Le poisson rêveur

Se lasse-t-on de la voix de Cécilia Bartoli ?

Allez, je me lance, dans cette note, sur cet exercice périlleux consistant à m'interroger à propos d'une des plus grandes chanteuses actuelles, artiste généreuse, disposant d'une technique époustouflante, dotée d'une musicalité exceptionnelle et effectuant un vrai travail musicologique, en plus de son activité d'interprète.

Ces quelques lignes énumérant les indéniables qualités de Cecilia Bartoli étant rédigées, venons-on au point qui suscite le titre de la présente note. Il y a environ cinq ans, je ne jurais que par elle, écoutant en boucle notamment le superbe concert "Live in Italy", enregistré au Teatro Olimpico de Vicence, édité par Decca. Je ne me lassais pas notamment du spectaculaire "Agitata da due venti" de l'Acte 3 de Griselda (A. Vivaldi). Puis il y avait l'album sur Vivaldi ("The Vivaldi Album") qui, malgré une prise de son déplorable, était un festival de vocalise des plus "pyrotechniques". Au film, comme au concert, Cecilia Bartoli, artiste naturelle, directe, spontanée, se campe fermement sur le sol, affirme son assise avec sa belle corpulence pour affronter les quadruples croches. Sa tessiture impressionnante, lui permet d'atteindre des aigus que certaines sopranos n'osent pas frôler alors que sa voix naturelle est plutôt mezzo. A cela s'ajoute l'articulation, le phrasé, la diction.

Seulement au fil des enregistrements, malgré un vrai travail musicologique consistant à exhumer des partitions qui méritent d'être, pour la plupart, découvertes, avec un projet cohérent, de Salieri aux compositions pour castras italiens, en passant par Gluck et la Malibran, sur la durée, cette voix très travaillée, ce vibrato incessant, malgré la beauté des couleurs déployées, ces airs de bravoures alignés comme autant de perles sur un collier... ne finissent-ils pas par lasser ? Étonnamment, l'écoute d'une partie du dernier disque qu'elle a consacré aux Castras italiens du XVIIIème siècle ("Sacrificium") ne fait que conforter ce sentiment de relative lassitude. C'est fou comme on peut être "blasé" d'écouter un tel niveau d'excellence ! Plus sérieusement, s'il faut louer la qualité encore exceptionnelle du travail de Cecilia Bartoli, je crains être en train de saturer un tout petit peu sur ses modulations, ce vibrato omniprésent. Je suis certainement en train de traverser ma phase "recherche d'un chant naturel, évident, simple" et ne semble plus vraiment supporter les voix travaillées à l'extrême. C'est bien dommage, tant cette grande interprète est attachante et sincère. Je changerai peut-être à nouveau...

Internet rend-il bête ?

Je ne peux pa m'empêcher, par ironie du sort, de consacrer la 500 ème note du Poisson Rêveur (déjà !) non pas à la musique mais à Internet.

Un intéressant article de Télérama s'interroge sur l'influence que peut avoir la logique rédactionnelle propre à Internet (notamment avec l'émergence des sites liés aux réseaux sociaux) sur notre schéma de pensée et sur la façon dont se transformerait même notre mode de lecture et la logique d'assimilation de l'information qui y est associée.

Le titre de l'article lance une interrogation légitime : Internet rend-il bête ?

Je vous laisse vous faire votre propre opinion.

Lien direct vers l'article de Télérama.fr (également lisible sous forme papier sur le Télérama N° 3106).

En tout cas, le Poisson Rêveur se fixe pour objectif de contribuer (avec modestie) à ce qu'Internet soit justement le moyen d'éviter de sombrer dans la bêtise la plus profonde.

NB : je me suis permis de preprendre directement l'illustration de Beb-Deum pour Télérama.

Hélène Grimaud sur Bach : so what ?

Avec un rabattage médiatique encore impressionnant, Hélène Grimaud tente cette fois de nous séduire sur JS Bach. Au menu, un programme assez composite dont on peut légitimement s'interroger sur le rationnel.

A l'écoute attentive, la pianiste française nous confirme sa maîtrise technique prodigieuse, un toucher d'une netteté rare, un sens du legato qui lui est bien caractéristique. Ensuite, que dire de plus ? Pas grand chose finalement tant son JS Bach est lisse et froid comme le marbre. C'est un peu comme ces plats que l'on vous sert, parfaitement agencés, aux ingrédients d'une fraîcheur indéniable mais sans la moindre aspérité.

Je n'accroche décidément pas au style de cette pianiste. Les texture des pièces sublimes qu'elle interprète est lissée, désincarnée, sans âme. Les notes se déroulent comme débitées par une mécanique implacable.

Je vous laisse juge, mais je ne retrouve ni la frénésie d'un Gould, ni l'audace d'une Tureck, ni la musicalité communicative d'un Perahia. Proprement glacial.

Extraits sur le site de DG.

JS Bach - Concertos pour piano et orchestre - Extraits du clavier bien tempéré - Partitas pour violon arrangées pour le piano - Hélène Grimaud, piano - - Kammerphilharmonie Bremen - label Deutsche Grammophon.

Lang Lang : "moi d'abord" sur Beethoven

A force d'en entendre parler (plutôt en mal), je voulais me faire enfin une opinion sur le "phénomène" Lang Lang. Dimanche 19 octobre à 19h, Arte diffusait l'enregistrement du concert que le pianiste chinois avait donné en septembre à la salle Pleyel, accompagné par Christoph Eschenbach à la tête de l'Orchestre de Paris.  Au programme : le 1er concerto pour piano et orchestre de Beethoven en ut majeur.

Que dire ? Tout d'abord la technique, irréprochable et la virtuosité époustouflante. Cet homme "respire le piano" et l'instrument est comme le prolongement naturel de ses bras. Il est étonnant de voir à quel point ses mains ne quittent pratiquement jamais le clavier. Il ne manque pas de musicalité, avec, notamment, un toucher au timbre magnifique sur les aiguës. Son jeu est direct, spontané, très physique, pris d'une certaine ivresse de bout en bout.

En revanche, le plus rédhibitoire est cette propension à taper l'ivoire comme un fou, presque systématiquement, à vouloir tirer la couverture pour lui par excès de cabotinage. Les concertos de Beethoven initient le conflit soliste / orchestre mais tout de même ! Le caractère excessivement démonstratif de son jeu nuit aussi par moments à la limpidité, lisibilité des différents plans sonores, avec une abondance particulièrement inutile et énervante de pédale. Il en fait presque tout le temps de trop, notamment sur la cadence interminable du premier mouvement, où même Christoph Eschenbach a du mal à contenir poliment son impatience.

A la fin, le premier épuisé (en plus de Chrisoph Eschenbach qui fait tout pour secouer l'Orchestre de Paris particulièrement chahuté par le jeu péremptoire du pianiste) est l'auditeur. Ce pianiste est limite de donner la migraine tant il cherche à déployer une plénitude sonore tonitruante et affirmative.

Pour être franc, sans snobisme aucun, ce n'est pas ma tasse de thé.

Rediffusion de ce concert sur Arte le 5 novembre à 8:00 si vous avez besoin d'un réveil matinal musclé.

Lien vers un autre éclairage sur classicnews.com. Ce n'est pas la première fois que je ne suis pas d'accord avec leur jugement mais place au pluralisme !

Intégrale des symphonies de Beethoven par Jos Van Immerseel

En cette période de commémoration mercantile de la mort d'Herbert Van Karajan, il est toujours intéressant de s'attarder sur une nouvelle intégrale des symphonies de Beethoven, cette fois avec une lecture qui se veut la plus fidèle possible des options esthétiques et de l'instrumentation de l'époque.

C'est le parti pris que prend Jos Van Immerseel depuis quelques années avec son excellent ensemble Anima eterna (cf. son enregistrement sur instruments d'époques notamment du Bolero de Ravel).

Au cabotinage, l'archi-classicisme et surtout l'ampleur orchestrale des versions du chef salzbourgeois, lui-même dans la lignée de ses maîtres germaniques, le musicien néerlandais oppose une certaine humilité et, surtout, un resserrage certain de la masse orchestrale. On passe donc d'un grand orchestre de près de 100 musiciens, avec une armée de violons à cordes métalliques, à un ensemble ne comprenant pas plus de 40 instruments anciens (cordes en boyau) et un rééquilibrage certain entre les cordes et les instruments à vent (sans parler des timbales... tonitruantes).

C'est alors ce qui surprend le plus nos oreilles, habituées à des symphonies de Beethoven dominées par les cordes et, surtout, avec une masse orchestrale certaine. L'option plus "chambriste" de Joos Van Immerseel est sensée être la plus fidèle par rapport à celle de Beethoven lui-même quand il dirigeait ses symphonies. Il interprétait des dernières dans des salles aussi grandes que nos théâtres modernes, mais avec un orchestre deux fois plus petit... Avec une acoustique appropriée, ce n'est pas du totu un problème. Comme je l'avais indiqué dans la note du 13 décembre 2007, après avoir assisté à une belle 5ème interprétée par le même chef à la tête d'Anima Eterna, lorsque la salle permet à l'orchestre de déployer sans forcer toutes ses couleurs et son grain, on peut être conquis.

Je n'ai pas écouté toutes les symphonies de l'intégrale enregistrée chez Zig Zag Territoires. Le peu que j'ai écouté m'a moins séduit que ce concert du 12 décembre dernier. Tout cela semble moins habité. La verve de l'ensemble Anima Eterna et la qualité musicale de chaque instrumentiste sont bien là. Toutefois, les quelques éléments de la série que j'ai écoutés, avec notamment un tempo toujours très soutenu, donnent un peu l'impression d'écouter toujours la même symphonie...

Une exception toutefois, la 4ème, que je trouve plus habitée, notamment son final.

A écouter donc pour la beauté des timbres, la vivacité rythmique, un climat sonore très différent qui nous permet de découvrir ces symphonies avec d'autres couleurs. Ensuite, je vous laisse juge de ce qu'apporte une telle recherche de "véracité" dans ce vaste répertoire.

Jos Van Immerseel  m'a nettement plus conquis chez Mozart et chez Haydn (cf. note du 22 septembre 2006).

Lien direct vers le site de Zig-Zag Territoires pour en savoir plus et écouter des extraits.

Beethoven - Intégrale des symphonies de Beethoven - Les créatures de Prométhée - Coriolan - Egmont - Les Ruines d'Athènes - la Consécration de la maison - Marche turque - Anima eterna - Direction Jos Van Immerseel - Label Zig Zag Territoires.

Musique publique ou musique privée ?

En réaction à la note d'Alain Duault dans le blog qu'il tient sur qobuz.com, et relatif à la suppression de la publicité sur les chaînes publiques, j'ai posté un commentaire, que je reprends ici sous forme de note, histoire d'ouvrir le débat.

Personne ne semble vraiment en mesure de dire quel est le bon modèle économique pour permettre à un plus grand nombre de développer son éducation musicale. Le vrai débat est en effet celui de l'éducation à l'écoute et l'appréciation de la musique et non pas celui d'une simple question de quota d'heures de diffusion du classique par rapport aux autres genres musicaux ou d'autres émissions.

Je pense pour ma part que ce n'est pas forcément en diffusant plus de concerts ou d'opéras que l'accès du plus grand public à la musique sera mécaniquement développé. C'est certainement un mix de ces retransmissions mais aussi d'émissions mixant divertissement intelligent et pédagogie et surtout des reportages bien faits sur des compositeurs et interprètes pour mieux pénétrer cet univers et aider les auditeurs à le décrypter. Je suis persuadé que le coût de production d'une émission de Jean-François Zygel n’est pas supérieur à celui d'un "talk show" de divertissement racoleur (voire moindre, compte tenu de la proportion nettement inférieure de "peoples"dans les leçons de musique...).

Il y a encore malheureusement trop de personnes qui pensent que le classique est une discipline réservée à une élite, d'ailleurs vieillissante, et qui seule détient les clés pour comprendre une certaine rhétorique.

Les directeurs de chaîne et producteurs auront en outre certainement le courage de programmer des émissions musicales et des concerts à d'autres horaires qu'au delà de 23h quand, également, un cercle vertueux se développera autour de l'enseignement de la musique, de sa proximité au jour le jour. Notre tradition scolaire er universitaire française conduit déjà naturellement à aborder le répertoire classique de façon absolument pas spontanée, contrairement à des pays comme le Royaume Uni ou l'Allemagne où, déjà, la proportion d'enfants pratiquant un instrument de musique et / ou le chant choral est infiniment plus importante. Et pour cela, les médias de retransmission de la musique classique n'ont pas tous les leviers.

L'exemple de Qobuz, comme du développement inévitable des sites collaboratifs sur Internet vont sûrement faire que ce sujet devienne finalement au faux débat. Le temps que l'on monte le nouveau modèle économique entre chaînes publiques et chaînes privée, l'audience télévisuelle continuera certainement à décliner fortement et le plus jeune public aura, je l'espère, commencé sa petite révolution d'appropriation du classique via le net. C'est pourquoi, personnellement, je pense que les vrais enjeux sont au niveau de l'éducation scolaire et universitaire comme de l'environnement familial et associatif pour fournir un éveil structuré à la musique car, malheureusement, Internet tend un autre piège, celui d’un contenu d’autant plus pléthorique qu’il n’est pas naturellement organisé, hiérarchisé et, parfois, certifié.

Cécilia Bartoli : plus qu'une chanteuse

A la suite de ma note du 6 octobre dernier où j'avais évoqué la rencontre des abonnés du Théâtre des Champs Elysées (TCE) avec Cecilia Bartoli, je vous recommande l'excellente note du blog Le jardin Baroque à propos du dernier album de cette grande mezzo italienne dédiée à Maria Malibran.

Je partage complètement l'avis de Jardin Baroque sur le fait que Cecilia Bartoli est avant tout une vraie musicienne, accomplie, intelligente et qui a une démarche esthétique réfléchie avec une approche cohérente et défendable : apporter une autre forme d'interprétation sur le répertoire baroque avec une voix travaillée et un accent particulier sur le phrasé, l'articulation, la respiration alors que les baroqueux prônaient plutôt jusqu'ici des voix instrumentales, naturelles et quasiment sans vibrato. Elle prolonge cette approche cette fois-ci en revisitant le bel canto et revient, par la même occasion, au bon diapason et aux bons timbres.

Je vous propose le lien direct vers la page du site de Cecilia Bartoli qui permet d'écouter des extraits de cet album.

On peut ne pas aimer ce côté très travaillé du phrasé et un vibrato qui peut paraître exagéré. C'est  notamment une des conséquences de l'agilité et de la colorature extrêmes de sa voix. Il n'empêche que c'est époustouflant de virtuosité tout en gardant une réelle musicalité.

En tout cas, tout ceci nous change un tout petit peu d'une autre Cecilia et d'une autre Maria, l'une faisant la une de tous les magazines people et l'autre étant à nouveau assignée à titre posthume au rôle régulier de diva salvatrice des maisons de disques pour la période de Noël.

Symphonies de Mahler par Leonard Bernstein : "too much" ?

Je prends le risque de provoquer un mouvement d'indignation des lecteurs du blog : je n'arrive pas à me faire à la direction d'orchestre de Leonard Bernstein. Il est unanimement admis par la critique que ce dernier a apporté une contribution majeure aux interprétations des symphonies de Mahler. Je ne pense pas qu'on puisse parler d'un grand chef mahlérien comme un Bruno Walter ou un Rafael Kubelik par exemple, mais tout de même, nombre de mélomanes encensent cet homme.

Il est indéniable que l'humanisme, l'énergie phénoménale, l'enthousiasme communicatif de ce chef en font un personnage unique et attachant. Toutefois je n'ai pas pu supporter l'écoute, dans une réédition récente, des symphonies N°5, 6 et 7. Je trouve que les traits sont forcés et les envolées de l'orchestre exagérées. L'orchestre Philharmonique de Vienne devient méconnaissable avec des cuivres rutilants et des phrasés appuyés.

Je n'ai pu achever l'écoute d'aucune de ces trois symphonies. Je suis sincèrement désolé mais je trouve en général que le maestro en faisait vraiment de trop. Une petite étiquette accolée au coffret reprend une phrase de la revue britannique Gramophone "You may conclude that these are performances of improper incandescence and unseemly fervour...." (Vous pourriez conclure que ces interprétations sont d'une incandescence inappropriée et d'une ferveur inconvenante). En effet ! Plutôt que la sonorité pleine et généreuse de Léonard Bernstein, je préfère infiniment les interprétations récentes de Claudio Abbado, sur le fil du rasoir, avec leur exploitation phénoménale des silences et des points de suspension.

Seule exception qui contraste fortement et qui interpelle par sa beauté singulière : l'interprétation par le même chef des Kindertotenlieder, avec l'excellent Thomas Hampson, particulièrement inspiré et bouleversant. Ce baryton exceptionnel (l'un de mes préférés) interprète ces lieders de façon vibrante et très équilibrée. Cette version est digne du grand Fischer-Dieskau, tant au niveau de l'intonation que du phrasé. Leonard Bernstein apporte un soutien attentionné avec un lyrisme qui contribue pleinement à l'intensité dramatique de ces pièces. Je trouve que le second magnifique lied "Nun seh' ich wohl, warum so dunkle Flammen" est le plus poignant.

Pour les inconditionnnels, Deutsche Grammophon a également édité deux autres coffrets (I et III). Les trois coffrets permettent ainsi d'obtenir en principe l'intégrale des symphonies et des lieders.

Lien direct vers les tracklists sur le site Deutsche Grammophon : Volume I, Volume II, Volume III.

De l'accès à la musique dite classique au plus grand nombre : suite (et fin ?)

Pour faire suite à la note récente du 22 août 2007 qui évoquait l'article d'Alain Lompech dans le Monde de jeudi, j'ai retenu également la note que l'incisif weblog palpatine avait consacrée au même sujet, 22 jours avant le Monde, en fait le soir même de l'interview du Président de la République dans le cadre de la retransmission par France 2 du Trouvère de Verdi.

Riche contribution au débat.

Polémique sur l'absence de musique classique à la Télévision

Je trouve l'article d'Alain Lompech dans le Monde d'aujourd'hui intéressant car il revient aux bonnes questions ("Trop d'opéras, pas assez de musique"). C'est vrai que l'opéra est nettement plus télévisuel que la musique symphonique, concertante ou bien la musique de chambre et que les chaînes TV généralistes cèdent volontiers à la "facilité" de restransmettre du lyrique. Quoique... en tant qu'amateur de musique et surtout de concerts depuis plus de vingt ans maintenant, j'ai appris à regarder les musiciens tout en écoutant leurs interprétations. Il n'y a finalement pas plus visuel qu'un quatuor (échanges des regards aux moments clé, inflexions et codes de toutes sortes, gestuelle...). De même, pour prendre un exemple très récent, voir Claudio Abbado et les différents interprètes de l'orchestre du Festival de Lucerne intepréter la 3ème symphonie de Mahler sur Arte était également très instructif.

Je ne peux pas porter d'avis personnel argumenté sur la critique très vive à laquelle se livre Alain Lompech sur ce qu'il considère comme l'échec de la politique de subvention de l'Etat conduisant finalement à ne pas permettre un accès aussi démocratique que souhaité à la musique, notamment via des établissements dans lesquels il est directement partie prenante (ex : l'Opéra Bastille).

Il revient au vieux débat sur l'accès à la culture réduit au problème financier, et je suis assez d'accord avec ses conclusions. A titre d'exemple, je viens de faire une visite sur le site de la Coupe du Monde de Rugby. Les places, comme pour les concerts, vont d'environ 30 € à plus de 120 €. La musique classique, surtout avec les nombreux festivals d'été, n'est pas plus financièrement inaccessible qu'un match de foot, de rugby ou un concert de rock, surtout quand on parle d'équipes ou d'interprètes de haut niveau. C'est plus la façon dont on enseigne la musique, dont on initie les plus jeunes à différents modes d'expression musicale qui pose problème, même si les méthodes d'apprentissage et d'initiation on tout de même favorablement évolué depuis 10 à 15 ans.

Lien direct ci-dessous vers cet article en 2ème page du Monde d'aujourd'hui daté de demain jeudi 23 août.

Trop d'opéras, pas assez de musique, par Alain Lompech
LE MONDE | 22.08.07

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Je vous laisse apprécier.

La morte d'Orfeo de Stefano Landi : sombre et retenu

Je suis très partagé à l'écoute de La morte d'Orfeo de Stefano Landi, enregistré par l'ensemble Akadêmia, sous la direction de Françoise Lasserre.

Composé après l'Ofeo de Monteverdi, cet opéra assez sombre se concentre sur l'épisode faisant suite à la mort d'Eurydice avec cette fois, la terrible fin d'Orphée, jeté au sort des Ménades.

La musique de Stefano Landi reste dans la veine de celle de Monteverdi mais s'avère, je trouve, souvent moins inventive et puissante. On y retrouve notamment aussi bien les mélismes qui annoncent les futures vocalises des opéras baroques mais également quelques procédés comme les voix en écho, utilisées notamment par Monteverdi dans ses Vêpres.

Un passage toutefois mérite d'être souligné, celui de la scène 3 de l'acte I où le trio des esprits aériens ("Tre Euretti") part dans une évocation des oiseaux avec des vocalises superposées dont l'effet est saisissant et audacieux pour l'époque (elles démarrent au minutage 6'38" de la plage 5) sur le terme "gazouillez à l'envi et chantez, en rivalisant, l'anniversaire d'Orphée" (a gara gorgheggiate, gareggiando cantate il Natale d'Orfeo). La virtuosité des trois sopranos est prodigieuse.

A noter également la scène de Nysa (scène 2 de l'acte III avec les voix en écho du chant de Nysa).

Enfin, à noter l'étonnant et expressif air à boire de la scène 2 de l'acte V où Charon (interprété par un Dominique Visse dans un registre bien plus grave que celui où il opère habituellement, et avec un beau timbre capiteux) invite Orphée à boire l'eau du Léthé (minutage 8'05"). Le basson au jeu appuyé qui accompagne Charon souligne le grotesque du personnage. Grâce notamment à l'expressivité de Dominique Visse, cet air dénote avec l'atmosphère générale asez contenue de cet opéra.

Malgré tout cela, l'écoute de cet opéra me laisse dans l'expectative. Je crois que la direction musicale de Françoise Lasserre y est pour beaucoup. L'ascétisme et cette exigence absolue qu'elle se fixe pour s'élever, dans le registre de "l'émotion pure" (pour reprendre ses propres termes) conduit paradoxalement à un climat particulièrement glacé. J'ai entendu des oeuvres sacrées dirigées avec plus de fougue et de chaleur. Certes, cet opéra est particulièrement sombre mais sa noirceur ressort avec une raideur assez intimidante. Les affects sont quasiment absents et on sent à quel point les chanteurs, pourtant tous excellents, sont enfermés dans un carcan qui les rend finalement désincarnés.

C'est beau, hiératique mais sans aspérité et je dois avouer m'être parfois ennuyé tant cette rigueur assèche le rendu des différentes sonorités. Même le final n'a pas l'éclat attendu.

Il est dommage d'obtenir ce résultat avec des chanteurs d'un tel niveau d'excellence (Guillemette Laurens, Dominique Visse, Cyril Auvity et le jeune et talentueux contre-ténor Damien Guillon).

Lien ves la description du disque sur le site Zig-zag Territoires avec des extraits.

Stefano Landi - La Morte d'Orfeo - Ensemble Akadêmia - Direction Françoise Lasserre - label Zig-zag Territoires.

Marijana Mijanovic : Affetti Barocchi - airs d'Opéras de Haendel

La mode des albums consacrés à des airs sélectionnés parmi les opéras seria de grands compositeurs baroques continue. Après Philippe Jaroussky récemment sur Vivaldi, Sara Mingardo sur un pot pourri Haendel, Monteverdi, Vivaldi, Vivica Genaux sur les airs pour Farinelli..., c'est au tour de l'alto Marijana Mijanovic de se lancer dans l'exercice.

Je trouve très intéressant qu'une vague récente d'alto femmes émerge sur le répertoire ancien et baroque. En dehors de l'exception masculine de Philippe Jaroussky dont l'agilité vocale dépasse encore l'entendement, les femmes sur ce registre initialement destiné à un castrat ou falseto ont physiologiquement plus de facilités, y compris quand elles chantent sur des registres assez graves, pour se déjouer des modulations, mélismes, vocalises en tous genres, affronter les quadruples croches et les ambitus diaboliques dont sont capables Haendel et Vivaldi, pour ne citer que les plus fameux.

L'album Haendel, Affetti Barocchi propose un panel assez varié d'arias sensées exprimer différentes humeurs, postures, situations afin de révéler toute la palette interprétative de la chanteuse. Les extraits sont tirés de Rodelinda, Radamisto, Siroe re di Persia, Giulio Cesare, Orlando.

Les airs où Marijina Mijano est la plus convaincante, sont manifestement "Se Fiera Belva Ha Cinto"  et "Vile ! Se Mi Dai Vita" de Rodelinda, "Deggio Morire, O Stelle"  de Siroe di Persia, l'envoûtant "Non E Si Vago E Bello" de Giulio Cesare et le vif et expressif "Ah ! Stigie Larve" (que le label Sony BMG a le culot de nous appeler "bonus"), d'Orlando.  Les liens  sont vers les extraits tirés du site Amazon.fr.

Le bilan est relativement correct. Je reste en effet nuancé, tout en n'écartant pas que mes réserves puissent provenir pour partie du mode de restitution sonore. J'ai en effet chargé l'album sur mon iPod Nano et l'écoute au casque manque singulièrement d'épaisseur, de vie et de grain. Relié à un BOSE Wave acheté récemment (l'occupation de l'espace et l'effet stéréophonique de cette boîte noire sont sidérants), le son de l'iPod gagne un peu en vivacité et les attaques semblent plus vivantes, saillantes.

Je qualifierais volontiers Marijana Mijanovic d'alto sage, posée avec une approche un peu distanciée, donc décevante des arias qu'elle aborde. Dans la même tessiture, une Nathalie Stutzmann sera plus inégale, donc moins prévisible mais prenant bien plus de risques, apportant bien plus de consistance à ses interprétations (malgré une tendance certaine au maniérisme). Une Sara Mingardo, sera, quant à elle, incroyablement plus mystérieuse, avec un timbre encore plus androgyne, une musicalité incomparable.  Malgré un timbre intéressant, Marijina Majanovic est un peu trop linéaire, lisse à mon goût. Tout cela manque un peu d'éclat et d'émotion. Elle n'est pas en outre épargnée par un excès de vibrato sur des passages difficiles à négocier (par exemple, sur "Qual Nave Smarrita" et, dans une moindre mesure, sur "Deggio Morire, O Stelle").

L'accompagnement orchestral du Kammerorchester Basel, sous la Direction Sergio Ciomei est correct, même s'il n'est pas exempt de quelques légers "décrochages".

Haendel - Affetti Barocchi - Marijana Mijanovic - Kammerorchester Basel - Direction Sergio Ciomei - Label Sony BMG.

Round about Bill : pour ou contre le "cross-over" ?

Belle occasion d'ouvrir le débat. Je suis depuis de nombreuses années un fervent admirateur de Bill Evans. L'album consacré à des arrangements de ses mélodies par Manuel Rocheman (piano) et Laurent Naouri (vocal) chez le label SISYPHE007 (abeille.musique) m'a donc interpellé, indépendamment du titre "Round about Bill" qui paraphrase un peu lourdement le titre du chef d'oeuvre de Thelonious Monk.

Le débat sur le "cross-over" (les musiciens du classique qui se mettent au jazz ou au rock ou les rock stars qui se lancent sur le répertoire classique) est sans fin. Force est de constater qu'il y a plus de ratés, certainement poussés par quelque fantasme ou aspiration personnelle d'un artiste ayant déjà atteint une certaine notoriété et accéléré par une équipe Marketing d'un label qui pense qu'il "y a un bon coup à jouer".

Les dernières réussites semblent être, d'après une critique établie pourtant sceptique et acerbe, l'association Sting / Dowland au luth. En revanche, on ne compte pas les déceptions (pour parler poliment), notamment parmi les chanteurs et chanteuses lyriques qui veulent s'encanailler au jazz.

J'avais déjà été irrité par le caractère aseptisé des interprétations de Gerswhin par Barbara Hendrix. L'écoute de cette sage et lisse soprano est désespérante quand on a été élevé musicalement, dès le plus jeune âge, par la voix de Sarah Vaughan ! Autre déception notoire, celle de la belle et grande Anne-Sofie von Otter, que j'admire tant sur le répertoire baroque, qui sauve à peu près la mise sur Offenbach (cf. beau concert en décembre 2002 avec Minkowski auquel j'avais assisté) et qui est aphone et sans saveur sur des airs tirés des grands classiques de Broadway (cf. l'excellente note du blog Paris-Broadway au sujet d'un concert du 22 décembre 2006, dont une autre version avait été retransmise par Arte le 10 janvier 2007). Heureusement, le grand baryton suédois, Peter Mattei, cabotin, ténébreux et malin, sauve la mise.

Il est regrettable que Laurent Naouri allonge la liste des frustrations avec l'album qu'il vient de sortir. Quand on connaît presque par coeur le phrasé si particulier et génial de l'association Bill Evans, Scott la Faro (contrebasse) et Paul Motian (batterie), même si Manuel Rocheman, formé à bonne école par Martial Solal, est excellent d'inventivité et de swing, Laurent Naouri est exagérément apprêté (Waltz for Derby), trop lent (Five), trop vibrato (Turn out the Stars) et on n'a pas tellement envie d'aller plus loin car le malaise est bien là...

Seule exception qui tient à peu près la route : Here's that rainy day avec un beau solo de piano de Manuel Rocheman. A noter également la belle "impro" de Manuel Rocheman sur le légendaire My romance.

Retournons à "the genuine Bill"... au lieu de "tourner autour".

Je propose le disque qui m'a le plus marqué, d'une beauté sidérale : You must believe in Spring (titre tiré de la belle interprétation de ce "tube" de Michel Legrand). Autre critique d'un blog, glannée sur le Web sur cet album de Bill Evans.

Sinon, je vous propose un lien direct vers un extrait de l'interprétation de My Romance de 1972 sur Youtube.com avec Eddie Gomez à la basse et Marty Morell à la batterie.

Trios de Mendelssohn : interprétation trop parfaite pour émouvoir ?

Intrigué par des critiques assez contradictoires et par ce que peut donner la prestation de l'excellente jeune violoniste Julia Fischer dans le contexte d'une formation de musique de chambre, je me suis procuré le disque consacré aux trios N°1 et 2 pour piano, violon et violoncelle de Felix Mendelssohn, interprétés par Julia Fischer (violon), Daniel Müller-Schott (violoncelle), Jonathan Gilad (piano) sous le label PentaTone.

Je dois avouer que l'ensemble confirme une maîtrise technique parfaite. Tout cela est très net, incisif, précis.  Felix Mendelssohn effectue une sorte de synthèse idéale entre classicisme et romantisme. Il reprend quelques audaces de Beethoven, montre quelques similitudes avec Schubert avec la grande clarté mélodique des motifs principaux de chaque mouvement (les divines longueurs en moins, fort heureusement). Le trio de jeunes instrumentistes ne se laisse pas embarquer par la moindre facilité ou mièvrerie. On finit presque par... le regretter ! En effet, c'est le classicisme et finalement une certaine froideur qui dominent dans cet enregistrement.

On peine à croire que ces deux trios en mineurs (respectivement ré et do mineurs) sont censés faire apparaître le spectre de la maladie et la mort. Ce n'est certes pas dans le tempérament du "musicien heureux et équilibré" qu'était Mendelssohn, mais tout de même ! Cela me fait le même effet que les premiers enregistrements de Lugansky au piano sur Chopin ou Rachmaninov.  Interprétations nettes, lisses, sans aspérités.

Pour revenir à notre trio, il en est presque trop vif, lumineux, éclatant. On aimerait une image sonore avec plus de grain, un rien de flou par moment, comme des blessures, qui donneraient à cette version plus de légitimité par rapport au texte, plus de musicalité.

C'est peut-être parce que ces jeunes et très brillants interprètes n'ont pas vécu eux-mêmes les blessures profondes qui sont à l'origine de bon nombre de compositions musicales exceptionnelles, dont ces deux superbes trios.

Nb : certains critiques reprochent à cet enregistrement d'avoir un piano trop incisif et dominant. Je tiens à rappeler que la dénomination est bien "trios pour piano et cordes". Ce n'est pas parce que Julia Fischer en personne participe qu'il faut considérer le violon comme instrument principal dans ce genre musical.

Felix Mendelssohn - Trios N°1 et 2 en ré et ut mineurs - Julia Fischer (violon), Daniel Müller-Schott (violoncelle), Jonathan Gilad (piano) - Label PentaTone.

Travailler en musique ou écouter en travaillant ?

Une radio qui se dit classique nous vante le fait que l'on puisse conduire "zen" en l'écoutant en voiture. Dans les embouteillages, pourquoi pas.

Je viens de découvrir ce samedi en l'écoutant... en voiture, qu'elle va encore plus loin en proposant carrément de l'écouter au travail pour "travailler zen".

Vous avez quatre options, et vos commentaires éventuels m'aideront à comprendre comment interpréter ce message :

1) Cette radio considère que la musique dite classique ne nécessite pas une attention particulière (en tout cas celle qu'elle diffuse) et que l'on peut très bien rester concentré sur son travail tout en tendant une oreille discrète sur quelques mélodies de fond.

2) Elle s'adresse peut-être uniquement à des individus dont le travail est d'une telle vacuité qu'ils peuvent, au contraire, porter toute leur énergie à l'écoute attentive de la musique.

3) Je n'ai finalement rien compris, suis plutôt largué, car je n'ai toujours pas compris qu'il est désormais possible pour la plupart des individus plus jeunes que moi de découpler efficacement leur attention sur les deux de façon équivalente.

4) De toute façon, certains morceaux de musique classique exercent une fonction apaisante, thérapeutique et, sans forcément leur allouer toute notre attention, elles ont la vertu de contribuer à la diminution du stress et, pourquoi pas, de nous faire aborder tout travail avec plus de sérénité.

Les options ne sont pas incompatibles (ex : 2 et 4  ou 3 et 4 !).

Je n'arrive pas, pour ma part, à écouter de la musique sans y porter toute mon attention. C'est un acte volontaire, s'attachant à apprécier toutes les dimensions du morceau écouté (l'oeuvre elle-même, interprétation, la qualité du son,  les émotions, selon que le morceau de musique écouté est ou non en adéquation avec l'humeur, les questionnements du moment). Mais il est vrai qu'il est agréable quelquefois de se laisser emporter à vagabonder en laissant le sub-conscient opérer plutôt qu'une attention sans faille. C'est d'ailleurs parfois à ce moment que quelques émotions vraies peuvent nous surprendre au détour de quelques enchaînements de notes ou d'accords.

Symphonies de Beethoven par Bernard Haitink : une lame trop tranchante ?

Les éloges intarissables de la critique sur la lecture récente des symphonies de Beethoven par Bernard Haitink à la tête du London Symphony Orchestra (LSO) ont fini par m'intriguer au point de tenter l'écoute sur l'une de mes symphonies préférées : la troisième (Eroica) en mi bémol majeur.

J'avais été interpellé par une écoute en aveugle du deuxième mouvement (molto vivace) de la neuvième sur France Musique par le même chef à la tête du LSO (un des disques de cette intégrale des symphonies de Beethoven, visiblement produits par le LSO). Il n'y avait pas de parti pris possible à ce moment, et j'avais trouvé cette version très nette, volontaire mais sans autoritarisme. Un bel équilibre en quelque sorte.

L'écoute de l'enregistrement de la 3ème symphonie s'est avérée en revanche plus décevante. Les phrasés sont taillés à la serpe, les phrases s'arrêtent de façon brusque, sans la dynamique pourtant souhaitée. Cette symphonie ne respire pas. En outre, avec l'enregistrement qui restitue un son mat et confiné, on frôle la sensation d'étouffement.

Je suis peut-être resté trop classique et mon oreille s'avère certainement bien trop paresseuse pour imaginer un autre Beethoven. Bernard Haitink, dans une interview donnée en septembre, indiquait qu'il avait récupéré de nouvelles éditions des symphonies de Beethoven avec des indications plus précises de nuance et d'interprétation.

Même si j'ai toujours voué beaucoup d'admiration pour ce grand chef, notamment pour son humilité légendaire et son intelligence certaine du texte, je ne perçois pas, pour l'instant, l'apport fondamental de cette aventure avec le LSO. Certes, on pourra rétorquer qu'elle a le mérite de nous détourner des lectures trop germaniques en prenant ces oeuvres avec plus de détachement.

Je reste pour ma part infiniment attaché à l'intégrale que je n'ai découverte qu'il y a cinq ans et qui surpasse tout ce que j'avais entendu jusque là : celle enregistrée entre 1986 et 1987 par Günter Wand à la tête du NDR-Sinfonieorchester - label RCA Red Seal - 5 CDs - Günter Wand Edition. Quand on entend ce que ce chef obtient d'une formation allemande a  priori moins prestigieuse que les trois plus grandes phalanges (Berlin, Leipzig et Dresde), ces enregistrements on quelque chose de miraculeux. Certes, la troisième de Beethoven sous la direction de Günter Wand ne s'affranchit pas de la grande tradition d'interprétation germanique.  Günter Wand toutefois, apporte une touche personnelle avec une netteté des motifs, une dynamique, une souplesse et surtout une limpidité confondantes. Ces versions sont assez classiques mais ont une telle allure ! Le lien ci-dessus sur le site de BMG vous permet d'écouter des extraits sur chaque symphonie.

PS : question à l'attention de visiteurs experts en hifi : je trouve que, même sur une chaîne hifi musicale, les disques hybrides SACD / CD donnent un son encore plus plat et artificiel. A moins que je ne sois tombé à chaque fois sur des disques où c'est la qualité d'enregistrement même qui est moyenne ?

Offenbach et Minkowski : l'aventure continue

Après des décennies d'interprétation sirupeuses et approximatives de la musique de Jacques Offenbach, il faut attendre Marc Minkowski et ses Musiciens du Louvre pour nous faire enfin écouter les oeuvres du plus parisien des musiciens allemands sous leurs plus beaux attraits.

La direction d'orchestre vive, nerveuse et précise de Marc Minkowski, avec sa dose parfaitement dosée de malice, nous révèle le grand clacissisme de l'écriture d'Offenbach, dans la tradition des opéras bouffes mozartiens ou rossiniens. Le chef nous met bien en évidence cette filiation naturelle et "décrasse" nos oreilles du style trop flatteur et relâché des opérettes faciles.

Après les succès largement mérité des interprétations d'Orphée aux enfers, de la Belle Hélène et de la Grande Duchesse de Gerolstein (qui doivent aussi beaucoup, pour les deux derniers, à Dame Felicity Lott, Yann Beuron, comme à l'irrésistible mise en scène de Laurent Pelly), Marc Minkowski continue de servir dignement le nouvel éclairage en cours sur les oeuvres d'Offenbach, cette fois dans un répertoire plus "sérieux".

Dans le dernier enregistrement paru chez Deutsche Grammophon, sous le titre "Offenbach Romantique", le chef nous restitue des pièces célèbres (l'ouverture d'Orphée aux enfers) et d'autres moins connues (les Fées du Rhin , le Voyage dans la lune).

La pièce maîtresse de ce disque est le Grand concerto pour violoncelle dit "Concerto militaire". Compte tenu de la dispersion des oeuvres manuscrites après la mort du compositeur, il a visiblement fallu de longues années de recherche pour enfin reconstituer ce concerto dans son intégralité.  Offenbach avait la réputation d'être un des violoncellistes les plus virtuoses de sa génération. A l'écoute de ce concerto, on imagine les multiples chausse-trapes que doit surmonter l'interprète.  Ce concerto se laisse écouter, même si cette accumulation de prouesses techniques sur les trois mouvements, pendant près de 45 minutes, et son manque apparent d'unité se font au détriment du propos narratif.

Le solise, Jérôme Pernoo, épaulé par un Marc Minkowski prévenant et sans failles, est très convainquant. Il prend ce concerto à bras le corps et tente de nous raconter une histoire, malgré les multiples embûches d'interprétation qui l'attendent au tournant. Son style est alerte, touchant, sans excès de vibrato, et son intelligence du texte évidente.

Je n'ai pourtant pas été fasciné par ce disque, malgré ma grande admiration pour le travail de Marc Minkowski et les éloges de la critique professionnelle. A vous de juger.

Lien vers des articles du Monde et de Libération sur le concert donné fin décembre 2006 sur le même programme par les mêmes interprètes.

Lien vers des extraits directement tirés du site Deutsche Grammophon (track listing). Lien direct vers un extrait du premier mouvement du concerto pour violoncelle et orchestre.

Offenbach Romantique (ouverture d'Orphée aux enfers - Grand concerto pour violoncelle et orchestre "Concerto militaire" - Ballet et Grande valse des Fées du Rhin - Ballet des Flocons de neige du Voyage dans la lune - Jérôme Pernoo, violoncelle - Les Musiciens du Louvre - Marc Minkowski - label Deutsche Grammophon.

NB : la photo de couverture est splendide.

Sonia Wieder-Atherton en concerto et en... demi-teinte

Depuis le temps que j'en avais entendu parler, j'ai tenté l'écoute. En outre, j'ai suivi la suggestion d'Eitas dans son commentaire posté sur le présent blog où elle mentionne de façon très élogieuse la prestation de la violoncelliste Sonia Wieder-Atherton.

Commençons par le point positif : cela m'a permis de découvrir la splendide chanson hébraïque et, surtout la bouleversante première mélodie hébraïque de Maurice Ravel. Sonia Wieder-Atherton fait vibrer son violoncelle avec force, incarnant admirablement cette sorte d'élan lyrique et de mélancolie propre à ces oeuvres. Il n'y a rien de mièvre dans tout cela mais, au contraire, une force expressive indéniable. Malheureusement, l'orchestre, certainement par volonté de ne pas couvrir l'interprète, est parfois trop en retrait.

Finissons par les points plus nuancés : l'interprétation des concertos de Bartok et de Chostakovitch. Les phrasés amples, très étirés et le vibrato quelquefois exagéré de Sonia Wieder-Atherthon ne sont pas, à mon goût, appropriés pour interpréter ces oeuvres qui demandent un coup d'archet plus sec, des phrases courtes, vives, presque claquantes. En outre, l'orchestre manque singulièrement de nervosité (sauf à une ou deux reprises où il nous surprend à bondir de façon imprévue).

Il reste en tout cas que cette interprète a un style bien à elle et une vraie présence, même si je ne suis pas fanatique de la sonorité de son violoncelle. Elle revendique préférer le répertoire moderne. C'est vrai que c'est un exercice difficile car il faut conjuguer la technique avec la "musicalité" si spécifique à ce répertoire.

Le concerto de Bartok que je ne connaissais pas est en tout cas splendide.

A écouter surtout pour l'émouvante prestation sur les mélodies hébraïques de Ravel. Très courts extraits écoutables sur Amazon.fr.

Maurice Ravel - Chanson et mélodies hébraïques. Bela Bartok - Concerto pour violoncelle et orchestre (transcription du concerto pour alto). Dimitri Chostakovitch - Concerto N°1 pour violoncelle et orchestre. Sonia Wieder-Atherton - violoncelle. Sinfonia Varsovia Orchestre - Direction Janos Fürst (label RCA Red Seal).

NB : la photo de la pochette du disque est très réussie.

Carmignola / Marcon : les concertos pour violon de Vivalidi passés au Kärcher…

Pour ou contre ?

Le violoniste Giuliano Carmignola continue, avec Andrea Marcon à la tête du Venice Baroque Orchestra (sous le label Sony Classical puis maintenant Archiv Produktion), son intraitable travail de décrassage des concertos pour violon et orchestre de Vivaldi, nous « déterrant » même quelques inédits à l’enregistrement parmi un corpus de près de… 240 oeuvres. Après des décennies de suavité rose bonbon servie par les interprètes précédents sur instruments modernes, Carmignola use et abuse de sa virtuosité exceptionnelle ainsi que du son puissant et incisif de son Pietro Guarneri de 1733.

A voir le visage racé mais pas forcément sympathique de notre interprète, on voit (et surtout entend) tout de suite qu’il n’est pas vraiment là pour plaisanter… Les attaques de son archet sont d’un tranchant effrayant, le tempo frénétique et le phrasé affirmatif, quasi-autoritaire. Les concertos prennent alors une couleur radicalement différente, et se trouvent interprétés non plus sous le signe de l’emphase ou d’un chant un peu mièvre et convenu mais sous celui d’une vivacité décapante, non dénuée d’une certaine classe mais pas vraiment dans le registre « chaleureux ». On frôle parfois l’expéditif et on ne peut pas s’empêcher de reprocher à l’interprète de passer à côté de quelque chose, à savoir tout simplement une certaine musicalité qu’on aimerait bien plus souvent savourer. C’est pourquoi, sur les quatre disques qu’il vient d’enregistrer, il convient d’être assez sélectif et de ne pas forcément « avaler » l’intégralité de ses interprétations comme incontournables (c’est malheureusement le travers de la critique établie depuis trois ans, notamment chez Diapason).

Parmi les différents enregistrements, à retenir principalement le très intéressant disque consacré aux derniers concertos de Vivaldi (« Late Violin Concertos, Premiere Recording »). On retiendra plus spécifiquement, en toute subjectivité, le splendide concerto en ré mineur RV 273 (notamment le saisissant premier mouvement qui porte toute l’empreinte du style vivaldien et dont on ne se lasse vraiment jamais).

Très court extrait de cet Allegro non molto tiré du site Sony Classicals.

On notera également le disque hybride CD / SACD, consacré à Vivaldi, Locatelli et Tartini ("Concerto Veneziano") comprenant l'enregistrement décapant d'un des concertos les plus connus de Vivaldi, le concerto en si bémol majeur RV 583 (extrait tiré du site Archiv Produktion : le célèbre premier mouvement).

L'enregistrement le plus récent de Carmignola, paru cet été (label Archiv Produktion) prolonge cette opération d'investigation et de dépoussiérage sur les Numéros de RV de 331, 190, 325, 217, 303, concertos, semble-t-il, jamais enregistrés ? A noter, le largo du concerto en sol mineur RV331 où Carmignola suspend le temps et joue sur un registre finalement très subtil et fin.

Pour résumer, Carmignola est indéniablement un interprète d’exception (il est toutefois étonnant d’apprendre qu’il a été élève de Nathan Milstein, ce grand maître qui incarne pourtant musicalité et sensibilité absolue…), en osmose avec l’esprit baroque italien de la Sérénissime...  Son instrument a une sonorité puissante, expressive, presque autoritaire. Même si Carmignola sait rendre de belles nuances sur les mouvements lents, surtout les Largos (marque de fabrique des mouvements lents de Vivaldi),  sa "brusquerie" sur les mouvements rapides, certes intéressante, ne procure toutefois pas un plaisir renouvelé d’écoute car l'interprétation est souvent trop distanciée, sèche et hautaine. Disques donc à découvrir pour appréhender (le mot s’avère juste...) une facette méconnue de ces œuvres du prêtre roux mais pas forcément à considérer comme disques de chevet…

Lien vers Sony Classicals pour connaître une partie de la discographie et écouter des extraits musicaux.

Intéressant Clip video de 4 mn sur Carmignola, tiré du site Archiv Produktion.