolument) montre à quel point il était un musicien exceptionnel.

Le DVD comprend ce reportage instructif "So what" de 2002 qui commence par cette anecdote ahurissante sur le communiqué que Gulda lance dans toutes les TV et radios d'Autriche annonçant... sa mort. Il regroupe également une série de concerts live. A noter une superbe interprétation de "der Wanderer" de Schubert et une très émouvante transcription de l'air de Sarastro pour piano, tiré de la Flûte Enchantée de Mozart.

Mozart, justement, je pense que Friedrich Gulda a été l'un de ses plus nobles et brillants serviteurs. Notre pianiste iconoclaste disait de son compatriote qu'il était, avec Jésus, l'un des plus grands bienfaiteurs de l'humanité (à méditer).

Ci-dessous, interprétation du 2ème mouvement du concerto en ré mineur K 466 pour piano de Mozart (le N°20) par Gulda, avec l'Orchestre Philharmonique de Munich (film tiré du site dailymotion). On pourrait croire que le pianiste fait un peu le singe en dirigeant l'orchestre. Je crois qu'il est simplement sincère et emporté par la grâce du génie salzbourgeois. Vive Mozart et vive Gulda !

Gulda - Mozart : Cto piano n°20 - 2/3
Vidéo envoyée par kst75m

Diana Damrau : sacré tempérament

Tout comme le Jardin Baroque, je ne raffole pas de ces disques "récitals" que sortent actuellement les chanteurs lyriques à grand renfort de Marketing.

D'une façon générale, l'interprète en question aligne des arias qui n'ont d'autre vocation que d'éblouir le public à coup de vocalises, de façon souvent impersonnelle, sans forcément de ligne directrice. En outre, bon nombre de ces récitals en studio souffrent d'un manque flagrant de cohérence et de complicité entre le ou la soliste et l'orchestre.

Il y a toutefois quelques exceptions comme Cecilia Bartoli, pour laquelle ce type de disque résulte d'un vrai travail musical, d'une véritable démarche esthétique (cf . exemple le plus récent sur Maria Malibran).

Je viens de trouver une autre exception avec l'enregistrement éblouissant fait par la chanteuse allemande Diana Damrau avec Le Cercle de l'Harmonie sous la Direction de Jérémie Rhorer.

Cette soprano, véritable bête de scène, a un sacré tempérament. Je trouve que  c'est l'une des rares sopranos actuelles associant une agilité impressionnante de la voix avec une véritable incarnation de ses personnages, un engagement que l'on sent total.

Dans ce disque, elle réussit au moins deux exploits indéniables : rendre les arias de Salieri vivants et pétillants mais, surtout, incarner une des Reines de la Nuit de la Flûte enchantée de Mozart, les plus effrayantes qui soient. Elle aligne les deux fameux airs  ("O zittre nicht" et "Der Hölle Rache") avec une forme d'insolence. C'est la chanteuse qui m'a semblé la plus décomplexée par rapport à la monumentalité de ce rôle. Elle s'affranchit avec brio des obstacles techniques célèbres de ces airs et surtout, avec un phrasé extraordinaire, marque les accents de haines avec les bonnes intontations sur un texte germanique, qu'elle maîtrise nativement. Tout ceci donne enfin vie à cette femme diabolique. Enfin une Reine de la Nuit faite de chaire et de sang ! C'est prodigieux.

La voix est limpide, d'une agilité indéniable. Elle est capable de rendre de belles nuances. On peut ne pas forcément aimer un léger vibrato mais le timbre est suffisamment charnu pour que l'on tombe sous le charme.

A noter, une perle rare de ce disque à savoir l'aria "Ombra dolonte", tiré de l'opéra Il natale d'Apollo, de Vincenzo Righini. Avec une sensualité indéniable, la soprano chante en duo avec un hautbois qui apporte une touche de mélancolie certaine à ce superbe air qui s'égare dans les méandres des tonalités en mineur.

La réussite de ce disque est aussi largement attribuable au jeune et fougueux chef d'orchestre Jérémie Roher. Sa direction énergique et nerveuse n'est aucunement synonyme de raideur et confirme une maturité exceptionnelle. Je l'avais découvert au Festival de Beaune en 2006 (cf. note du 31 août 2006), où il avait donné un Idoménéé "démoniaque". C'est un vrai chef mozartien qui regroupe tous les ingrédients que l'on peut rechercher pour servir le génie salzbourgeois : fraîcheur, vivacité, sonorités riches mais aériennes, aucune dureté mais bien quelque chose de pétillant.

La complicité entre la chanteuse et le chef semble bien réelle. Ils sont tout à fait sur la même longueur d'onde.

Beau disque pour faire le plein d'énergie avant la fin de cet hiver.

Diana Damrau - Arie de Bravura - Mozart, Salieri, Righini - Le Cercle Harmonique - Direction Jérémie Rhorer - label Virgin Classics.

Svetlanov révèle Glazounov

Dans l'intégrale impressionnante des oeuvres interprétées par le grand chef russe Evgeny Svetlanov, l'un des tous derniers volumes parus (N°31) et dédié à Alexandre Glazounov, est particulièrement intéressant (Warner Music).

Avec cette "Edition officielle" Svetlanov, Nina Svetlanova nous fait bénéficier de l'héritage d'un des plus grands chefs russes avec l'Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie. Ces disques fournissent une véritable anthologie de la musique russe à la charnière des XIXème et XXème siècles.

Ce volume 31 nous permet de découvrir un des maîtres du style post-romantique russe avec sa 1ère symphonie en ré majeur opus 5 et une série de trois tableaux symphoniques dédiés au Kremlin (opus 30).

Svetlanov nous délivre une version lumineuse et aérienne de la 1ère symphonie. On ressent une incroyable sensation d'immensité à l'écoute de cette oeuvre. Je la qualifierais volontiers de musique des grands espaces. On retrouve bien-sûr une certaine forme de lyrisme transcrite de façon fine et équilibrée par un Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie aux sonorités rondes et fluides. Au même titre qu'à lécoute d'un Sibelius on imagine aisément les forêts finlandaises qui se déploient à l'infini, chez Glazounov, on ressent le même souffle, une forme de déploiement de grands espaces sauvages et magnifiques, où le se met à rêver d'une nature encore vierge et intacte.

Les tableaux symphoniques nous font quant à eux bien revenir dans le monde des humains. A noter le second tableau ("At the Monestary"), un Andante qui évoque de façon saisissante l'atmosphère de recueillement d'un monastère orthodoxe.

Espérons que le prochain opus de l'intégrale Svetlanov continue avec les autres symphonies de Glazounov.

Rappel du contenu des CD N°1 à 25 avec le lien direct sur le site svetlano-evgeny.com et la possibilité d'écouter des extraits (dommage que le site ne soit pas vraiment à jour...).

Edition Officielle Evgeny Svetlanov - Orchestre Symphonique de la Fédération de Russie - N°31 - Alexandre glazounov - 1ère Symphonie - Kremlin : tableaux symphoniques opus 30 - Warner Music.

Les cinq glorieuses

Je ne résiste pas au plaisir de vous proposer de partager mon émotion sur l'un de mes cadeaux de Noël musicaux : le coffret de DVDs consacré aux cinq premières années de Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre de Lucerne.

En co-production avec Arte, l'éditeur EuroArts a eu la belle idée de proposer une sélection de concerts parmi les plus marquants que le chef italien ait enregistré depuis qu'il dirige l'Orchestre de Lucerne (sur les cinq premières années tout au moins).

Claudio Abbado a hissé cet ensemble orchestral à un niveau exceptionnel et parmi ces cinq DVDs, figurent non seulement la sublime version de la Mer de Debussy (cf. note du 2 octobre 2006), mais également les 5ème et 6ème symphonies de Mahler, la 7ème de Bruckner et rien moins que le 3ème concerto pour piano de Beethoven avec Alfred Brendel comme le 4ème avec Maurizio Pollini.

Ce coffret permet de découvrir comment Claudio Abbado, après avoir surmonté l'épreuve de la maladie,  s'est emparé de ces oeuvres en y apportant un souffle apollinien. Sous sa baguette, les symphonies de Mahler s'inscrivent sous le signe de la lumière et le chef fait ressortir des sonorités d'une beauté saisissante.

A se procurer d'urgence !

Lien direct vers le site EuroArts pour plus de détails.

Lien direct vers la bande annonce ("trailer") du DVD tiré également du site.

Liturgies du codex Faenza 117 : à la fois familier et étrange

Faventina, le dernier album de l'ensemble Mala Punica, sous la direction du flûtiste Pedro Memelsdorff, regroupe une série de pièces de musique liturgique tirées du Codex de Faenza et dont les manuscrits ont été miraculeusement préservés à La Bibliothèque Communale Manfrediana de Faenza.

Il s'agit de diminutions musicales, ou, pour reprendre le terme de Pedro Memelsdorff, de gloses musicales. Le principe est de partir de mélodies simples et de les compléter par une série de variations qui, comme les décorations en bordure de page ou sur le cadre d'un tableau, viennent apporter des ornementations permettant de compléter, révéler, voire contredire la ligne mélodique principale.

Je propose de vous renvoyer vers l'excellente note du blog le Jardin Baroque sur le contexte historique et musical de ces pièces et sur une analyse très complète.

Ici, tout l'enjeu est de se risquer à interpréter, au sens littéral du terme, une musique, à la frontière des XIVème et XVème siècle, transcrite essentiellement via des tablatures et où s'est produite une rupture complète dans la transmission orale des règles d'instrumentation et d'interprétation.

Faute de références, je recommande alors de prendre ces pièces telles qu'elles se présentent à nous avec le parti pris esthétique de l'ensemble Mala Punica.

Ce que l'on écoute alors est un mélange singulier de familiarité (principalement liée à la trame mélodique principale soutenue par le plein chant qui nous renvoie au chant grégorien) et d'étrangeté, de singularité (associées quant à elles aux ornementations presque hypnotiques, soit au clavicymbalum, soit à l'orgue ou aux deux).

Cette musique, à l'origine sacrée, révèle une empreinte particulièrement profane, voire une sensualité étonnante (ex : l'Alleluja Ego sum pastor bonus de l'Ordinarium missae- piste 5 : où s'entrelacent les voix masculines et féminines dans un élan majestueux).

L'interprétation inspirée et engagée de Mala Punica nous révèle tout le mystère de ces pièces inclassables dans notre référentiel musical. On se trouve plongé dans un monde extraordinaire et qui nous pousse à penser que la musique médiévale tardive était certainement d'une bien plus grande richesse harmonique que l'on pouvait l'imaginer.

Parmi les pièces les plus représentatives de ce mystère, dans le registre de cet appel nocturne et séculaire des voix profondes et étranges, j'ai noté particulièrement le Kyrie Orbis factor de l'Ordinarium missae, où des voix féminines, lointaines, murmurées, agissent comme des vagues sombres, sous la pluie fine des ornementations du clavicymbalium. Il y même quelque chose d'intemporel dans cette musique.

L'introduction du Per verità portare (Cantasi come) avec la voix de la soprano doublée par la flûte virtuose de Pedro Memelsdorff, reproduisant presque le même timbre, est fascinante. Viennent ensuite, comme par un effet de tuilage, une deuxième voix de soprano et un contre-ténor.

L' Ad vespras s'avère quant à lui d'emblée fervent et déclamatif. C'est encore une autre atmosphère qui nous est suggérée, plus intense encore et où les ornementations jouent un rôle presque obsessionnel, nnivrant, les voix à l'unisson se révélant par vagues successives.

Cet album ne mérite absolument pas une écoute distraite car il peut alors s'avérer irritant du fait des ornementations permanentes découlant de cet exercice de réduction. Il demande de la disponibilité, un esprit prêt à s'imprégner de cette part de mystère qui ne se révèle qu'au prix d'un minimum d'effort. Ce disque que certains jugeront peut-être trop ésotérique résulte en tout cas d'un exercice esthétique formidable et complètement défendable.

Indéniablement à découvrir.

Détail du disque sur le site du label Naïve avec la possibilité d'écouter des extraits.

Faventina - Musique liturgique du Codex Faenza 117 - Ensemble Mala Punica - Direction Pedro Memelsdorff - Label Ambroisie - Distribution Naïve.

Les Pražák subliment les quatuors de Mozart

Je tiens le Quatuor Pražák parmi les meilleures formations de chambre du moment. Depuis que j'ai écouté leur enregistrement exceptionnel des quatuors 12 (le fameux "Américain") et 14 de leur compatriote Dvořák, je suis littéralement tombé sous le charme de la musicalité exceptionnelle de ce quatuor.

J'ai éduqué mon oreille au jeu et aux sonorités des formations légendaires comme les Amadeus, les Italiano, les Julliard ou, plus récemment le Quatuor Talich ou bien, le tout jeune et talentueux Jerusalem Quartet qui a enregistré trois quatuors de Haydn parmi les plus passionnants.

Haydn, voici donc la transition idéale pour parler du tout dernier enregistrement du Quatuor Pražák  et qui regroupe trois des six quatuors écrits par Mozart et dédiés à Haydn : le N°15 en ré mineur, le N°17 en si bémol majeur "La Chasse" et le N°19 en ut majeur "Dissonnant".

J'étais resté il ya plus de quinze ans sur une impression amère laissée par le Quatuor Alban Berg, au jeu arrogant et cérébral. Ce quatuor est un modèle de perfection technique mais qui, selon moi, s'accompagne d'une froideur extrême. Adulé par la critique depuis plus de vingt ans, je n'ai jamais pu m'habituer à la moindre de ses interprétations. Résultat de tout cela, je suis passé à côté de la force et la beauté de ces quatuors pensant naïvement que la musique de chambre était l'un des rares genres qu'aurait pu éviter le génie salzbourgeois.

Le quatuor tchèque est venu brillamment réparer cette erreur. Mozart portait une affection toute particulière aux musiciens tchèques et on comprend bien pourquoi. Les Pražák apportent tout ce que l'on attend de ces quatuors : la vivacité, la respiration, une pointe de "cantabile" et surtout la spontaneité. Grâce à cela, toutes les audaces harmoniques (les fameuses dissonnances du 19ème quatuor), le jeu qui s'instaure entre les différents instruments (un peu comme celui que l'on peut entendre entre les différentes voix d'un opéra de Mozart) prennent un relief singulier. Le subtil équilibre maintenu entre la cohérence de l'ensemble et le détachement, la singularité de chaque archet est prodigieux.

Grâce à ces interprétations, on sent un Mozart qui se hisse presque à la hauteur des chefs d'oeuvre du grand Haydn qui a, par ses quatuors, a tout simplement initié plus de cent ans d'écriture pour le quatuor à cordes. Ce que l'on trouvera de Beethoven à Brahms en passant par Schubert est déjà fondamentalement installé par exemple dans la série des opus 77 de Haydn.

Pour revenir à cet enregistrement mozartien, dès les premières attaques et mesures, on sait que l'on tient là le vrai tempo, l'élégance et la légèreté indispensables mais avec la bonne tension de la ligne et la nervosité qui vont bien. Sans parler des couleurs. Un vrai régal.

Je ne me lasserai jamais de l'Allegro moderato du quatuor en ré mineur qui fait si naturellement la jonction entre Haydn et Schubert. Il donne littéralement le frisson et c'est avec les yeux humides que l'on sort de ce voyage de 7 minutes au royaume de la grâce. Je trouve que ce quatuor est de toute façon le plus beau et le plus schubertien des trois sélectionnés.

Les deux autres sont plus célèbres et se révèlent enfin avec tous leurs atraits. Le quatuor "La Chasse" avec son brin de (fausse) préciosité a toutes la caractéristiques du plus pur style mozartien. Le fameux et splendide Menuet (joué finalement assez vite) l'illustre parfaitement. Le quatuor "Dissonnant" prend quant à lui en effet quelques libertés tonales assez nouvelles pour l'époque. Il préfigure assez bien l'univers beethovénien (très marqué sur le Menuet - Allegro).

Splendide disque hautement recommandé. On attend avec impatience le volume 2 !

Pour couronner le tout, la couverture reprend un des mes tableaux préférés, le magnifique auto-portrait du peintre Louis David : détermination, orgueil, vivacité. Tout la puissance d'un grand portrait qui révèle si bien le caractère du modèle.

Mozart - Quatuors à cordes dédiés à Haydn Volume 1 : K. 421, K.458 "La Chasse", K. 465 "Dissonnant" - Quatuor Pražák - Label Praga Digitals - Distribution Harmonia Mundi.

Mille bonjours !... de Guillaume Dufay

Après une Missa Se la face ay pale de Guillaume Dufay très réussie en 2003 chez Alpha, l'ensemble Diabolus in Musica, sous la direction d'Antoine Guerber, se lance dans les chansons profanes du même compositeur sous le titre de "Mille Bonjours !".

Il faut se rappeler que Guillaume Dufay était déjà considéré à son époque comme un compositeur majeur y compris dans le domaine de la musique profane.

Le disque que vient d'enregistrer Antoine Guerber et son ensemble, regroupe une sélection d'une petite vingtaine de chansons, parmi le corpus de plus de 80 chansons que le maître aurait composées, regroupées en quatre thèmes : Souffrances & deuils, Lounge du Prince, L'amoureux transi (tout un programme), Joies et fêtes.

Avec un souci de véracité et une minutie qui caractérisent cet ensemble vocal et orchestral, ces chansons revivent avec force et révèlent tous leurs mystères. Les racines médiévales sont encore bien présentes, même si les premières audaces harmoniques de la Renaissance se font déjà entendre. Le fait que l'éditeur ait choisi un parchemin de Jean Fouquet pour illustrer la couverture de la pochette du disque n'est bien-sûr pas un hasard. Tout comme les enluminures du peintre français, ces chansons de Guillaume Dufay sont en effet des miniatures, d'un raffinement extrême. Elles utilisent les modes les plus courants, voire les plus populaires (la ballade, labergerette, le rondeau...) pour, à chaque fois, fournir un prétexte à l'expression très maîtrisée du contrepoint, tout en conservant une vraie fraîcheur et un naturel confondant.

Elles fournissent en outre l'occasion de découvrir les sonorités singulières et charmeuses d'instruments d'époque comme le clavicytherium (quatre airs sont d'ailleurs interprétés uniquement avec cet instrument à la sonorité fine, presque diaphane), la guiterne et la vièle à archet.

Mes chansons préférées dans cet album sont celles associées aux Souffrances et aux deuils. Notamment la superbe "Helas mon deuil, a ce cop sui je mort".

Même si je reste pour ma part surtout profondément attaché aux messes de Guillaume Dufayces chansons constituent une belle découverte qui, comme le Quadrivium (cf. note du 18 juin 2007), permet de confirmer à quel point l'art de la composition de Guillaume Dufay, reposant pourtant sur des règles très savantes, avait aussi pour objectif de revenir à une certaine simplicité, limpidité.

Lien direct vers le label Alpha pour plus de précisions et écouter un extrait.

Guillaume Dufay - Mille Bonjours ! - Ensemble Diabolus in Musica - Direction Antoine Guerber - Label Alpha.

Vadim Repin sur Beethoven : la touche apollinienne

Difficile de relever le défi sur deux monuments pareils : le Concerto pour violon et orchestre en ré majeur et la fameuse Sonate pour violon et piano en la majeur "A Kreuzer" de Beethoven.

C'est le pari réussi qu'a pris Vadim Repin avec deux partenaires incroyablement complémentaires au violoniste : Riccardo Muti avec le Philharmonique de Vienne sur le concerto et Martha Argerich sur la sonate.

Du très haut de gamme donc. Par le passé, la rencontre de grands interprètes qui ne se pratiquaient guère a souvent conduit à des échecs cuisants. Ici ce n'est pas le cas. Le pari est assez réussi.

La cohabitation de fougueux et sanguins partenaires (Muti et Argerich) avec ce violoniste russe qui, pour moi, incarne le comble du raffinement, conduit à un équilibre qui ne semblait pas a priori évident.

Sur le Concerto pour violon, Riccardo Muti annonce la couleur dès l'ouverture : phrasé sec et tranchant, orchestre rugissant. On ne plaisante pas : c'est la virilité beethovénienne exaltée qui nous est servie. Vient alors le chant aérien, diaphane de Vadim Repin mais avec un tout petit grain dans la sonorité et un très léger vibrato qui confèrent à cette dernière un charme irrésistible. Vadim Repin impose alors son chant apollinien, modèle d'équilibre, domptant naturellement le fauve orchestral qui l'accompagne.

Sa version du final du premier mouvement, racée et élégante donne le frisson. Dommage que Riccardo Muti soit exagérément tonitruant (un anti Giulini par excellence !).

Sur le deuxième mouvement, le Philharmonique de Vienne nous révèle son identité sonore unique (sonorités denses et mates). Le violon nous emporte avec son chant elégiaque. Version méditative d'une mélancolie poignante.  Dommage encore que Riccardo Muti s'acharne à ignorer certaines nuances et alourdisse inutilement le propos lorsque l'orchestre part seul.

Sur le fameux Rondo final, le violon virevolte comme un oiseau malicieux mais malheureusement, le chef s'obstine à confondre son orchestre avec une grosse caisse. Finalement, tout ceci ne met que mieux encore en valeur la finesse irrésistible du jeu de ce violoniste exceptionnel. Ce dernier nous délivre une très intéressante version de ce concerto pourtant ultra joué : contours bien ciselés, timbre rayonnant et propos alternant tantôt une sérénité inaltérable, tantôt une mélancolie touchante. Tout cela avec une maîtrise impeccable des nuances. Du grand art. Au total, trois quarts d'heures de raffinement dans un monde de brutes.

Sur la célèbre sonate pour violon et piano "A Kreuzer", la fusion entre Vadim Repin et Martha Argerich est totale. Tout au long de la sonate, les deux jeux en apparence si opposés se complètent à merveille. Avec ses accords puissants, Martha Argerich, ponctue régulièrement les trois mouvements de cette sonate. La plénitude de son jeu ne couvre absolument pas la sonorité solaire et acérée du violoniste. Martha Argerich est complètement à l'écoute et adapte de façon extraordinaire son jeu au phrasé de Vadim Repin tout en confirmant son sens littéralement génial du rubato. Ce qui est marquant sur cette version, c'est la maîtrise absolue du toucher et de la pédale qui font que le piano agit comme une seconde voix qui continue à accompagner avec la même intensité le violoniste, tout au long d'une note prolongée avec l'archet. Cette version de la sonate en la majeur est d'une véhémence parfaitement maîtrisée. La fameux Andante est vraiment splendide.

A noter également la qualité de l'enregistrement avec la restitution précise et vivante, aussi bien des filets de notes du violon, presque murmurées, que des graves profondes et généreuses du piano.

Lien direct vers la description du disque tirée du site Deutsche Grammophon.

Concerto pour violon et orchestre en ré majeur - Sonate pour violon et piano en la majeur "A Kreuzer" - Ludwig Van Beethoven - Vadim Repin (violon) - Orchestre Philharmonique de Vienne - Direction Riccardo Muti - Martha Argerich (piano) - Label Deutsche Grammophon.

Petits motets d'Henry Madin : quelques perles rares

Le label K617 continue à nous faire découvrir des compositeurs injustement délaissés dans le répertoire de la musique ancienne et baroque. Henry Madin fait visiblement partie de ceux-ci, alors qu'il a officié à la Cour de Versailles, auprès de Gervais et de Campra, sous le règne de Louis XV.

Avec le soutien de la région de Lorraine, (Henry Madin était natif de Verdun), Anne-Catherine Bucher, à la tête du Concert Lorrain, a enregistré un magnifique recueil d'une dizaine de petits motets de ce compositeur avec un choeur de six femmes (3 premiers et 3 seconds dessus) d'un excellent niveau. Ces motets pour les saluts étaient composés pour les "Cent Filles de la Miséricorde".

Ce qui frappe le plus à la première écoute de ces motets est le sentiment de plénitude qu'ils dégagent. Ils sont d'une grande simplicité et ne s'embarrassent d'aucune ornementation qui pourtant était souvent de mise à cette époque, y compris sur la musique sacrée. La beauté de ces motets est en grande partie révélée par le truchement d'une basse continue subtile et parfaitement mesurée mais aussi au travers du phrasé du choeur de femmes.

Les modulations de leurs voix, le vibrato régulier sur les bons points d'inflexion du texte, apportent une grâce, même une sensualité certaine à cette interprétation.

Je trouve que Le motet le plus profond et captivant est le tout premier "Tantum ergo". Il dégage dès les premières mesures une atmosphère de mystère et de recueillement (la ligne mélodique ressemble d'ailleurs étrangement au début du stabat mater de Pergolese). Ce début un peu ténébreux est ensuite vite supplanté par un chant enjoué et rythmé.

L'Adorote Mottet Elévation est également superbe.

Une chaconne et une sonate pour cordes de Nicolas Clérambaut, viennent ponctuer l'enchaînement de ces motets.

Ces pièces s'apparentent donc à une vision très humaine et naturelle de l'expression du répertoire sacré, se rapprochant finalement de la vision des musiciens luthériens qui aimaient associer subtilement grandeur et intimisme. Point de couleurs excessives et de transcendance. Tout simplement neuf voix à l'unisson qui servent une musique humble, fluide et finalement très touchante.

A saluer également (c'est encore assez rare) la qualité d'enregistrement : clareté, rendu très net des différents plans sonores et très vivant des différentes voix du choeur.

Une fois cette note terminée, j'ai eu le plaisir de recevoir le numéro de novembre de Diapason et de découvrir que ce disque avait obtenu le "Diapason découverte".

Lien direct vers plus de détails sur le disque (tiré du site cd-baroque.com). Sur cette page, il est également possible d'écouter un extrait d'un des motets (le 2ème Domine Salvum Fac Regem).

Henry Madin - Petits Motets - Le Concert Lorrain - Direction Anne-Catherine Bucher - label K617.

Pièces de JS Bach transposées au luth

Le luthiste américain Paul O'Dette initie, avec ce volume I édité par Harmonia Mundi, une intégrale de la musique pour luth de JS Bach. Comme le souligne l'interprète dans l'excellent livret qui accompagne le disque, la musique pour luth de JS Bach fascine les interprètes de cet instrument depuis plus d'un siècle. Or, personne ne peut apporter la preuve formelle que Bach jouait lui-même du luth et les pièces enregistrées dans ce volume I sont toutes des transcriptions d'une suite pour violoncelle, d'une partita et d'une sonate pour violon.

On sait seulement que le cantor jouait un instrument hybride, sorte de "clavi-luth" (lautenwerk) qui était en fait un clavecin cordé en boyau. Le son restitué était similaire au luth à s'y méprendre. En revanche, les accords étaient de facto plus faciles à réaliser que sur un luth.

Le pari de Paul O'Dette est particulièrement réussi sur les trois oeuvres réunies pour le volume I : Pièces pour la luth à Monsieur Schouster (transcription de la suite en la mineur pour violoncelle), la transcription de la fameuse 3ème partita en mi majeur pour violon (transposée en fa majeur pour le luth) et de la sonate pour violon en sol mineur.

Les phrasés sont d'un naturel étonnant, le son d'une belle plénitude et la rythmique propre à la musique de Bach parfaitement maîtrisée. Paul O'Dette restitue avec son luth une polyphonie assez colorée et riche et nous permet d'apprécier avec une exactitude impressionnante la richesse harmonique de ces oeuvres. Ne vous attendez pas à un luth méditatif et précieux mais au contraire à un jeu résolu, volontaire mais dont la précision technique nous permet de saisir toutes les subtilités des motifs déployés par la musique du maître de Leipzig.

C'est particulièrement marquant sur la Gavotte et la Gigue de la suite en la mineur et sur la Sicilienne de la sonate en sol mineur.

Sinon, re-découvrir la partita avec la détachement des notes qu'apporte le luth par rapport au violon est une expérience très intéressante et apporte un éclairage nouveau.

A noter également l'excellente qualité d'enregistrement qui permet d'écouter les moindres nuances de l'instrument.

Enregistrement très réussi qui constitue une intéressante découverte.

Lien vers le détail du disque tiré du site Harmonia Mundi.

Extrait tiré du site (prélude de la partita). Autre extrait (tiré de la suite en la mineur).

JS Bach - Pièces pour luth - Paul O'Dette - Label Harmonia Mundi.

Atenaide de Vivaldi : haute compétition vocale

L'excellent livret du coffret le précise : Atenaide est "Dramma per musica". En effet. Cet opéra de Vivaldi, ressurgit grâce au travail très inspiré du label naïve dans sa collection Edition Vivaldi - Opéras (cet Atenaide représentant le 9ème volume de la collection).

Dans ce long opéra, on retrouve tous les ingrédients du style vivaldien et, bien entendu, des arias d'une virtuosité sidérante.

Il n'est donc pas étonnant de disposer avec ce coffret récemment sorti d'une distribution à couper le souffle : Sandrine Piau (dans le rôle titre), Vivica Genaux, Guillemette Laurens, Romina Basso, Nathalie Stutzmann, Paul Agnew et le jeune Stefano Ferrari. (Lien direct vers une page bio de chaque interprète du coffret tirée du site du label naïve)

Chacun et chacune de ces interprète s'engage totalement dans ce tourbillon musical et dans les cadences infernales imprimées du début à la fin par le prêtre roux.

Je passerai sur l'intrigue (je vous laisse le soin de lire le livret très complet du coffret). Petite anecdote qui a son importance : cet opéra avait été créé à Florence au teatro della Pergola et que coffret du label naïve fait office de premier enregistrement mondial, justement réalisé à Florence, sur le lieu même de sa création.

Je trouve que la réussite de cette entreprise se trouve tout d'abord dans la qualité de l'ensemble orchestral Modo Antiquo, sous la direction de Federico Maria Sardelli, excellent de bout en bout. Il restitue l'équilibre parfait entre nervosité, tension et soutien des voix. Il constitue tout au long de ces innombrables récitatifs et arias (plus de trente cinq arias), un support parfait des voix, et ce avec une constance impeccable.

Du point de vue vocal, je trouve que trois interprètes se détachent nettement du lot, alors que la distribution globale est déjà d'un très haut niveau. Tout d'abord en premier point Vivica Genaux qui démontre qu'elle est actuellement au sommet de son art. Elle allie tout ce que l'on attend d'une interprète dans ce répertoire : virtuosité associée à une aisance impressionnante, expressivité, mordant. Elle est incisive, impétueuse tout en conservant une maîtrise exceptionnelle du phrasé et de l'articulation. Du très grand art. J'ai surtout été marqué par son interprétation de la superbe aria "M'accende amor l'ire guerriere in petto" de l'Acte III (scène 14 - CD3 track 24). Sinon elle excelle autant sur les récitatifs que sur les autres arias. Il est surprenant que la notice du Coffret classe cette chanteuse dans le registre soprano alors que c'est une vraie mezzo...

Ensuite, Romina Basso (mezzo limite contralto) a également retenu mon attention. Elle est d'une grande justesse avec une virtuosité également exceptionnelle et non forcée (ex : Acte III / scène 3 l'aria "Porto, che so qual sia" ou Acte II / scène 2 "Nel profondo cieco mondo". Phrasé parfait (plus facile car elle chante dans sa langue maternelle).

Enfin, Sandrine Piau, plus pour la sublime couleur de sa voix colorature, sensuelle et cristalline sur les aigus. Elle nous offre des airs interprétés avec une musicalité impressionnante. Un tout petit peu plus mal à l'aise (imperceptible) sur les passages difficiles (le mot est faible avec Vivaldi), elle gomme largement ces toutes petites limites avec un timbre d'une fraîcheur fascinante.

La très grande Guillemette Laurens, Nathalie Stutzmann et Paul Agnew apportent tous trois une intelligence du texte qui n'est plus à démontrer et surtout épaisseur et vie aux personnages incarnés. Je suis malheureusement un tout petit peu gêné parfois par l'excès de vibrato de Paul Agnew qui s'avère moins constant que sur d'autres productions.  Son phrasé et sa couleur si caractéristiques restent tout de même un vrai régal muscial. Pour revenir à Nathalie Stutzmann, je vous suggère l'écoute d'une des arias les plus étranges et atypiques de Vivaldi : l'hypnotique "Cor mio che progion sei" (Acte III / scène 8 - track 13).

Il reste Stefano Ferrari, ténor léger typiquement italien, que j'ai écouté à plusieurs reprises au Festival de Beaune (cf. note du 31 août 2006).  Très bon dans les récitatifs, il présente encore des limites très nettes dans les airs virtuoses avec une certaine difficulté à tenir la voix (décrochages fréquents).

Ce coffret est une éblouissante démonstration de joutes vocales entre interprètes de haut niveau, avec beaucoup de verve et de tonicité. Les traits ne sont pas pour autant forcés. Tout cela reste très fin et l'interprétation des différents artistes impliqués dans cette belle aventure sert admirablement la musique étourdissante et solaire de Vivaldi. La musique composée y est inventive et pleine de panache.

Cet opéra, qui se veut pourtant dramatique, est idéal si vous manquez de vitamines pour affronter ces premiers jours d'Automne.

Lien direct vers le site du label naïve pour plus de détails et écouter des extraits.

Atenaide - Opéra dramatique en 3 actes d'Antonio Vivaldi - Ensemble orchestral Modo Antiquo - Direction musicale : Federico Maria Sardelli - chanteurs : Sandrine Piau (dans le rôle titre), Vivica Genaux, Guillemette Laurens, Romina Basso, Nathalie Stutzmann, Paul Agnew, Stefano Ferrari - label naïve.

Concerts spirituels de Dietrich Buxtehude

C'est un vrai plaisir de savourer la célébration d'un anniversaire d'une façon aussi intelligente que celle qui est actuellement dédiée au compositeur Dietrich Buxtehude. J'avais eu l'occasion d'évoquer ce petit évènement dans la note du 15 juillet 2007 à propos de la série d'émissions que lui consacrait la Radio Suisse Romande (Espace 2).

Cela fait 300 ans que Dietrich Buxtehude est mort et les excellents labels Alpha et Ricercar sont en train d'éditer et de rééditer de véritables pièces d'orfèvrerie.

J'avais déjà mentionné le magnifique enregistrement de Philippe Pierlot avec le Ricercar Consort, dédié à de belles cantates (cf. note du 16 juillet 2007).

Cette fois, je viens de savourer une nouveauté que je désire absolument vous faire partager : une sélection de concerts spirituels enregistrés par l'ensemble La Fenice, dirigée par Jean Tubéry, avec le ténor Hans Jörg Mammel. Ces pièces révèlent de l'influence manifeste que la musique concertante italienne a eu sur les compositeurs de l'Allemagne luthérienne à la fin du XVIIème siècle. Leur objet est de servir des textes liturgiques (principalement des psaumes), mais aussi de fournir l'occasion d'exprimer un dialogue musical entre la voix et les instruments, le but étant de mettre en valeur une certaine virtuosité.

Le ténor Hans Jörg Mammel, grand spécialiste de ce répertoire, explique très bien les ressorts esthétiques de ces concertos dans le texte très didactique et limpide qu'il a rédigé pour le livret.

Le parti pris est, tout comme les concerts spirituels d'Heirich Schütz (cf. note du 6 janvier 2007), celui de l'intimisme mais aussi d'une forme d'expressivité.

Avec le support des cornets à bouquin, dont la tonalité troublante est sensée se rapprocher de celle des voix, on obtient un ensemble assez fascinant.

Le pièces choisies sont finalement assez variées. La plus madrigalesque est de loin "Ich sprach meinem Herzen", où, sur le mot "Lächen", Buxtehude prend un parti pris d'expressivité digne du style concitato de Monteverdi. La plus fine et interiorisée est "Herr, wenn ich nur Dich hab". Enfin, celle qui doit le plus illustrer la nature combative du style concertant (compétition entre voix et instruments pour savoir qui l'emporte en virtuosité) est "Singet demm Herrn".

Cet enregistrement de haute tenue est magistralement interprété par Hans Jörg Mammel, avec un Jean Tubéry au cornet à bouquin et à la direction d'orchestre, fin, délicat et à l'écoute. Les sonorités sont prodigieuses de douceur et les couleurs rendues par l'ensemble sont splendides. Il est parfois dommage que la voix du soliste soit exagérément couverte par les instruments.

Splendide disque.

Lien direct vers le site du label Alpha pour écouter un extrait et connaître la tracklist complète.

O fröhliche Stunden - Concerts spirituels de Dietrich Buxtehude - Hans Jörg Mammel (ténor) - La Fenice - direction Jean Tubéry - Label Alpha.

Vénus et Adonis d'Henry Desmarest : où est la tragédie ?

Pour faire suite à la note du 9 août relative aux superbes motets d'Henry Desmarest interprétés par les Arts Florissants, et suivant la judicieuse recommandation de DavidLeMarrec, j'ai donc découvert la tragédie lyrique du même compositeur : Vénus et Adonis. Au pupitre cette fois, Christophe Rousset dirigeant les Talens Lyriques avec la participation du Choeur de l'Opéra national de Lorraine. Il s'agit de l'enregistrement "live" de cette "re-création" de Vénus et Adonis représentée en avril et mai 2006.

D'emblée, on apprécie à nouveau l'élégance indéniable de la musique d'Henry Desmarest. Cette tragédie lyrique en cinq actes déroule des arias d'une grande finesse et dont la composition est indéniablement sous le signe de la grâce et de la volupté. Le tout est régulièrement ponctué par des intermèdes certainement prévus pour des pas de danse (passe-pieds, suites, passacailles).

Si le texte du librettiste Jean-Basptiste Rousseau imprime une tension croissante, depuis les amours interdites de Venus et Adonis, via les velléités vengeresses de Mars, jusqu'au dénouement tragique (mort d'Adonis), Henry Desmarest semble étrangement s'en détacher et, tout au contraire d'un André Cardinal Destouches foisonnant, rempli d'audaces harmoniques inouïes, il maintient tout on contraire une ligne très fluide, maîtrisée, toute intériorisée. C'est pourquoi le terme de "tragédie lyrique" pour Vénus et Adonis est à prendre avec un certain détachement.

La notice d'accompagnement rappelle les circonstances un peu rocambolesques dans lesquelles cette tragédie lyrique avait été composée. Henry Desmarest simple roturier s'était épris de Marguerite de Saint-Gobert, fille du président de l'élection de Senlis. De professeur de musique il devint vite son amant au point de l'enlever. A la suite de cet outrage il prend la fuite, évitant ainsi d'être jugé et pendu. Il sera ensuite contraint à l'exil que l'on connaît, notamment en Espagne. L'auteur de la notice ne peut s'empêcher légitimement de comparer ces amours interdites avec la situation dans laquelle se trouvent Venus et Adonis. Ce qui est singulier c'est le contraste entre cette anecdote romanesque et la maîtrise de l'écriture d'Henry Desmarest. Rien de fougeux ou d'impétueux. Tout en douceur, finesse, même dans les moments les plus graves (ex : le splendide air de l'acte V / scène 6 : "Qu'un triste éloignement").

Christophe Rousset dans sa direction musicale abonde dans ce sens et cela n'a rien de surprenant quand on l'a déjà écouté dans ce répertoire. On retrouve la marque de fabrique de ce chef à savoir l'art de cultiver une certaine légèreté en toutes circonstances, comme une forme de dandysme. Les motifs musicaux sont détourés comme de la dentelle. Tout cela est précis, un peu précieux même. C'est un vrai contraste avec le hiératisme intimidant d'un William Christie ou de la frénésie d'un Hervé Niquet.  Les suites pour orchestres qui ponctuent chacun des actes sont tout de même pétillantes et bien dans l'esprit du pas de danse. Je perçois cette option esthétique comme une forme de détachement, même si l'orchestre ne manque pas parfois de belles couleurs.

Les chanteurs sont dans l'ensemble d'un assez bon niveau. La voluptueuse Karine Deshayes (que j'avais écoutée avec Natalie Dessay dans la messe en ut de Mozart au TCE l'année dernière) déploie son timbre envoutant de mezzo-soprano avec de belles nuances. Sébastien Droy campe un Adonis ardent et juste. Je suis un peu plus sur la réserve concernannt Henk Neven dont la diction est nettement en dessous des autres interprètes. Ecouter ce Mars inaudible vociférer est particulièrement irritant.

Le contraste entre la voix chaude et sensuelle de Karine Deshayes, Vénus tourmentée mais pacifique avec le timbre vif et acidulé d'Anna-Maria Panzarella, Cidippe vengeresse qui ne décolère pas, est assez bien vu.

Parmi les beaux ais, celui qui m'a le plus marqué est de loin le duo Vénus / Adonis de l'acte IV / scène 1 : "Par cet éloignement". Cet air a quelque chose de madrigalesque et rappelle des racines profondes qui remontent à la musique ancienne et aux opéras de Monteverdi. Les ponctuations du théorbe y contribuent pleinement. Cet air est vraiment magnifique.

Sinon "Charmante indifférence" (I / 2), le choeur maléfique "Quel plaisir de répandre" (II/5), "Tendre prix des âmes constantes" (III / 3) ne sont pas mal non plus.

Ce disque est une belle découverte même s'il est loin de m'avoir provoqué le même choc qu'à l'écoute de Callirhoé de d'André Cardinal Destouches (cf. note du 2 avril 2007).

Lien vers la critique de classicsnews (que je ne partage pas complètement) pour plus d'informations.

Lien vers le site du label naïve qui permet notamment d'écouter des extraits.

Vénus et Adonis - Tragédie Lyrique d'Henry Desmarest - Les Talens Lyriques - Direction Christophe Rousset - label naïve.

Nathan Milstein (2)

Cette note fait suite celle du 4 juin consacrée à Nathan Milstein, et qui contenait un petit film déniché sur Dailymotion (interprétation du prélude de la 3ème partita en mi majeur de JS Bach).

Un très intéressant coffret DVDs est sorti il y a deux mois, consacré à ce violoniste d'exception, dont la musicalité et l'inventivité permanente m'ont toujours fasciné. Les films, produits par Christopher Nupen, regroupent une série d'interviews du maître, ponctuées par des passages du concert exceptionnel qu'il avait donné à Stockholm en 1986 avec Georges Pludermacher (DVD1). En DVD2, on retrouvera l'intégralité de ce concert.

Les interviews, comme toujours dans ce genre d'exercice, sont émaillés d'anecdotes quelquefois croustillantes. On peut se faire une idée très précise du caractère et de la personnalité de Nathan Milstein. Cet homme d'une intégrité absolue, parle avec détachement de son talent hors du commun. C'est un modèle  de lucidité et d'élégance.

Les entretiens avec Pinchas Zukerman sont très révélateurs. A la question un peu bateau (qui fait partie de ce conventionnalisme anglo-saxon) "qu'est-ce qui fait que votre son soit si spécifique ?", Nathan Milstein répond tout naturellement : "c'est comme ça". Il prend comme credo l'absence de compromis, et surtout, l'invention permanente, que ce soit un doigté différent ou une façon d'aborder un phrasé. "Si on n'est pas capable d'inventer, il ne faut pas être violoniste"...

Dans les moments forts du reportage, j'ai particulièrement retenu les extraits du concert consacré à un Caprice N°13 de Paganini d'une densité saisissante et une opération de charme absolue avec l'Introduction et Tarantelle de Sarasate. Sur cet air pour lequel Nathan Milstein voue une affection toute particulière, il ne peut dissimuler son plaisir pendant l'interprétation. Il a 82 ans et a dû interpréter cette pièce des centaines de fois. Le plaisir reste intact.

Il n'y a guère que Claudio Arrau ou Wilhelm Kempf au piano qui auront su, tout comme Nathan Milstein, conserver une telle sûreté de geste et se soient continuellement bonifiés, y compris sur les dix dernières années de leur vie.

Nathan Milstein, avec ses 73 ans de carrière est un "Maître de l'invention" et un homme d'une immense modestie. Comment ne pas être profondément marqué par une telle personnalité ?

Nathan Milstein in Portrait - (Some memories of a quiet magician) - The Christopher Nupen Films (2 DVDs).

Arias de Haendel pour ténor : un Mark Padmore éclatant

Mark Padmore, à compter parmi les ténors les plus inspirés du répertoire lyrique et sacré baroque, cède à la mode de faire découvrir les différentes facettes de son talent dans un album consacré à une sélection d'arias pour ténor d'oratorios et d'opéras de Haendel (Alceste, Semele, Il trionfo del tempo e del disinganno, Tamerlano, Samson, Rodelinda, Esther, Jephtha...).

J'ai découvert cet excellent chanteur anglais il y a maintenant cinq ans, dans le cadre du Festival de Saint-Denis, dans une Passion selon Saint-Jean de JS Bach, revisitée avec nervosité et tension par un Simon Rattle très inspiré à la tête de l'Orchestre de l'Age des Lumières. L'intensité du chant de ce ténor m'avait particulièrement marqué. Depuis, je suis régulièrement ses enregistrements, tout comme sa compatriote Carolyn Sampson, et notamment ses apparitions au fil des cantates du même compositeur.

Cette fois, Mark Padmore prend en effet le parti pris du lyrique et de la sélection de certaines arias, avec la virtuosité qu'exigent les compositions de Haendel.

On retrouvera la justesse de ton et le timbre lumineux de ce chanteur.  Sa musicalité est bien mise en valeur dans cet album. Même coléreux ou exalté, il garde une vraie maîtrise des intonations et du phrasé. Il a d'ailleurs sélectionné des arias qui sont, pour la plupart, dans sa langue maternelle. Ceci contribue à une articulation authentique et lui permet de se concentrer sur un rendu impeccable des nuances.

Le climat général de l'album est sous le signe d'une certaine forme de détachement (finalement assez britannique) et d'une réelle poésie. Il ne se prête pas à la facilité des effets.

J'ai particulièrement noté la beauté des arias suivantes : "Your charms to ruin led the way" (Samson), "Pastorello d'un povero amrmento" (Rodelinda), "Tune your harps" (Esther) et l'aria qui a conduit au titre de l'album "As steals the morn" (L'Allegro, il penseroso, ed il moderato) en duo avec la soprano Lucy Crowe.

Mark Padmore est accompagné par The English Concert dirigé avec attention et finesse par l'excellent violoniste Andrew Manze (ce chef nous avait enchanté avec un enregistrement très rafraîchissant de la Petite Musique de Nuit de Mozart il y a deux ou trois ans).

Bel album d'un chanteur qui marque son empreinte sous le signe de l'élégance.

Lien direct vers le site Harmonia Mundi avec le tracklisting du disque.

Possibilité d'écouter des extraits de  "Waft her, angels" (Jephta) et de "As steals the morn" depuis ce même site.

As steals the morn... - Arias de GF Haendel - Mark Padmore, ténor - The English Concert - Direction Andrew Manze - label Harmonia Mundi.

Création d'un album "Disques coups de coeur de l'année 2007"

Nous franchissons déjà la seconde partie de l'année 2007. J'ai tout naturellement initié dans la colonne de droite du blog, comme pour l'année 2006, l'album photo qui regroupe les coups de coeur 2007 de ces six derniers mois. Les notes relatives à ces disques sont toutes regroupées dans la catégorie "Vient de sortir et vaut le détour".

Jouer Jean-Sébastien Bach : rien ne sert d'être baroqueux

Deux enregistrements sortis à plus d'un an d'intervalle viennent à nouveau démontrer qu'il ne doit y avoir aucun dogme sur le thème de l'authenticité interprétative de la musique de JS Bach. D'entrée, j'écarterai le cas de Glenn Gould dont les options sont avant tout guidées par une lecture hyper pianistique.

Je veux simplement parler de musicalité. Cette dernière s'affranchit heureusement de toute rhétorique qui oppose la prétendue véracité des instruments anciens par rapport aux factures modernes ou bien de certains types de phrasés, considérés comme plus authentiques et bien plus dans l'esprit des compositeurs baroques.

J'avais déjà mentionné dans la note du 13 octobre 2006, le petit miracle opéré par Murray Perahia sur les concertos pour piano et orchestre de JS Bach. Ivresse, frénésie communicative, spontanéité sont bien là, tout en préservant en permanence un équilibre parfait, un toucher complètement maîtrisé. C'est tout. Et cela suffit pour nous révéler toute la puissance de l'écriture de ces concertos. Au diable les maniérismes, auto-satisfactions d'interprètes qui recherchent prétendument la vérité du son originel et qui finissent par oublier de... s'écouter.

Deux autres très belles réussites prennent également le contrepied de l'ascétisme des baroqueux les plus dogmatiques. La première est l'enregistrement de l'intégrale du Clavier bien tempéré par Vladimir Ashkenazy sur piano moderne. On oublie la touche détachée obsessionnelle et maladive de Glenn Gould ou le hiératisme intimidant de Gustav Leonhardt pour rejoindre, avec Rosalyn Tureck (cf. note du 15 novembre 2006) le club des musiciens inspirés, nobles et généreux dont les doigts se délient avec une conviction toute naturelle. Naturel, respiration, vie... C'est bien de cela dont on parle. Cette intégrale du grand Ashkenazy, éditée en février 2006, abordée après une carrière de plus de quarante ans, est une réussite exemplaire. Les 7ème et 8ème préludes et fugues (mi bémol majeur et ré dièse mineur) illustrent toute la densité du jeu de ce maître du piano. Possibilité d'écouter des extraits et d'acheter tout ou partie du coffret en ligne sur le site fnac.com.

Le deuxième exemple est très récent. Il s'agit de l'enregistrement des sonates pour violon et clavier fait par l'excellente violoniste Viktoria Mullova (qui compte parmi les violonistes interprètes de ma génération que j'admire le plus avec Vadim Repin) accompagnée de façon exemplaire par le claveciniste Ottavio Dantone.

Cette fois c'est une sorte d'insouciance ou de nonchalance, presque jouissive qu'il nous est permis d'écouter. Deux musiciens parfaitement à l'écoute. Viktoria Mullova a considérablement mûri son jeu et sa technique époustouflante vient complètement servir là encore un naturel saisissant. Je n'ai pas encore écouté le coffret complet mais le peu que j'ai découvert est vraiment magnifique.  Possibilité d'écouter des extraits et d'acheter tout ou partie du coffret en ligne sur le site fnac.com.

Rien ne sert donc de prétendre revenir aux fondamentaux interprétatifs et instrumentaux baroqueux pour émouvoir et transporter l'auditeur. Bien au contraire.

JS Bach - le Clavier bien tempéré - Vladimir Ashkenazy, piano - Label DECCA.

JS Bach - Sonates pour violon et clavier - Viktoria Mullova, violon / Ottavio Dantone, clavecin - Label Onyx Classics UK.

Série Grand Prix de Deutsche Grammophon : quelques splendides versions

Parmi les séries limitées dites économiques, celle que vient de sortir Deutsche Grammophon sous le titre générique "The Wolrd's Finest Recordings / Grand Prix" est particulièrement remarquable. Ce type d'initative des "Majors" n'est pas toujours heureuse, ces dernières recyclant de façon répétitive et peu inspirée des vieux albums largement amortis et sans grande cohérence éditoriale.

La série "Grand Prix" regroupe quant à elle des titres remarquables, que l'on peut aussi bien acquérir sous forme de CD économique dans les points de vente habituels que via le téléchargement sur le site Deutsche Grammophon (pour ce dernier canal, je dois à nouveau remercier Google car la page d'accueil de Deutsche Grammophon ne fournit aucune indication pour retrouver le site spécifique à cette collection !...).

Il s'agit d'enregistrements qui ont été couronnés par un ou plusieurs prix / distinctions.

Lien direct vers la page d'accueil du site.

J'ai fait pour ma part l'acquisition de deux splendides enregistrements.

1) Le concert de musique américaine en live que Leonard Bernstein avait donné en 1983 avec le Los Angeles Philharmonic Orchestra. On peut y écouter une Rhapsody in Blue de Gershwin avec Bernstein au piano, très personnelle et justement, très pianistique, le poignant Adagio de Samuel Barber et l'assez inégal Appalachian Spring d'Aaron Copland (j'avoue ne pas vraiment accrocher).

2) La très belle version du célèbre Quintette à cordes en ut majeur D956 de Schubert, le Quatuor Melos étant accompagné de Mstislav Rostropovich.

Vous pourrez constater qu'il y a d'autres merveilles à petits prix dans cette collection (ex : Le Manon Lescaut de Puccini par Giuseppe Sinopoli avec Mirella Freni et Placido Domingo, les Studio Recordings de 1985 de Vladimir Horowitz, la 5ème symphonie de Mahler par Leonard Bernstein, les Concertos de Dresde d'Heinichen par le Musica Antiqua Köln sous la Direction de Reinhard Goebel...).

Musique française sous le signe de la sensualité

Depuis Régine Crespin, il est étonnant de constater qu'aucune grande chanteuse française n'ose affronter les mélodies écrites par les grands compositeurs de la musique française à la charnière des XIXème et XXème siècles. Il faut certes constater que les différents poèmes mis en musique depuis Berlioz jusqu'à Ravel, en passant par Duparc, sollicitent plus la tonalité de mezzo que de soprano, ce qui limite un peu plus les candidates.

Après Magdalena Kozena encore très récemment sur Pelleas et Mélisande de Debussy, Dame Felicity Lott sur Duparc ou Anne-Sofie von Otter sur Ravel, c'est au tour de Bernarda Fink de tenter de nous enchanter.

L'album qu'elle vient de sortir très récemment avec Kent Nagano à la tête du Deutsches Symphonie Orchester de Berlin est indéniablement une belle réussite.

Le plus notable dans cet enregistrement est de loin la splendide version qu'elle nous restitue des Nuits d'Eté d'Hector Berlioz, sur des poèmes de Théophile Gautier.

Presque cent ans avant Maurice Ravel, Berlioz instaure toutes les bases de cette musique française qui, à l'aube du XXème siècle, marquera indéniablement l'histoire de l'écriture vocale et symphonique avec ses puissantes évocations poétiques et sa belle sensualité.

Même si je dois avouer ne pas être fanatique du timbre de voix de Bernarda Fink, force est de constater qu'elle est extrêmement émouvante avec un chant fébrile, d'une belle ferveur et de splendides intonations qui assurent une fusion immédiate entre le climat musical et le sens du texte.

Cette musique composée par Berlioz est vraiment un chef d'oeuvre absolu. La richesse chromatique des harmonies, la subtilité des modulations  sont proprement bouleversantes.

Le fameux Spectre de la Rose donne le frisson du début à la fin. La beauté du chant de Bernarda Fink nous arrache les larmes et Kent Nagano, chef d'une finesse à nouveau confirmée, accompagne la soliste comme un félin, contribuant ainsi au climat si envoutant de cette mélodie. L'acquisition de ce disque se justifie rien que pour les 6' 30" de cette aria qui est un des sommets de la création musicale française.

Le lamento Sur les lagunes est saisissant de noirceur et de contrastes. Une véritable toile de Delacroix.

Cette demi-heure consacrée aux six mélodies composées par Berlioz sollicite notre imagination avec une rare intensité et nous plonge dans les méandres mystérieux de la poésie de Théophile Gautier.

Sur les pièces de Ravel, dont la célèbre Shéhérazade, Bernard Fink est également assez troublante. Je dois pourtant avouer que je reste conquis par Anne-Sofie von Otter avec Pierre Boulez  et l'Orchestre de Cleveland. A l'intensité du chant de Bernarda Fink, je préfère tout de même la sensualité du timbre et du phrasé d'Anne-Sofie von Otter. Celle-ci a certes une voix moins lumineuse,  avec bien moins de portée, ainsi qu'une approche plus distanciée du texte qui peut irriter. Elle est toutefois un peu plus articulée et surtout plus charmeuse.

Pour revenir à Berlioz, ces nuits d'été Fink / Nagano vont indéniablement marquer celles de 2007.

Détail du disque sur le site Harmonia Mundi.

Extrait de l'Ile inconnue (track 11 - 6ème mélodie des Nuits d'Eté) tiré du site Harmonia Mundi.

Berlioz : Nuits d'Eté - Ravel : Shéhérazade / Cinq mélodies populaires grecques - Bernarda Fink mezzo-soprano - Deutsches Symphonie Orchester de Berlin - Dir. Kent Nagano - Label Harmonia Mundi.

Liszt : on l'a rêvé, Volodos l'a fait

On tient peut-être là l'un des plus beaux disques de cette année 2007. Arcadi Volodos, pianiste à la virtuosité prodigieuse s'attaque à nouveau à Liszt mais avec une tonalité toute différente par rapport à ses enregistrements précédents. Le parti pris est particulièrement ambitieux : une sélection de différentes pièces, la plupart sous le signe du funèbre, du questionnement métaphysique et, pour sûr, de l'appel au divin et ce, dans un sens très panthéiste.

Ce qu'il nous restitue alors est vraiment à couper le souffle. Plénitude du son, infinie variété des nuances, aisance phénoménale, amplitude, flamboyance : toute la puissance et le foisonnement de l'écriture de Liszt sont bien là, enfin libérés du carcan trop fréquent des limitations techniques.

Le plus prodigieux est l'intelligence du texte qui soutient le discours de cet interprète. Il a su éviter que sa virtuosité hors pair ne le fasse périr dans une approche hyper-pianistique, piège dans lequel bon nombre d'interprètes de Liszt se sont malheureusement fourvoyés. Pour cela, il rejoint selon moi le grand Jorge Bolet, qui a su nous faire entrer dans le mystère des tableaux peints avec ferveur par Liszt (ex : sa version des Années de pèlerinage, certainement à ce jour inégalée).

Avec une belle richesse narrative, Volodos nous emmène dans ces différents voyages imaginaires, avec une intensité qui ne nous lâche pas. Les pièces choisies sont finalement assez contrastées, de la très wagnérienne Vallée d'Obermann aux Funérailles effrayantes, en passant pas le chant irisé de lumière divine de la prédication des oiseaux de Saint-François d'Assise.

Dans la Vallée d'Obermann, Volodos nous plonge dans des profondeurs à nous donner le vertige, avec une approche assez orchestrale, un son ample, d'une grande plénitude. Le caractère inquiétant et presque métaphysique de cette oeuvre est restitué à merveille.

Il nous offre le plus beau Sposalizio (quel morceau incroyable !) que j'aie pour ma part jamais pu entendre (même Jorge Bolet et Claudio Arrau ne m'ont pas apporté autant d'évasion et de questionnements).

Avec la 13ème Rhapsodie Hongroise, Volodos se fait visiblement plaisir à accroître la difficulté par une adaptation à sa manière. D'aucuns n'adhéreront peut-être pas à cette déferlante de notes (la tendance aux "effet" est ce qui a été quelquefois reproché à Volodos), mais on doit reconnaître que même dans des passages qui révèlent cette forme de "boulimie", l'interprétation reste d'une netteté impressionnante.

J'ai également été impressionné par le (presque trop ?) long vol suspendu des oiseaux de Saint-François d'Assise que les Fioretti ont inspiré à Liszt ainsi que l'atypique Bagatelle sans tonalité ("Bagatelle ohne Tonart"), pièce dont l'atonalité, les harmonies impossibles, annoncent la musique contemporaine et qui se termine comme une falaise à pic.

Malgré le travail considérable fait par Volodos, j'ai moins été conquis par le Il Penseroso, pièce de marbre faisant référence semble-t-il à une sculpture de Michel-Ange sur la tombe de Jules de Médicis à Florence, avec des harmonies dignes de Chopin comme par le Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen, tiré de la célèbre Cantate de JS Bach du même nom. Je préfère nettement me cantonner à l'original et avoue ne pas bien décrypter les propos de Liszt sur ce morceau.

Si l'on devait donner une définition fidèle du mot lyrisme, ce disque nous donne de belles clés pour l'appréhender. Le caractère exceptionnel de cet enregistrement est bien la fusion à laquelle est parvenu le pianiste avec la musique qu'il interprète. L'obstacle mécanique de la technique d'interprétation semble si transcendé qu'on a l'impression que le piano nous émet une voix à la fois familière et étrange, au plus profond du mystère de la nature humaine, avec son souffle, sa respiration, ses murmures, ses hurlements. Tout cela est proprement prodigieux.

Notons un point assez rare pour être souligné : ce disque est une réussite dans tous les sens du terme, la qualité d'enregistrement étant d'excellente facture (peu fréquent pour un SACD hybride). Le son restitué a beaucoup de relief, les graves profondes du Steinway nous parviennent de façon intacte, la dynamique est impeccable.

Track List et possibilité d'écouter des extraits sur le site linternaute.com.

NB : je trouve la critique de Classica plutôt sévère (cf. numéro du mois d'avril).

Volodos plays Liszt - Label Sony Classical.

Trauerode BWV 198 de JS Bach par le Ricercar Consort : une belle réussite

Petite précision en introduction : je suis un inconditionnel de l'ensemble Ricercar Consort dirigé par le gambiste Philippe Pierlot et de Carlos Mena, excellent contre-ténor (cf. note du 9 octobre 2006) et l'Ode funèbre "Trauer-Ode" BWV 198 est pour moi l'une des plus belles cantates que JS Bach n'ait jamais écrites.

Cela étant dit, vous penserez peut-être que cette note consacrée au dernier disque de cet ensemble consacré, entre autres, au Tombeau de sa Majesté la Reine de Pologne (traduction française de la Trauer-Ode) ne sera pas tout à fait impartiale. Il s'agit en fait d'un album regroupant quelques pièces agencées selon le rituel liturgique, à savoir une messe ou cantate, encadrée en ouverture et conclusion par des pièces pour orgue (préludes, fugues), comme l'est par exemple une homélie, ou, en l'occurrence, le panégyrique en l'honneur de la défunte.

Un point important à soulever : Philippe Pierlot et son ensemble prennent un parti pris intimiste, à savoir l'exécution des parties de choeur, non pas avec un choeur complet comme on le comprend depuis le XIXème siècle mais avec le choeur des quatre solistes soprano, contre-ténor, ténor, basse à l'unisson. Il est inutile de s'étendre dans cette note sur les "querelles" d'écoles entre celle soutenue par le musicologue et chef américain Joshua Rifkin et les interprétations modernes depuis le début du XXème siècle. Selon Rifkin, JS Bach entendait par "choeur" uniquement le regroupement des solistes à l'unisson. Cette thèse est maintenant largement exploitée par Sigiswald Kuijken dont les derniers concerts et enregistrements de cantates se font désormais uniquement dans cet esprit.

Tous les autres grands interprètes actuels du corpus des cantates de JS Bach optent pour la doublure avec un choeur suffisamment étoffé pour apporter de l'ampleur et de la dynamique (Tom Koopman, John Eliot Gardiner, Philippe Herreweghe), voire un choeur intermédiaire, plus "chambriste" (ex : Masaaki Suzuki).

Indépendamment d'une quelconque véracité historique, bien difficile à prouver, dans un sens comme dans l'autre, chacun doit y retrouver ce qu'il recherche en terme d'esthétique, d'articulation, de dynamique.

Il est vrai que le choeur de solistes à l'unisson apporte une certaine proximité, plus d'intelligibilité du texte (encore faut-il comprendre l'allemand chanté et avoir d'excellents solistes) et le jeu des différentes voix humaines avec les timbres des différents instruments de l'orchestre est plus perceptible. C'est une vision plus intimiste et quelque part plus analytique.

La doublure en choeur apporte indéniablement de la solennité, de la dynamique, du contraste et plus d'homogénéité puisque les voix qui se produisent sont justement formatées pour que chacune se fonde dans le choeur. Cette option se justifie encore plus quand il s'agit de Cantates... chorales.

Dans le cas précis de l'enregistrement du Ricercar Consort, un bel équilibre a été trouvé car la messe BWV 234 interprétée en introduction semble explicitement indiquée comme messe uniquement à quatre voix et la Trauer-Ode a, de facto, une tonalité intimiste.

Vous pourrez donc juger, d'emblée avec la messe d'introduction.

On y retrouve le grain, le côté presque capiteux de l'ensemble instrumental dirigé par Philippe Pierlot, avec des phrasés accentuant les contrastes. Cette option dessine les motifs des différentes arias de la messe avec un trait qui agit comme un révélateur de la beauté des différentes voix. Les quatre solistes en lisse forment un ensemble très homogène et de très haut niveau. Les tonalités sont d'une grande justesse, les voix aériennes et souples. Un passage splendide : le Qui tollis, introduit par deux flûtes divines qui sont ensuite relayées par la voix aérienne, diaphane de Katharine Fuge, d'ailleurs soliste dans la plupart des enregistrements des cantates de JS Bach par JE Gardiner. Vraiment émouvant. Le Quoniam qui suit est ensuite, comme à son habitude, transcendé par un Carlos Mena au sommet de son art, avec son timbre si spécifique avec cette sorte de fragilité inquiète, un son opalin, un phrasé parfaitement adapté à la tonalité de l'aria.

Les pièces pour orgue sont interprétées par Francis Jacob avec détermination mais aussi un beau sens des nuances.

Vient ensuite la pièce maîtresse : l'Ode funèbre composée en l'honneur de la princesse Christiane Eberhardine de Brandebourg-Bayreuth (excusez du peu), Reine de Pologne. Pour cette femme à la forte personnalité, je trouve que JS Bach a fait preuve de son génie absolu en composant une de ses plus belles et lumineuses Cantates. Cette dernière n'a finalement rien de funèbre. Tout au contraire, les parties pour choeur ont un allant, une ferveur indéniables. Ceci se ressent d'emblée avec le choeur d'introduction "Lass, Fürstin, lass noch einen Strahl" et est encore plus perceptible sur la seconde partie avec le fabuleux choeur final "An dir, du Fürbild grosser Frauen", digne d'un chant populaire entraînant et joyeux.

Pourtant habitué à la version de Philippe Herreweghe avec La Chapelle Royale qui m'a fait découvrir ce chef d'oeuvre il y a... 19 ans, je trouve le pari de Philippe Pierlot parfaitement réussi. Cette version apporte une proximité, un grain, une intensité formidables.

Outre Katharine Fuge et Carlos Mena déjà cités,  le ténor Jan Kobow est vraiment excellent (sa prestation est impressionnante de virtuosité et d'expressivité sur la très difficile aria qui introduit la seconde partie : "Der Ewigkeit saphirnes Haus"). Je pense qu'avec Mark Padmore, on tient ici un des meilleurs ténors du moment sur ce répertoire de musique sacré. Stephan MacLeod (basse) est également très bon.

Il s'agit certainement d'un des disques de l'année 2007 qui confirme que ces musiciens sont parmi les meilleurs interprètes actuels de musique ancienne et baroque. Dernière précision : l'excellente qualité d'enregistrement, comme souvent chez Mirare. Ce label apporte un soin particulier à toutes ses productions.

NB : pour développer le sujet sur les choeurs de solis versus choeurs de doublure, je vous renvoie vers l'excellent article de la revue Diapason du mois de mai : "Choeurs de solistes, les preuves à l'épreuve" (pages 74 à 77).

JS Bach - Tombeau de sa Majesté la Reine de Pologne - Ricercar Consort - Direction Philippe Pierlot - Katharine Fuge (soprano) - Carlos Mena (alto) - Jan Kobow (ténor) - Stephan MacLeod (basse) - Francis Jacob (orgue) - Label Mirare.

Il martirio di Sant'Orsola : bel oratorio d'Alessandro Scarlatti

Les oeuvres vocales d'Alessandro Scarlatti sont souvent rayonnantes et d'une grande finesse. Il est dommage que ce compositeur ne figure pas assez dans les nouveautés discographiques ou les programmes de concert. J'ai porté mon attention sur un de ses oratorios "Il martirio di Sant'Orsola", enregistré en août 2006 par Le Concert de l'Hostel Dieu, dans le cadre du 40ème Festival de La Chaise-Dieu (production commune du Festival et de  France Musique).

Le livret du disque nous apprend que la partition manuscrite de cet oratorio, consacré à la célèbre Légende de Sainte Ursule, était conservé à la Bibliothèque Municipale de Lyon. A la fin du XVIIème siècle, Lyon avait son Concert,  institution regroupant un cercle d'amateurs aisés. La bibliothèque de Lyon passait pour l'une des plus riches du Royaume de France.

Cet oratorio ne compte certainement pas parmi les oeuvres sacrées majeures du maître (comme Il Dolore di Maria Virigine ou Il primo omicido), mais il permet largement d'apprécier la richesse et la virtuosité de son écriture  vocale. La tonalité générale de cette oeuvre révèle paradoxalement une certaine forme de sérénité.

Le choeur des trois vierges d'introduction fixe d'emblée cette atmosphère diffuse qui règne pendant tout l'oratorio.

Parmi les beaux airs, j'ai noté le poignant "Nò strali sento il core" de San'Orsola. Cette aria ténébreuse révèle de  façon magnifiée la douleur profonde de Sainte Ursule transpersée par la flêche meutrière. L'aria de Giesù (Jésus)  "Vieni ò sposa" est également splendide, mais dans une tonalité complètement différente. Il a quelque chose de presque libératoire.

D'une façon générale, l'écriture de Scarlatti est aérienne, subtile et les ornementations n'alourdissent en aucun  cas le propos car elles sont parfaitement agencées dans la rythmique générale.

Le sommet de cet oratorio, notamment là où la tension est la plus forte, est incontestablement l'enchaînement des  airs et récitatifs 18 à 22 avec un beau duo Ereo - Florida ("O mio sposo immortale").

L'oratorio s'achève sur un "Et incarnatus est" d'une grande finesse, tiré de la Messe Sainte Cécile.

Avec l'ensemble du Concert de l'Hostel Dieu dirigé, Frank-Emmanuel Comte prend un parti pris intimiste, parfois presque méditatif. Le tempo est relativement étiré. Cette option esthétique est intéressante et change singulièrement des directions d'orchestres baroques souvent menées à trop vive allure.

Le corpus de solistes n'est pas toujours égal (notamment le haute-contre Jean-Paul Bonnevalle que l'on sent parfois  peu à l'aise sur les arias les plus virtuoses de Giesù) mais reste relativement homogène.

Beau disque sorti récemment, dont on parle peu et qui permet pourtant de découvrir une nouvelle facette du style magnifique d'Alessando Scarlatti.

Lien direct vers forumopera.com pour plus de détails.

Il martirio di Sant'Orsola - Alessandro Scarlatti - Le Concert de l'Hotel Dieu - Frank-Emmanuel Comte - Stéphanie  Révidat, Marina Venant, Jean-Paul Bonnevalle, François Roche, Benoît Arnould - Production Festival de la Chaise-Dieu  / France Musique - label Ligia Digital.

Callirhoé d'André Cardinal Destouches : flamboyant opéra français du XVIIème siècle

Je ne vois vraiment pas d'autre qualificatif que flamboyante pour qualifier la musique composée par André Cardinal Destouches. Apprécié par Louis XIV, autant que son contemporain Lully, et disciple d'André Campra, ce compositeur était porté disparu du répertoire baroque pour des raisons qui dépassent l'entendement.

Je dois avouer ma découverte de Destouches grâce à la belle représentation de son chef d'oeuvre, l'Opéra Callirhoé, qu'avait faite en version concert Hervé Niquet, avec le Concert Spirituel au Festival de Beaune en 2005 (le 9 juillet exactement).

Deux ans après, le même chef, avec le label Glossa, permet aux discophiles de découvrir ce prodigieux opéra, avec une distribution sensiblement différente.

Destouches y démontre un sens unique des harmonies, des couleurs, de l'expressivité dramatique.  Il dépasse les canons de son époque pour nous dévoiler, plus de cinquante ans avant Gluck et Mozart, ce que sera l'opéra moderne, affranchi des conventions et archaïsmes encore très répandus à son époque.

On savoure, dès les premières mesures, l'éclat de cette musique vive, chatoyante et on est saisi par l'inventivité de son compositeur et son sens des contrastes.

A titre d'exemple, le premier (et court) air de Callirhoé "O nuit de mes soupirs secrets" dévoile d'emblée la beauté exemplaire de cet opéra, avec son rythme lancinant et l'ondulation des flûtes et hautbois pour souligner le récit. D'ailleurs, l'enchaînement des trois courtes premières scènes est saisissant de densité. C'est la première fois qu'en écoutant un opéra baroque français je trouve les récitatifs tellement inventifs qu'on a presque l'impression d'un continuum entre les arias et les récitatifs.

Le début est empli d'une volupté extrêmement trompeuse car ensuite les évènements s'enchaînent avec une intensité dramatique impressionnante. On notera le rôle important des choeurs, pour renforcer la tension dramatique. Je trouve que cette approche esthétique annonce indéniablement Orphée et Eurydice de Gluck. C'est particulièrement marquant dans la cinquième scène de l'Acte I avec le saisissant duo de Corésus avec le Choeur des prêtres ("Vange-toy, vange-toy, viens vanger tes autels"). La spirale infernale est lancée. L'enchaînement des airs des sacrificateurs jusqu'à la fin de l'Acte II instaure alors le climat le plus effrayant mais aussi le plus enivrant de cet opéra.

Dans les actes suivants, j'ai particulièrement apprécié les premier et deuxième airs pour les Faunes (fin de l'acte III), l'air d'introduction de l'Acte IV de Callirhoé, dans le plus pur style du Lamento, mais à la française, ainsi que l'étonnante bourrée, menée par une musette et ponctué d'airs galants.

Le Vème et dernier Acte fait moins de six minutes mais, dédié à la scène finale du sacrifice et à son coup de théâtre, est d'une intensité dramatique impressionnante.

La belle sonorité, pleine et intense du Concert Spirituel contribue à la beauté de restitution de cette Tragédie Lyrique. Hervé Niquet est capable de faire ressortir à son ensemble de très belles couleurs et un éclat certain. Les sonorités ont même quelque chose de capiteux. Il est simplement dommage que le chef ait tendance à mener la totalité de l'oeuvre au pas de charge. C'est un peu épuisant. Quelquefois, on aimerait bien s'arrêter un moment pour admirer un peu plus le paysage. Je ne sais pas comment font les chanteurs pour suivre !

La distribution des solistes est très homogène et convaincante. De la distribution d'origine à Beaune, on retrouve Ingrid Perruche, à la voix souple et aérienne, Cyril Auvity, juste et incisif. Joao Fernandes, qui tenait un rôle secondaire à Beaune (le Ministre de Pan), récupère le rôle titre de Corésus. Son phrasé est parfait et son interprétation d'une intensité indéniable.

Je reste un peu sur la réserve quant à l'interprétation de Callirhoé par Stéphanie d'Oustrac, certes juste, mais un peu trop retenue à mon goût.

A l'occasion de la première sortie du disque,  le label Glossa a édité en tirage limité un beau coffret à l'ancienne au format d'un livre de littérature et très bien documenté. C'est impossible de le ranger dans une discothèque de CDs, le système d'attache des deux disques compacts est un non sens, mais c'est vraiment très beau.

Belle réussite que cette entreprise sous la Direction d'Hervé Niquet pour nous faire découvrir la beauté de cette Tragédie Lyrique du grand compositeur que fut André Cardinal Destouches.

Lien vers l'excellent article également consacré à cet opéra sur le site Carnets sur sol.

Liens vers quelques très courts extraits tirés du site Fnac.com.

Callirhoé - Tragédie Lyrique d'André Cardinal Destouches - Le Concert Lyrique - Direction Hervé Niquet - Stéphanie d'Oustrac (bas-dessus) - Cyril Auvity (haute-contre) - Joao Fernandes (basse) - Label Glossa.

La 6ème symphonie de Bruckner par Michael Gielen : une nouvelle voie

Dans la note du 26 décembre 2006, j'avais tenté de mettre en évidence comment, avec les approches esthétiques différentes des trois chefs mentionnés (Günter Wand, Philippe Herreweghe et Nicolaus Harnoncourt), les 4ème, 5ème et 7ème symphonies d'Anton Bruckner nous étaient restituées. On dispose, à chaque fois, d'une lecture si spécifique mais si passionnante de l'univers brucknérien.

Il convient naturellement d'ajouter une nouvelle approche, encore différente et tout aussi captivante : celle enregistrée par Michael Gielen en 2001, à la tête de l'Orchestre symphonique de la SWR de Baden-Baden, dirigeant la 6ème symphonie en la majeur.

En première approche, on est marqué par la sérénité impressionnante de cette interprétation, le côté inébranlable, évident de la rythmique, du déroulement du récit. C'est l'opposé même de la noirceur et du chaos d'un Harnoncourt qui nous est proposé et plutôt une sorte de synthèse entre la plasticité, la dynamique d'un Celibidache et la fermeté, netteté d'un Wand. Michael Gielen est peut-être le seul à apporter une touche qui n'a jamais vraiment été restituée par les chefs précédents, à savoir quelque chose de presque jubilatoire dans les développements répétitifs, les envolées de la masse orchestrale, propres aux symphonies massives de Bruckner.

Le premier mouvement (Majestoso), est pris à la lettre par le chef. Il se déploie avec ampleur tout en ne délaissant pas la nervosité de la ligne insufflée dès les premières mesures. Les phrases sont, tout comme chez Wand, détourées avec netteté. L'orchestre est dense, vif et le caractère obsessionnel du rythme brucknérien est parfaitement rendu, jamais mécanique. Le son est somptueux, quelquefois coloré. C'est un Bruckner volontaire, décidé, positif et guidé par la lumière qui nous est proposé. L'Adagio est d'une densité incroyable.

L'orchestre sonne de façon exemplaire avec un timbre d'une grande beauté.

Michael Gielen a donc trouvé une alchimie particulière associant puissance, dynamique, vivacité et un brin de détachement, qui pourrait même frôler une forme... d'ironie. A méditer et surtout écouter attentivement.

Cette symphonie est couplée avec l'étrange transcription faire par Arnold Schönberg pour Orchestre du Prélude et fugue en mi bémol majeur de JS Bach.

6ème symphonie en la majeur d'Anton Bruckner - Transcription d'Arnold Schönberg pour Orchestre du Prélude et fugue en mi bémol majeur de JS Bach - Michael Gielen - Orchestre symphonique de la SWR de Baden-Baden - Label Hänssler Classic.

Intégrale de l'oeuvre pour orgue de Duruflé : de l'introspection à la lumière

Vincent Warnier vient d'enregistrer l'intégrale de l'oeuvre pour orgue de Maurice Duruflé (label Intrada) sur les grandes orgues de l'église Saint-Etienne-du Mont à Paris.

Ce disque, salué par la critique, est particulièrement réussi. Il nous permet de découvrir toute la part de mystère propre à l'écriture pour orgue de Maurice Duruflé. Dans un livret très pertinent, Vincent Warnier nous éclaire sur les influences diverses de ce compositeur (des structures harmoniques les plus anciennes issues du plein chant grégorien au style français du début du siècle dernier).

Les pièces composées sont indéniablement guidées par une certaine mystique mais elles ne sont pas pour autant austères ou exagérément codifiées. Elles sont au contraire assez expressives, même si on peut deviner, grâce à une interprétation très fine et dépouillée de Vincent Warnier, la personnalité attachante du compositeur et, notamment, une veine profondément humaniste.

Ce qui m'a le plus marqué à l'écoute des ces différentes pièces, c'est un mélange intéressant d'introspection,  de pudeur, et, en même temps, de référence régulière à la lumière divine. Comme le souligne fort justement l'interprète, et on le ressent nettement, ce qui préside à ces créations pour orgue, est indéniablement une grande sincérité du propos du compositeur par rapport à ses angoisses et interrogations.

C'est très nettement perceptible dans la puissante et étrange Suite Opus 5 qui est, selon moi, la plus belle pièce de cet enregistrement. De la note continue inquiétante et morbide plaquée dès les premières mesures du prélude, en passant par les circonvolutions tourmentées de la Sicilienne, jusqu'à l'éclat de la Toccata, pourtant toujours sous le joug des affres des inquiétudes du compositeur, on traverse un dédale indéniablement tourmenté. C'est vraiment prodigieux.

J'ai également été particulièrement interpellé par le Prélude et Fugue sur le nom d'Alain, Opus 7, avec ses sonorités singulières et le dialogue fébrile qu'il instaure entre les différentes voix des orgues. La Fugue est littéralement fascinante.

Ce disque, d'une richesse indéniable, demande une écoute attentive et disponible. Si l'on fait l'effort de recueillement et de concentration pour entrer dans chacune de ces oeuvres, de multiples facettes de nos interrogations les plus profondes se révèlent.

Détail du disque tiré du site du label Intrada.

Liens sur l'écoute de la Fugue du carillon des heures de la cathédrale de Soissons Opus 12, via Real Player ou via le lecteur Windows Media tirés du site intrada.com.

Maurice Duruflé - Intégrale de l'oeuvre pour orgue - Vincent Warnier - Label Intrada.

Amor Sacro : belle version des motets inclassables d'Antonio Vivaldi

Andrea Marcon, avec son ensemble le Venice Baroque Orchestra, nous a jusqu'à présent restitué des concertos pour violon de Vivaldi, avec le soliste Giuliano Carmignola, particulièrement décapés et sous le signe de la vivacité, voire de l'autorité (cf. note du 30 octobre, catégorie "Pour ou contre ?).

Il s'écarte un moment du mode concertant pour enregistrer quatre motets du même compositeur. Il est accompagné de la soprano allemande Simone Kermes.

On tient là ces disques qui tiennent du petit miracle avec des interprètes d'une musicalité qui vous emporte dès les premières notes. Ces pièces, comme toujours chez Vivaldi, n'ont de sacré que le nom.  Rappelons que la dualité "amour sacré, amour profane" est un thème assez classique chez les artistes vénitiens (ex : la fameuse toile du Titien représentant deux femmes symbolisant ces "contradictions" que l'on peut admirer à la Galerie Borghese à Rome).

Ces motets sont sous le signe d'une théâtralité constante, semés d'embûches techniques pour la soliste. En bref, ils demandent une grande clairvoyance pour maintenir un équilibre subtil entre une posture trop froide et, inversement, des vocalisent ou effets qui peuvent vite sombrer dans le mauvais goût.

La complicité entre Andrea Marcon et Simone Kermes est évidente. Cette dernière restitue le texte avec une justesse étonnante. Ses phrasés et intonations associent dans une alchimie troublante le recueillement, la concentration, la tension de la ligne avec une sensualité certaine. Il n'y a guère, dans un registre vocal différent, que  Carlos Mena pour envoûter à ce point l'auditeur sur des pièces sacrées de Vivaldi. Simone Kermes est vraiment une soliste dont le style et le travail vocal sont particulièrement adaptés à ce registre.

Les motets choisis dans cet enregistrement sont tous splendides. Vivaldi, comme à son accoutumée, éblouit dans les largos ou larghettos.

Sur le premier motet, Simone Kermes excelle aussi bien d'emblée sur l'aria da capo : l'Allegro virtuose "In furore iustissimae irae", dont le motet tire son nom, que dans le largo "Tunc meus fletus" avec une respiration et une souplesse du phrasé au charme évident. Il est possible d'écouter l'intégralité de l'Allegro "In furore iustissimae irae" sur le site web officiel de Simone Kermes.

Dans le deuxième motet, elle est particulièrement juste sur le larghetto d'introduction "Nulla in mundo pax sincera".

L'aria le plus beau du disque et que, pour ma part, je ne me lasse pas d'écouter en boucle est le "Semper maesta, sconsolata" (piste N°15 du disque) où le chef et la soliste déploient un jeu fascinant de subtilité et d'élégance pour nous restituer les nombreux "suspirandi", soupirs spécifiques à ces pièces liturgiques. On peut y déguster la moindre nuance ou inflexion de phrasé. L'Alleluia final apporte la lumière et la joie tant attendues.

Il s'agit d'une magnifique version et d'un des disques les plus marquants parmi les nouveautés de ce début d'année.

Seul petit bémol, à reprocher à Archiv Produktion : l'enregistrement est un peu pâteux, exagérément dévié vers les graves et manque de netteté même si l'équilibre soliste - orchestre est correct.

Lien direct vers le site Deutsche Grammophon pour connaître la "track list" et écouter des extraits.

Amor Sacro : Motets d'Antonio Vivaldi - Simone Kermes, Soprano - Venice Baroque Orchestra - Direction Simone Marcon - Label Archiv Produktion.

Haydn et Accentus : deux préjugés qui volent en éclat

Mon premier préjugé avait tout d'abord été pour la version orchestrale des Sept dernières paroles du Christ. Après l'écoute de la Création, je m'étais bêtement mis en tête que l'écoute de cette Passion me plongerait dans un ennui profond.

Le second préjugé était lié à l'ensemble Accentus, dirigé par Laurence Equilbey. La médiatisation importante de ce groupe, son propos apparent (revisiter souvent a cappella des oeuvres célèbres du répertoire) me semblaient suspects. J'avais donc fait l'impasse.

C'est alors que l'association des deux - cette Passion haydnienne et Accentus - avec la  collaboration de l'excellent ensemble Akademie für alte musik, fit voler en éclat ces deux préjugés et c'est très bien ainsi. L'enregistrement  que Laurence Equilbey a réalisé de ces sept dernières paroles du Christ est vraiment splendide et incroyablement touchant. Avec une acuité et une pertinence de premier ordre, elle nous révèle toute la beauté de son écriture.

Une des clés de cette réussite tient certainement à l'équilibre qu'évoque Laurence Equilbey dans sa note explicative en page 8 du livret du CD : "pour le style de jeu vocal et le phrasé du texte, nous avons opté pour une articulation relativement instrumentale, en respectant la prosodie tout en étant conscients que ce n'est pas le texte qui a présidé à la création des phrases musicales". Toute la subtilité de cette interprétation réside dans cette approche. Avec ses phrasés resserrés, sa fusion voix / instruments et la justesse expressive des solistes comme du choeur, on tient là une interprétation de premier ordre. Je ne me lasse plus de l'écouter, tant elle est riche et finalement bouleversante par sa simplicité.

Je retiendrai en particulier les 1ères et 2ème paroles : notamment, le Vater, vergib ihnen ("Père, pardonne-leur") avec ses déclamations en canon. On y retrouve toute la quintessence de la musique chorale "germanique" (en l'occurrence ici autrichienne !). Sinon, l'intensité dramatique et la beauté de la 6ème parole est également magistralement restituée. Avec sa théâtralité, comme pour les messes de Mozart, elle démontre que la frontière entre sacré et profane peut être particulièrement ténue. Ne vous attendez toutefois pas à la légèreté mozartienne. Haydn a toujours revendiqué son côté "paysan". Cette passion a parfois quelque chose de presque rustique. On est plus dans un univers tellurique que parmi les chérubins !

Outre le choeur, d'une élégance rare, les solistes sont tous justes et convainquants : Sandrine Piau (bien plus sobre quand elle chante en allemand qu'en italien !), Ruth Sandhoff, Robert Getchell, Harry van der Kamp.

Par certains côtés, cette Passion me fait penser aux messes de Schubert... Une nouvelle preuve que le grand Joseph Haydn a rayonné bien au delà de Mozart.

Un disque incontournable.

Joseph Haydn - Les sept dernières paroles du Christ - Ensemble Accentus et Akademie für alte musik Berlin - Direction Laurence Equilbey - Solistes : Sandrine Piau, Ruth Sndhoff, Robert Getchell, Harry van der Kamp - Label Naïve.

Lien direct vers la description du disque sur le site Naïve et la possibilité d'écouter de très courts extraits.

Sonates pour violons et basse continue Jean-Fery Rebel : une belle découverte

Je n'avais jamais écouté d'oeuvre de Jean-Fery Rebel (1666 - 1747). C'est encore grâce au label Zig Zag Territoires, que j'ai pu découvrir les sonates pour violons et basse continue que ce violoniste prodige et élève de Lully a composées et qui sont de pures merveilles. Les interprètes, l'ensemble instrumental au nom charmant et un peu "too much" d'Assemblée des Honnestes Curieux, sous la direction d'Amandine Beyer, y sont aussi pour beaucoup.

Ce très beau disque nous restitue des oeuvres pour violons très expressives, quelquefois d'une réelle audace de composition pour l'époque et pas ennuyeuses pour deux sous. Au contraire, elles ont même comme une sorte de théâtralité et d'intensité dramatique étonnantes. Les instrumentistes, au jeu fin et élégant, ont une vraie musicalité et nous délivrent une interprétation très vivante, enjouée et charmeuse. Chaque morceau ce déguste comme une friandise.

Ma préférée, la cinquième sonate La Pallas en ré mineur, majestueuse, avec tous les attraits de cette musique française d'entre deux siècles, plus tout à fait ancienne, pas encore baroque.

Sinon, le Tombeau de Monsieur Lully n'est pas mal non plus et s'inscrit dans l'esprit d'un petit oratorio.

Lien direct vers la description du disque sur le site Zig Zag Territoires pour également écouter des extraits.

A écouter au coin du feu en vidant la boîte de chocolats qu'aura offerte tante Berthe pour Noël (sans oublier le petit verre de Banyuls).

Jean-Fery Rebel - Sonates pour violons et basse continue - L'Assemblée des Honnestes curieux - Label Zig Zag Territoires.

Gabriela Montero : improvisation sous le coup de la grâce

On ne peut pas rester indifférent à cet album. On utilise d'ailleurs plus souvent cette appellation pour le jazz que pour le classique. Dans ce cas précis, on est dans le plus pur "cross over", non  pas (seulement) piloté par un service Marketing, mais bien sous le signe de la musicalité absolue.

Le disque Bach and Beyond (Improvisations on themes by JS Bach) enregistré par Gabriela Montero chez EMI Classics est une pure friandise.

J'avais déjà mentionné cette pianiste qui n'a pas laissé Martha Argerich indifférente (se référer à ma note du 22 octobre sur le coffret Martha Argerich and Friends). Le sang latino-américain qui coule dans les veines de ces deux interprètes hors du commun explique en partie leur approche esthétique ainsi que la vigueur et le caractère envoûtant de leur toucher.

Ici, Gabriela Montero métamorphose des pièces bien connues de Bach pour leur faire côtoyer des univers insoupçonnables grâce à ses dons uniques d'improvisation. C'est ainsi que l'Aria de la suite pour orchestre N°3 en ré prend quasiment la forme d'un tango argentin (piste 4), l'Aria des variations Goldberg semble d'un coup enlevé par... Debussy dans un parcours de sonorités perlées et aquatiques (l'idée de cet ostinato à la main droite est proprement géniale) (piste 5), l'extrait "Sheep may safely graze" tirée de la cantate BWV 208 est projeté dans l'univers des ballades dignes d'un Harold Arlen (piste 8), l'invention à deux voix en ré mineur est transposée dans un rythme hispano-jazzy tonique et entraînant (piste 9), l'adaptation de l'allegro du 3ème concerto brandebourgeois est digne de Keith Jarrett (piste 10)...

Gabriela Montero dit elle même improviser naturellement depuis qu'elle est toute petite. Cette seconde nature s'est révélée sous le signe du divin. Toutes ses improvisations sont d'une pertinence est d'une pureté harmonique indéniables et elle nous les restitue avec une musicalité extraordinaire. On pourra toujours dire que la force de ces dérivations harmoniques et rythmiques repose surtout sur le génie de la composition de JS Bach. C'est entendu. Quand même, tout cela est parfaitement senti et envoûtant.

Pour suspendre le temps, je vous conseille l'écoute du morceau N°11 (l'Adagio tiré du concerto en ré mineur pour piano et orchestre BWV 974, qui n'est autre qu'une transcription par JS Bach de l'Adagio du concerto en ré mineur pour hautbois et orchestre d'Alessandro Marcello).

Lien direct vers la page dédiée à ce disque sur le site EMI CLassics. Le seul extrait que l'on peut écouter est tiré de la piste N°1 (improvision sur "Jésus que ma joie demeure").

Gabriela Montero - Bach & Beyond - EMI Classics.

Vivaldi, Jaroussky, Spinosi : trio gagnant

Pour notre plus grand bonheur, Philippe Jaroussky se jette avec brio dans la brèche ouverte par Cecilia Bartoli il y a six ans, à savoir une sélection d'airs tirés d'une douzaine d'opéras sérias d'Antonio Vivaldi.

J'ai découvert Philippe Jaroussky au travers de son interprétation d'une clarté sidérale, incarnant Ismaele dans le splendide oratorio Sedecia, Roi de Jérusalem d'Alessandro Scarlatti (disque enregistré en 1999 avec Gérard Lesne et Il Seminario Musicale - label Virgin Classics - voir catégorie PLEIN CHANT dans la colonne de gauche du blog). Sa voix de falsetto, ambiguë à l'extrême, révélait déjà le timbre unique et l'indéniable musicalité de cet interprète.

En six ans, cette voix a continué à se perfectionner techniquement mais a surtout gagné en incarnation charnelle, même si Jaroussky est certainement l'unique contre-ténor (haut) actuel à disposer de cette coloration presque irréelle.

Il affronte avec brio les chausse-trapes techniques de ces airs impossibles dont seul Vivaldi a le secret. Il a visiblement bien intégré les nécessaires articulations et respirations sur lesquelles Bartoli a été une grande initiatrice (Jaroussky le dit lui-même). A noter particulièrement la perfection plastique de ses vocalises sur des arias aussi difficiles que, par exemple, le Fra le procelle de Tito Manlio (extrait tiré du site Fnac.com) ou bien le Sperai vicino il lido de Demonfoonte (quant à lui, dans la grande tradition des airs de "tempête" comme le fameux Agitata da due venti de Griselda, immortalisé par Bartoli). Extrait tiré du site Fnac.com. C'est d'autant plus impressionnant qu'un falsetto, contraint par le chant de tête (vs le chant de poitrine) a mécaniquement de fortes limitations techniques à se maintenir sur les notes aiguës par rapport à des cordes vocales féminines...

Même si ce disque démontre de façon explicite l'étendue du registre de Jaroussky, c'est toujours finalement sur les airs lents, les plus méditatifs qu'il est particulièrement envoûtant. On savoure d'autant plus la couleur surnaturelle de son chant et la subtilité extrême de son phrasé. Dans ce disque, on retrouvera ce climat singulier dans le bel air Vedro con mio diletto de l'opéra Giustino. Dès les premières mesures , on reconnaît immédiatement le timbre unique de Jaroussky. Extrait tiré du site Fnac.com.

L'accompagnement vif, nerveux mais attentionné de Jean-Christophe Spinosi à la tête de l'ensemble Matheus contribue largement à la beauté de cet enregistrement. Pour une fois, Spinosi est parvenu à se contenir et éviter d'imprimer une excitation permanente et assommante comme il l'a malheureusement fait pour des disques Vivaldi précédents. Qualité d'enregistrement correcte (en tout cas bien supérieure à celle dont avait été victime Bartoli dans son Vivaldi Album...).

Heroes - Sélection d'airs d'opéras de Vivaldi - Philippe Jaroussky -  Jean-Christophe Spinosi - Ensemble Matheus - label Virgin Classics.