Le poisson rêveur

Sous le choc de la Missa Fortuna Desperata

Je désire vous faire partager la superbe découverte que je viens de faire à l'écoute du dernier disque de l'ensemble the Tallis Scholars et dédié à Josquin Desprez. Il s'agit indéniablement de la Missa Fortuna Desperata et, plus particulièrement son Agnus Dei qui m'a provoqué un de ces rares choc émotionnels et qui constitue la quête de tout mélomane.

Cette messe est couplée avec la fameuse Missa Malheur me bat. Je propose de revenir brièvement à cette occasion à la note que j'avais faite le 26 novembre 2006 et qui louait les qualités indéniables du Clerk's Group sur cette même messe. Ce dernier apportait une élévation, une dimension presque poétique, avec un superbe fondu des voix (tout en respectant les impératifs de clarté de restitution de la complexité de l'écriture de Josquin Desprez), ainsi que des timbres presque irréels sur les aigus. Ils s'opposaient alors judicieusement à l'austérité, la froideur  et la rigueur implacable de leurs ainés du Tallis Scholars. Cette "opposition" est très nette sur ce dernier enregistrement.

La version des Tallis Scolars est en effet d'une netteté irréprochable mais de se permet aucune déviation dans le rendu des harmonies, avec un étalonnages des voix certes parfait mais justement sans surprise. Il est vrai que la Missa Malheur me bat constitue également l'un des archétypes les plus représentatifs de la facture propre à l'écriture du maître franco-flamand. Ecriture extrêmement savante, qui a influencé nombre de compositeurs de musique ployphonique et qui tent à plus s'ériger comme système. Systémique, c'est justement le qualificatif que l'on pourrait reprendre pour qualifier les Tallis Scholars par rapport au Clerk's Group ou, par exemple, à l'attachant Ensemble The Cardinal's Musick qui, quant à lui, excelle sur le répertoire aérien et céleste de Wiliam Byrd (cf. note du 12 avril 2007).

Pour revenir à mon "choc" salutaire, ce disque est alors surtout à recommander pour la Missa Fortuna Desperata, que je ne connaissais pas et qui constitue l'un des sommets de l'écriture polyphonique parmi toutes les compositions que j'ai pu écouter. Tout d'abord, Josquin Desprez prend le parti d'une grande plénitude sonore, remplissant l'espace d'une série de mise en accords des différentes voix sur des notes qui se prolongent bien plus qu'à l'habitude. La méthode semble simple mais elle apporte, au milieu des enchevêtrements complexes des voix par imitation, des moments "minimalistes" qui provoquent d'autant plus leurs effets que le contraste est marquant et surtout prolongé. Les différentes parties de cette messe s'avèrent alors captivantes, presque hypnotiques. L'Agnus Dei constitue le point d'orgue avec un niveau d'élévation spirituelle et de quasi abstraction, digne de compositions mystiques contemporaines.

La tenue parfaite des Tallis Scolars est alors tout à fait adaptée. L'expressivité n'a pas lieu d'être ici car l'audace de cette écriture demande plus un calage parfait des différents registres et toute déviation risque de dénaturer profondément le propos métaphysique de cette composition.

Un coup de coeur de plus que je recommande fortement.

Lien direct vers le site du label Gimmel Records pour en savoir plus.

Josquin Desprez : Missa Malheur me bat / Missa Fortuna Desperata - Ensemble vocal The Tallis Scholar - label Gimmel Records.

Les sublimes voix du crépuscule

Philippe Herreweghe signe, avec l'ensemble du Collegium Vocale de Gent, l'un des plus beaux enregistrements de ces derniers mois, sur un répertoire de compositions polyphoniques passionnantes. Il s'agit des Cantiones Sacrae sex vocum, composées à la fin de sa vie par Roland de Lassus.

Ces motets, écrits pour un effectif à six voix (effectif d'origine de quatre voix avec doublement du cantus et du tenor), constituent une merveilleuse synthèse des différentes inventions expressives qui ont toujours fait le caractère singulier de la polyphonie de Roland de Lassus, par rapport à des contemporains comme le romain Giovanni Pierluigi Palestrina qui, quant à lui, procédait à un déploiement plus linéaire et austère du champ polyphonique. Roland de Lassus avait en effet le génie de ciseler le chant polyphonique en articulant le rythme selon l'évolution du récit.

Les 14 motets qui constituent ce corpus, relèvent du même schéma, même si le maître, arrivant au terme de sa création et pressentant la mort, démontre moins d'audaces rythmiques et harmoniques, pour rechercher une certaine épure. La plupart de ces motets s'adossent à des textes sacrés, pour la plupart de l'Ancien Testament. Les motifs sont souvent initiés par un groupe de voix, repris ensuite en contrepoint, par imitation, par un autre groupe de voix pour conduire à cette forme de "tuilage" caractéristique du schéma polyphonique traditionnel. Toutefois, après avoir conduit les différents groupes de voix à suivre un schéma autrement plus complexe au fil du déroulement du texte, il les fait converger en accord par une magie fascinante à certains moments qui viennent ponctuer le texte.

La plupart de ces motets sont très aériens, portés par l'ampleur sonore singulière que procure un groupe de huit chanteurs (Philippe Herreweghe a opté pour une configuration doublant chacun des registres : Cantus, Alto, Tenor, Basse).

Philippe Herreweghe procède à une lecture d'une pureté et d'une transparence inouïes, avec une sobriété qui ne rime absolument pas avec la moindre austérité. Dans chacun de ces motets, Roland de Lassus révèle des climats très différents mais dont les couleurs sont déployées avec une délicatesse extrême. La cohérence et l'homogénéité du groupe de huit chanteurs du Collegium Vocale de Gent permet de savourer les moindres détails de ce subtil déploiement sur chacune des pièces exécutées. L'excellente qualité d'enregistrement vient ajouter une véracité saisissante avec la possibilité de savourer pleinement la plénitude sonore et les respirations de chacune de ces pièces.

Chaque motet est un véritable chef d'œuvre. Le niveau de recueillement qu'ils incarnent pour la plupart est extrême. C'est particulièrement le cas pour le Prolongati sunt dies mei, qui traduit de façon émouvante les douleurs et la lassitude de Roland de Lassus, affrontant une vieillesse qui chaque jour lui annonce l'inéluctable chemin vers la mort. L'Ad Dominum cum tribularer est saisissant par ses audaces harmoniques et son caractère presque madrigal. Les "traits aigus du guerrier, les charbons ardents du genêt" sont traduits par une ligne mélodique acérée et d'une dynamique incroyable. Le Vidi calumnias quae sub sole gerentur démarre avec presque toutes les voix en accord pour inonder l'espace sonore de leur rayonnement divin. Enfin, Roland de Lassus apporte une lumière éblouissante avec le Baetus homo, traduisant, avec les voix à l'unisson, la béatitude tant recherchée. Le Diligam te, Domine, avec ses dissonances et ses frictions harmoniques, emporte littéralement l'auditeur dans un vertige particulièrement troublant.

Ce disque est magnifique. Philippe Herreweghe, avec un travail minutieux, précis et d'une finesse exceptionnelle, nous révèle toute la force de ces pièces avec une évidence époustouflante.

Je l'ajoute aux coups de cœur 2009.

Lien direct vers le site d'Harmonia Mundi pour plus de détails.

Roland de Lassus - Cantiones Sacrae sex vocum - Collegium Vocale de Gent - Direction Philippe Herreweghe - Label Harmonia Mundi.

Da Pacem d'Arvo Pärt : le minimalisme mystique

Da Pacem est une des compositions d'Arvo Pärt et enregistrée en 2006 par Paul Hillier et l'Estonian Philharmonic Chamber Orchestra. Une amie m'a fait découvrir ce compositeur assez récemment, via son disque le plus emblématique : de Profundis. Le style de ce compositeur estonien (et naturalisé autrichien) peut être qualifié de minimaliste. Ses oeuvres sacrées déploient pour la plupart une grande ampleur et se caractérisent par un nombre très limité de modulations avec une tenue très longue des notes autour, très souvent, de l'accord parfait d'une gamme. Ces pièces sont donc très épurées et demandant une tenue exemplaire des notes par les différents groupes de voix du choeur qui les interprète. Paul Hillier parvient à obtenir avec son choeur la ligne pure ainsi recherchée, avec une grande homogénéité de timbres, servant ainsi au mieux le style très dépouillé des pièces écrites par le compositeur.

 

Dans ce disque, j'ai surtout été touché par le Da Pacem bien-sûr, mais aussi par le An den Wassern zu Babel, ample et ténébreux, qui évoque tout le mystère du plain-chant médiéval, ainsi que par le Nunc dimittis.

 

Quand on a l'habitude des compositions polyphoniques très savantes de la musique sacrée occidentale des XVème et XVIème siècles, ces pièces mystiques modernes fournissent une première impression de simplicité extrême, aux effets un peu "faciles", voire prétentieux. Force est de constater que ce minimalisme a une certaine cohérence esthétique, qu'il rappelle aussi les pièces écrites pour les grands choeurs de musique sacrée orthodoxe et que l'on peut plonger dans l'univers mystique qu'il suggère.

 

L'univers d'Arvo Pärrt se rapproche également, par certains égards, de la musique sacrée écrite pour choeur a cappella par Frank Martin (cf. note du 14 février 2007 sur sa messe à double choeur), même si cette dernière est tout de même guidée par une plus grande dynamique, un sens plus développé du contraste. Chez Arvo Pärt, l'univers créé est, selon les pièces, soit irisé de lumière, soit plongé dans l'obscurité du recueillement, et ce presque tout au long de la pièce écoutée, sans la moindre altération.

 

Lien direct vers Last.fm pour écouter le An den Wassern zu Babel, tiré du site youtube.

 

Autre lien vers Last.fm pour écouter le Magnificat.

 

Lamentations de la Renaissance

Le label Harmonia Mundi a eu l'excellente idée de rééditer, sous forme d'un très beau coffret, un recueil de quatre pièces polyphoniques, toutes dédiées aux Lamentations du prophète Jérémie. Ce poème biblique a inspiré de nombreux compositeurs de la Renaissance au Baroque (notamment Couperin avec ses Leçons des Ténèbres).

Quatre compositeurs sont donc interprétés par l'excellent Huelgas-Ensemble, sous la direction de Paul Van Nevel. J'avais déjà évoqué dans la note du 3 janvier 2008, le magnifique album qu'a sorti le même ensemble fin 2007 (la Quinta Essentia). Ces deux disques confirment à quel point cette formation vocale est certainement l'une des toutes meilleures sur ce répertoire. Ils ont une précision aussi fine et acérée que celles des chanteurs polyphoniques britanniques mais je retrouve plus de plasticité, moins de raideur et des voix sur des registres magnifiquement étalonnés.

Cette réédition m'a permis de découvrir une composition de Tiburtio Massaino, moine augustin, et dont la tonalité générale est d'une incroyable sérénité (alors qu'il s'agit, rappelons-le, d'une Lamentation). Ce compositeur recherche avant tout une certaine simplicité, un certain dépouillement. La Lamentation qui nous est restituée est à ce titre assez touchante.

Elle est suivie par un motet sur le même thème de Robert White. On y retrouve les richesses harmoniques très concentrées, resserrées du compositeur britannique. L'impression générale est donc celle d'une certaine rectitude, une forme d'austérité un peu distante.

Ce disque permet également de découvrir une version surprenante de ces Lamentations par Marbrianus de Orto, compositeur franco-flamand, axant sa composition sur des voix graves et imprimant, avec l'accompagnement instrumental, une solennité presque théâtrale.

Enfin, ce parcours se termine avec une superbe version de Roland de Lassus où l'on retrouve les couleurs, les audaces harmoniques et rythmiques propres à se compositeur.

Disque splendide et de très haute tenue avec une notice assortie de très belles reproductions de peintures de la Renaissance.

Lien direct vers plus de détails sur le site d'Harmonia Mundi avec possibilité d'écouter un extrait.

J'ai découvert qu'également l'intégralité de ces Lamentations de Jérémie composées de Roland de Lassus et interprétées par le même ensemble vocal peut être écoutée sur Youtube (!). La qualité n'égale bien entendu pas celle du disque (heureusement pour les ayant-droits...).

Lamentations de la Renaissance - Huelgas-Ensemble - Direction Paul Van Nevel - Label Harmonia Mundi.

Enregistrement inédit du Manuscrit Musical 130

Sous ce titre énigmatique se cache un disque récemment sorti chez K 617 et qui regroupe des psaumes écrits par Tomàs Luis de Victoria et qui n'ont jamais étés enregistrés. Les manuscrits, entreposés à Bibliothèque Nationale Victor Emmanuel II de Rome, et répertoriés sous le nom de code de Manuscrit Musical 130, sont connus depuis plus de trente ans par les musicologues spécialisés dans la musique polyphonique.

L'enregistrement de ces pièces sacrées sous le titre Ad Versperas, fait tout simplement doubler le nombre de psaumes du célèbre composteur espagnol portés à l'enregistrement.

Une attention toute particulière a été portée par l'ensemble vocal La Colombina qui interprète ces psaumes à la retranscription la plus fidèle de l'esprit dans lequel ils ont été écrits.

Ces pièces, pour certaines écrites pour plus de quatre voix, ont été enregistrées par ce quatuor de voix d'une qualité remarquable.

Comme le précise l'un des interprètes de l'ensemble vocal, Josep Cabré, dans la très intéressante notice qui accompagne le CD, l'objectif était de restituer l'architecture globale de ces psaumes constituant ainsi de "fausses vêpres" qui restituent l'élévation et la ferveur religieuses que le compositeur a voulu traduire.

Chaque psaume est systématiquement précédé d'une antienne et introduit par un bref plain-chant. Pour quelques pièces, comme la magnifique Ave Maris Stella (de Beata Virgine), le plain-chant vient régulièrement s'insérer et ponctuer la ligne directrice du chant polyphonique sans que ce soit choquant ou gênant. Cela correspond d'ailleurs à la pratique la plus courante d'interprétation pendant les offices au XVIème siècle.

Il n'y a rien d'exceptionnel dans l'écriture de ces psaumes. Ils sont presque tous calés sur la même construction : une voix entame le premier chant qui est ensuite repris en imitation successivement par les autres voix alors que la première s'engage sur des modulations différentes. Les options harmoniques du maître espagnol, si elles paraissent plus élémentaires et moins audacieuses que les compositeurs flamands ou français contemporains (comme Josquin Desprez, Roland de Lassus ou Nicolas Gombert) s'avèrent aussi plus aériennes, moins austères que Palestrina, le grand maître romain de l'époque.

On y retrouve donc tout à fait l'écriture aérienne, élégante et raffinée de Tomàs Luis de Victoria.

Parmi les psaumes enregistrés, on notera le Sancta Maria Succurre Miseris d'une beauté digne des plus belles cathédrales gothiques.

Ce disque est très intéressant et la qualité, tant des interprètes que de l'enregistrement, en font une des sorties remarquables de cette année.

Lien direct vers le site suisse disquoffice.ch pour écouter de (très) courts extraits.

Détail du disque sur le site du label.

Tomàs Luis de Victoria - Ad Vesperas - Le manustrcit inédit de Rome - Ensemble vocal La Colombina - label K617.

Cinquième livre de madrigaux de Gesualdo : dissonant et ténébreux

Faire le parallèle avec le cinquième livre de madrigaux de Monteverdi (cf. note du 10 mars 2008) revient à comparer la lumière avec les ténèbres. Le caractère fantasque et morbide de Gesualdo apparaît très nettement dans son écriture madrigale et ce cinquième livre n'échappe pas à la règle. Toutefois, la grâce et l'élégance de l'interprétation de la Venexiana font que les dissonances et les chromatismes de ces pièces paraissent sublimées. La tension permanente de ces madrigaux demeure mais la pureté de la ligne que maintient l'ensemble vocal italien permet de nous faire entrer sans violence dans l'univers tourmenté du compositeur halluciné.

Je trouve que ces madrigaux sont éminemment nocturnes, sombres. Ils incarnent même, par certains égards, une forme d'intensité presque mystique. Ceci est très révélateur dans la première partie du O dolorosa gioia.

J'ai été en outre particulièrement marqué par l'Occhi del mio cor vita ainsi que le Languisce al fin.

Placée sous le signe d'une grande intériorité, cette belle version de la Venexiana, qui confirme sa maîtrise de l'art madrigal, nous fait entrer en douceur dans le monde tourmenté, imprevisible et génial de Gesualdo.

Je recommande cette version si vous désirez aborder l'univers complexe de ce compositeur atypique au maniérisme très marqué, avant d'aborder une partie plus marquée de son répertoire avec des versions plus crues et restituant plus nettement la violence des sentiments qui a inspiré son corpus de madrigaux.

Le disque est sorti il y a maintenant plus de deux ans. C'est à l'occasion d'une nouvelle écoute plus attentive que je me suis permis de faire cette note.

Lien vers le site de Glossa pour plus de détails sur le disque.

Gesualdo - Cinquième livre de madrigaux - La Venexiana - label Glossa.

Heavenly harmonies : le ton juste

L'ensemble vocal Stile Antico vient de sortir un disque intéressant sous le titre "heavenly harmonies" et dédié à des pièces polyphoniques de Thomas Tallis et William Byrd. Le groupe vocal de 14 chanteurs (vaste effectif pour ce type de répertoire) met en évidence à quel point tout oppose ces deux compositeurs anglais de la période élisabéthaine. Sans tomber dans le piège des raccourcis, au style compact, prévisible et linéaire de Thomas Thallis, s'oppose donc la richesse harmonique, l'élévation et l'inventivité de Byrd. J'avais déjà eu l'occasion d'évoquer à quel point ce dernier avait apporté une vraie rupture dans la musique polyphonique anglaise du XVIème siècle (cf. notes du 12 avril 2007 et du 19 décembre 2007) en plus de sa rupture religieuses (William Byrd avait pris le risque de rejoindre l'église catholique).

Le choix des pièces, très "typées" pour chaque compositeur éclaire bien ces différences. Le fait d'alterner les brefs psaumes de Thomas Thallis avec des motets de William Byrd accentue la perception des contrastes.

De superbes motets de William Byrd nous sont révélés avec la plénitude et la richesse sonore de l'ensemble Stile Antico. Moins froids et solennels que les autres ensembles britanniques de référence dans ce répertoire que sont les Thallis Scholars ou The Cardinal's Musick, ils se rapprochent plus de l'ensemble Huelgas de Paul Van Nevel avec un chant mêlant subtilement fermeté de la ligne et rondeur des sonorités, une belle expressivité maîtrisée. Ceci est indispensable dans le cas de Byrd qui, tout comme Monteverdi en Italie, révolutionne la pratique en traduisant les affects via la musique et en bannissant une composition trop formelle et statique, conçue à l'origine pour être uniquement au service du texte.

C'est particulièrement évident dans ce qui constitue, selon moi, la pièce la plus belle du disque : le motet "Ne Irascaris Domine", modèle d'élévation divine et de finesse. Digne du gothique le plus rayonnant. A noter également l'autre pièce maîtresse, quant à elle d'une puissance impressionnante, l'imposant "Infelix ego". A côté de pièces aussi élaborées et limpides, les brefs psaumes de Thomas Tallis, semblent presque dignes de quelques chants simples que l'on chantonne dans les églises baptistes.

A partir du track 14, une messe de William Byrd (Mass Propers for Pentecost) s'interpose harmonieusement.

Très beau disque et prestation impressionnante de l'ensemble stile antico qui s'est généreusement lancé dans cette aventure polyphonique qui n'est pas forcément évidente du point de vue interprétatif.

Heavenly harmonies - William Byrd - Thomas Thallis - ensemble Stile Antico - label Production USA - distribution Harmonia Mundi - Super Audio CD.

Missa Cuiusvis Toni de Johannes Ockeghem

L'ensemble Musica Nova vient de relever le défi d'enregistrer, pour le label Aeon, la Missa Cuiusvis Toni de Johannes Ockeghem.

Le maître flamand de la musique sacrée polyphonique a écrit là l'un des chefs d'oeuvres les plus troublants de ce répertoire. Il a décliné la même messe, donc chacun des cinq thèmes de la messe associés aux offices du Kyrie à l'Agnus Dei, sur quatre tonalités différentes : ré, fa, mi et sol.

Les quatres variantes de cette messe nous sont restituées dans un même disque pour la première fois. L'effet de chaque tonalité fait que la même messe appraraît alors avec des couleurs et un climat assez différents et cet exrcice se révèle être, dans le domaine de la composition polyphonique, une prouesse vertigineuse.

L'adaptation à chaque tonalité n'est pas sans obstacles techniques pour les chanteurs (ex : changements dans les repères harmoniques...) et l'ensemble Musica Nova surmonte admirablement ces difficultés. Il restitue la pureté de chacune de ces messes de façon exemplaire, avec une corpus vocal de huit vois (deux sur chaque registre : basse, ténor, contraténor et soprano (cantus)).

Ma préférence reste pour la première version en ré, que je trouve plus lumineuse.

L'écriture de Johannes Ockegheim, qui a considérablement influencé les compositeurs français et flamands de la même époque, se révèle aérienne et élancée. Contrairement aux ruptures harmoniques, rythmiques ou dissonances que tenteront des Roland de Lassus ou Nicolas Gombert, voire Josquin Desprez, Johannes Ockeghem maintient des lignes vocales très homogènes et révèle ainsi un chant d'une certaine densité et de grande portée avec des harmonies de toute beauté.

Chacune de ces messes est un chef d'oeuvre.

Sur la complexité de l'exercice de déclinaison sur quatre tons, je vous renvoie à l'excellent livret qui accompagne le disque et rédigé par Gérard Geay.

Missa Cuiusvis Toni - Johannes Ockeghem - Ensemble vocal Musica Nova - label Aeon.

La Quinta Essentia : beautés célestes

Le groupe vocal Huelgas-ensemble, sous la direction de Paul Van Nevel, vient encore nous révéler de façon magistrale la beauté de trois styles très différents de chants polyphoniques.

Paul Van Nevel prend en effet le pari réussi de regrouper comme une forme de synthèse trois grandes options esthétiques qui ont guidé l'évolution du chant polyphonique de la Renaissance.

Trois messes, de caractères singulièrement différents se succèdent donc dans le dernier disque fascinant de l'ensemble flamand La Quinta essentia : la Missa "Tous les regretz" de Roland de Lassus, la Missa "Ave Maria" de Thomas Ashwell et la Missa "Ut, re, mi, fa sol" de Giovanni Pierluigi da Palestrina.

On entre dans la mystique de ces messes avec le plus expressif, fantasque et inventif des compositeurs de cette période (Roland de Lassus). Ce maître de l'école franco-flamande est celui qui aura tenté les plus belles audaces (ruptures harmoniques, changements de rythme) et qui aura le plus marqué ces messes de l'empreinte du chant profane en leur donnant une dimension plus humaine et théâtralisée. La missa "Tous les regretz" n'échappe pas à ces digressions soudaines, à ces changements de climats qui confère à la polyphonie flamande une plus grand familiarité avec l'auditeur qui se trouve alors en territoire connu avec les changements d'humeur liés à sa nature terrestre.

Avec Thomas Ashwell, Paul Van Nevel nous propose une transition avant l'approche la plus transcendante de Palestrina. On dispose de très peu de pièces du compositeur anglais qui incarne le plus le "gothique flamboyant" anglais, dans la lignée de William Byrd. Par rapport aux oeuvres de ce dernier, l'écriture d'Ashwell est plus resserrée, dense, un tout petit peu moins aérienne mais son contrepoint est d'une richesse et d'une complexité étonnantes pour aboutir à des harmonies et des ornementations étonnantes. Le divin s'incarne donc dans une forme de perfection plastique et de cohérence harmonique où, contrairement à de Lassus, les écarts ne sont pas de mise.

Le disque se termine avec la splendide messe basée sur l'hexacorde ut-ré-mi-fa-sol-la de Palestrina. Le compositeur romain, le plus austère des trois, aboutit ici à un niveau de transcendance impressionnant. Cette messe est d'une sérénité troublante, très homogène et d'une construction parfaite.

Paul Van Nevel conduit son ensemble avec une précision et un sens de la respiration exceptionnels. On tient là l'une des toutes meilleures formations vocales polyphoniques actuelles sur des registres de voix de taille déjà importante (14 voix). L'ensemble restitue un chant d'une finesse et une transparence absolues. Les voix sont parfaitement étalonnées et les messes nous sont restituées avec toute leur grâce et leur luminosité. Les nuances sont dosées avec une finesse extrême.

L'enregistrement est d'une qualité remarquable avec ce qu'il faut d'ampleur sans réverbération excessive. L'acoustique du lieu singulier de l'enregistrement (musée de l'Eau de Lisbonne) y est certainement pour beaucoup. En tout cas, il a fortement inspiré les interprètes.

Ce disque est fortement à recommander à tout amateur qui désirerait s'initier à la richesse de la polyphonie de la Renaissance.

Cet enregistrement est, je trouve, un des grands disques de l'année 2007.

Lien direct vers le détail du disque sur le site Harmonia Mundi avec possibilité d'écouter des extraits.

La Quinta essentia - Palestrina / Lassus / Ashewell - Huelgas-Ensemble - direction Paul Van Nevel - label Harmonia Mundi.

Un parcours dans la polyphonie anglaise du XVIème siècle

Après la note du 12 avril 2007 consacrée aux magnifiques Cantiones Sacrae et Gradualia de William Byrd par l'ensemble The Cardinal's Musick, l'itinéraire de découverte de la musique polyphonique anglaise peut être prolongée avec deux autres disques.

Tout d'abord, avant William Byrd, quelques précurseurs qui ont ouvert la voie vers les lignes épurées et élégantes qui caractérisent ces compositions anglaises du XVIème siècle, notamment sur la période très courte (1553 - 1558) où, sous le règne de Marie Tudor, l'Angleterre bascule sous l'influence du catholicisme. Des compositeurs fameux de cette époque où il était convenu d'écrire des compositions latines assez libres (psaumes, hymnes, répons...), sont regroupés dans un très intéressant CD enregistré par l'ensemble Jachet de Mantoue et sorti il y maintenant 3 ans.

Ces "Gentlemen of the Chapel Royal" ne sont autres que Thomas Tallis, John Sheppard, Robert Parsons, Christopher Tye et Robert White.

Ces différents compositeurs annoncent l'élégance et l'élancement propre à la polyphonie anglaise de la période Elisabéthaine, même si leurs oeuvres n'ont pas encore le degré d'achèvement de celles de William Byrd ou de Thomas Ashwell.

Des différentes pièces interprétées, j'ai noté les merveilles que sont le Miserere nostri de Thomas Tallis (piste 13), pièce d'une force et d'une intensité incroyable, véritable incarnation de la douleur et du tourment. A retenir également l'aérien et singulierAbsterge Domine (piste 4) du même compositeur avec ses développements complexes et dont l'architecture est digne du gothique flamboyant.

Enfin, je recommande particulièrement l'écoute du motet O bone Jesu (piste 5) de Robert Parson, atypique dans sa forme, construit sur la même structure que les antiennes avec un amen final, prolongé à l'unisson et saisissant de beauté.

L'ensemble Jachet de Mantoue confirme sa lecture pertinente de ces pièces et un travail soigné d'interprétation. Même si la direction musicale est britannique (celle de James Gowings), on y retrouve tout de même une touche française (ou tout au moins continentale), à savoir une interprétation plus expressive, incarnée que les ensembles vocaux d'outre-manche qui, quant à eux, axeront plus l'interprétation sur une plus grande linéarité, des voix plus instrumentales qu'humaines et incarneront peut-être davantage la nature trenscendante et céleste de cette musique.

Détail du disque sur le site du label Calliopé.

Pour prolonger la découverte de cette musique Elisabéthaine passionnante du milieu du XVIème siècle, je recommande également l'écoute du disque "Playing Elizabeth's Tune" où le Tallis Scholar interprète une série de messes et motets Willam Byrd (existe aussi en DVD).

La messe à quatre voix est splendide.

Lien direct vers le détail du disque sur le site du label Gimell avec la possibilité d'écouter des extraits.

Gentlemen of the Chapel Royal - musique sacrée anglaise en langue latine du XVIème siècle - Ensemble vocal Jachet de Mantoue - label Calliope.

Playing Elizabeth's Tune - Motets et messe à quatre voix- Ensemble vocal the Tallis Scholar - label Gimell.

Cantique des Cantiques de Palestrina

Pour continuer le périple sur les différents modes d'expression polyphoniques, je me suis cette fois attardé sur le Cantique des Cantiques (Canticum Canticorum) de Palestrina.

Réputé pour être un compositeur un peu austère, Palestrina propose une écriture de ces motets pour sept voix assez fouillée mais relativement monolithique, surtout en comparaison à un William Byrd ou un Roland de Lassus, quant à eux aériens et souvent inventifs. La texture des voix est serrée et les lignes mélodiques sont presque toujours regroupées en accords. Je trouve que l'impression est un peu comparable à celle rendue par Nicolas Gombert dans ses magnificats (cf. note du 1er mai 2007), même si les lignes harmoniques sont plus canalisées et qu'il n'y a visiblement pas la recherche de la plénitude de l'espace sonore ou des dissonnances chères au compositeur flamand.

Palestrina est visiblement soucieux d'une certaine unité de rendu et ne s'aventure que très peu dans des audaces harmoniques ou rythmiques. C'est ce qui fait que son écriture reste assez difficile d'accès car assez linéaire et compacte avec un contrepoint très maîtrisé. Elle se semble assez fortement se revendiquer de la ligne fondatrice du plein chant.

Quelques motets sont tout de même troublants et évoquent en évidence de belles envolées célestes. J'ai noté principalement le Vulnerasti cor meum (track 10) et le Surge Propera (track 15) et l'Adjuros vo (track 19). Le final du Quam pulchra es (track 27) est splendide de pureté.

L'Ensemble William Byrd qui interprète ces motets est d'excellent niveau et nous restitue ces cantiques avec une belle intelligence du texte.

Interview très intéressante de Christopher Jackson sur le site scena.org à propos de ce Cantique des Cantiques de Palestrina pour approfondir le sujet. Il rappelle à juste titre que le Cantique des Cantiques est tout de même une célébration de l'Amour qui se traduit aussi en termes physiques. Tout ceci est traité sur le mode d'une suggestion très codée et d'un raffinement extrême par Palestrina.

Palestrina - Cantique des Cantiques - Ensemble William Byrd - Disque enregistré en la Collégiale Saint-Martin de Champeaux - Label Jade.

Petite introduction aux intervalles parfaits

Petite note qui vient enrichir la rubrique polyphonies. Merci au weblog du Monde de Bra ! d'avoir déniché un épisode peu connu de l'histoire de la musique ancienne, revisité par quelques illuminés autour d'une table ronde télévisuelle : lien direct vers la note en question. Je ne connaissais pas cet épisode. Les puristes et le Père Blaise me pardonneront ce biais subversif.

Quadrivium : Motets de Guillaume Dufay revisités par Cantica Symphonia

J'avoue avoir mis du temps à me familiariser avec cette version d'une sélection de motets de Guillaume Dufay. Il s'agit de celle enregistrée par l'ensemble italien Cantica Symphonia, dirigée par Giuseppe Maletto (label Glossa).

Tout d'abord le livret du disque, somptueux mais particulièrement ésotérique avec la référence au Quadrivium. Si j'ai bien compris, le texte du mathématicien Guido Agnano fait référence à la prolongation faite par la musique ancienne des écarts et harmonies que restituaient quatre marteaux d'un forgeron qui avaient particulièrement attiré Pythagore et conduit aux bases de la gamme pythagorienne. Il se trouve que les poids de ces quatre marteaux étaient exactement proportionnels aux nombres entiers 12, 9, 8 et 6.

Vient alors toute l'analyse savante du mathématicien pour nous expliquer en quoi la composition polyphonique du Moyen Age, prolongée par Guillaume Dufay et ses disciples, s'inscrivait dans des règles de constitution de gammes qui reposaient sur les règles pythagoriennes. La note rappelle justement que les différentes voix devaient se superposer  en formant des intervalles d'octave ou de quinte, a l'exception des notes de passage.

Ce qui est finalement intéressant dans ce disque, à partir du moment où on notre oreille s'est exercée à l'écoute des polyphonies les plus élaborées (celles du XVIème siècle), c'est la relative simplicité du schéma polyphonique qui fait que ces motets apparaissent plus linéaires et plus bruts que ceux que composeront les Desprez, Byrd, de Lassus ou Palestrina entre cinquante et cent après Guillaume Dufay. Et pourtant, ce dernier va apporter les bases les plus élaborées de la polyphonie naissante au XVème siècle.

Ce qu'il y a de plus notable dans cette lecture italienne, ce sont la fraîcheur et le naturel des voix, un rendu plus "brut" que les ensembles vocaux britanniques (comme le Tallis Scholar), français (comme A Sei Voci) ou franco-britanniques (comme Jachet de Mantoue). Ces derniers se livrent à un travail minutieux et très léché dans l'agencement des voix. C'est un peu comme lorsque l'on compare un basilique romane à une cathédrale de style gothique flamboyant. Ce qui fait donc l'intérêt principal de cette interprétation et qu'elle conserve une respiration, un simplicité toute humaine qui convient particulièrement à ce répertoire, encore un tout petit peu prisonnier d'une forme de primitivisme médiéval avant de s'envoler définitivement dans cette sorte d'absolu auquel aspiraient les compositeurs au service du divin à l'aube de la Renaissance.

Les voix féminines sont dominantes, assez pointues et expriment une belle ferveur. La tonalité générale, le timbre, la couleur des voix sont singulièrement différents de ce que l'on a l'habitude d'entendre dans la polyphonie franco-flamande de cette époque. On peut légitimement ne pas aimer mais il est impossible d'y être indifférent.

Sur la trentaine de motets qui sont désormais catalogués, le groupe Cantica Symphonia en a sélectionné une quinzaine, de facture et de climats assez différents.

Ceux qui m'ont le plus marqué, par leur côté éclatant et particulièrement aérien sont incontestablement le magnifique Imperatrix angelorum, le Juvenis qui puellam et le Flos florum (motets à 3 voix).

Détail du disque sur le site glossamusic.com.

Guillaume Dufay  - Quadrivium - Motets à 3, 4 et 5 voix - Cantica Symphonia - Label Glossa Platinium.

Pilgrimage to Santiago : une belle expérience spirituelle et musicale

L'un des derniers albums de John Eliot Gardiner est dédié à une belle expérience à la fois spirituelle et musicale avec son excellent ensemble vocal The Monteverdi Choir.

En 2004, à l'occasion du 40ème anniversaire de ce choeur, l'ensemble entreprend de prendre la route de Saint-Jacques de Compostelle (Santiago de Compostela) en Galice. Partis du plateau de l'Aubrac, le groupe a cheminé via les Conques, la cathédrale de Rodez et l'abbaye cistercienne de Loc-Dieu en Aveyron pour ensuite parcourir les provinces au Nord de l'Espagne jusqu'à Santiago.

A son retour à Londres, le groupe a enregistré ce disque bien inspiré, regroupant des chants polyphoniques a cappella de différents compositeurs, pour la plupart du XVème et XVème siècles.

Ce disque est vraiment une réussite à plusieurs titres. Tout d'abord, on ressent à son écoute une vrai sensation de sérénité et d'élévation toute divine et l'ensemble des ces chants, pourtant de compositeurs de nationalités et de styles très différents, est assez homogène.  Ensuite, la qualité et la tenue exceptionnelles de ce choeur n'est plus à démontrer, et il restitue tous ces chants avec de la respiration, de l'élan, un vraie communion. Ils sont pourtant en nombre bien plus important que ne l'étaient les choeurs à l'époque de la Renaissance.

Comme fil rouge, John Eliot Gardiner a choisi, avec son ensemble, le Codex Calixtinus (ou Liber Sancti Jacobi : Livre de Saint-Jacques), datant du XIIème siècle. Il fait office de plein chant pour ponctuer les différents extraits des compositeurs sélectionnés. Le corpus ainsi constitué pour ce disque nous fait alors ressentir cette transition qui s'opère entre les racines médiévales de certains de ces chants, avec leurs attaches rustiques, et les élévations des plus récents, avec leurs harmonies les plus savantes et arithmétiques.

Nul doute que cette sélection reflète également la variété de styles que les pélerins auront aussi rencontrés lors de leurs périples.

Parmi les belles pièces, j'ai noté le splendide et irréel chant de sopranos dédié à la Vierge ("O Virgo splendens" du Libre Vermeil de Montserrat) (piste 2), la belle densité du "Jesu rex admirabilis de Palestrina (piste 6) et, surtout, la magnifique Missa O quam gloriusum du compositeur espagnol Tomás Luis de Victoria, avec un Sanctus (paiste 13) et un Benedictus (piste 14) prodigieux de grandeur et de recueillement. Ils rappellent étonnamment les mêmes passages des messes à l'homme armé de Josquin Desprez.

On notera également la veine très médiévale, presque primitive du "Rite majorem" de Guillaume Dufay (piste 7).

Ce disque fournit également l'occasion d'écouter des chants composés par l'espagnol Cristòbal de Morales (cf. note du 10 mars 2007, sur  la Missa de Beata Virgine), Roland de Lassus, Jean Mouton et Clemens non papa.

Si vous n'êtes pas familier (ère) avec la musique polyphonique de la Renaissance, ce disque peut être une belle introduction aux différents styles qui se sont réciproquement influencés aux XVème et XVIème siècles.

A écouter au plus profond de la nuit et à méditer avec la plus grande sérénité.

Lien direct vers l'écoute du Nesciens mater de Jean Mouton et du Parce mihi Domine de Morales, tirés du site officiel de The Montverdi Choir.

Pilgrimage to Santiago - The Monteverdi Choir - Direction John Eliot Gardiner - Monteverdi Production Ltd.

Lassus et Lechner par le Collegium Vocale de Gand

Concert mercredi soir dernier 23 mai à l'Eglise des Blanc-Manteaux. Au programme : des motets d'Orlandus Lassus (Roland de Lassus) et Leonhard Lechner interprétés par le Collegium Vocale de Gand, sous la direction de Philippe Herreweghe.

12 chanteurs de l'ensemble Collegium Vocale de Gand, dont le timbre et la tessiture ont visiblement été très soigneusement sélectionnés par Philippe Herreweghe nous ont permis de découvrir ces compositions polyphoniques avec une formation de plus grande ampleur. La plupart des pièces sacrées de cette époque (fin du quinzième siècles) sont écrites pour une ensemble de, tout au plus, cinq à sept chanteurs. Le corpus sélectionné pour Lassus est, comme son nom latin de Cantiones sacrae sex vocum, composé pour six voix. Philippe Herreweghe a donc pris l'option de doubler chaque voix. Avec un ensemble vocal de plus grande ampleur, le chef, grâce sa direction précise et son sens indéniable de la dynamique, parvient à nous faire écouter toute la richesse polyphonique des motets sélectionnés.

Le programme alternait des motets extraits des Cantiones sacrae sex vocum du maître Orlandus Lassus et une partie des Psaumes de Pénitence (Psalmus poenitentialis) écrits par l'élève Leonhard Lechner.

Je dois avouer que même si Ignace Bossuyt vante , dans l'excellente notice du programme, la richesse et la beauté absolue de la polyphonie tardive qu'incarnent ces psaumes de Lechner, je reste tout de même plus attaché à la "patte" de Lassus, à savoir une texture moins resserrée, des harmonies plus aériennes et une plus grande créativité (ex : ruptures soudaines de phrases, changement inattendu dans l'agencement des différentes voix imprimant un rythme différent).

J'ai particulièrement été marqué par l'Ad Dominum cum tribularer (Psaume 120) avec des accords de voix inscrits sur des harmonies très pénétrantes, incarnant pour moi vraiment une élévation divine. Il en est de même pour le superbe et puissant Cantabant canticum Moysi où Philippe Herreweghe imprime d'emblée une grande tension qui ne se relâche pas. De même le Vidi calumnias  quae sub sole geruntur surprend avec la brusque accélaration des voix à l'unisson dans la seconde partie, à l'attaque "Et industrias animadverti...".

Dans le cas de Lechner, ce que est le plus marquant c'est une écriture plus ramassée, compacte, avec les voix par groupe dont le compositeur resserre la tessiture. L'ensemble est assez austère, plutôt "terrien" (en opposition à un Lassus qui laisse plus volontiers s'échapper le céleste timbre d'une ou deux sopranos pour apporter la nécessaire élévation). Un seul motet m'a intrigué (Domine, ne in furore tuo arguas me - Psaume 6). Ce dernier a été écrit sous le signe d'une plus grande expressivité des voix, avec quelque chose de presque madrigalesque et une  style qui annoncerait presque le concitato que Monteverdi a développé dans la seconde pratique des madrigaux.

Très beau concert interprété par des chanteurs à la technique et la musicalité époustouflantes. Cette formation de choeur baroque confirme qu'elle tient le haut du pavé depuis presque quarante ans maintenant.

Philippe Herreweghe confirme qu'il est capable d'apporter un souffle, un éclat, une plasticité à ce répertoire assez technique et codé, par rapport à bon nombre d'ensembles vocaux finalement plus retenus et austères.

Quatre Magnificats de Nicolas Gombert : densité et dissonances

Après William Byrd (cf. note du 12 avril) qui révèle des sonorités aériennes et élancées, il est intéressant de découvrir le compositeur flamand Nicolas Gombert, disciple direct de Josquin Desprez et dont l'écriture est finalement assez opposée à celle de l'anglais. Ce musicien apprécie particulièrement une certaine densité, des tessitures très resserrées et la mise en relief d'une infinité de détails. Ceci confère à ses chants polyphoniques une texture incroyablement plus compacte que ses contemporains.

On ne sait pas grand chose de ce compositeur, si ce n'est qu'il était chanteur puis maître de choeur des enfants de la Chapelle impériale de Charles Quint et envoyé par ce dernier aux Galères parce qu'accusé d'avoir molesté un jeune choriste.

Le disque que j'ai découvert présente 4 Magnificats, chacun composé sur une tonalité différente du plein chant. Les climats restitués sont donc assez spécifiques à chaque Magnificat. Le premier, par exemple, s'inscrit complètement dans la grande tradition du double contrepoint qui sera ensuite très fréquemment utilisé par JS Bach dans ses cantates (deux voix qui partent sur leur propre mélodie, l'une directement construite à partir du plein chant, l'autre  beaucoup plus libre).

Pour ma part, ce style de polyphonie me touche moins que celle de Byrd, de Lassus ou Desprez. Elle est très ramassée et ne laisse pas d'échappatoires pour les quelques belles envolées célestes désespérément attendues, notamment du fait d'une concentration plus grande des voix autour du médium. Un point d'intérêt toutefois est la capacité de cette musique à générer des dissonances quelquefois intéressantes et troublantes. Elles résultent naturellement de cette sorte de frénésie que semble avoir le compositeur de remplir complètement l'espace sonore.

L'ensemble vocal britannique The Tallis Scholars qui interprète ces Magnificats est, comme à l'accoutumée, précis et scrupuleux de suivre le texte. Il parvient à retituer les nombreux détails de la composition de Nicolas Gombert tout en conservant une parfaite cohérence et une grande homogénéité.

Disque intéressant pour découvrir ce contributeur à la musique polyphonique européenne du XVIème siècle, même si sa musique est d'un accès plus difficile que certains de ses contemporains.

Nicolas Gombert - 4 Magnificats - The Tallis Scholars - Label Gimell .

Création d'une nouvelle catégorie du blog : Polyphonies

Pour plus de lisibilité dans le classement des notes, j'ai regroupé celles consacrées aux oeuvres polyphoniques sacrées ou profanes dans une nouvelle catégorie "Polyphonies". Les puristes me pardonneront volontiers d'y avoir inclus les enregistrements liés à certaines pièces de Claudio Monteverdi et Heinrich Schütz, plus assimilables au répertoire "pré-baroque" qu'à la musique purement polyphonique. J'y ai également intégré la note consacrée au compositeur contemporain suisse Frank Martin, tout à fait dans la lignée de ce style.

William Byrd : finesse et inventivité absolues

Je dois avouer avoir entendu parler du caractère exemplaire des compositions de William Byrd mais sans vraiment avoir eu l'occasion de les écouter. Mon parcours dans le monde de la polyphonie de la Renaissance a jusqu'à présent suivi deux lignes parallèles très classiques : 1) la première et seconde pratique des madrigaux italiens jusqu'à Monteverdi - 2) les compositions sacrées ou profanes des maîtres franco-flamands ou allemands (essentiellement de Lassus, Desprez, Ockeghem). J'ai également découvert la souche espagnole avec Cristobal de Morales (cf. note du 10 mars 2007).

Grâce au travail patient et accompli de l'ensemble The Cardinal's Musick et de leur excellent Volume 10 qui vient de paraître en février en France, cela a été pour moi un véritable choc (au sens salutaire du terme) que de découvrir l'écriture du compositeur anglais.

Au programme deux corpus : les Cantiones Sacrae de 1591 et les Gradualia de 1605. Ces pièces servent une liturgie catholique, ce qui à cette époque en Angleterre, tenait d'une certaine audace.

Le plus impressionnant dans ces différentes pièces est la variété de climats et de styles.

On retrouve aussi bien des chants aux harmonies resserrées avec un spectre étroit des différentes voix et qui incarnent alors d'un certain intimisme, voire une forme d'austérité. C'est le cas de l'Ecce quam bonum ou de l'émouvant Visita quaesumus, Domine .

On peut également entendre des pièces, au contraire, d'une grande complexité harmonique avec un champ d'expression élargi, une réel élancement, de l'énergie et des couleurs surprenantes. C'est le cas par exemple de l'Introit des Propers for Lady Mass in Easterside "Salve sancta parens" avec un fervent Alleluia .

Enfin, William Byrd prend des options foncièrement madrigalesques avec un tuilage de voix, des options rythmiques et expressives dignes de la seconde pratique instaurée par Monteverdi et ses disciples. C'est particulièrement marqué dans l'Apparebit in finem.

La constante de tout cela c'est la grande lisibilité, limpidité et élégance des trames harmoniques des compositions de ce maître. Tout est incroyablement plus chantant et naturel que les compositions flamandes et françaises. Il y a comme une fausse évidence une certaine simplicité apparente. Tout n'est qu'en apparence car le contrepoint est aussi savant que, par exemple, chez Josquin Desprez. Les élancements des voix sont plus aériens. La différence est immédiatement perceptible. Ces compositions sont vraiment sublimes.

L'ensemble The Cardinal's Musick sous la Direction d'Andrew Carwood est excellent et nous procure la même sensation, sur un répertoire au phrasé différent, qu'avec la Venexia.

Cela donne vraiment envie de découvrir les autres volumes de cette patiente intégrale commencée en... 1997.

Possibilité d'écouter le dernier motet "Laudibus in sanctis" sur le site Hyperion-records.

William Byrd - Laudibus in sanctis - The Cardinal's Musick - Andrew Carwood - Label Hyperion.

Cristobal de Morales : Missa de Beata Virgine

Concert hier soir à l'Eglise des Billettes dans le cadre des excellentes productions Philippe Maillard dédiées à la musique sacrée. L'ensemble Jachet de Mantoue, nous propose ce soir là une bonne partie du disque qu'ils viennent d'enregistrer et dédié à la Missa de Beata Virgine et une série de motets de Cristobal de Morales.

Tout comme ses contemporains, ce compositeur espagnol du XVIème siècle a été fortement influencé par le style du grand maître franco-flamand Josquin Desprez. Le très bon livret du label Calliopé qui accompagne le disque (repris dans le programme du concert d'hier soir), et rédigé par la musicologue Cristina Urcheguia, nous apprend que ce compositeur a joui d'une notoriété accélérée par une circonstance particulière : chanteur à la Chapelle Sixtine, Cristobal de Morales a pu bénéficier à Rome de l'avance qu'avait la ville pontificale en matière d'impression, donc d'édition musicale. Ceci a permis a ce compositeur espagnol de disposer d'une diffusion très vite étendue de son oeuvre en Europe, par rapport à certains de ses compatriotes à la même époque.

Le concert d'hier (tout comme le disque), est centré autour de la Missa de Beata Virgine, d'une ampleur singulière par rapport aux messes de la même époque, qu'il s'agisse de Josquin Desprez, Palestrina, de Lassus ou Ockeghem. L'ensemble Jachet de Mantoue a choisi une option tout à fait intéressante qui est de ponctuer le différentes parties de la messe de motets du même compositeur, dont beaucoup sont inscrits sous le thème de la déploration ou de la lamentation.

Ce qui marque tout de suite chez ce compositeur, notamment par rapport à son Maître Josquin Desprez, c'est le côté très "ramassé", sombre, et la coloration presque tellurique de ces pièces à 5 voix.  La Missa de Beata Virgine est d'une richesse harmonique indéniable. L'écriture polyphonique est assez riche. Il y quelque chose d'assez "corsé", dense, dans ces pièces et les envolées de voix quasi-célestes que l'on retrouve chez les compositeurs français et flamand de cette époque ne sont pas ici de mise. On est au contraire sous le joug de la souffrance, de l'intériorité même si les couleurs harmoniques ne sont pas absentes.

J'ai été particulièrement marqué par le motet Qui consolabatur me, démarrant par un accord sidérant à 5 voix, parfaitement amené par l'ensemble Jachet de Mantoue, et qui semblait surgir des ténèbres.

Les cinq chanteurs de l'ensemble ont bien pris leurs marques. Particulièrement, le ténor Thierry Bréhu, que j'ai déjà écouté à Beaune avec l'ensemble A sei Voci dirigé par le regretté Bernard Fabre-Garrus, est excellent. Il imprime une dynamique impressionnante et réussit à transcrire des nuances assez subtiles. Le contre-ténor Raoul le Chandec, forte personnalité, est très juste et touchant. Il apporte les élévations divines qui distillent un peu de respiration dans ce corpus tout de même dicté par une certaine morbidité (la touche espagnole).

En bis, L'ensemble Jachet de Mantoue nous interprète une déploration de Josquin Desprez sur la mort d'Ockeghem. Soudain, la lumière surgit, les voix célestes nous transportent. La coloration des voix change brusquement. Avec exactement le même ensemble de voix, on obtient quelque chose de radicalement différent. C'est toute la force et l'intelligence du texte démontrée par l'ensemble Jachet de Mantoue qui, avec précision, nous permet de découvrir à quel point les harmonies et contrepoints entre de Morales et Desprez sont différents. Ils en viennent à colorer l'ensemble vocal de façon si différente !

Très beau concert et disque également réussi.

Lien direct vers le détail du disque sur le site Calliopé.

Le chanteur britannique James Gowing (baryton) qui dirige cet ensemble prend des options très intéressantes. Ce disque vient en effet après des enregistrements dédiés à Jachet de Mantoue et à la musique anglaise à la cour d'Angleterre au XVIème siècle.

Cristobal de Morales - Missa de Beata Virgine - Ensemble Jachet de Mantoue - label Calliopé.

Chansons des frères Lawes : découverte du répertoire anglais du XVIIème siècle

Une nouveauté intéressante si vous désirez découvrir une partie du répertoire de la musique anglaise du XVIIème siècle : une sélection de chansons des frères Henry et William Lawes.

Ce disque du label britannique Hyperion propose également des airs pour luth, guitare et théorbe de compositeurs contemporains des frères Lawes. Le chanteur qui inteprète la plupart des airs est le contre-ténor Robin Blaze que j'avais déjà mentionné dans la note du 13 janvier consacré au volume 33 de l'intégrale des cantates de JS Bach par Masaaki Suzuki. Cet interprète, devenu maintenant un habitué de cette intégrale, se bonifie au fil des enregistrements. Le dernier disque consacré aux frères Lawes le confirme.

Le style de ces compositeurs anglais est intéressant car il se distingue de la seconde pratique des compositeurs italiens de la même époque (Monteverdi, Gabrieli...) en anticipant encore plus sur le chant baroque. La filiation est très nette avec, par exemple, les chansons d'Henry Purcell (ex : "oh solitude"). Il y a également une différence assez marquée avec le style français (ex : Anthoine Boesset, mentionné dans la note du 29 septembre). La seule caractéristique qui rappelle les racines plus "archaïques" de ces chants réside dans les mélismes, propres au répertoire ancien et qui disparaîtront au fil de l'essor du baroque (exemple caractéristique dans l'air en piste 11).

Sur les 27 airs (dont 8 sont uniquement instrumentaux), j'ai particulièrement aimé l'air N°4 ("Sweet, stay awhile" d'H. Lawes) où le chant de Robin Blaze, expressif, fin et rempli d'une juste émotion, rappelle presque le grand Carlos Mena (à la différence près qui est une technique inférieure avec quelques petites imprécisions dans les modulations). Cet air est particulièrement méditatif. Robin Blaze est également convainquant dans l'air "italianisé" en piste 14 ("Tavola: In quel gelato...) où il se montre léger et aérien comme dans la splendide chanson en piste 15, sûrement la plus belle de l'album ("Loves Sweet Repose...").

D'autres interprètes accompagnent Robin Blaze dans cet enregistrement : la soprano Rebecca Outram et la basse Robert Macdonald. Ces chanteurs sont justes et leur voix très naturelle est bien adaptée à ce répertoire qui s'inscrit dans le registre de la musique intimiste.

Les parties purement instrumentales sont splendides. Luth, harpe, guitare et théorbe sont joués par des interprètes d'une finesse et subtilité exemplaires, comme l'excellente Elizabeth Kenny. Le tout, couronné par le chant discret, mais présent, de quelques oiseaux en arrière plan, captés par les micros ! (très audible à la fin de l'air N°17).

Ce disque plonge l'auditeur dans une belle sérénité, avec des interprètes qui restituent ces oeuvres avec délicatesse.

Il est dommage que l'enregistrement manque singulièrement de relief et de profondeur.

A noter enfin la superbe synthèse opérée avec le dernier air faisant intervenir tous les interprètes de ce disque (N°27 : "A pastral Elegie..."). A l'écoute de cet air, Henry Lawes nous prend littéralement à contre-pied, nous composant un madrigal dans le plus pur style italien ! Il faut vraiment faire très attention pour noter qu'on est toujours en Angleterre, y compris sur la prosodie ! Quel air splendide et fascinant !

Disque qui mérite d'être découvert.

Lien direct vers le site Hyperion et le détail du disque avec possibilité d'écouter des extraits.

Songs by Henry and William Lawes - Robin Blaze - Elizabeth Kenny - Rebecca Outram - Robert Macdonald - Frances Kelly - William Carter - Label Hyperion.

Frank Martin : dans la continuité des grandes oeuvres sacrées du monde ancien

J'ai découvert le compositeur Frank Martin grâce à France Musique. Le disque le plus marquant est l'enregistrement de la Messe à double coeur a cappella et les Cinq chants d'Ariel, par le RIAS-Kammerchor, sous la Direction de Daniel Reuss (label Harmonia Mundi).

La Messe à double choeur se situe dans la tradition des grands chants grégoriens. D'une grande simplicité apparente, elle marque surtout par son ampleur, avec un double choeur qui se fait écho. Cette messe effectue une fusion passionnante de tout un héritage de la musique polyphonique depuis le moyen âge. Elle en devient comme intemporelle et son aspiration divine est fascinante.

Le procédé employé par Frank Martin s'inscrit dans la grande tradition de la musique modale. Il se rapproche, par certains aspects, du style employé également par Arvo Pärt dans ses compositions de musique sacrée. Il y a toutefois chez Frank Martin quelque chose de plus aérien, une élévation qui évoque l'élancement des grandes nefs gothiques. La lumière est également très présente dans cette messe. Elle surgit régulièrement au fil des contrastes des différentes sections. Le Kyrie est splendide et instaure de façon immédiate le climat général de cette messe. Le Credo ne peut nier ses racines médiévales évidentes, notamment avec la superposition des déclamations des ténors avec la trame continue des notes prolongées de sopranos. Avec le Sanctus, je ne peux m'empêcher de penser aux messes de Josquin Desprez (cf. note du 26 novembre 2006).

Les Cinq chants d'Ariel s'inscrivent dans une logique différente. Ils sont tirés de la Tempête de Shakespeare. Leur facture est plus contemporaine. Elles sont aussi plus rythmées et plus assimilables au registre profane car aussi plus expressives. Les sept notes chantées par la soprano dans le final du premier chant sont très singulières et interpellent.  Plus encore que dans la messe, chacun de ces chants entrecroisent les différentes voix pour aboutir parfois à des combinaisons harmoniques saisissantes. Le dernier chant, très court, est splendide.

Un point commun à ces deux oeuvres : leur composition est guidée par une notion d'apesanteur, un côté aérien qui donne à ces voix une origine immatérielle.

L'interprétation du RAS-Kammerchor est exemplaire. Daniel Reuss a réussi ici un splendide enregistrement. La qualité d'enregistrement est tout à fait acceptable, malgré une certaine réverbération.

Ces pièces de Frank Martin sont couplées avec Cinq Rechants et l'O sacrum convivium d'Olivier Messian, nettement plus ardus à mon goût.

Lien direct vers le site Harmonia Mundi pour le détail du disque.

Frank Martin - Messe à double coeur a cappella - Cinq chants d'Ariel - RIAS-Kammerchor - Direction : Daniel Reuss  - label Harmonia Mundi.

Giaches de Wert : un flamand transforme le madrigal italien

Le disque enregistré en 2002 par l'ensemble La Venexiana sur la Jérusalem Libérée de Giaches de Wert fut pour moi une véritable révélation. Habitué aux cycles des livres de madrigaux de Monteverdi, et surtout ceux qui, à partir du Vème livre, initie la seconde pratique, je ne connaissais que très peu son contemporain flamand, lui aussi résident de Mantoue.

Outre l'adaptation des poèmes du Tasse sur la Jérusalem libérée, thème également central de La Bataille de Tancrède et Clorinde de Monteverdi (cf. note du 5 novembre), ce disque nous révèle également de superbes pièces sous le titre de Il Pastore Fido, du poète attitré de la cour de Ferrare, Battista Guarini. Cette série de quatre madrigaux fait partie du XIème livre de Giaches de Wert.

Ce compositeur flamand, après de nombreux efforts, réussit l'exploit de se faire accepter comme compositeur reconnu et d'être nommé comme maître de chapelle à la cour de Mantoue. Son style de composition préfigure largement la petite révolution que Claudio Monterverdi et Sigismond d'India vont opérer dans le style madrigal : la musique n'est plus au service du texte mais s'imprègne peu à peu des affects, des traits de caractères humains pour nous annoncer, à l'échelle intime d'un groupe a capella, les futurs élans lyriques des opéras baroques.

A l'écoute des madrigaux de ce disque, on ne peut pas parler de révolution mais d'une douce transformation. La forme, la rhétorique des madrigaux classiques subsistent. Toutefois, des audaces harmoniques, un peu comme un Gesualdo l'a fait dans ses compositions hallucinées, apparaissant pour nous saisir et nous envelopper comme dans un rêve. J'ai particulièrement retenu le fascinant Cruda Amarilli (piste 12 et non 9 comme l'indique faussement le livret). Le tuilage caractéristique des voix initié à l'introduction, se prolonge avec un liant naturel particulièrement envoûtant. La rupture inattendue sur le "mas gritaran por mi las playas" (mais, pour moi pleureront les plages) nous projette déjà au style concitato de Monteverdi.

L'ensemble La Venexia, comme à l'habitude, est excellent de précision, de justesse, avec un déploiement très naturel, non forcé des voix et un étalonnage parfait des timbres. Ils ont une sorte d'élévation, d'élégance évidentes avec un phrasé rêvé pour ce répertoire.

A noter également le superbe Ah, dolente partita. Ces pièces du XIème livre nous laissent également imaginer le niveau d'excellence des dames de Ferrare et de Mantoue, interprètes d'exception de l'époque qui rivalisaient de virtuosité.

Le VIIIème livre, quant à lui consacré à la Jérusalem libérée, paraîtra plus austère, moins immédiatement expressif. Une écoute attentive permet d'en saisir toute la finesse, grâce, là encore, à la lecture intelligente et subtile de la Venexiana.

A noter en fin la très belle qualité d'enregistrement qui restitue les voix avec fidélité et relief.

Un disque vraiment splendide pour explorer l'écriture du madrigal en dehors des livres monteverdiens. Plus de détails sur le site du label Glossa.

Giaches de Wert - La Gersusalemme Liberate - La Venexiana - label Glossa.

Heinrich Schütz : Magnificat d'Uppsala et autres oeuvres sacrées

Petite merveille que ce disque du label K617 : l'ensemble la Chapelle Rhénane, sous la direction du ténor Benoît Haller, interprète une sélection d'oeuvres sacrées d'Heinrich Schütz qui sont de véritables joyaux.

Ce compositeur nous a laissé un corpus de pièces sacrées qui sont à compter parmi les oeuvres majeures d'une période importante de la musique, à la jonction des XVème et XVIème siècles. Il effectue une synthèse éblouissante entre la musique polyphonique allemande (comme française) et la nouvelle pratique initiée en Italie par Claudio Monteverdi et Giovanni Gabrieli. A l'écoute de ces oeuvres, on ne s'étonnera pas de découvrir qu'Heinrich Schütz a séjourné à Venise, étant pendant trois ans, l'élève de Gabrieli.

Le groupe le Chapelle Rhénane a fait un choix subtil et judicieux de pièces de climats très différents mais avec une constante, à savoir les louanges du Christ.

Comparer ces pièces, guidées par la liturgie luthérienne aux oeuvres italiennes de la même époque consacrant, quant à elles, la Vierge Marie est un exercice très intéressant. On découvre ainsi la synthèse extraordinaire faite par Schütz avec une écriture musicale qui allie avec une subtilité prodigieuse la rectitude, l'intériorité du style protestant du nord avec l'éclat, la verve des compositeurs catholiques du sud. Sans faire de "théorie des climats", je me permettrai simplement de dire à quel point j'ai été bouleversé à l'écoute des ces pièces dont l'écriture musicale extrêmement raffinée nous fournit une fusion passionnante des styles.

Dès la très belle première pièce, on entre dans ce climat si particulier (piste 1 : Herr, du bist vormals genädig geweist deinem Lande - Seigneur toi qui jadis as été favorable à ton pays - Psaume 85). D'une exaltation très maîtrisée, ce motet intrigue car il faut vraiment distinguer que le chant est en langue allemande pour en déduire que ce n'est pas du... Monteverdi.  Au milieu du morceau, la vitalité rythmique, avec ses effets de tuilage des voix comme dans les madrigaux, du "Dach is Ja seine hilfe..." (minutage 8' 10") illustre bien cette appropriation intelligente, pleine d'élégance est d'intériorité que fait Schutz du style italien.

Les quatre Symphoniae Sacrae sélectionnées dans ce disque, parmi un corpus de 21 motets, sont de véritables bijoux. Le plus impressionnant, selon moi, est le SVW416 (piste 6) (Herr, wie lang wills du mein so gar vergessen) qui démarre avec un climat sombre et recueilli pour basculer sans transition vers la lumière (au moment du verset "Doch ist Ja seine helfe"...). Comme suggéré par l'intéressante notice du disque, un parallélisme de certaines de ces Symphoniae Sacrae avec les pièces concertantes de la Selva Morale e Spirituale de Monteverdi permettra de comprendre ces influences évoquées précédemment. Extrait de ce motet tiré du site du groupe la Chapelle Rhénane. Je vous propose également cet extrait du motet SW 413 (piste 4) tiré du même site, avec, cette fois l'ampleur sonore apportée par les cornets et saqueboutes

Le groupe a également sélectionné quelques Concerts Spirituels qui sont des oeuvres très intimistes, composées pour voix seule (exactement le contraire des pièces précédentes qui reposent sur l'ampleur d'ensembles à plusieurs voix et avec un accompagnement instrumental fourni). Extrait du poignant "O misericordissime Jesu" tiré du site du Groupe la Chapelle Rhénane.

Le Magnificat d'Uppsala, enfin, prétexte au titre du disque, est une courte pièce qui effectue en quelque sorte la synthèse des différents climats restitués par les pièces 1 à 9. Extrait tiré du site du Groupe la Chapelle Rhénane.

Comme le précisent Benoît Haller et Alain Pacquier dans la notice, le génie de Schütz réside dans la simplicité apparente des procédés utilisés par le maître alors que la restitution des différents climats, l'agencement des voix et des parties instrumentales est parfaitement maîtrisée.  Son génie de la prosodie, avec une écriture musicale qui confère à la langue allemande une fluidité et une respiration comparables aux pièces italiennes, est tout simplement saisissant.

L'ensemble la Chapelle Rhénane est excellent, les chanteurs et instrumentistes très justes. Le tout est d'une cohérence et d'une homogénéité impressionnantes. La réverbération de l'enregistrement ne surprendra pas les amateurs de musique sacrée habitués à l'acoustique des églises.

Remarquable disque qui vient s'ajouter à mon chevet et, je l'espère de tout coeur, au vôtre.

Vous pourrez certainement découvrir d'autres petits trésors sur le site http://lecouvent.org/.

La page audio du Groupe la Chapelle Rhénane propose également d'intéressants extraits musicaux.

Heinrich Schütz - Magnificat d'Uppsala et autres pièces sacrées - La Chapelle Rhénane - Direction Benoît Haller (ténor) - label K617.

Messes de Josquin Desprez : justesse et beauté du chant du Clerk's Group

Si vous désirez pénétrer le mystère des messes polyphoniques de Josquin Desprez, il y a bien entendu la magnifique version de la Messe de l'homme armé par A Sei Voci, sous la Direction de Bernard Fabre-Garrus (Label : Astrée - Naïve). Le blog fait mention de cette version dans sa catégorie "Un monde qui change" (note du 17 septembre à l'occasion de la disparition de Bernard Fabre-Garrus).

Sinon, Josquin Desprez a également écrit deux autres très belles messes, interprétées par le Clerk's Group, sous la Direction d'Edward Wickham (label ASV / Gaudeanus) : Missa malheur me bat et Missa faisant mille Regretz.

Cet ensemble vocal britannique nous restitue ces deux messes avec une justesse et une intériorité remarquables. Il fournit une lecture très complémentaire d'A Sei Voci. Ce dernier prend le parti pris de l'expressivité, du recentrage humain des ces pièces ainsi que d'une certaine respiration. Le Clerk's Group est quant à lui plus fidèle à la lettre avec un interprétation en apparence plus retenue. Toutefois, la précision de la lecture polyphonique est supérieure et surtout la couleur vocale de ce groupe, si singulière, notamment sur les registres aigus, sert parfaitement la vocation sacrée de ces oeuvres.

Sur la Messe Malheur me bat, l'agilité parfaite du Clerk's Group est particulièrement bien illustrée dans le Gloria. Leur maîtrise de l'effet de tuilage des voix propre à ces messes polyphoniques est impressionnante dans le Sanctus & Benedictus. La messe, quant à elle, nous réserve un finale splendide (Agnus Dei).

La Messe faisant mille regretz représente certainement le plus beau des deux enregistrements. L'écriture musicale de Desprez est inouïe de bout en bout. Une rythmique singulière ponctue de façon égale chacune des invocations du Kyrie à l'Agnus Dei final. Le Sanctus & Benedictus de cette messe est certainement un des chefs-d'oeuvre de l'écriture polyphonique et Edward Wickham a pris des options parfaites d'intonation et de coloration vocale. C'est particulièrement net lors de la déclamation à deux reprises de l'Osanna in excelsis.

J'ai une réelle préférence pour la Messe faisant mille regretz, moins austère que la précédente et dont l'architecture sonore est plus audacieuse. L'enregistrement du Clerk's Group a également plus d'intensité sur cette messe, les voix étant rendues de façon plus nette et plus transparente.

Ces messes sont couplées avec des motets de Josquin Desprez, également intéressants à découvrir.

Ces deux disques permettent vraiment de se plonger dans le mystère de cette musique sacrée de la fin du XVème sièce qui n'est pas encore affranchie de ses racines médiévales.

Messes de Josquin Desprez - Missa malheur me bat et Missa faisant mille Regretz - Clerk's Group sous la Direction d'Edward Wickham - Label ASV /Gaudeamus.

Monteverdi : Gabriel Garrido apporte l’exaltation… et rétablit l’authenticité

Le 30 novembre prochain, la salle Gaveau organise un concert exceptionnel pour fêter les 25 ans de l'ensemble Elyma créé par Gabriel Garrido. Ce dernier a vraiment révélé ce qu’il peut y avoir de plus expressif et rayonnant chez Monteverdi . Cela peut choquer, mais l’énergie insufflée, couplée avec une sorte de rusticité, de côté un peu « brut », donne à ses interprétations des Vêpres, d’Orfeo ou de la Bataille de Tancrède un naturel confondant.

On a vraiment le sentiment de se dépouiller des travers d’une vision trop «baroquisante» ou lisse (ex : Christie voire même Alessandrini) de ces pièces célèbres de Monteverdi qu’on nous avait servie jusque là. On ne dirige pas les Vêpres comme on dirige le Te Deum de Charpentier !!

En effet, Garrido apporte une alchimie qui mêle habilement un rayonnement presque solaire, la fermeté de la ligne et le grain, les aspérités de la sonorité des instruments anciens quand ils sont poussés à l’extrême (ex : les fameux cornets des Sacqueboutiers de Toulouse...). On parle également, à son égard, d’apport d’une lecture sud-américaine, donc quelque peu « exaltée » et chatoyante, ce qui n’est pas complètement faux.

On est également à l’opposé d’un Jordi Savall, éminemment charmeur, danseur, sensuel… Approche qui, à mon sens, se conçoit beaucoup plus dans certains madrigaux (surtout le livre VIII).

Le choc de l’écoute des interprétations de Garrido est avant tout sur les Vêpres ("Vespro della Beata Vergine"), à considérer (avec tout subjectivité) comme nettement supérieure à celle de Christie et comme celle, plus récente, d'Alessandrini chez Naïve (particulièrement « prétentieuse ») où la recherche de perfection plastique pour tutoyer le divin s’avère finalement inappropriée.

La clé n’est finalement pas dans une forme de distanciation ou de tentative d’élévation via une sorte de « rhétorique » de la ligne claire où les notes doivent tomber au millimètre mais bien dans un hymne plus simple, presque rustique mais sincèrement exalté à la Vierge. Autant dans le cas des cantates de Bach, la théâtralité, la tension dramatique doivent être dosées avec précaution et le respect strict du texte révèle finalement encore plus la force divine des œuvres du Cantor (cf. catégorie Chocs- révélations sur l’évidence du style de Suzuki), autant pour la musique toute méditerranéenne du maître de Mantoue, non encore libérée de ses racines archaïques, c’est exactement l’inverse : on ne doit finalement pas hésiter à apporter la bonne expressivité et un recentrage sur les emportements et les faiblesses humaines…

Il ne faut également pas oublier que Monteverdi révolutionne « tout en douceur » la musique ancienne. La rupture trop directe vers le baroque n’est dons pas de mise…

Autres disques permettant de découvrir l’univers fascinant de l'écriture lyrique de Monteverdi, sous l’éclairage percutant de Garrido : l'Orfeo, mais aussi, et surtout une très belle version du chef d'oeuvre de Monteverdi : la Bataille de Tancrède et Clorinde sur un poème du Tasse. Le disque regroupe d'ailleurs une série de madrigaux écrits sur le thème de la Jérusalem libérée.

La version que nous délivre Garrido de la Bataille de Tancrède doit beaucoup au remarquable "Testo" (témoin, conteur) qu'est Furio Zanasi, passé maître dans les interprétations monteverdiennes et inégalé dans son phrasé, sa lecture parfaitement maîtrisés de cette pièce majeure. Zanasi a en outre le timbre idéal de baryton "haut", correspondant tout à fait à la coloration des voix masculines des intrerprétations solistes de cette époque. L'accompagnement instrumental frôle parfois le maniérisme (ex : les cordes des violes partant comme en "ricochet" dans le passage "Amico hai vinto...") mais l'ensemble est tout de même cohérent et soutient parfaitement les solistes.

A noter également dans ce disque, des pièces remarquables et troublantes comme la morbide "Là tra'l sangue e le morti" (là, agonisant parmi les morts) de Monteverdi avec ses descentes vertigineuses dans les ténèbres du mineur... ou, tout au contraire, le rayonnant, aérien "Era la Notte" d'Antonio Cifra.

Les trois disques mentionnés (les Vêpres, Orfeo et la Bataille de Tancrède) sont édités sous le label K617. Trois manières époustouflantes de revisiter l'univers lyrique et sacré monteverdien...

Disparition de Bernard Fabre-Garrus

Bernard Fabre-Garrus s'est éteint cet été en août. Je l'avais rencontré à Beaune en juillet 2000 à l'issue de la très belle version de la Messe de l'homme armé de Josquin Desprez qu'il avait donnée avec le choeur de la Maîtrise des pays de Loire. J'avais échangé avec lui sur l'élan qu'il avait insufflé dans son interprétation et on était tombé assez vite d'accord sur le fait que ce pari de l'expressivité était tout aussi respectable que le hiératisme extrême de la version (jusque là... ) de référence du Tallis Scholars.

Cet homme charismatique, calme, profond nous a donné de beaux concerts et enregistrements au cours des cinq dernières années.

A noter deux disques splendides, pour pénétrer le mystère de la musique polyphonique du XVIème siècle comme celui de la musique liturgique italienne du XVIIème :

Messe de l'homme armé - Josquin Desprez - A Sei Voci - Bernard Fabre-Garrus - Label : Astrée - Naïve.

Extrait : Sanctus (Missa l'Homme Armé super voces musicales)

Messa e salmi per li defonti - Mauritio Cazzati - A Sei Voci - Bernard Fabre-Garrus - Label : Studio SM.

Extrait : Introïtus

Quelques liens :

Lien sur le Label Naïve avec des extraits de la Messe de l'homme armé

Lien Abeille Musique avec des extraits de la messe et psaumes pour les défunts de Cazzati

Site officiel A SEI VOCI

Lien Abeille Info sur la disparition de B. Fabre-Garrus

Lien Goldberg : présentation de l'ensemble A SEI VOCI.