Le poisson rêveur

Morceau choisi N°28 : Allegro de la sonate en mi bémol majeur N° 52 de Joseph Haydn

La sonate Hob. XVI:52 en mi bémol majeur de Joseph Haydn constitue certainement l'un des chefs d'œuvre parmi les différentes compositions pour clavier qui ont été écrites au XVIIIème siècle.

Tout comme avec ses quatuors, Joseph Haydn préfigure d'une façon parfois fulgurante les grandes compositions romantiques. Le cas le plus marquant est la filiation évidente, dès les toutes premières mesures, de l'Allegro de cette sonate avec les compositions pour piano de Beethoven.

Comme toujours chez Joseph Haydn, on pourra y retrouver, sous l'apparence d'une certaine solennité, un humour, un second degré certains. L'essentiel dans le cas présent n'est toutefois pas là. Il réside dans l'ampleur, l'art de la nuance, le lyrisme qui annoncent clairement les trames narratives des grandes sonates de Beethoven et de Schubert.

Je vous propose la version suivante, impériale, résolue et d'une élégance rare de Sviatoslav Richter (source youtube.com).

Je recommande à cette occasion le magnifique disque que le pianiste russe a enregistré au Teatro Del Bibiena Mantova en 1987 (label Decca) et qui, outre cette sonate, comprend également les sonates N° 40, 41, 44 et 48.

Morceau choisi N°27 : valse de la Sérénade pour cordes en ut majeur opus 48 de Tchaïkovsky

C'est sans doute l'interprétation par Herbert von Karajan de la valse de la Sérénade pour cordes opus 48 de Piotr Ilitch Tchaïkovsky qui m'a initié à l'écoute de la musique classique. Cette version où le chef autrichien dirigeait l'Orchestre Philharmonique de Berlin, éditée par Deutsche Grammophon, était souvent écoutée par mon père et je me la repassais également en boucle, à l'âge de huit ans.  Elle a été récemment rééditée en CD, couplée avec la sérénade opus 22 d'Anton Dvořák.

Cette valse, typique de l'écriture de Tchaïkovsky, marque tout de suite les esprits par son élégance et son caractère particulièrement aérien. Les sonorités soyeuses et la plasticité extraordinaire du Philharmonique de Berlin, surtout sous la baguette d'Herbert von Karajan, servent cette valse à merveille.

J'ai écouté très récemment sur France Musique, lors du Magazine de Lionel Esparza du 27 octobre dernier, consacré au chef italien Daniele Gatti, une version dirigé par ce dernier avec le Royal Philharmonic Orchestra, encore plus saisissante avec des tempos allongés et une dynamique incroyable (label Harmonia Mundi). La sérénade est couplée avec la 6ème symphonie dite Pathétique.

Je vous propose de l'écouter ci-dessous.

Morceau choisi N°26 : You'd be so nice to come home to

La plus belle version que j'ai du magnifique standard de Cole Porter "You'd be so nice to come to" est celle d'Helen Merrill, avec son compagnon trompettiste Clifford Brown (l'un des plus grands), version de décembre 1954, label Emarcy Records  (l'un des tous premiers disques d'Helen Merrill d'ailleurs).  Sinon, je vous propose cette version trouvée sur youtube, tirée d'un superbe concert donné par Chet Baker en juin 1987.

Le chanteur et trompettiste est admirable de musicalité fragile et de minimalisme. Comme toujours à fleur de peau. Il bénéficie de l'accompagnement haut de gamme d'Harold Danko (piano), Hein Van Der Geyn (basse) et John Engels (batterie). Un an plus tard, Chet Baker sera trouvé mort à Amsterdam, après s'être défenestré.

Sinon, Helen Merrill a enregistré plus récemment une belle version (1994) dans le cadre d'un disque hommage à Clifford Brown (Brownie).

Extrait :

Morceau choisi N°25 : Adagio de l'Oratorio de Pâques BWV 249 de JS Bach

J'ai trouvé sur youtube cette belle version de l'Adagio de l'Oratorio de Pâques BWV 249 de JS Bach par un hautboïste d'exception, Marcel Ponseele, fidèle des fidèles du Collegium Vocale dirigé par Philippe Herreweghe (enregistrement datant bien d'au moins une bonne dizaine d'années...). Leçon exemplaire de simplicité, clarté et souplesse de la ligne. Toute la gravité de ce morceau nous est restituée avec une éloquence rare, sans afféterie. Superbe.

Le disque existe toujours au catalogue Harmonia Mundi, avec la grande soprano Barbara Schlick.

Morceau choisi N°24 : 2ème des Ballades Opus 10 de Johannes Brahms en ré majeur

Ma découverte des quatre Ballades opus 10 de Johannes Brahms s'est faite au travers du jeu fulgurant et dense d'Arturo Benedetti Michelangeli (enregistrement de 1981 sous le label Deutsche Grammophon). Ce fut un véritable choc et cette oeuvre dite de jeunesse de Johannes Brahms est d'une telle puissance expressive qu'elle m'a littéralement précipité dans l'univers de ce compositeur pour ne jamais vraiment le quitter.

J'ai trouvé l'interprétation de la 2ème Ballade en ré majeur (ma préférée) par Michelangeli d'un lyrisme fou et d'une intensité incroyable. La tension extrême ne fléchit jamais. La version que j'ai trouvée sur Youtube est malheureusement d'une qualité sonore médiocre mais on peut surpasser cet obstacle tant le jeu du pianiste italien est hypnotique.

Pour ouvrir un tout petit peut l'horizon vers une touche en apparence plus légère, plus méditative, moins sombre mais tout aussi poignante, je propose également une belle version live d'Emil Gilels.

Je trouve que ces deux versions se complètent admirablement.

Morceau choisi N°23 : l'andante con moto du 4ème concerto pour piano et orchestre en sol de Beethoven

Je viens de m'apercevoir qu'il m'a fallu attendre la 23ème note sur le thème "Morceau choisi" pour évoquer ce qui constitue pour moi un des chefs d'œuvres absolus, à savoir l'andante con moto du concerto en sol pour piano de Beethoven (le 4ème).

Ce mouvement d'une audace inouie a une portée métaphysique considérable. Je ne peux m'empêcher de faire référence à celui qui constitue selon moi le meilleur interprète de ce mouvement, à savoir Wilhelm Backhaus qui, à son propos citait Hans Richter. Ce dernier appelait le 4ème de Beethoven le "concerto grec". Dans le cas précis du mouvement lent, il mentionne l'image de la conversation d'Orphée avec Hadès pour la libération d'Eurydice puis... l'ouverture des portes de l'Enfer...

Concernant l'opposition très marquée entre la véhémence de l'orchestre et la sérénité implacable du piano qui préside dans la première partie du mouvement, on évoque volontiers la confrontation de l'homme, mortel mais à la rectitude souveraine, avec la colère des Dieux. On peut aussi, ce qui est un leitmotiv des concertos de Beethoven, se référer à une certaine vision panthéiste, avec le rapport de force entre l'homme et le déchaînement d'un nature divine aux forces surnaturelles.

Les deux moments forts de ce mouvement sont indéniablement quand le piano remporte cette confrontation délaissant l'orchestre (minutage 2' 28" de la version ci-dessous) avant d'engager les célèbres trilles et arpèges effrayants (2' 55"). Martha Argerich évoque dans ses conversations nocturnes (cf. note du 27 décembre 2008), que c'est l'écoute de ce passage précis de l'andante qui lui a procuré de tels frissons en concerts (elle devait avoir 8 ou 10 ans) qu'elle eut alors la révélation de ce que serait sa vocation de pianiste.

Une autre particularité de ce mouvement est un final qui n'est absolument pas conclusif mais conduit, au contraire, avec la reprise de l'orchestre, à une gamme dont les huit notes jouées par le piano conduisent à une interrogation angoissante.

Faute d'une version par Whilhlem Backhaus complète, je vous propose celle-ci enregistrée par Maurizio Pollini avec Claudio Abbado à la tête de l'Orchestre du Festival de Lucerne.

Le grand pianiste italien est un des interprètes majeurs de ce 4ème concerto (cf. sa version de référence avec Karl Böhm) avec également Claudio Arrau (Direction : Colin Davis à la tête du Staastskapelle de Dresde).

Sinon, je recommande chaudement la magistrale version de Wilhelm Backhaus et Karl Böhm, rééditée récemment chez  Unitel en DVD et dont j'avais parlé dans la note du 7 mars 2007.

Morceau choisi N°22 : Autumn leaves par Bill Evans ou Keith Jarrett

Il s'agit d'un grand standard du Jazz. Je pense qu'il n'y a peut-être aucun grand interprète de Jazz qui n'ait repris le désormais légendaire thème tiré de la chanson "Les feuilles mortes" écrite par Joseph Kosma avec des paroles de Jacques Prévert.

Je vous propose de comparer deux version à la fois très affiliées (l'influence du premier pianiste sur le second est certaine et revendiquée) et pourtant assez différentes.

La première, de Bill Evans, d'un tempo rapide, enlevé joue sur le swing et, surtout, dès l'ouverture, sur l'empreinte rythmique du fabuleux Eddie Gomez (certes moins fulgurant que le regretté Scott LaFaro). Même avec un tempo rapide, on reconnaît la subtilité du toucher de Bill Evans.

La seconde, de Keith Jarrett, très fouillée, joue sur la richesse harmonique avec le soutien rythmique plus marqué de la main gauche et une main droite qui déploie l'improvisation d'une façon incroyablement narrative. Par rapport à Bill Evans, le toucher est plus charnu, moins aérien. Keith Jarrett atteint une forme d'ivresse communicative. Il est accompagné par ses fidèles compagnons de route, Jack DeJohnette à la batterie et Gary Peacock à la contrebasse.

Morceau choisi N°21 : Pur ti miro

Ce duo du Couronnement de Poppée de Monteverdi est certainement l'une des plus belles arias jamais écrites à l'opéra. Les deux voix de soprano et d'alto s'accompagnent et se croisent avec sensualité, se confondant parfois, dialoguant aussi comme si l'une était l'écho de l'autre. Monteverdi initie ce procédé, tiré du madrigal, et qui sera maintes fois utilisé par les compositeurs de l'art lyrique pendant plus de deux cent ans après Monteverdi. Ce duo entre Néron et Poppée, à l'acte III, annonce inévitablement, par exemple, Fiordiligi et Dorabella dans Cosi fan tutte.

La version que j'ai trouvée sur youtube est tout à fait correcte. Il s'agit d'Ann-Sofie von Otter et de Mireille Delunsche, dirigées par Marc Minkowski à Aix en 2000.

Sinon, dans un disque récent enregistré par Christina Pluhar, la version de ce duo par Nuria Rial et Philippe Jaroussky est divinement aérienne.

Morceau choisi N°20 : "How long has been going on"

Parmi les chansons de jazz qui m'ont toujours particulièrement fait fondre figure "How long has this been going on" de George Gershwin. La révélation a été pour moi l'interprétation d'une sensualité inouie de la superbe chanteuse / actrice Lonette McKee dans le film Round Midnight de Bertrand Tavernier (1986), accompagnée notamment par Dexter Gordon (saxo) et Herbie Hancock (piano).

La seule version à peu près potable que j'ai trouvée sur youtube est celle de Judy Butterfield dans le cadre d'un concert qu'elle a donné au Lincoln Center de New York en novembre 2007. L'intérêt de cette version est le fait que la chanteuse démarre avec l'intégralité de l'introduction récitative qui contribue aussi au frisson que l'on ressent quand la mélodie démarre au minutage 00:59''.

On pourrait s'attendre à une version moins "juvénile" et cette belle jeune chanteuse américaine traduit inévitablement les "gimmicks" du phrasé en vigueur depuis environ une quinzaine d'année, à savoir une déclamation digne des mélodies passe-partout des productions Walt Disney.

Sinon, malgré un manque certain "d'émotion vraie", la tenue de voix est juste et le tout se laisse tout de même entendre.

Morceau choisi N°19 : l'ad genua du Membra Jesu Nostri de Buxtehude

Il y a un peu plus d'un an, dans la note du 2 novembre 2007, j'avais souligné à quel point je porte le Membra Jesu Nostri de Dietrich Buxtehude dans la catégorie des chefs d'œuvre.  La version dirigée par René Jacobs et enregistrée pour Harmonia Mundi est d'une pertinence rare.

En flânant sur youtube.com, je viens de trouver ce passage, justement dirigé par le chef flamand. Il s'agit de la partie "ad genua" (partie consacrée aux genoux du Christ). Je pense que je resterai toujours profondément marqué par le niveau de recueillement extrême de cette pièce.

On reconnaîtra notamment Andreas Scholl, Maria Kristina Kier et Gerd Türk qui ont pleinement contribué à la qualité de cet enregistrement.

Lien direct vers la vidéo (visiblement pas possible de l'intégrer dans la note).

Sinon, il est possible de se procurer le DVD, ne serait-ce que pour respecter la rétribution nécessaire des droits d'auteur.

Morceau choisi N°18 : Over the rainbow par Keith Jarrett

Le pianiste Keith Jarrett m'a permis de découvrir la plus belle et poignante version du célèbre Over the rainbow (tirée du film Magicien d'Oz - rél. Victor Fleming - 1939 / musique de Harold Arlen et paroles de E.Y. Harburg) de toutes celles que j'ai écoutées. La version donnnée en bis dans son enregistrement à la Scala est encore plus belle que celle-ci (tirée du site youtube).

Sinon, pour rappel, la version historique chantée par Judy Garland :

Morceau choisi N°17 : Andante du concerto pour violoncelle en ut de J. Haydn

Le deuxième mouvement du concerto en ut pour violoncelle et orchestre de Joseph Haydn est pour moi un chef d'œuvre absolu. Même si ce morceau est d'un pur classicisme, le "strum & drang" se profile nettement.

Comme avec ses quatuors à cordes, le maître autrichien trace de façon magistrale la voie à plus de cent ans de musique concertante classique et romantique.

J'ai retenu la version justement "romantique" de Mstislav Rostropovitch avec l'ensemble Saint-Martin in the Fields (enregistrement de 1981) et dont j'avais vanté les vertus musicales dans ma note du 2 janvier 2007.

Le site youtube permet d'écouter l'intégralité de ce mouvement. Même si vous êtes du genre baroqueux à préférer un coup d'archet vif, presque brut, au vibrato travaillé, et une interprétation soutenue à un tempo par trop étiré, vous ne pourrez tout de même pas être insensible à la voix unique du maître russe.

Sinon, la version, bien plus baroqueuse justement, de Jean-Guihen Queyras, mérite d'être écoutée.

Morceau choisi N°16 : My foolish heart - Bill Evans

J'initie avec ce N°16 l'introduction de standards de Jazz et interprètes qui m'ont le plus touché.

J'espère que vous partagerez les mêmes émotions.

Je commence par celui qui m'aura toujours le plus marqué : le pianiste Bill Evans, avec cette version d'une de ses plus belles interprétations de "My foolish heart" (chanson écrite par Victor Young et Ned Washington) et tirée du site youtube. Le son n'est pas terrible mais la densité du jeu de cet immense pianiste est bien là. Version avec Chuck Israel à la contrebasse et Larry Bunker à la batterie.

Morceau choisi N°15 : Soave sia il vento (Cosi fan tutte - WA Mozart)

Le trio vocal de Cosi fan tutte qui suit la marche militaire du départ des deux amants m'a toujours troublé. D'abord parce qu'il s'agit d'une des rares arias où Alfonso s'investit autant et, surtout, elle dégage une sérénité et une douceur surprenantes dans le contexte (les deux jeunes femmes se trouvent séparées brutalement de leurs amants).

La description suivante d'Annie Paradis dans son excellent livre Mozart, l'opéra réenchanté (éditions Fayard) résume parfaitement la singularité de ce magnifique air (p. 288) : "La barque n'est plus qu'un petit point sur l'horizon ; la brise s'est levée, caressante. Le clapotis des vagues berce le coeur meurtri, endort la douleur du départir. Alors, dans la quiétude du soir, un trio étonnant s'élève, andante, mi majeur, sur l'oscillation langoureuse des violons, et souhaite bon voyage aux fiancés : "Soave sia il vento", que doux soit le vent, tranquilles les ondes, que chaque élément réponde à notre désir (acte I, scène 6) [...]. Le déchirement des adieux trouve, semble-t-il, son apaisement dans cette tendre et voluptueuse mélodie. Pourtant sur le mot "désir", Mozart pose une dissonance qui s'étire avec langueur avant de trouver sa conclusion harmonique".

Ci-dessous, version tirée du Festival de Glyndebourne 2006. Don Alfonso - Nicolas Rivenq- Fiordiligi - Miah Persson - Dorabella - Anke Vondung. Il s'agit certainement d'un extrait tiré du DVD édité par Naxos.

Morceau choisi N°14 : Andante du concerto pour 2 pianos en ut mineur, Bwv1062 de JS Bach

Cela ne suffit pas que ma chère prof. de piano me donne la valse brillante de Chopin à travailler (cf. note du 7 mars 2008). Je suis également plongé en parallèle dans l'univers des concertos pour deux claviers de JS Bach, plus particulièrement l'Andante du concerto en ut mineur BWV 1062.

Pas trop trop "difficile"... tant qu'on joue seul et que le 2ème piano ne vient pas malicieusement s'enchevêtrer. Comme d'habitude chez Bach, il faut avant tout bien prendre ses repères avec les doigtés et laisser défiler la main droite en suivant les notes à chaque fois dans leur globalité et leur dessin. Faire du "note à note" est vraiment fatal. En plus de la sensation purement rythmique propre à Bach, il s'agit en fait d'un schéma mental à acquérir.

D'aucuns affirment que Frédéric Chopin introduisait volontiers des pièces de JS Bach dans des concerts où il jouait ses propres oeuvres. Ce qui est certain c'est que le compositeur polonais travaillait énormément sur JS Bach.

La boucle est bouclée.

J'en "bave" un peu et tente de gérer au mieux cet exercice schizophrénique entre la valse romantique aux racines slaves et le concerto allemand d'influence italienne.

Morceau choisi N°13 : Grande valse brillante de Chopin opus 34 N°2

Après maintenant 5 ans et demi de piano, ma chère professeur Pascale, m'a proposé de m'atteler à une pièce de Frédéric Chopin. Nous avons fait notre choix sur l'une des très belles valses qu'il a composées, la Grande valse brillante opus 34 N°2 en la mineur, dédiée à la Baronne d'Ivry.

La photo ci-jointe de ma partition démontre à quel point je dois en découdre.

Cette valse est indéniablement mélancolique et attachante et le plus difficile est finalement de tenir sur la durée.

Les efforts sont récompensés avec un plaisir indéniable lorsqu'on la joue avec ses belles harmonies. C'est bien une valse "noble et sentimentale" pour reprendre une expression célèbre.

Vous pouvez vous rendre sur pianosociety.com pour écouter cette valse interprétée par un pianiste allemand, amateur confirmé, nommé Harald Vetter et / ou télécharger la partition sur le site freescore.com.

La plus belle version que je connaisse est celle d'Evgeny Kissin d'un raffinement assez unique et téléchargeable depuis le site virginmega.fr (ou bien sur iTunes).

Morceau choisi N°12 : le Ballet des Ombres heureuses

La scène 2 de l'acte II d'Orphée et Eurydice de Gluck démarre par un désormais célèbre ballet émouvant, surtout au moment où la flûte se détache et s'évade dans un solo d'une grande mélancolie.

Ce "Ballet des Ombres heureuses" au titre si ambigu, représente une des plus belles sérénades composées dans la musique d'opéra du XVIIIème siècle.

Il illustre pleinement la "puissante simplicité" de l'Orphée de Gluck, pour reprendre les termes de Raphaëlle Legrand dans le livret qui accompagne la version récente dirigée par Marc Minkowski à la tête des Musiciens du Louvre (belle version à placer au côté de celles de John Eliot Gardiner).

Lien direct vers le site virginmega.fr si vous voulez télécharger ce morceau pour 0.99 €...

L'écoute du très bref extrait sur le site ne permet malheureusement pas de savourer le solo de flûte.

Morceau choisi N°11 : "Je te veux" d'Erik Satie

"Je te veux" d'Erik Satie est certainement l'une des plus belles valses qui aient été écrites. Comme toujours chez ce génial compositeur français, cette pièce d'un grand classicisme comprend une bonne dose de second degré. Le texte d'Henry Pacory est assez explicite et particulièrement "chaud" pour l'époque. Créée en 1903 à la Scala par Erik Satie, elle a d'abord été interprétée par Paulette Darty puis associée dans les années vingt à Yvonne George.

Je vous propose trois versions :

Celle d'Yvonne George (1925).

Celle, fameuse et dont je ne me lasserai jamais,  de Jessye Norman (1984) (plus à écouter qu'à regarder car la vidéo prise sur youtube, avec la pianiste aux mimiques invraisemblables, fait plus penser à un épisode de Benny Hill qu'à un concert classique...).

Une version pour piano seul, tirée également du site youtube (malheureusement un peu expéditive).

Bonne écoute.

Morceau choisi N°10 : l'air de Pamina et Papageno

L'air "Bei Männern, whelche Liebe fühlen" (Aux hommes qui ressentent l'amour) chanté en duo par Pamina et Papageno juste avant la scène finale du 1er Acte de la Flûte enchantée constitue pour moi un des plus beaux airs de cet Opéra et incontestablement un des joyaux de l'écriture lyrique de Mozart.

Tout y est : tout d'abord la trame musicale est un condensé du plus pur style mozartien, ensuite, on y retrouve toute l'ambigüité qui est bien sa marque de fabrique : il faut que ce soit Papageno, oiseleur un peu écervelé et naïf qui accompagne Pamina, dans une complicité quasi fraternelle pour glorifier dans cet air le but ultime de deux êtres de sexes opposés et qui est constituer un couple pour que mari et femme "atteignent à la divinité" (sic) : "riechen an die Gottheit an".

Mozart développe ici toute une mystique avec un air un peu composé comme un hymne. Il y a en effet dans ce duo quelque chose de certes touchant mais surtout de très solennel. Ne serait-ce que la courte mesure d'introduction à l'orchestre annonce le propos déclaratif de cet air. Magnifique morceau de musique d'un peu plus de 3 minutes qui, comme toujours chez Mozart, associe simplicité et mise en abîme d'une série de suggestions (comment ne pas penser à Mozart lui-même, épuisé et tiraillé lors de la composition de cette Flûte enchanté et cherchant peut-être à retrouver une sérénité personnelle et familiale révolue ?).

Parmi les versions de référence, on pourra comparer deux approches complètement opposées.

La première, celle de la version historique d'Otto Klemperer où deux chanteurs exceptionnels (Gundula Janowitz et Walter Berry) sont visiblement guidés par la solennité quasi religieuse édictée par le chef.

L'autre version, celle de Nicolaus Harnoncourt qui, en revanche, guide nettement ses interprètes (Barbara Bonney et Anton Scharinger) sur le chemin d'une sensualité débridée avec un tempo étiré à l'infini !

Lien vers un très cours extrait de cet air, tiré du site Amazon (version de Georg Solti avec Pilar Lorengar et Hermann Prey - Philharmonique de Vienne - label DECCA).

A noter que Beethoven a composé une série de variations pour violoncelle et piano sur cet air.

Morceau choisi N°9 : nocturne en do dièse mineur de Chopin Opus Posthume

Le Nocturne en do dièse mineur Opus Posthume et une des pièces pour piano qui me bouleversent le plus. La gravité presque morbide de l'ut mineur nuancée par les trilles si caractéristiques de Chopin à la main droite... Sans parler d'un passage étonnamment hispanisant.

Il existe d'innombrables versions, dont celle méditative, accrochée à un temps suspendu, de Pascal Amoyel (cf. note du 8 novembre 2006).

Il existe cinq différentes versions sur le site pianosociety.com. J'ai sélectionné la moins inaudible (même si elle est un peu trop lente à mon goût) : la première version. (Tout en bas de la page - Pianiste nommé Didier Brest).

Sinon, le site youtube.com permet de voir et écouter le grand Aldo Ciccolini magistralement interpréter (il y a pas mal d'années) ce nocturne avec la respiration, l'intériorité idéales et une main droite prodigieusement véloce. Encore une fois une démonstration du temps suspendu qu'il faut savoir imprimer sur Chopin. Tension n'est pas forcément synonyme de rapidité, bien au contraire.

Morceau choisi N°8 : Lamento della Ninfa

Il est certain que parmi les pièces à emporter sur l'île déserte, je prendrai en priorité le VIIIème livre des madrigaux de Monteverdi. Toutes les bases de l'art lyrique des trois siècles qui vont suivre sont déjà concentrées dans ce recueil de "madrigaux de guerre et d'amour".

Ma version de chevet reste celle de Jordi Savall, essentiellement pour sa sensualité et son mystère. Un jour où mon tempérament sera plus enclin au belliqueux, c'est alors celle de Gabriel Garrido qui l'emportera.

Mon introduction à ces chef d'oeuvre s'est d'abord faite en dénichant un disque en solde à New York il y a vingt ans : l'enregistrement fait par Edwin  Loehrer, à la fin des années soixante, avec l'ensemble Lugano Chamber Society Orchestra and Chorus (label Accord) . J'ai appris par la suite que cette version, couplée avec la Bataille de Tancrède et Clorinde, a toujours été considérée comme une référence dans la mesure où elle constituait un des tous premiers enregistrements à avoir fait redécouvrir ces splendides pièces (cf. également le lien direct vers Amazon depuis la colonne de droite du weblog, rubrique AU SOMMET). Il se trouve que la pochette du disque représente également un des tableaux de la Renaissance italienne qui m'ont le plus marqué, à savoir l'une des deux batailles de San Romano de Paolo Uccello (celle des Offices à Florence).

Toutes les pièces de ce VIIIème livre (arias, ballos...) sont splendides. Le choc a été pour moi, notamment dans la version d'Edwin Loehrer le Lamento della Ninfa, où la soliste soprano déploie sa complainte, accompagné par un choeur d'hommes singulièrement envoûtant.

Depuis, ce passage, gravé dans ma mémoire, demeure un de mes morceaux de musique chantée préférés.

Morceau choisi N°7 : la jeune fille et le Rossignol - Goyescas d'Enrique Granados

La découverte (tardive) des Goyescas pour piano de Granados, grâce à ma chère professeur de piano, fut pour moi un véritable choc. Les évocations poétiques de cette oeuvre sont vraiment envoûtantes.

On y retrouve aussi bien le style le plus romantique (ex : la jeune fille et le rossignol) que des passages annonçant la musique contemporaine (le magnifique et presqu'effrayant l'amour et la mort sur la partie 2).

Je ne me lasse jamais de La fin des Goyescas partie I (Los majos enamorados) avec le splendide air de la jeune fille et du rossignol. Cet air est repris de façon tendue et dramatique dans le chaos du début de la seconde partie (Los majos enamorados).

La plus belle version est incontestablement celle d'Alicia de Larrocha (label DECCA), puissante et saturée de couleurs vives, jusqu'au noir le plus profond. Le coffret de 2 CDs comprend également les célèbres suites Iberia et Navarra d'Albeniz.

Morceau choisi N°6 : Pagode (Estampes) de Claude Debussy

Ce morceau aurait inspiré Claude  Debussy à l'écoute de gamelans javanais.  La mode de l'orientalisme de l'époque imprègne de façon sublime ce morceau qui m'a marqué dès la première écoute. Il s'agit certainement d'une de mes pièces favorites de Debussy.

La pianiste qui m'a révélé cette oeuvre avec un très beau sens des nuances est Alice Ader qui a sorti en 1991 un enregistrement remarquable de différentes pièces pour piano de Debussy (Images 1ère et 2ème séries, Le Martyre de Sain-Sébastien, Masques, Estampes, Hommage à Haydn et Berceuse héroïque). Il est dommmage que la presse soit autant muette sur cette interprète que je trouve vraiment intéressante. Elle restitue à merveille la poétique des pièces de Debussy.

Lien direct vers l'écoute de Pagode tirée du site pianosociety.com. L'interprète est un jeune pianiste américain (Nathan Eckel). L'interprétation n'est certes pas celle de Laure Ader et la qualité sonore n'est pas exceptionnelle. Cela permet tout de même d'apprécier ce morceau sur toute sa durée.

Le lien ci-dessus vous permet également de télécharger la partition si vous pouvez la déchiffrer (document pdf au bout du lien "Pagode"). Ceci permet de voir comment Debussy transcrit au piano les caractères de la musique d'Extrême Orient.

Morceau choisi N°5 : La cathédrale engloutie

Il paraît que le morceau n'est pas très difficile à déchiffrer. Il doit être en tout cas infiniment plus complexe à interpréter, tant les évocations poétiques qu'il sous-tend sont nombreuses.

La cathédrale engloutie est un des morceaux les plus fameux et les plus spectaculaires du 1er livre des Préludes de Debussy. On ne peut s'empêcher de penser également à La grande porte de Kiev du Tableau d'une Exposition de Moussorgski. Le mythe de la cité dans la profondeur des eaux.

L'interprétation qui pour moi n'a jamais été égalée est celle de d'Arturo Benedetti Michelangeli (Deutsche Grammophon).  L'intégrale des Préludes de Debussy (volumes 1 et 2) par se pianiste figure parmi les sommets de la production discographique.

Des trois versions disponibles sur le site pianosociety.com, j'ai sélectionné celle interprétée par le pianiste américain Michael Hawley.

Lien direct vers l'écoute de cette pièce.

Morceau choisi N° 4 : Etude Opus 2 N°1 de Scriabine

Un des plus beaux morceaux de piano que je connaisse : l'Etude Opus 2 N°1 en ut mineur de Scriabine. Mélancolie, couleurs et respiration (avec un peu de "slavitude" pour parodier un néologisme à la mode).

Parmi les quelques versions enregistrées par Vladimir Horowitz, celle qui reste ancrée dans ma mémoire musicale a été enregistrée chez CBS il y a au moins une bonne trentaine d'années, et rééditée en CD en 1990.

Sinon, je vous propose d'écouter cette version tirée du site pianosociety.com par le pianiste norvégien Knut Erik Jensen.

J'espère que vous partagerez mon émotion à l'écoute de cette Etude.

Morceau choisi N°3 : 2ème Intermezzo Opus 118 de Brahms

Le 2ème Intermezzo en La majeur (Andante terenamente) des Klavierstücke Opus 118 de Brahms me plonge toujours dans un état d'émotion intense. J'en ai écouté deux belles versions en concert. L'une par Marie-Joseph Jude à Mogador il y a deux ans, volontaire et sombre. L'autre, il y a tout juste un mois au Théâtre des Champs-Elysées, jouée en rappel par Jean-Marc Luisada (cf. note du 22 mars 2007). L'interprétation de ce dernier était méditative et mélancolique. Très émouvante.

Ce morceau doit être une véritable gageure pour un pianiste. Comme souvent chez Brahms, on ne sait pas toujours très bien sur quel pied danser, tant ces splendides et amples harmonies sont complexes et la narration induite par la mélodie est dense.

C'est incontestablement une pièce d'un lyrisme éclatant demandant une finesse extrême dans le rendu des nuances.

Au disque, il semblerait qu'une version de référence soit celle de Julius Katchen, grand pianiste brahmsien, chez Decca.

Version intégrale relativement acceptable (avec un peu trop de pédale à mon goût) tirée du site pianosociety.com. La pianiste est Monica Alianello.

Si le coeur vous en dit, je vous propose également le lien direct vers la partition sous format pdf et tirée du même site.

Morceau choisi 2 : Arietta (1ère des pièces Lyriques Op. 12 de Grieg) : 1'30" de pure grâce

L'Arietta, première des Pièces Lyriques d'Edvard Grieg, ne fait qu'une page et n'est pas trop difficile à jouer (la preuve, je l'ai fait). Avec une certaine économie de moyens, elle s'avère très riche et d'une efficacité émotionnelle impressionnante. Elle plonge l'auditeur dans une ambiance très fin XIXème, avec une certaine mélancolie mais sans afféterie aucune. Parmi les quelques pièces classiques très courtes pour piano, je trouve qu'il s'agit certainement d'une des plus touchantes.

Ma version préférée est celle d'Emile Guilels (label Deutsche Grammophon).

Lien direct vers la "track list" sur le site Deutsche Grammophon avec la possibilité d'écouter un extrait.

Plus récemment (en 2005), le grand Aldo Ciccolini, du haut de ses 80 ans, a enregistré une troublante version de l'intégrale de ces Pièces Lyriques (label Cascavelle). Son Arietta est plus ombrageuse et empreinte d'une certaine forme d'amertume. Je préfère la fausse légèreté de Guilels.

Morceau choisi 1 : Adagio assai du Concerto en sol de Ravel - tendresse et surnaturel

Ouverture d'une nouvelle catégorie sur ce blog : "morceaux choisis".

Sans tomber dans la facilité de ne retenir que des bouts d'oeuvres en négligeant leur globalité, il vous arrive certainement de retenir une aria, une sinfonia, un mouvement d'une sonate, d'un concerto ou d'une symphonie, comme un moment de musique exceptionnel, à part entière, et que l'on emporterait bien sur l'île déserte.

Je propose de commencer par l'Allegro assai du Concerto en sol de Maurice Ravel.  La première écoute de ce mouvement m'a vraiment bouleversé et ses harmonies ont quelque chose de surnaturel.

Je savoure actuellement le fait de déchiffrer les trois premières pages de ce mouvement, quand le piano démarre par son long monologue, ponctué par ce rythme à trois temps de la main gauche, aérien et divin (cf. ci-contre une photo de ma partition annotée par ma chère prof de piano). On aurait fait dire à Ravel de ses oeuvres : "ne m'interprétez pas, contentez-vous de me jouer" tant ces dernières sont d'une grande pureté harmonique. Il est vrai que le rubato est hors de propos dans ce concerto. On dépasse les tergiversations des interprétations romantiques pour revenir à une posture nettement plus classique. Les harmonies sont saisissantes d'efficacité. Elles se suffisent à elles-mêmes. Il faut donc jouer très juste, tenter d'entrer le plus humblement possible dans l'intimité de cette pièce sans aucune vanité interprétative. La nuance est principalement dans le toucher, cette sorte de petit rebond sur les touches qui doit conférer un côté aérien aux notes jouées.

Je suis littéralement pris de frissons quand, dans le dernier tiers du mouvement, le hautbois reprend le thème que le piano avait interprété en introduction et que ce dernier l'accompagne d'une trille légère continue.

Ma version de référence restera toujours celle de Martha Argerich et Claudio Abbado avec le Philharmonique de Berlin (label Deutsche Grammophon), malgré une piètre qualité d'enregistrement . En la réécoutant des dizaines de fois, je suis toujours plongé dans une mélange étonnant de vive émotion et de sérénité. Tout ce que ce concerto a d'irréel, de diaphane dans le second mouvement n'a jamais aussi bien été transcrit par Martha Argerich. Son inspiration dans ce disque est absolue. Le faux détachement de son jeu et son extrême subtilité donnent un côté paradoxalement encore plus prenant à ce concerto.

Lien direct vers le track listing du disque sur le site Deutsche Grammophon. Possibilité d'écouter un cours extrait.