Le poisson rêveur

Un Baroque intimiste et coloré sous les doigts de Racha Arodaky

Dans le cadre du lancement de son disque consacré aux suites de GF Haendel, Racha Arodaky donnait un récital lundi 16 novembre au théâtre de l'Athénée-Louis Jouvet. Au programme, Georg-Friedrich Haendel, Jean-Philippe Rameau et Domenico Scarlatti.

Le choix de ces trois compositeurs, avec GF Haendel ouvrant et clôturant le concert, était particulièrement judicieux. Racha Arodaky nous a permis de comprendre la différence de climats, de couleurs entre ces trois compositeurs, d'ailleurs pratiquement nés la même année (seul Jean-Philippe Rameau, né en 1683, était de deux ans l'ainé de ses deux contemporains allemand et italien).

Le premier volet du concert, dédié aux suites en suites N°5 en mi mineur HWV 438 et N°6 en sol mineur HWV 439 de GF Haendel, initie le concert sous le signe de tout ce qui constitue l'essence de compositions pour clavier du compositeur allemand. Racha Arodaky révèle avec une finesse rare les splendides couleurs de ces sonates, avec le parti pris d'une approche intimiste, délicate.

On notera la très belle version de la suite N°6 en sol mineur HWV 439 cahier N°2, notamment l'Allemande d'introduction, d'une gravité mais aussi d'une grandeur inouies. Racha Arodaky nous rappelle judicieusement au piano moderne, avec les nuances que ce dernier permet, que GF Haendel était aussi un excellent organiste. La majesté avec laquelle cette Allemande se déploie rappelle inévitablement l'ampleur quasi-orchestrale de l'orgue. L'opposition main droite / main gauche sur cette Allemande fait aussi invariablement penser au chant, à une aria, incarnée par la main droite, dont le thème est repris par l'orchestre, les graves, jouées à la main gauche. Racha Arodaky imprime une tension impressionnante à ce mouvement, due en grande partie à un tempo assez allongé qui apporte comme une sorte de questionnement. On reste accroché au déroulement du superbe motif de ce mouvement du début à la fin.

Le concert se prolonge avec la suite en la mineur de Jean-Philippe Rameau, plus nerveuse, et qui se déroule comme un aiguillon, dont les tonalités plus vives, viennent en contraste avec le clair obscur et les couleurs fondues des suites de GF Haendel.

En troisième partie, Racha Arodaky nous transporte ensuite dans sa lecture sensuelle et délicate des sonates pour clavier de Domenico Scarlatti (sonates en fa mineur K 466, en do majeur K 159, en la majeur K208 et en ré mineur K1). On ne peut que se laisser séduire par la sublime sonate en fa mineur K 466 qui incarne à merveille cette capacité de Racha Arodaky à nous plonger dans une sorte de douceur contemplative.  Avec un jeu gracile, et une grande finesse de toucher, elle donne à ces sonates de splendides couleurs et instaure un climat au charme envoutant. Avec un jeu nécessairement plus articulé que pour GF Haendel, Racha Arodaky nous permet de savourer les belles couleurs méditerranéennes de la musique de Domenico Scarlatti et on sent une réelle intimité avec l'univers du compositeur napolitain.

Le concert se termine par deux suites de Haendel qui s'inscrivent plus, quant à elles, sous le signe de la virtuosité (suite N°5 en mi majeur HWV 430, et suite N°8 en fa mineur HWV 433). Racha Arodaky s'affranchit sans encombres des mouvements les plus difficiles, aussi bien musicalement que techniquement, qu'il s'agisse de la fameuse variation dite de l’Harmonieux forgeron de la sonate en mi majeur, que de la Fugue de la sonate en fa mineur.

En bis, outre le rappel de sa version de la sonate en fa mineur de Scarlatti et dont on ne se lassera jamais, Racha Arodaky fait preuve d'une audace aussi rare que rafraichissante dans le monde de la musique dite classique.

L'un des bis n'est autre que l'accompagnement au piano, sur une pièce de GF Haendel, d'une poésie arabe déclamée par Fadhel Messaoudi qui a rejoint la pianiste sur scène pour l'occasion. Cette magnifique tentative (déjà présentée au public dans le cadre d'un concert à la Fenice) de la rencontre de deux mondes que finalement beaucoup de points rapprochent, s'avère être une superbe expérience humaine et musicale. Les mélismes de Fadhel Messaoudi, raisonnent comme un plainte, que les notes délicatement distillées par le piano, viennent ponctuer. L'intensité émotionnelle de ce duo a indéniablement interpelé le public, et plongé la salle dans un silence impressionnant.

L'avant dernier bis était quant à lui des plus improbables mais d'un charme fou, avec Racha Arodaky se lançant dans le "Do it again" (George Gershwin), immortalisé par Marilyn Monroe, et s'accompagnant au piano. Clin d'œil malicieux et d'une sensualité qui n'avait rien à envier à la blonde américaine !

Le bis final, revenait aux maîtres baroques, et, inévitablement à JS Bach, avec la transcription de l'Andante de la deuxième sonate pour violon seul. L'ampleur là encore quasi orchestrale que prend le piano, rappelle inévitablement, les grandes compositions pour orgue.

Très beau concert, d'une artiste authentique et dont la générosité et la sincérité sont suffisamment rares pour être soulignées. Dans ma note du 28 septembre 2009, après avoir écouté en avant-première des extraits du disque enregistré par Racha Arodaky et consacré à des Suites de GF Haendel, j'avais déjà fait part de mon enthousiasme sur la façon dont Racha Arodaky poursuit son exploration de la musique des compositions baroques pour clavier.

A l'écoute complète du disque, sorti depuis maintenant environ un mois, je confirme à quel point cet enregistrement est une belle réussite. Comme pour le JS Bach de Murray Perahia, à l'issue d'une audition de ce disque de Racha Arodaky, on ressent une impression de sérénité et de plénitude rares. Ce disque fait indéniablement partie de mes coups de cœur 2009.

GF Haendel - Suites pour clavier - Racha Arodaky, piano - label air note.

Sept excellents chanteurs au service d'une interminable Armida

Concert samedi 10 octobre à la Salle Pleyel. Rinaldo Alessandrini, à la tête du Concerto Italiano, donne une représentation d'Armida, d'Antonio Vivaldi, en version concert. Il est accompagné d'un septuor de chanteurs au niveau assez éblouissant, tous italiens et maîtrisant en conséquence admirablement le phrasé lié au livret écrit par Giovanni Palazzi.

Parmi la vingtaine d'opéras italiens écrits par Vivaldi et exhumés de la Bibliothèque de Turin (sur un total que l'on estime sans doute à une cinquantaine), Armida al campo d'Egitto (Armide au camp d'Egypte) s'est avéré incomplet et a demandé un travail minutieux de reconstitution du deuxième acte.

La version intégrale, comprenant cette reconstitution réalisée par Rinaldo Alessandrini et Frédéric Dalamea était présentée samedi 10  octobre à Pleyel. Les trois actes se déroulent sur une durée totale d'un peu plus de trois heures, dont une partie significative est constituée de récitatifs.

De surcroît sur une version concert, ces récitatifs, s'ils ont la vertu de préserver l'intégrité de l'oeuvre et s'ils permettent de suivre l'intrigue particulièrement sinueuse, ont tout de même l'inconvénient majeur de s'avérer interminables et, je trouve, de moins en moins adaptés à la façon dont le public d'aujourd'hui écoute et perçoit ces œuvres.

Gérard Lesne avait eu l'audace de supprimer une bonne part des récitatifs dans le superbe enregistrement qu'il avait fait de Sedecia, re di Gerusalemme, oratorio d'Alessandro Scarlatti, avec l'ensemble Il Seminario Musicale (où l'on pouvait découvrir un certain... Philippe Jaroussky dont c'est certainement le premier disque). L'œuvre ainsi interprété gagne ainsi en densité et intensité.

Cela aurait pu aussi être le cas d'Armida. La seule limite toutefois étant de laisser alors peu de temps aux chanteurs pour se "ressourcer", compte tenu de la virtuosité diabolique des arias vivaldiennes. N'oublions pas que l'on est en concert et en temps continu, contrairement aux enregistrements.

Le concert du 10 octobre était en tout cas d'une très haute tenue (à l'exception du premier violon de l'ensemble qui ne me semble pas toujours juste, et ce n'est pas la première fois que j'ai cette impression). Le niveau des chanteurs était indéniablement excellent : Sara Mingardo (Armida), Furio Zanasi (le Calife), Monica Bacelli (Osmira), Raffaella Milanesi (Erminia), Marina Comparato (Emireno), Romina Basso (Adrasto), Martin Oro (Tisaferno). Seul Furio Zanasi, plutôt spécialisé d'habitude sur le répertoire de la musique ancienne italienne, excellent interprète monteverdien, semblait moins à l'aise sur les doubles et triples croches du prêtre roux. Il faut dire que le personnage qu'il campait, le Calife, roi d'Egypte, un peu falot et pontifiant, ne constitue pas vraiment une source de surpassement de l'art vocal. L'illustration de ce trait de caractère est l'aria qui clôture le deuxième acte où la voix du baryton est doublée avec un basson, sur un rythme appuyé et aux origines populaires et folkloriques indéniables.

On notera, au dessus du lot, outre la sublime Sara Mingardo au timbre androgyne unique et à la classe indéniable, une Monica Bacelli dont l'agilité vocale est confondante, et une Marina Comparato, dans le rôle important du Général Emireno, avec une voix bien timbrée, un phrasé travaillé digne d'une Bartolli et un sacré tempérament. Enfin, sur une des arias les plus sublimes de cet opéra, à la fin du premier acte, le contre-ténor Martin Oro a visiblement ému la salle par son interprétation fine et sensible, même si techniquement, on rêvait plutôt d'un Philippe Jaroussky...

L'opéra monte en intensité au fil des actes. Après un premier acte finalement assez ennuyeux, les deuxième et troisième actes déploient de véritables feux d'artifices vocaux qui poussent, crescendo, les interprètes aux limites.

La distribution homogène et la cohérence de bout en bout de la direction musicale font de cette interprétation une indéniable référence. A quand une version au disque avec la même distribution ?

Pollini sublime le 4ème de Beethoven

Concert mardi 8 septembre au soir à Pleyel. Au programme, une Composizione per orchestra N°1 de Luigi Nono, la 4ème symphonie en la majeur "Italienne" de Felix Mendelssohn et le 4ème concerto en sol majeur pour piano et orchestre de Ludwig van Beethoven. Les interprètes d'exception pour servir ces oeuvres ne sont autres que Ricardo Chailly, à la tête du Gewandhausorhester de Leipzig et Maurizio Pollini (piano).

D'expérience, l'association d'interprètes d'un tel niveau, sur un répertoire archi-joué, peut donner le meilleur comme le pire.

Ce soir du 8 septembre, le public ne pouvait être déçu, les interprètes ayant été largement à la hauteur de leur réputation.

En guise d'échauffement, les sonorités habituellement chatoyantes et timbrées du légendaire Gewandhausorhester ont dû pour un quart d'heure affronter le monde déstructuré et fantasque de Luigi Nono. L'ironie du sort a fait que lors de la phrase pianissimo d'introduction, où chaque note doit être pesée au milligramme, un portable encore actif dans la salle ait fait surgir la fameuse marche turque de Mozart dans des sonorités digitales. Difficile de ne pas succomber au fou-rire avec ce pied de nez de Wolfgang Amadeus par le truchement d'un opérateur de télécom...

Vient ensuite la fameuse 4ème symphonie de Mendelssohn. Ricardo Chailly emporte alors l'orchestre à une cadence assez élevée, tout en respectant scrupuleusement la dynamique et la pâte sonore propre à cet orchestre. L'attaque du premier mouvement surgit au premier coup de baguette avec un orchestre calé d'une façon sidérante. Cette belle machine ne faiblit pratiquement jamais, à l'exception toutefois surprenante d'un Con moto moderato au tempo étiré et à l'allure un peu paresseuse. Le final est éclatant, et la plénitude sonore, cette belle densité qui contribuent à l'identité de ce magnifique orchestre se révèlent pleinement grâce à l'acoustique phénoménale de la nouvelle salle Pleyel. Ricardo Chailly confirme son immense talent en réussissant, avec une belle alchimie, à associer le caractère soyeux des sonorités, une souplesse indéniable des phrasés et une tension nécessaire de la ligne. Le tout s'accorde admirablement avec l'élégance naturelle de la musique de Mendelssohn.

Le sommet du concert est atteint avec Maurizio Pollini, attrapant le 4ème concerto pour piano et orchestre de Beethoven à bras le corps pour ne jamais le lâcher. Tout au long du concerto, il réussit l'exploit de maintenir un équilibre parfait entre tension et dynamique. Les arpèges du premier mouvement sont d'une limpidité sidérante, les aigües d'une clarté cristalline. On pouvait craindre une certaine dureté chez ce pianiste, et qui peut être, quelquefois, irritante. Ce n'était absolument pas le cas. Au contraire, avec l'âge, en murissant ce concerto sur près de trente cinq ans (cf. sa première version au disque en 1974 avec Karl Böhm et le Philharmonique de Vienne que j'ai toujours en disque vinyle), il apporte à son jeu une densité extraordinaire, avec une puissance narrative éblouissante. Sa façon de reprendre le dessus sur l'orchestre dans le légendaire et singulier Andante con moto se révèle d'une subtilité extrême et fait qu'il arrive littéralement à suspendre le temps. Ce second mouvement qui, par son caractère quasi métaphysique, me transporte littéralement m'a, sous le jeu résolu et racé de Pollini, vraiment bouleversé. Il a d'ailleurs captivé la salle, plongée dans un silence profond et admiratif. Celui du souffle coupé face à une lecture aussi engagée, intellectuellement comme physiquement.

On peut regretter que malgré plus de cinq rappels de la salle, nous n'ayons pas eu l'honneur de nous voir accorder le moindre bis. On peut appeler cela de l'ingratitude ou de l'arrogance. Vu l'état de fatigue que révélait le pianiste à la fin du concerto, on peut aussi juger superflu afin de ne pas entamer la densité exceptionnelle du moment qu'il venait de vivre et de partager avec un public conquis.

Ce concert s'inscrit dans une série de "performances" de Maurizio Pollini à Pleyel sur la saison 2009 - 2010. Le prochain concert est le 13 octobre 2009.

Lien direct vers la critique de concertclassic.com.

Lien direct vers le post du blog Paris-Broadway sur ce concert.

18ème Nuit de la Voix : la piste aux futures étoiles

La 18ème Nuit de la Voix Orange s'est déroulée cette année le 23 juin dans un lieu insolite : le Cirque d'Hiver.

Cinq formations musicales soutenues par la Fondation Orange sont donc entrées tour à tour en piste pour nous faire découvrir des univers à chaque fois très différents mais aussi permettre à des directeurs artistiques de maisons de disques et organisateurs de festivals de découvrir leurs talents.

Certains de ces groupes jouissent déjà d'une certaine notoriété. C'est le cas de l'ensemble Contraste, dont j'avais parlé (cf. note du 8 janvier 2009) et qui assurait le rôle de fil rouge pendant la soirée, ponctuant l'enchaînement des différents intervenants, d'intermèdes sous le signe du Tango ou de la Milonga.  Le quatuor Contraste (Geneviève Laurenceau violon, Arnaud Thorette alto et direction artistique, Raphael Merlin violoncelle Johan Farjot piano, direction musicale), réalise à nouveau une belle démonstration à la fois de son inventivité musicale, de la pertinence de ses transcriptions mais aussi de son excellent niveau technique. L'aisance déconcertante avec laquelle il déploie sa lecture très personnelle de ces pièces du répertoire argentin procure une sensation singulière de liberté à l'écoute de pièces justement connues pour répondre à des codes très précis, harmoniques et rythmiques et auxquelles même les plus grands compositeurs comme Astor Piazzolla ne dérogeaient pas vraiment. L'excellent duo de chanteurs constitué par Magali Léger, soprano, et Alain Buet, baryton, est même venu se joindre à l'ensemble Contraste ).

Le spectacle commence par l'entrée du CREA d'Aulnay-sous-Bois, dirigé par Didier Grojsman. Cet ensemble de jeunes chanteurs, aussi bien à l'aise sur le chant choral que sur l'expression scénique, n'a rien à envier aux "institutions" comme la Maîtrise des Haut-de-Seine ou de Radio France. Ces choristes ont interprété avec justesse et enthousiasme des extraits du Tour du Monde en 80 jours de Louis-Dunoyer de Segonzac et de Marco Polo et la Princesse de Chine d'Isabelle Aboulker. L'apparente facture classique de ces pièces ne doit pas cacher une difficulté technique indéniable que ces jeunes chanteurs ont déjouée avec une fraîcheur indéniable. La cohésion du groupe et sa complicité avec le chef de chœur font partie de ces expérience humaines que l'on est heureux de vivre en "live".

Vient ensuite l'ensemble Aquilon (dirigé par Sébastien Mahieuxe) sur un répertoire en apparence austère mais particulièrement intéressant avec, un Salve Sancta Parens, composition corse du XVIIème siècle qui annonce les fameux chœurs corses modernes, aux sonorités capiteuses et envoutantes. Le groupe a ensuite enchaîné le superbe In te Domine spes d'André Campra, de loin la plus belle pièce qu'il interprète ce soir là, dont certaines audaces harmoniques sont vraiment sublimes, et un O amor, Elévation de Marc-Antoine Charpentier.

Le moment d'inflexion de la soirée vient alors lorsque l'excellent et surprenant ensemble Les Cris de Paris intervient, sous la direction du pétillant et drôle Geoffroy Jourdain. Avec un sens indéniable du second degré, il fait interpréter par son ensemble choral de plus de trente chanteurs des arrangement sidérants de "tubes" comme Can't get you out of my head de Kylie Minogue ou  Hung up de Madonna. Aux clins d'œil et références diverses de la mise en scène menée tout en finesse par Benjamin Lazar s'associe la direction chorale malicieuse mais hyper-précise de l'excellent Geoffroy Jourdain. Le public se déchaîne littéralement lors des applaudissements  clôturant la prestation impressionnante du groupe. Les arrangements plongent ces airs pourtant gravés dans nos mémoires d'anciens (et actuels) ados dans un univers presque onirique avec une finesse inouïe dans la transcription où quasiment chacun des trente chanteurs est amené à avoir une contribution unique dans des enchaînements de rythmes et d'harmonies particulièrement complexes. Très beau travail cohérent, d'apparence ludique mais qui doit demander un travail certain !

La soirée se termine avec la belle prestation de l'ensemble Les Paladins, dirigé par Jérôme Correas et qui s'est spécialisé dans l'interprétation de pièces inédites du répertoire baroque. Ce soir là, il nous fait découvrir des extraits du IIème acte de la Fausse Magie, comédie écrite par le compositeur belge André-Ernest-Modeste Grétry. Avec finesse et vivacité, Jérôme Correas nous fait découvrir quelques extraits savoureux de cette comédie, avec le soutient malicieux et la belle complicité d'un trio de chanteurs assez en forme (à nouveau Magali Léger , Alain Boyet, magnifique d'expressivité et surtout, l'excellente soprano Anna Maria Panzarella, qui joue une diseuse de bonne aventure truculente et très drôle). 

La soirée se termine avec un bel exercice regroupant toutes les formations qui se sont produites pour interpréter une transposition émouvante et singulière de La vie en rose, sous la direction de Geoffroy Jourdain.

Le public et été vraiment conquis, ce qu'on espère autant pour les auditeurs de Radio Classique et les téléspectateurs de Mezzo qui ont pu assister à ce concert en direct.

Bravo à la Fondation Orange et à Philippe Maillard Productions de nous avoir permis de découvrir le talent des ensembles qu'ils soutiennent. Souhaitons-leur de connaître un bel essor.

Cristobal de Morales : un espagnol qui s'est approprié le style franco-flamand

Concert mercredi 10 juin à l'Eglise des Blanc-Manteaux dans le cadre des Grands Concerts Sacrés produits par Philippe Maillard. Philippe Herreweghe, à la direction du Collegium Vocale de Gand nous fait découvrir des motets et la Missa "De Beata Virgine" de Cristobal de Morales.

Ce compositeur espagnol, qui a séjourné lors des premières années de sa vie à Rome, notamment comme chanteur à la Chapelle Papale, a ensuite, de retour en Espagne (Malaga), connu une réelle consécration en Europe. Il fut certainement le premier des compositeurs de musique polyphonique sacrée à bénéficier d'une très rapide notoriété de son vivant notamment grâce aux développements de l'imprimerie, contribuant à largement diffuser ses créations, d'ailleurs assez prolifiques (plus de 200 pièces répertoriées dont 23 messes).

Cristobal de Morales a tiré son inspiration musicale des grands maîtres franco-flamands, surtout Josquin Desprez mais aussi Jean Mouton ou Nicolas Gombert.

J'avais déjà mentionné la Missa De Beata Virgine dans le note du10 mars 2007, à propos de son interprétation par l'ensemble Jachet de Mantoue.

Philippe Herreweghe nous fait découvrir le Salve Regina et quatre autres motets en plus de la messe pour nous permettre d'appréhender les différentes facettes des compositions de Cristobal de Morales. Par rapport à un Roland de Lassus ou, bien entendu, un Josquin Desprez qui ont marqué de leur forte personnalité les œuvres qu'ils ont composées, Cristobal de Morales ne fait pas vraiment sortir de spécificités qui permettraient de qualifier clairement son style. On parle de touche espagnole, avec une certaine gravité ou austérité. Ceci est perceptible par moment mais non systématique. Le ténébrisme du superbe "Lamentabatur Jacob" fait certes inévitablement penser aux couleurs sombres, à la noirceur typiques du style dit "hispanique". Le plus marquant chez Cristobal de Morales, et qui rappelle bien ses filiations avec, par exemple un Nicolas Gombert, est indéniablement la texture resserrée de ses harmonies.

Il ne s'écarte que très rarement de la ligne principale, à savoir les accords de voix qui se succèdent et se recouvrent par imitation et on le sent plus à la recherche d'une certaine densité, que d'une inventivité harmonique ou rythmique, contrairement à un génie comme de Lassus, capable de toutes les audaces. Les motets de Cristobal de Morales sont indéniablement d'une haute tenue, ce dernier ayant parfaitement assimilé la rhétorique de la polyphonie franco-flamande. Toutefois, ils sont invariablement prévisibles. L'émotion passera plus par un certain lyrisme, les choix d'accentuation de certains phrasés, cette densité des sonorités que par le croisement savant des lignes.

Philippe Herreweghe fait le choix extrêmement judicieux d'imprimer une tension permanente mais parfaitement dosée, de rechercher un certain relief sur le phrasé, la prosodie latine. L'ensemble de ces motets se révèle de façon assez homogène. Comme toujours chez ce grand chef, l'interprétation est particulièrement aérienne, inspirée avec une belle souplesse dans l'inflexion des différentes voix. Il nous prodigue à nouveau une leçon magistrale où il associe avec subtilité tension de la ligne et plasticité des voix.

Comme toujours, le Collegium Vocale de Gand est d'un niveau technique inouï et nous transporte dans sa capacité à rendre les innombrables nuances que révèlent ces compositions sacrées.

J'ai eu le grand plaisir (et honneur) de rencontrer Philippe Herreweghe au lendemain de ce très beau concert et vous ferai partager très prochainement la chronique que j'ai rédigée à la suite de cette interview. Avec notre discussion passionnante et le temps qu'il a eu la gentillesse de me consacrer, on dispose d'un bel éclairage sur les problématiques liées à l'interprétation de ce répertoire.

Bravo encore à Philippe Maillard Production et à la Fondation Orange de nous permettre d'écouter des concerts d'une si haute tenue.

NB : pour vous faire une impression des compositions de Cristobal de Morales, vous pouvez entendre sur Spotify l'intégralité de la Missa Mille Regretz qu'il a composée à partir de la même messe de Josquin Desprez et interprétée par l'ensemble britannique Hillard Ensemble.

Arcadi Volodos : un OVNI au TCE

Concert mercredi 29 avril au Théâtre des Champs-Elysées. Arcadi Volodos interprète un récital d'un niveau de difficulté indéniable, tant du point de vue technique que de celui de l'interprétation, comprenant des compositions de Scriabine, Ravel, albenitz et Liszt.

C'est visiblement sur Scriabine et surtout Albeniz qu'Arcadi Volodos a été éblouissant ce soir-là.

Sur les sept pièces de Scriabine interprétées en première partie, le pianiste déploie des couleurs saturées, accentue les contrastes, place chacune des compositions sous la marque d'une tension phénoménale, extirpant du Steinway des sonorités crues, dont la densité prend une forme effrayante. Dans la sonate N°7 opus 67 ("Messe blanche") il réussit l'exploite technique de superposer différents plan sonores, prolongeant certaines notes, pour obtenir un effet de "tuilage" dont la clarté et la transparence sont extrêmement rares au piano. Le Scriabine qui est révélé ici est bien sous l'emprise d'une réelle démence, d'un désespoir absolu.

L'autre moment fort du concert a été indéniablement l'interprétation de Cordoba (Chants d'Espagne opus 232 n°4) et la Vega (Suite Alhamba n°11) d'Isaac Albenitz. Sous les doigts d'Arcadi Volodos, les ressorts profonds de la musique d'Albenitz se révèlent avec une limpidité rare et tout le mystère de cette musique nous emporte. On est littéralement hypnotisé par, à nouveau, les couleurs multiples du piano, le déploiement d'un univers poétique aux accents hispaniques, un sens du déroulement narratif exceptionnel.

Il n'y a que sur les Valses nobles et sentimentales de Ravel que l'on sent le pianiste virtuose bien moins inspiré. Son jeu naturellement lumineux , très physique et spontané est moins approprié aux tonalités plus fondues, en demi-teinte que demande ce morceau fameux de Ravel.

Enfin, Arcadi Volodos termine par une démonstration de virtuosité sidérante sur un extrait des Années de Pèlerinage de Franz Listzt (Après une lecture de Dante). Dans la note du 14 juin 2007, j'avais souligné la maîtrise absolue du répertoire Lisztien par ce pianiste. Dans le cas précis, on avait affaire à une démonstration de la vélocité surnaturelle du pianiste. Seulement, cette démonstration était inévitablement au détriment de la narration. Ce Lizst là n'était qu'un prétexte à un tour de force pianistique, à une démonstration sportive et plutôt musclée.

Arcadi Volodos est vraiment un artiste atypique, dont le niveau de fusion avec l'instrument est hors du commun. Ses capacités techniques exceptionnelles lui permettent d'explorer des compositions d'une grande complexité pour tenter de nous révéler leurs ressorts les plus profonds afin de pénétrer une part de leur mystère. Il est en tout cas indéniable que, si l'on peut ne pas adhérer à son approche esthétique, son jeu puissant, incisif reste toujours d'une grande clarté et ceci ne peut que conduire au plus grand respect.

Le public du TCE lui a réservé une standing ovation. C'est normal, il "jouait vite et fort"...

Petite merveille du baroque espagnol par Los Músicos de Su Alteza

Concert mardi 31 mars à la Cathédrale Saint-Louis des Invalides. L'ensemble espagnol Los Músicos de Su Alteza interprète ce soir là des extraits d'un opéra écrit par le compositeur aragonais José de Nebra.

En réalité, de cette oeuvre (Amor aumenta el valor), n'a pu être exhumé que le premier acte, entièrement écrit par José de Nebra.

En introduction du concert, l'ensemble Los Músicos de Su Alteza inteprète l'ouverture de l'opéra Narciso de Domenico Scarlatti. Ce choix est particulièrement judicieux puisque la filiation entre le maître de l'opéra italien du XVIIIème siècle et le compositeur espagnol est tout à fait évidente. Les récitatifs et arias qui suivent, extraits de l'opéra Amor aumenta el valor, rappellent tout autant Scarlatti que Haendel dans sa période la plus italienne. Joutes de virtuosité entre la partie vocale et instrumentale, sensualité et luminosité des sonorités, vivacité et légèreté... Tous les ingrédients de la musique d'opéra italienne sont bien repris. José de Nebra, apporte toutefois la touche ibérique avec une basse continue qui s'agrémente d'une guitare, colorant de façon alors très spécifique la structure rythmique de l'œuvre.

L'ensemble Los Músicos de Su Alteza déploie des sonorités d'une finesse remarquable, avec un très beau sens des nuances (malheureusement estompées par l'acoustique très réverbérante de la Cathédrale des Invalides). La direction musicale précise et alerte de Luis Antonio Gonzáles révèle la grâce et l'élégance de cette composition. On aurait pu s'attendre à des sonorités plus sombres, à une certaine dureté, parfois caractéristiques distinctives de la musique espagnole. Ici ce n'est pas du tout le cas. A son âge d'or, cette écriture est au contraire enjouée, colorée, portée comme par une forme d'insouciance. C'est particulièrement notable, notamment, sur la Sinfonia.  Les deux solistes (Marta Almajano, soprano et José Pizarro, ténor) se sont très correctement déjoués des pièges de l'acoustique, ont fait preuve d'un bon sens de l'articulation et s'intégraient très bien avec l'ensemble instrumental, même si les efforts déployés pour assurer la portée de leurs voix dans cette nef imposante, s'effectuaient parfois au détriment de la tenue de ces dernières.

Los Músicos de Su Alteza est un ensemble très attachant qui se distingue vraiment par la clarté, la limpidité de son jeu, avec une belle dynamique, un certain mordant, mais sans aucune agressivité. Les timbres sont soyeux et les phrasés d'une indéniable élégance.

Leur démarche musicologique est en outre, tout comme Gabriel Garrido, particulièrement originale et intéressante, nous permettant de découvrir une partie largement méconnue du répertoire baroque espagnol est qui recèle quelques joyaux.

A suivre attentivement.

Odes funèbres par l'ensemble Pygmalion : belles couleurs et intensité

Après l'enregistrement de messes brèves de JS Bach, d'une plénitude rare (cf. note du 18 octobre 2008), l'Ensemble Pygmalion, sous la direction de Raphaël Pichon, a abordé avec brio un répertoire délicat lors de son dernier concert du 17 mars à l'Eglise des Blancs-Manteaux. Le programme comprenait, sous le thème "Ode Funèbre", une série de compositions sacrées de maîtres de l'école luthérienne allemande du XVIIème siècle.

En introduction du concert, l'ensemble vocal du groupe interprète une courte pièce a cappella pour cinq voix de Heinrich Schütz, tirée des "Geitlische Chormusik" (Selig sind die toten). Rien de funèbre dans cette pièce. Simplement la sensation d'un recueillement extrême, restituée avec sobriété. La richesse harmonique de cette pièce ressort alors avec une belle ampleur. On retrouve d'emblée ce qui fait déjà le style de Raphaël Pichon, dont la maturité musicale est vraiment exemplaire, à savoir la recherche d'une certaine densité des timbres, d'une belle plénitude sonore.

Vient ensuite une cantate pour basse de Dietrich Buxtehude (BUXWV 34 - Gott, hilf mir) où ce style très caractéristique du maître de Lübeck est bien restitué : raffinement de la ligne mélodique, ferveur allant crescendo mais restant maîtrisée. On retrouve bien comment les compositeurs de l'Allemagne luthérienne se sont appropriés la richesse harmonique et le style concertant italiens pour les recentrer sur l'homme, avec une lecture plus intimiste et où on oppose volontiers un certain sens des dégradés, du fondu aux contrastes et aux couleurs saturées de la musique italienne.

Le plus beau moment du concert est alors l'interprétation d'une magnifique cantate-madrigal de Nikolaus Bruhns, élève de Buxtehude. Raphaël Pichon apporte le mordant souhaité dans les attaques, les couleurs italianisantes volontairement restituées par Bruhns (d'où le titre de cantate-madrigal pour cette oeuvre).  Cette cantate est lumineuse, d'une belle ampleur. L'aria pour alto ressemble à s'y méprendre à un passage du VIIIème Livre de Madrigaux de Monteverdi !

Le concert se prolonge par une pièce de Christoph Bernhard, pour dix voix et basse continue, suivie de deux superbes complaintes de Dietrich Buxtehude, dont un lamento interprété avec ferveur et conviction par Juliette Perret. J'ai particulièrement été marqué par le superbe contrapuntus "Mit Fried und Freud ich fahr dahin" dont le caractère épuré rappelle les plus belles œuvres polyphoniques de la Renaissance. Le programme se termine avec l'équivalent d'un concert spirituel schützien, revisité par Buxtehude, pour cinq voix, deux violes et basse continue où l'ensemble Pygmalion poursuite sa lecture subtile restituant toute la plasticité des compositions de celui qui aura certainement le plus influencé JS Bach.

Superbe concert révélant, sur un programme exigeant et qui aurait pu pêcher par excès d'austérité, la maturité musicale exceptionnelle de cet ensemble avec une lecture cohérente, homogène, conservant de bout en bout la bonne tension de la ligne sur la basse continue, exploitant les bons ressorts rythmiques afin de révéler toute l'intensité et la subtilité de ces œuvres. Raphaël Pichon apporte dans son jeu de belles couleurs, de la dynamique, tout en conservant une réelle élégance. 

Cet ensemble est à suivre avec attention car il nous réserve certainement d'autres excellentes surprises.

Mullova et Carmignola : Vivaldi sous haute tension

Concert lundi 2 février au Théâtre des Champs-Elysées. Le Venice Baroque Orchestra, sous la direction d'Andrea Marcon, interprète un programme entièrement dédié à Antonio Vivaldi. Alternent des concertos pour cordes et basses continues et des concertos pour deux violons, avec deux interprètes à la forte personnalité : Viktoria Mullova et Giuliano Carmignola.

Les lecteurs du poisson rêveurs savent certainement à quel point je trouve l'ensemble dirigé par Andrea Marcon d'une finesse remarquable. Il se place comme l'un des ensembles actuels les plus pertinents sur le répertoire des concertos de Vivaldi. J'avais également été marqué par le beauté de l'enregistrement que cet ensemble avait réalisé en 2007 avec la soprano allemande Simone Kermes (Amor Sacro - cf. note du 4 mars 2007). J'avais en revanche fait part de mes interrogations sur les concertos pour violon de Vivaldi avec Giuliano Carmignola, au violon, d'une virtuosité certes hors pair mais au style plutôt anguleux et autoritaire (cf. note du 30 octobre 2007).

Sans aucun doute, le 2 février dernier, Andrea Marcon et son ensemble étaient dans une forme olympique, avec des concertos pour cordes pétillants, légers à la vivacité parfaitement contrôlée. L'ensemble est très homogène, les musiciens biens calés, admirablement dirigés.

A noter, le magnifique mouvement lent du concerto en sol majeur RV. 146 (Andante e sempre piano).

Viennent ensuite à quatre reprise, entre quelques concertos pour cordes aériens et un rien badins, les concerto pour deux violons. Cette fois, on ne plaisante pas. Surtout avec les deux solistes qui se rencontrent à l'occasion. Tout d'abord, Viktoria Mullova, violoniste pour laquelle je voue une admiration constante depuis plus de quinze ans et que j'ai suivie régulièrement au disque comme au concert. Elle vient de "basculer" depuis deux ans dans le monde du baroque et des instruments anciens, troquant les cordes métalliques pour les cordes à boyau et pour un instrument qui, visiblement, se désaccorde à une vitesse incroyable. Ensuite, Giuliano Carmignola, seigneur du violon vivaldien à qui on peut arracher un sourire détendu pour environ dix secondes sur un concert de deux heures.

Cette boutade mise à part, l'association de ces deux prodigieux violonistes, à la virtuosité sidérante s'avère très intéressante. Outre la contribution à une vision décapante de Vivaldi, dont on ne peut que se douter avec Giuliano Carmignola, les deux interprètes apportent aussi un duo qui se complète parfaitement. Viktoria Mullova, tout de même naturellement très énergique, dont les attaques sont franches, vives, acérées, et qui déploie sa belle musicalité avec un soupçon de questionnement, un phrasé au style élancé et très racé, quelque chose d'olympien. Giuliano Carmignola apporte plus de sécheresse mais avec une fébrilité, un côté à fleur de peau très touchant et intriguant. Tous les deux ont indéniablement une classe incroyable, avec une autorité naturelle. Viktoria Mullova est très concentrée, les yeux rivés sur la partition, Giulinao Carmognola jette de temps à autre les yeux sur la partition mais en est nettement plus détaché et se montre assez remuant.

On peut résolument ne pas aimer car le Vivaldi qui est ici proposé déploie la virtuosité de son écriture avec fougue et une certaine sécheresse. Aucune place n'est laissée pour la moindre diversion. Je parle bien-sûr des mouvements rapides. Les légendaires largos ou adagios sont quant à eux déployés par la le duo italiano-russe avec une sensualité et une subtilité évidente. De toute façon, outre leur talent musical indéniable, ces deux interprètes sont aussi splendides et ont une classe incroyable.

J'ai été particulièrement marqué par le concerto en ré mineur RV 514 dont l'écriture est d'une audace incroyable.

Nb : je suis assez déçu par la sonorité du Stradivarius de 1732 de Giuliano Carmignola qui manque d'ampleur et dont le timbre n'est finalement pas très agréable.

Les mêmes interprètes ont gravé ces concertos au disque chez Archiv Produktion.

Vive Sainte Cécile !

Concert mardi 20 janvier à la salle Pleyel. Un programme dédié à Sainte Cécile, patronne des musiciens, et interprété par les Musiciens du Louvre-Grenoble, sous la direction avisée de Marc Minkowski.

Ce dernier a concocté pour l'occasion un programme qui nous permet d'appréhender un siècle de musique avec comme fil rouge, un hommage à Sainte Cécile. L'ensemble enchaîne trois œuvres de respectivement Henry Purcell (Hail ! Bright Cecilia), Georg Friedrich Haendel (Ode for Saint Cecilia's Day) et Joseph Haydn (Missa Cellensis in honorem Beatissimae Virginis Mariae (Cäcilienmesse)).

Des contraintes personnelles m'ont empêché, après le deuxième entracte, de découvrir la messe de Joseph Haydn. Je suis donc parti de ce concert, marqué par le charme et le raffinement de la musique de Purcell tout comme l'éclat et la vitalité de celle de Haendel.

Le choix très judicieux de Marc Minkowski met particulièrement bien en évidence la fausse filiation entre les deux musiciens et ce autour d'un même genre musical, une ode à Sainte Cécile, exercice typiquement britannique. Je parle de fausse filiation parce que si, en apparence, les formes sont presque similaires (à l'exception notable de la plus grande ampleur et de la plus grande fusion à la masse orchestrale assignée à la basse continue à partir du début du XVIIIème siècle), la rhétorique n'est plus la même. L'ode de Purcell est certes déclamatoire, guidée par un style brillant, mais elle reste tout même encore figée dans une certaine "sacralité" alors que Haendel fait véritablement éclater cette contrainte en conférant à son ode un caractère théâtral et profane.

C'est justement l'ambiguïté de ces pièces qui fait leur intérêt. Ce sont à la base des hommages réalisés sous commande, passée par des confréries de musiciens. Elles ont l'apparence formelle d'une oeuvre sacrée mais sont bien des odes profanes.

L'ode de Purcell révèle un équilibre subtil entre la nécessaire ampleur, l'exaltation porté à Sainte Cecile et le raffinement, l'élégance typique de l'écriture musicale du compositeur anglais.  Les chœurs sont aériens, nous transportent d'emblée dans le monde poétique et coloré de  "The Fairy Queen". Les parties solos demandent aux différents chanteurs une virtuosité impressionnante, tant Purcell redouble d'ingéniosité pour enchaîner les modulations.  Cette ode est d'une haute tenue du début à la fin. Sa tonalité est sous le signe d'une forme de joie spontanée, d'insouciance, avec un caractère presque pastoral. La lumière et les couleurs sont bien présentes avec de beaux dégradés et des tons pastels.

Celle de Haendel tranche plus nettement par un caractère presque italien. La tension est plus forte, sans faille, l'ampleur sonore est plus flagrante (alors que les formations orchestrale et vocale sont très comparable à celle de l'ode composée par Purcell).  Haendel opte pour plus d'expressivité, un élan plus théâtralisé. Cette fois la lumière comme les couleurs, restituées notamment par les voix sont plus tranchantes, nettes, saturées. Haendel confirme ici sa maîtrise de la composition pour les chœurs. Frisson garanti.

Marc Minkowski confirme la musicalité et la beauté sonore qu'il a pu imprimer à son ensemble. Je trouve qu'il est l'un des rares chefs dirigeants des ensembles sur instruments anciens à trouver un équilibre aussi parfait entre la précision, la justesse d'interprétation, la plasticité, la tension de la ligne.  La plénitude sonore, surtout avec l'acoustique sidérante de Pleyel, est absolue. On est littéralement baigné dans des sons aux couleurs chatoyantes. Le Chœur des Musiciens du Louvre, dirigé par Nicholas Jenkins, est d'une tenue parfaite. 

Je regrette vraiment d'avoir manqué la contribution de Joseph Haydn dans cette trilogie.

Lien direct vers la note de programme tirée du site de la Salle Pleyel (format pdf).

Superbe concert.

Une Messe en si sous l'angle solistique

Concert mardi 13 janvier au Théâtre des Champs-Elysées. Konrad Junghänel, à la tête de l'orchestre Akademie für alte Musik Berlin et du Cantus Cölln nous propose sa lecture de la Messe en si mineur de Jean-Sébastien Bach.

Contrairement à un Philippe Herreweghe ou, plus récemment, un Masaaki Suzuki (cf. note du 2 décembre 2007) qui optent pour une certaine ampleur, la transparence et la clarté absolue des plans, Konrad Junghänel, recentre l'œuvre sur une vision plus "chambriste", dite solistique, avec un chœur de dix voix étalonnées avec beaucoup de soin et une formation orchestrale ramassée. Il recherche une certaine densité, sans effet ostentatoire. Son propos est plus centré sur les couleurs, le grain des voix et des instruments, le marquage des individualités que sur la restitution solennelle et monumentale de la spiritualité de l'œuvre. Par rapport notamment à Masaaki Suzuki, on peut regretter dans cette approche un certain manque de tension et de constance sur la ligne rythmique, avec une basse continue qui pèche un peu par manque de fermeté (pourtant supporté par un violoncelle, un orgue et une contrebasse).

Certains passages ont toutefois été restitués avec conviction par l'ensemble choral et orchestral comme le dramatique Qui tollis peccata mundi, le magnifique Cum sancto Spiritu ou le fameux Osanna in excelcis, que JS Bach reprend à deux fois.

Chacun des dix chanteurs du chœur apporte à un moment ou à un autre sa contribution. Comme  dans de superbes enregistrements de pièces de Buxtehude ou de Schütz par cette formation (cf. notes du 23 septembre et du 21 décembre 2008 ), l'ensemble vocal est très homogène, chacun des solistes est d'un excellent niveau.

Cette version de la Messe en si est tout de même assez intéressante car très cohérente et d'un très bon niveau du début à la fin. On peut ne pas adhérer aux options esthétiques de Konrad Junghänel, que je trouve plus appropriées pour des œuvres sacrées intimistes (comme par exemple les concerts sacrés de Schütz ou les cantates de Buxtehude) que pour un monument comme la Messe en si de JS Bach que je ne peux s'empêcher d'interpréter comme l'aboutissement absolu des grandes cantates chorales ou des messes brèves du Cantor.

Konrad Junghänel et le Cantus Cölln ont déjà enregistré cette oeuvre en 2003 sous le label Harmonia Mundi.

Noces Tziganes à Gaveau

Concert mardi 2 décembre à la salle Gaveau. Au programme, l'ensemble XVIII-21 le Baroque Nomade, sous la direction de Jean-Christophe Frisch, interprète une série d'extraits du Codex Caioni.

J'avais déjà fait une note sur leur dernier enregistrement dédié aux pièces de Johannes Caioni, compositeur et organiste de Transylvanie au XVIIème siècle (cf note du 9 septembre 2008).

La troupe qui était présente mardi dernier, mêlait les piliers de l'ensemble VIII - 21 avec des musiciens et danseurs traditionnels tziganes. Ils mettaient en scène ces différentes pièces extraites parmi un corpus d'un nombre impressionnant de compositions tant religieuses que profanes.

L'intérêt du concert par rapport au disque est de donner vie et chair à ces noces tziganes reconstituées.

Ce concert laisse une belle impression d'insouciance et de sérénité, rappelant les temps anciens, et certainement de plus en plus rares, où des communautés très différentes cohabitaient sans problème et s'enrichissaient par le croisement des cultures, notamment grâce à la musique.

Beau concert atypique et émouvant à plus d'un titre.

Gospel et Qawwalî : une sacrée rencontre

Concert hors norme lundi soir 24 novembre à Pleyel. Le Gospel de Nouvelle Orléans rencontre le chant sacré soufi.

En première partie, Craig Adams, pianiste (et organiste) saisissant de charisme, inonde la salle d'airs Gospel avec son ensemble (un batteur, un bassiste avec quatre chanteurs, trois femmes et un homme). Les amplis sont à fond et la salle bat des mains au rythme effréné de l'ensemble qui l'emporte avec eux dans leur chant exalté à la gloire du Seigneur tout puissant ! L'ambiance est festive, cadencée par un boogie incroyablement énergique. Cet homme imposant et énergique arrache du piano des sonorités qui claquent et chauffent très rapidement la salle.

Un moment d'une intensité rare, le solo de Craig Adams à l'orgue, qui, part crescendo dans des circonvolutions harmoniques démentes, avec des notes prolongées à l'infini et un vibrato à donner le frisson. Il atteint une forme d'extase, exprimant l'intensité de sa dévotion.

En seconde partie, l'ensemble de Craig Adams s'eclipse pour laisser la place à l'ensemble de Faiz Ali Faiz pour un moment extraordinaire de chants Qawwalî. Faiz Ali Faiz est le digne héritier de feu l'immense Nusrat Fateh Ali Khan, que j'avais découvert il y a près de vingt ans dans un reportage TV et dont j'avais écouté un disque en boucle (Nusrat Fateh Ali Khan en concert à Paris / label Ocora - Harmonia Mundi - Radio France - 1988 - volumes 1 à 3). Ce chant traditionnel, très répandu au Pakistan et en Inde, est rattaché au culte islamique soufi (lien vers l'excellent article de Wikipedia détaille le structure type d'un chant soufi). Assez codé, il se caractérise par une montée progressive en intensité de la traduction des versets, avec l'alternance de passages où les solistes déploient des vocalises d'une étourdissante virtuosité, avec de moments de chants collectifs très rythmés et surtout, dont la structure "circulaire" a un caractère particulièrement hypnotique.

Avec également beaucoup de charisme, Faiz Ali Faiz fait preuve d'une virtuosité incroyable, accompagnant ses différents inflexions vocales d'une gestuelle très expressive et captivante. Sa maîtrise du souffle, avec des phrasés quelquefois aussi longs que les harmoniums qui l'accompagnent, est sidérante.

Le summum de la soirée est la troisième partie, moment intense et surprenant de "cross-over" où l'ensemble de Gospel et celui de Qawwalî s'assemblent pour interpréter trois airs avec des improvisations que l'on ne pouvait même pas imaginer.

Quelques points communs tout de même : le Gospel comme le chant soufi se rattachent bien à une musique sacrée, expressive et guidée par une forme d'exaltation de la foi. L'un comme l'autre, répond à un rituel, à une trame dont l'objectif est à un moment, d'atteindre une plénitude absolue avec, à un moment, un bouclage permanent sur un même thème ; encore cette musique hypnotique qui s'étend en spirale, gagnant progressivement en intensité.

Craig Adams et Faiz Ali Faiz alternent alors des solos dans leur propre style tout en prenant le contrôle de transitions inimaginables du Gospel au Qawwalî, et inversement, par l'intermédiaire de leurs chœurs respectifs. Un grand moment de partage et d'échange qui a tout naturellement emporté et  ému la salle.

Autre caractéristique notable de ce concert : une moyenne d'âge dans la salle largement inférieure à celle du public habituel de Pleyel, une diversité de publics assez rafraîchissante et une ambiance assez débridée. Standing ovation à la fin du concert. Assez rare à Pleyel pour être souligné.

Superbe initiative à renouveler.

Pour vous permettre d'imaginer la croisée des chemins possible entre le Gospel et le chant soufi, quelques petites collectes sur youtube : l'extrait d'un concert de Craig Adams, un chant soufi interprété par le maître Nusrat Fateh Ali Khan, un autre chant soufi par Faiz Ali Faiz.

Bonne écoute.

Suzuki au TCE : était-ce le bon lieu pour un concert de ce type ?

Concert hier soir au Théâtre des Champs Elysées (TCE). Maasaki Suzuki et le Bach Collegium Japan interprètent deux cantates de JS Bach (la Cantate BWV 102 « Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben! » et la Cantate BWV 140 « Wachet auf, ruft uns die Stimme ») ainsi qu'une des Messes Brèves (Messe en sol mineur BWV 235). Une partie des solistes est constituée des pilliers de l'intégrale que le chef japonais enregistre sous le label BIS (Robin Blaze, Alto et Peter Kooij, Basse) l'autre regroupe la Soprano Hana Blazikova et le ténor Jan Kobow), bons spécialistes de ce répertoire.

Quand on a tant apprécié la pureté et l'élégance du style de Massaki au disque, la transparence et netteté des plans sonore qu'il est capable de restituer, on est forcément frustré à l'écoute des mêmes musiciens avec l'acoustique un peu pâteuse du TCE. En outre, on a affaire à une interprétation qui se veut sans effets inutiles, en petite formation, avec un strict respect du texte. Dans un lieu comme le TCE, je trouve que cette approche se retrouve de facto désincarnée.

La première cantate interprétée (BWV 102), dont le chœur d'introduction sera ensuite repris par JS Bach dans la Messe brève interprétée en seconde partie de concert, démarre un peu poussivement, avec un phrasé paradoxalement un peu raide et, surtout, des solistes qui donnent l'impression d'être pris à froid, interprétant leur partie sans grande conviction. Robin Blaze, dont j'ai déjà souligné les limites dans la revue des différents volumes de l'intégrale est même, je trouve, assez approximatif.  Le ténor Jan Kobow souffre d'un vrai problème de projection de voix et Peter Kooij n'est pas très en forme.

C'est sur la seconde cantate, la fameuse BWV 140, que l'ensemble choral et orchestral révèlent enfin la belle facture du style du chef japonais. Cette cantate est surtout connue pour le célèbre quatrième mouvement interprétée par le ténor ("Zion Hort Die Wachter Singen"), mieux connu dans sa transcription à l'orgue sous le nom de choral du veilleur. Suzuki cisèle, comme à son habitude, les différents motifs de cette aria avec une sublime finesse faisant ressortir les moindres détails tout en préservant l'unité et la cohérence de cette aria. Le ténor Jan Kobow, se révèle plus inspiré et moins inaudible. J'ai surtout noté la beauté du duo entre Hana Blazikova à la voix voix bien timbrée et limpide avec Peter Kooij, plus inspiré que dans la cantate précédente. Ce duo incarne tout l'esprit de cette cantate, à savoir un subtil parallèle entre l'amour sacré et l'amour profane, paraissant choquant mais tout à fait familier pour les fidèles de l'église luthérienne de cette époque. L'ensemble de cette superbe cantate est restitué avec une belle unité et une tension de la ligne parfaitement dosée.

En seconde partie, le Bach Collegium Japan nous révèle une Messe brève BWV235 bien différente de celle interprétée par le jeune et fougueux ensemble Pygmalion (cf. note du 18 octobre 2008). Aux couleurs et à la plénitude sonore des Pygmalion, Masaaki Suzuki "oppose" une certaine densité, plus d'intériorité, une maîtrise rythmique plus implacable et un recentrage à nouveau sur le texte. Il écarte l'option théâtralisée, l'amplitude de phrasés longs et chatoyants. Il opte plus pour une interprétation certes fervente mais plus humble, recentrée sur l'homme et certainement plus conforme à la rhétorique luthérienne (alors que l'expressivité et l'éclat des Pygmalion s'apparente plus à une forme italianisante). Les deux options se défendent, ces messes du cantor en latin ayant été jugées trop proches du rituel catholique par certains fidèles lors de leurs premières représentations.

En conclusion, étant un inconditionnel au disque du Bach Collegium Japan et un fervent admirateur de l'intégrale en court au disque, j'étais un peu déçu de la représentation en concert dans un lieu en fait inapproprié.

Autre compte rendu dans ConcertoNet.com.

Les 40 ans des King's Singers : too much !

Concert lundi 20 octobre à la Salle Gaveau. L'ensemble vocal des King's Singers fête ses 40 ans. La soirée est placée sous le signe d'un éclectisme savoureux, allant des madrigaux de la Renaissance à George Gershwin, en passant par les inévitables références aux Beatles.

L'ensemble très British des King's Singers nous a offert une très belle soirée avec une ambiance assez bon enfant, pas mal de second degré mais, surtout, la participation enjouée et généreuse de vrais musiciens invités par l'ensemble vocal britannique. Parmi les "special guests", le public de Gaveau a eu le plaisir d'écouter l'ensemble l'Arpeggiata sous la direction de Christina Pluhar.

Les six King's singers démarrent leur concert avec un magnifique tour d'Europe du madrigal. L'introduction avec un air profane et très expressif de Roland de Lassus (Dessus le marché d'Arras) n'est pas sans nous rappeler Clément Janequin. Ensuite s'enchaînent le recueillement avec un motet ténébreux du flamand Heinrich Isaac, le style typiquement concitato sur le célèbre Si ch'io vorrei morire du IVème livre de madrigaux de Monteverdi et l'aérien air profane Draw on sweet night du compositeur anglais John Wilbye.

Viennent ensuite les musiciens de l'ensemble l'Arpeggiata pour interpréter quelques airs de "Los Impossibles" qui, avec les voix des King's Singers, évoquent avec brio la ferveur, la sensualité et le rythme endiablé de la musique ancienne latino-américaine et espagnole.

Les King's Singers nous saisissent ensuite avec un des moments les plus denses et intenses du concert avec deux superbes madrigaux de lâge d'or espagnol dont le magnifique Versa est in Luctum du compositeur Alonso Lobo. La tension est absolue sur ces madrigaux qui révèlent toute la densité, la texture serrée, presque oppressante du style madrigal espagnol.

Les King's Singers terminent la première partie avec un hilarant La bomba de Mateo Flecha évoquant le naufrage rocambolesque et folklorique de marins espagnols.

Après l'entracte, les King's singers nous plongent dans l'univers du jazz avec la collaboration de très bons musiciens suédois, dont une superbe et talentueuse chanteuse (Margareta Bengston) à la tessiture incroyable et au swing entraînant ainsi que le délicat clarinettiste Staffan Mårtensson. George Gershwin et Harry Warren sont au programme et des King's Singers qui révèlent leur agilité incroyable dans un répertoire radicalement différent de la première partie.

La soirée se termine avec un patchwork mêlant des airs des Beatles (dont le fameux Penny Lane tordant de second degré quand il est revisité par les King's Singers), à nouveau de la Renaissance espagnole (autre grand moment du concert, le trio guitare, percussion, contrebasse sur un air de musique ancienne certainement espagnole, d'une virtuosité époustouflante, par Marcello Vitale, David Mayoral et Richard Myron) de la comédie musicale américaine et, comme bouquet final, un génial bœuf avec tous les musiciens mis à contribution dans la soirée. Voir et entendre l'excellent percussionniste de l'Arpegiatta (David Mayoral) s'improviser aux "drums" d'un air "jazzy" avec un tambourin caressé par deux balais style renaissance, cela vaut le détour.

Excellente soirée avec un public conquis, enthousiaste, une ambiance débridée et chaleureuse.

Longue vie aux King's Singers !

Ci-dessous, le superbe Blackbird des Beatles revisité par nos sacrés chanteurs, tiré du site youtube et qui permet d'apprécier le superbe étalonnage des timbres et l'homogénéité de l'ensemble.

PS : petit clin d'oeil à Klari que j'ai été heureux de rencontrer et qui montre un enthousiasme aussi fort que le mien sur son blog.

La Surprise et l'Héroïque

Concert mardi 30 septembre à Pleyel. Au programme : L'Orchestre des Champs-Elysées, sous la direction de Philippe Herreweghe, interprète la Symphonie N°94 en sol majeur  "La Surprise" et le Concerto pour violoncelle en ut majeur de Joseph Haydn (Jean-Guihen Queyras au violoncelle) ainsi que la symphonie N°3 en mi bémol majeur "Héroïque" de Ludwig van Beethoven.

C'est un Philippe Herreweghe très en verve qui anime cette soirée en attaquant avec vivacité la symphonie "La Surprise" de Joseph Haydn. L'Orchestre des Champs-Elysée déploie ses sonorités onctueuses et cette belle plasticité, typique du style de direction imprimé depuis toujours par Philippe Herreweghe, mais sans négliger pour autant de belles attaques, une rythmique très maîtrisée, une transparence indéniable des différents plans sonores. Toute la mécanique de cette symphonie se déploie avec netteté, les contours sont bien ciselés et la touche d'ironie que le maître autrichien adorait parsemer dans ses symphonies, est bien restituée. C'est notamment le cas, avec le deuxième mouvement qui, à la suite d'un introduction innocente, digne d'une canzonetta, se trouve interrompu par un fracassant tutti d'orchestre (accentué par un bon coup de timbale) dont la légende dit qu'il était destiné à réveiller les auditeurs assoupis du fait des heures tardives des concerts.

Vient ensuite ce chef d'oeuvre qu'est le concerto en ut pour violoncelle avec un soliste (Jean -Guihen Queyras) qui a obtenu les plus belles distinctions sur l'enregistrement de cette oeuvre (cf. note du12 septembre 2008). Je n'arrive pas à me détacher pour ma part de la belle version de Christophe Coin avec Christopher Hogwood (label l'Oiseau Lyre et repris par DECCA). Toutefois, force est de constater au concert que Jean-Guihen Queyras a une belle présence, une maîtrise stylistique indéniable.  L'interprétation du soliste est un mélange étonnant de style à la fois âpre et racé. Il y a du grain dans ses sonorités avec un instrument qui révèle des graves d'une beauté inouïe. La technique est irréprochable et, le plus important, l'engagement, la prise de risque réels. Toute petite réserve, cette fois à l'égard du chef, à savoir un tempo que je trouve un peu trop expéditif, surtout, et c'est le comble, sur le sublime Andante. Le plus beau mouvement est indéniablement le premier ce soir là.

Après l'entracte, Philippe Herreweghe emmène son orchestre dans une belle aventure à savoir la 3ème symphonie de Beethoven. Contrairement à Jos van Immerseel qui dans son intégrale récente avait pris des options discutables (notamment un rééquilibrage un peu arbitraire des vents par rapport aux cordes - cf. note du 10 mai 2008), ce sont bien les cordes qui dominent et fixent le tempo avec une énergie impressionnante du début à la fin. Comme pour celle de Haydn citée précédemment, les différents motifs de cette incroyable symphonie sont révélés avec vivacité, et, encore, une transparence et une netteté exquises. Philippe Herreweghe nous met bien en évidence les audaces ryhtmiques et harmoniques de cette symphonie.

Très beau concert qui confirme le registre incroyable dans lequel le chef flamand est capable d'évoluer, de Roland de Lassus à Bruckner, en passant par les cantates de JS Bach et, justement Haydn et Beethoven. Impressionnant.

Dernier petit détail : j'étais à l'orchestre, assez près de la scène (B118). L'acoustique incroyable de cette nouvelle salle Pleyel m'a permis de savourer note par note la sonorité chatoyante de l'orchestre et, surtout, celle du superbe violoncelle de Jean-Gihen Queyra, surtout sur un bis consacré à la poignante Sarabande de la 2ème suite pour violoncelle de JS Bach.

Staatskapelle de Dresde : rendez-vous manqué

Concert jeudi 11 septembre au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). L'Orchestre mythique de la Staatskapelle de Dresde est sous la direction de Fabio Luisi. Au programme : Richard Strauss  - Don Juan, poème symphonique op. 20 / Beethoven -  Concerto pour piano et orchestre n° 3 en ut mineur op. 37 - Brahms - Symphonie n° 4 en mi min. op. 98. Le pianiste est Rudolf Buchbinder.

Un départ trop tardif de mon lieu de travail me fait manquer le poème symphonique de R. Strauss. J'attrape juste à temps le 3ème concerto de Beethoven. Rudolf Buchbinder confirme qu'il est un bon vivant et son Beethoven est alerte et vif.  Le pianiste autrichien prend même quelques libertés en accentuant les contrastes, déployant un rubato auquel on n'est pas habitué sur ce registre. L'orchestre bien policé par Fabio Luisi peine parfois à suivre. C'est indéniablement le pianiste avec son tempérament qui dirige l'orchestre. L'opposition piano / orchestre qui doit être le propre de ce concerto, jusqu'à l'Empereur est totalement mise de côté. C'est plutôt un piano cabotin et pétillant qui badine avec un orchestre guidé par une direction un peu précieuse et mondaine.

Je trouve que Rudolf Buchbinder a un faux air de Leonard Bernstein. Ses yeux malicieux et sa carrure révèlent aussi une forme de truculence qui se ressent bien dans son jeu énergique et généreux.

Le pianiste joue en bis des transcriptions de valses de Johan Strauss, visiblement écrites pour les pianistes virtuoses qui raffolent d'épater les vieilles dames dans les salons. Très bon exercice pour travailler ses arpèges !

Après l'entracte, vient alors la 4ème symphonie de Brahms. Dès l'attaque du premier mouvement, je sens que je vais invariablement m'ennuyer pendant trois quarts d'heure. Cela n'a pas manqué. Direction brouillonne, manque d'inflexion et surtout de netteté des plans sonores. Les parties solo importantes dans cette symphonie (comme la célèbre introduction du cor dans l'Andante moderato) sont d'une mollesse incroyable. L'approche rythmique est à contretemps, les phrasés lourds et ampoulés et cette symphonie est restituée avec une absence certaine d'unité. Surtout, on ne retrouve que très occasionnellement la sonorité pleine, éclatante, qui est en principe la marque de fabrique de ce magnifique orchestre.

Comment peut-on faire pour que l'une des phalanges les plus prestigieuses au monde se retrouve à ce point désincarnée et méconnaissable ? Quand je vois ce que Kleiber, Celibidache et Wand étaient capables de restituer avec des orchestres allemands de second rang, cela me sidère de constater à quel point on peut brider un ensemble pourtant d'un tel potentiel. Finalement, heureusement que j'ai raté l'introduction avec le poème symphonique de R. Strauss !

Louise de Gustave Charpentier : sur les toits de Paris

La "petite montmartroise au coeur dormant"... Cette phrase, répétée souvent par Louise est une belle synthèse de cette oeuvre lyrique, pas vraiment opéra, plutôt "roman musical" comme se plaisait visiblement à la dénommer son compositeur (Gustave Charpentier).

Concert mardi 8 juillet à l'Opéra Bastille. La distribution ce soir là est la suivante : Mireille Delunsch (Louise), Jane Henschel (la mère), Gregory Kunde (Julien, l'amant poète), Alain Vernhes (le père). L'orchestre et les choeurs de l'Opéra de Paris sont sous la direction de Patrick Davin.

Je dois avouer que la seule vraie raison qui m'a poussé à réserver pour ce roman musical en quatre actes est le fait que ma fille ainée, en sa troisième année à la Maîtrise des Hauts-de-Seine (choeur d'enfants de l'Opéra de Paris), se produisait dans les choeurs au 3ème acte (la fête sur la butte Montmartre).

Sur une durée totale de près de trois heures, avec une intrigue somme toute assez banale, Gustave Charpentier a construit une oeuvre complètement dans la lignée du naturalisme. En plus du thème inévitable de la lutte des classes (finalement traité de façon assez marginale) c'est surtout l'apologie de l'amour libre qui transparait. Ce qui devait être une vraie subversion à l'époque apparaît à nos yeux comme une griserie un peu gentillette, presque naïve. L'amour certes sincère, mais étouffant, possessif et égoïste des parents de Louise constitue également la clé des tourments, du dilemme qui vont bouleverser la pauvre Louise. Cette dernière ne résistera pas à l'appel de Paris, de la liberté et de la jouissance au grand désespoir de son père (scène la plus marquante au dernier acte).

La composition de cette oeuvre s'est faite visiblement sous une double influence : Wagner, avec une écriture structurée de façon plus récitative que chantante, sans véritable aria ainsi que Massenet, avec une tradition française intégrant une belle dose de sensualité et de légèreté. Je trouve toutefois que par rapport à un Debussy avec Pelléas ou bien un Duparc, Gustave Charpentier est bien moins brillant dans la maîtrise de la prosodie. La fluidité de la musique ne s'intègre pas vraiment avec cette sorte de continuum qu'est le phrasé du français, privé d'accents toniques. Les prolongations artificielles de syllabes pour tenir la note sont souvent appuyées et je trouve que la ligne mélodique ne s'articule pa correctement avec le texte.

La production de Bastille est assez prenante, les décors fascinants (notamment la reconstitution de la station Montmartre du Métropolitain). L'ambiance nostalgique du vieux Paris est retranscrite sans travers et sans caricature.

Au niveau des chanteurs, je reste partiellement mitigé. Mireille Delunsch d'abord, encensée en permanence par la presse, présenté comme LA diva française, ne m'a pas pas du tout convaincu (petite forme ce soir là ?). Le timbre d'abord, que je trouve d'une dureté assez marquée, surtout sur les aigus. Ensuite le phrasé, l'articulation, pas vraiment au rendez-vous. La mère, campée par Jane Henschel, manque de souffle et est trop souvent couverte par l'orchestre, même si sa présence mélange subtilement la terreur et l'amour. Seuls le Julien de Gregory Kunde et, surtout le père d'Alain Vernhes sont convaincants. Ce dernier, avec sa voix profonde et bien timbrée de baryton nous captive littéralement par sa présence et la justesse de son interprétation.

Beau spectacle tout de même, pas forcément facile musicalement, avec une mise en scène prenante ne tombant pas dans les excès délirants qui sont visiblement de mise dans beaucoup de spectacles lyriques actuels.

Peut-on supporter une telle oeuvre uniquement au disque ? J'en doute fort...

Aldo Ciccolini : couleurs saturées et haute densité

Concert mardi 1er avril au Théâtre des Champs-Elysées. Aldo Ciccolini donne un récital de piano. Le programme s'annonce d'emblée impressionnant : la sonate D. 960 en si bémol majeur de Schubert et les Tableaux d'une exposition de Moussorgski.

Je dois avouer avoir assisté à un des mes concerts les plus magistraux depuis de nombreuses années.

Dès les premières mesures de la grande sonate de Schubert, Aldo Ciccolini hypnotise le public du théâtre des Champs-Elysées en captant immédiatement l'attention avec un toucher ferme, dense et timbré et, surtout, avec une audace inouïe, un phrasé auquel on n'a jamais été habitué sur cette sonate. Avec un tempo bien plus lent que celui dicté en principe par le métronome, il impose d'emblée son univers, crée une atmosphère sous le signe d'un questionnement permanent, avec une tension impressionnante. Comme savait le faire admirablement Michelangeli, il aborde la structure de chacun des mouvements avec des options très personnelles, de légers décalages rythmiques et un rubato très audacieux. Le résultat est la suggestion magnifique de climats envoutants, avec des contrastes extraordinaires, des couleurs saturées. Chaque motif se trouve détaché de façon saillante. L'approche est tout sauf classique et Aldo Ciccolini, prenant le parti pris de nous restituer l'enchaînement des quatre mouvements de cette sonate comme un récit, capte notre attention avec un charisme étonnant. Il prend en outre un plaisir certain à suspendre le temps en retenant certaines phrases, comme pour nous aider à déchiffrer le sens caché du texte. Il alterne en outre, avec une maîtrise diabolique, la maîtrise du propos, tantôt avec la main gauche, tantôt avec la main droite, déjouant les règles trop prévisibles qui consisteraient à ne confier la narration qu'à la main droite.

Sur les Tableaux d'une exposition, cette approche est encore plus sublimée. On pourra juger cette version très ample, orchestrale et très axée sur la percussion comme peut-être trop agressive parfois. Elle a le mérite de présenter des tableaux très vivants, et, à chaque fois, son jeu nous suggère des images fantasmagoriques.

De ces deux oeuvres d'une complexité effarante, placées en principe sous le signe de la mort, le maître nous dévoile, du haut de ses 83 ans, comme une sorte de rectitude face aux échéances dont il sait qu'elles sont certaines et si proches. La densité de son jeu se déploie avec une belle majesté. Le visage reste impassible (même si un rictus de temps en temps trahit une certaine malice). La posture est ferme et résolue. Comme pour Arrau, on est ébahi par une telle force d'interprétation entièrement guidée par une volonté de construction narrative évidente.

Du grand art.

La salle a offert une "standing ovation" au maître qui a joué, sur trois rappels, Chopin, Debussy et Ravel.

Une Passion intériorisée

Concert mercredi 19 mars à l'Eglise Saint-Roch. Au programme, la Passion selon Saint-Jean de JS Bach. Pierre Cao dirige l'Orchestre du Concert Lorrain et le Choeur Arsys Bourgogne. Christoph Prégardien interprète l'évangéliste, Andreas Pruys, le Christ et Peter Kooij, Ponce Pilate. Robin Blaze et Katharine Fuge interviennent respectivement sur les registres d'alto et de soprano.

Je voue pour ma part une admiration sans borne pour cette Passion qui, finalement, me touche plus que celle selon Saint Matthieu. Moins puissante et dense, que cette dernière, elle est toutefois plus lumineuse, moins austère et le choeur y joue un rôle plus important.

La version que Pierre Cao nous a délivrée mercredi est dans la veine d'un Kuijken avec le parti pris d'une grande intériorité, d'un certain intimisme. Ceci est largement facilité par l'existence dans cette Passion d'un choeur unique, donc moins ample, et d'une instrumentation plus réduite que dans la Passion selon Saint-Matthieu.

Cette version a surtout été dominée de façon indéniable par un Christophe Prégardien très en forme et qui est passé maître dans se rôle d'évangéliste. Diction parfaite, phrasé impeccable, il nous fait littéralement vivre cet évangile avec vigueur et densité. Il est proprement extraordinaire.

Les autres solistes ont de facto fait pâle figure. Andreas Pruys incarnait un Christ très retenu et exagérément hiératique (quel contraste avec le timbre émouvant d'un Matthias Goerne dans la version de la Passion selon Saint-Matthieu enregistré récemment par Harnoncourt). Quant à Peter Kooij, il frôlait l'inaudible et son Ponce Pilate n'était guère effrayant.

Les voix devant incarner cette transcendance divine si bien écrite par le Cantor ont honorablement tenu leurs rôles. Robin Blaze était conforme à lui-même, comme dans ses nombreuses interprétations des cantates de JS Bach avec Maaki Suzuki. Appliqué, précis, mais avec ses limites habituelles un peu irritantes sur les aigues. Katharine Fuge a été excellente dans la seconde aria de la soprano ("Zerfliesse, mein Herze"), aria d'ailleurs splendide. Je l'ai trouvée aussi convaincante que sur la Trauer Ode enregistrée récemment avec Philippe Pierlot (cf. note du 12 mai 2007).

Le Choeur Arsys Bourgogne est excellent et dégage un magnétisme étonnant. Sa précision et sa présence ont largement contribué à la beauté de ce concert.

Beau concert donc, sous le signe indéniable de la méditation et où la fougue de cette Passion qui précède la grande Passion selon Saint-Matthieu reste sous contrôle.

Pour la première fois de ma vie de mélomane, j'ai assisté mercredi à cette expérience sidérante, à  savoir, "l'interdiction" d'applaudir parce que le concert se déroulait durant la semaine Sainte.  Cette instruction placardée sur les piliers de l'église dans un style plutôt anguleux a bien contribué au refroidissement de l'atmosphère. Pour que je sache, la Passion n'était pas donnée dans le cadre d'un Office et il s'agissait d'un concert public, donné par Philippe Maillard Productions et non organisé par une congrégation religieuse...

La 5ème de Bruckner par Herreweghe (suite)

Pour faire suite à la note du 18 février 2007 sur le concert donné le 17 février par l'Orchestre des Champs-Elysées à Pleyel, sous la direction de Philippe Herreweghe, je viens enfin de découvrir à quelle date ce concert était diffusé sur France Musique.

La date est le lundi 24 mars à 20h00 (lundi de Pâques). Concert chaudement recommandé.

Gergiev enflamme le Philharmonique de Vienne

Concert jeudi 21 février au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). Au programme : l'Orchestre Philharmonique de Vienne dirigé par le cef invité Valery Gergiev interprète l'Ouverture de la Force du Destin de Verdi, les Préludes, poème symphonique pour orchestre de Liszt, la 5ème symphonie en mi mineur opus 64 de Tchaikovski.

Une ambiance particulièrement électrique règne que TCE. Tout d'abord, fait inhabituel, la salle n'ouvre que très tardivement si bien qu'une foule impressionnante se trouve amassée devant le Théâtre vingt minutes avant le début du concert. Ce dernier fait salle comble. Rien d'étonnant quand un orchestre aussi mythique passe à Paris.

Valery Gergiev dirige régulièrement la prestigieuse phalange viennoise et on sent très nettement une belle complicité avec les musiciens de l'orchestre.

Dès la Force du Destin, le chef russe imprime une tension phénoménale. On ne pourrait imaginer une telle version dans le cadre de l'interprétation complète du fameux opéra de Verdi, tant l'orchestre doit être déjà épuisé à la fin de l'ouverture. Les trompettes sont tonitruantes, les attaques d'archets particulièrement musclées et la masse orchestrale vous envahit comme une déferlante. Valery Gergiev embarque l'orchestre dans des accélarations fulgurantes. Le Philharmonique de Vienne révèle pleinement son empreinte sonore : timbres charnus, sonorités mates et denses. Vraiment fascinant.

Sur Les Préludes de Lizt, le chef joue toujours sur de forts contrastes mais dessine les motifs avec bien plus de fondu. Ce poème symphonique, dont le thème principal est célèbre, illustre bien le penchant du compositeur hongrois pour des harmonies complexes, les textures sonores denses, dont le romantisme exacerbé est à la limite du kitsch.

Après l'entracte, Valery Gergiev attaque la mythique 5ème symphonie de Tchaikovski.

Je ne peux m'empêcher de rappeler Mravinski qui, grâce à la rigueur métronomique exceptionnelle qu'il imprime, a donné, avec une version historique, une unité singulière à cette symphonie, en revenant également à une grand classicisme. Cela vous marque à tout jamais, si bien que, malgré la très haute tenue du concert de jeudi soir avec le Philharmonique de Vienne, on ne retrouve pas les mêmes sensations. A vouloir un peu trop décortiquer chaque mouvement, Valery Gergiev semble s'être laissé emprisonné dans cet immense kaleidoscope que peut constituer cette symphonie. Ce chef d'oeuvre est d'une complexité effarante. Même si le fameux thème martial et presque funèbre revient sans cesse sur chaque mouvement, Tchaikovski alterne des motifs très différents, avec des changements rythmiques fulgurants.

La version de Gergiev impose sa beauté sonore, les moments les plus fascinants sont les envolées les plus slaves, d'un lyrisme éclatant, servi par une perfection technique et la plasticité exemplaire du Philharmonique de Vienne. Le mouvement le plus réussi est indéniablement le Finale. Par rapport à la 6ème de Tchaikovski dirigée par Ozawa à Pleyel il y a quelques semaines (cf. note du poisson rêveur) guidée par une vision où la tendresse et la fluidité l'emportaient sur la noirceur, le chef russe entre bien mieux dans le tourment, un pathos certain mais sans mièvrerie. Au contraire, il nous révèle presque une forme de folie meurtrière. Le chef a donc parfaitement révélé la fébrilité permanente de cette symphonie et sa structure quasiment en spirale qui fait que jamais, chaque mouvement, ne semble vouloir se résoudre.

Après des applaudissements très nourris et mérités, le chef interprète deux bis : deux valses de Josef Strauss : la fameuse Libellule et Ohne Sorgen. Le Philharmonique de Vienne s'auto-dirigeait, Valery Gergiev faisait semblant de suivre...

La touche aérienne d'Herreweghe sur Bruckner

Concert hier après-midi 17 février à Pleyel. Programme Mahler (Les "Rückert Lieder") et Bruckner (la 5ème symphonie en si bémol majeur). Philippe Herreweghe dirigeait l'Orchestre des Champs-Elysées. Le baryton allemand Christian Gerhaher interprétait les lieder de Mahler.

Philippe Herreweghe et Christian Gerhaher ont d'emblée restitué, avec de très belles nuances, le climat envoutant de ces lieder. Philippe Herreweghe accompagne avec une finesse extrême les moindres inflexions de la voix du baryton et l'acoustique exceptionnelle de Pleyel permet de savourer toute la précision de cette direction musicale. La voix du baryton est bien posée, l'articulation parfaite. Le crescendo saisissant du fameux "Um Mitternacht" nous fait saisir tout le désespoir contenu dans ce lied. L'orchestre déploie des couleurs magnifiques qui compensent heureusement la morbidité de ces pièces. Le lied où l'accompagnement orchestral s'avère le plus chatoyant est bien le dernier, de toute beauté ("Ich bin der Welt abhanden bekommen"). Chrsitian Gerhaher confirme qu'il est un grand mahlérien, très respectueux du texte et dont le phrasé est parfaitement maîtrisé.

Sur la monumentale 5ème symphonie de Bruckner, Philippe Herreweghe confirme la caractère ductile de la sonorité des instruments anciens. Comme je l'avais déjà souligné dans la note du 26 décembre 2006 et relative aux différents univers brucknériens (Wand, Harnoncourt, Celibidache...), Philippe Herreweghe apporte une touche aérienne et une souplesse qui constituent bien sa marque de fabrique (comme sur des oeuvres radicalement différentes comme les cantates de Bach). Par rapport à la 4ème ou la 7ème symphonie de Bruckner avec le même orchestre, Philippe Herreweghe a imprimé toutefois hier plus de mordant, et a imposé d'emblée une certaine tension de la ligne qui est indispensable sur cette symphonie. Car il est bien question ici de tension permanente, d'opposition incessante de climats, de tiraillements, de l'Adagio d'introduction au Finale.

Anton Bruckner était fasciné par le Requiem de Mozart. La direction finalement très XVIIIème siècle de Philippe Herreweghe (formation orchestrale plus réduite, instruments anciens) met en évidence de façon flagrante la parenté de l'un des thèmes principaux de la 5ème symphonie de Bruckner (dévoilé au milieu du premier mouvement et repris dès l'ouverture du Finale) avec le non moins saisissant Introitus du Requiem de Mozart.

Très belle version dans l'ensemble avec une haute tenue des différents instrumentistes (les quatre cors, cruciaux comme toujours chez Bruckner, Marcel Ponseele, hautboïste, fidèle des fidèles de Philippe Herreweghe, comme toujours sublime, surtout sur l'introduction de l'Adagio).

Très beau concert, enregistré pour France Musique.

Le Philharmonique de Berlin rend hommage à Karajan (vraiment ?)

Concert vendredi 25 janvier à Pleyel. Un programme "hommage à Herbert Van Karajan" avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin sous la direction de Seiji Ozawa.

En première partie, le concerto pour violon et orchestre en ré majeur de Beethoven interprété par Anne-Sophie Mutter. En seconde partie, la symphonie N°6 ("Pathétique") de Tchaïkovski.

Pour une fois, j'arrive très en avance (vers 18h30) et remarque déjà quelques personnes qui cherchent désespérément des places. Pas étonnant de trouver des mélomanes errant pour rechercher si, par miracle, une place se libérait. La soirée était en effet largement monopolisée par des "invitations VIP" d'au moins quatre sociétés différentes (la Deutsche Bank, sponsor du Philharmonique de Berlin, la Société Générale, LVMH, Deloitte...).

J'avais pour ma part réservé mes places via un abonnement à un prix que d'aucuns jugeront indécent (que ne fairait-on pas pour écouter l'un des plus beaux orchestres au monde...).

Anne-Sophie Mutter aborde le concerto de Beethoven avec une raideur surprenante. Elle tente de prendre le contre-pied des versions traditionnellement viriles et épiques avec une approche qui se veut visiblement méditative, au fil du rasoir avec un tempo étiré. Pour autant, ce parti pris ne m'a pas vraiment conquis. Je dois avouer m'être rarement autant ennuyé (je me suis même assoupi, revenant ce jour là d'un voyage professionnel...).

La technique est irréprochable mais il y a toujours chez cette interprète quelque chose de glacial et sans saveur. Le supplément d'âme n'était donc pas au rendez-vous, malgré l'accompagnement très attentionné de Seiji Ozawa qui tenait un orchestre félin, ronronnant au service de la soliste. Souplesse des développements, petite part de mystère... on aurait presque retrouvé le grand Giulini quand il accompagnait Itzhak Perlman sur le même concerto.

Pour la 6ème symphonie de Tchaikovski, le maître japonais attrape le "monument" à bras le corps (et par coeur, sans partition). Quand on a été bouleversé par la lecture inouie d'un Mravinsky à la tête du Philharmonique de Leningrad (cf. note du 26 septembre 2006) avec les phrases ciselées au millimètre et une forme de brutalité sauvage, on peine à rentrer dans l'univers de Seiji Ozawa, tout en rondeurs, en souplesse et où le sentimentalisme de Tchaikovski semble exacerbé.

C'est là que le bât blesse un tout petit peu. Seiji Ozawa inscrit sa version sous le signe de la noirceur et du désespoir mais avec malheureusement une tension insuffisante pour nous convaincre et nous marquer. La ligne se relâche trop souvent et la tonitruance de l'orchestre (notamment sur le 3ème mouvement, Allegro molto vivace) si elle a impressionné le public de Pleyel, ne fait que masquer l'absence d'une véritable intensité dramatique. Au crédit toutefois de Seiji Ozawa, le fait qu'il ait donné une belle unité à cette symphonie, et ait vraiment raconté une histoire. C'est suffisamment rare pour être souligné. Si on peut ne pas adhérer au parti pris esthétique, cette symphonie avait toutefois une belle unité.

Le Philharmonique de Berlin confirme la beauté plastique indéniable de ses sonorités, soyeuses et d'une souplesse remarquable. Il manquait parfois l'éclat que l'on attend sur une symphonie qui procure pourtant tellement d'occasions d'emporter les spectateurs.

Cette soirée est la confirmation que des concerts coûteux alignant des "stars" du classique, ne sont pas toujours les plus réussis.

Le public (dont les VIP invités) se lève pour donner une "standing ovation" à Seiji Ozawa. Quand un orchestre joue bien fort, cela paie toujours.

Ci-dessous, critique saignante de ce concert par Renaud Machart dans le Monde daté d'aujourd'hui. Je vous laisse apprécier et en déduire le sens de la nuance que tente de maintenir le Poisson Rêveur.

Débuts ratés de l'anniversaire Karajan à Paris
LE MONDE | 26.01.08

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Stabat mater et Vêpres brèves

Concert lundi dernier 14 janvier au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). L'ensemble Il Seminario Musicale, sous la direction de Gérard Lesne, inteprète des pièces sacrées italiennes à la jonction du XVIIème et du XVIIIème siècles.

Gérard Lesne prend le parti de nous faire découvrir des musiciens contemporains de Scarlatti (Alessandro), Pergolese, Corelli ou Vivaldi, bien moins connus que ces derniers, et pourtant tout à fait dignes d'intérêt.

Gérard Lesne, assurant la voix d'alto en plus de la direction musicale, est accompagné d'Alexandrina Pendatchanska (soprano), Jean-François Novelli (ténor), Edwin Crossley-Mercer (baryton).

Tout d'abord il convient de d'attribuer une mention toute particulière à Alexandrina Pendatchanska qui remplace au pied levé (avec quelques heures uniquement de répétition) une soprano grippée qui devait elle-même remplacer Véronica Cangeni, prévue à l'origine et souffrante. Alexandrina Pendatchanska elle-même toussotait et semblait souffrir de la gorge... Une malédiction s'était visiblement installée sur les sopranos pour ce concert. Elle s'en sort très honorablement malgré des conditions assez difficiles.

Le concert commence avec le Stabat mater d'Antonio Caldara. Ce compositeur vénitien, violoncelliste de formation, a effectué une bonne partie de sa carrière en dehors de Venise, notamment sous la protection du duc de Mantoue puis du roi d'Espagne. Son Stabat mater est d'une facture très classique, assez austère et grave, avec des trames harmoniques visiblement très resserrées. Ce Stabat mater est finalement assez intimiste, touche rare chez les italiens qui optent habituellement pour les couleurs et l'éclat. On sent une certaine influence de Scarlatti.

Viennent ensuite de superbes Vêpres brèves, qui consituent de loin la pièce la plus étonnante de ce concert et composée par Francesco Durante, compositeur napolitain. Dès le Dixit Dominus d'introduction, l'accent est mis sur la théâtralité, l'expression. Pendant toutes ses Vêpres, on a l'impression d'écouter un opéra en miniature avec des solistes qui s'affrontent à coup d'effets de virtuosité et une rythme presque syncopé étonnant et assez rare dans les compositions de cette époque. Une certaine fougue se dégage de cette oeuvre. La petite biographie du compositeur fournie dans le programme indique que ce dernier était "amateur de bon vin, sans lequel il ne pouvait se produire correctement au clavecin"... Le Magnificat de ces Vèpres est superbe.

Le concert se termine avec le Stabat mater d'Antonio Maria Bononcini, violoniste, frère du plus célèbre Giovanni Battista Bononcini. Cette composition a d'emblée un caractère très concertant. Ce Stabat mater, moins grave que le précédent, mise plutôt sur une dualité voix / orchestre particulièrement bien mise en oeuvre et des passages vocaux d'une virtuosité indéniable. Ce Stabat mater est subtil, fin, complexe. Sans effets "faciles", il demande à être écouté attentivement pour en cerner toute la richesse.

Ce programme était une belle découverte. Comme souvent, et pour notre plus grand bonheur, Gérard Lesne est sorti des sentiers battus. L'ensemble vocal était relativement homogène et ce malgré les désistements qui se sont enclenchés en série.

Si la voix de Gérard Lesne est moins véloce qu'il y a quelques années, l'intelligence du texte et l'acuité de sa direction musicale compensent largement ce point. La soprano remplaçante, pourtant elle-même souffrante, a montré des qualités indéniables de phrasé, d'articulation. Jean-François Novelli était très investi avec un timbre léger, même si sa voix souffrait parfois d'un tout petit manque de projection. Edwin Crossley-Mercer campait une basse solide, inébranlable et concentrée mais que l'on aurait aimé plus relachée par moment (un tout petit peu de raideur).

La public a chaleureusement applaudi ce bel ensemble musical qui a pris le risque d'un répertoire relativement difficile mais qui confirme à quel point il excelle sur le répertoire italien à la frange de la musique ancienne et du baroque.

Bach - Harnoncourt - Pleyel : rendez-vous manqué ?

Concert mardi 18 décembre soir à Pleyel. Au programme, trois cantates de JS Bach interprétées par l'ensemble du Concentus Musicus de Vienne et le Choeur Arnold Schoenberg sous la direction de Nikolaus Harnoncourt (chef de choeur : Erwin Ortner).

Au programme, les cantates : "Ach wie flüchtig, ach wie nichtig" BWV 26, "Schwingt freudig Euch Empor" BWV 36, "Wachet auf, ruft uns die Stimme" BWV 140.

Je dois préciser que je n'ai pu assister qu'à l'écoute des deux premières cantates.

Pour ma part cela faisait plus de vingt ans (déjà !) que je n'avais pas écouté Nikolaus Harnoncourt diriger des cantates de Bach. La dernière fois c'était à l'église de la Trinité à Paris avec une réverbération épouvantable. Dans la nouvelle salle Pleyel, c'est tout autre chose.

Pour les mélomanes amateurs de musique sacrée baroque, le chef autrichien fait littéralement figure de mythe. Il fait partie des pionniers qui ont revisité le corpus des cantates du cantor avec la tentative de se rapprocher le plus possible des conditions les plus proches de celles des interprétations d'origine (instruments anciens, options esthétiques interprétatives, configuration vocale et orchestrale, ...). Avec sa maturité des oeuvres anciennes  et baroques, Nikolaus Harnoncourt est revenu sur certaines options qui étaient déjà en partie discutables au tout début (ex : suppression de l'appel à des choeurs d'enfants dans les registres soprano, appel à des chanteuses mezzo-soprano à la place des haute-contres pour les solistes contralto...).

L'arrivée du chef au tout début du concert a été couverte d'applaudissements dont l'ardeur révélait l'admiration du public parisien.

Pourtant, cette moitié de concert m'a laissé une sensation amère.

J'ai trouvé que ces cantates manquent immanquablement de ferveur et les interprètes semblent bien trop routiniers. Les choeurs qui doivent en principe contribuer le plus à camper le climat de chaque cantate sont bien trop apprêtés et retenus (rien à voir avec la plasticité et l'élan du Collegium Vocale de Gant ou du Choeur de chambre de Namur).

La gestuelle autoritaire et hiératique de Nikolaus Harnoncourt  donne plus l'impression d'intimider et d'inhiber les interprètes qu'autre chose.

Les deux cantates, y compris la BWV 36 qui doit incarner une grande ferveur, s'avèrent finalement un peu poussives, sans aspérités. Tout cela est très correct techniquement mais la tension de la ligne est malheureusement absente et cela se ressent assez fortement. La basse continue, notamment à l'orgue, s'avère d'une monotonie confondante.

Les solistes sont de qualité assez variable. La basse Anton Scharinger est de loin le meilleur interprète. La fameuse aria "Willkommen, willkommen, werter Schatz !" de la cantate BWV 36, que j'ai trouvé un peu poussive dans la version de Peter Kooij (version de Philippe Herreweghe / Collegium vocale de Gant) est nettement plus enlevée et colorée avec Anton Scharinger.

Le ténor Kurt Streit, que j'avais déjà écouté dans des concerts précédents, s'investit beaucoup et est expressif mais sa voix souffre d'une projection insuffisante. La soprano Julia Kleiter et la mezzo-soprano Elisabeth von Magnus (pourtant une habituée de ce répertoire) manquent un peu de présence et leur phrasé me semble bien trop linéaire.

En résumé, un concert qui laisse une sensation amère. Le manque de densité et la caractère un peu trop lisse de l'interprétation y sont certainement pour beaucoup.

Je ne sais pas si la fameuse et ample cantate chorale BWV 140 a rattrapé le tout en seconde partie.

A force de savourer les pièces exceptionnelles que nous offrent Philippe Herreweghe et Masaaki Suzuki, on devient vraiment difficile.

Ce serait bien trop injuste (voire stupide) de dire que Nikolaus Harnoncourt n'a finalement plus grand chose à nous raconter sur Bach. On peut pardonner que des ensembles d'un niveau aussi prestigieux soient en petite forme. Mauvaise pioche tout simplement.

Pour plus de détails, liens vers une critique bien plus enthousiaste du site forumopera.com (syndrome d'auto-suggestion ?).

Ce concert était enregistré pour France Musique mais j'ignore complètement la date de diffusion.

Beethoven par Anima Eterna : fidélité et liberté

Concert hier soir à la Salle Pleyel. l'Ensemble Anima Eterna, sous la direction de Jos van Immerseel, interprétait un programme Beethoven :

• l'Ouverture "Die Weihe des Hauses" (La Consécration de la maison) opus 124,
• le Concerto pour piano et orchestre N°1 en ut majeur opus 15,
• la Symphonie N°5 en ut mineur opus 67.

J'avais déjà évoqué, dans la note du 22 septembre 2006, le choc salutaire que m'avait procuré l'Ensemble Anima Eterna dans l'interprétation des trois dernières symphonies de Mozart. Avec un tempo soutenu mais non excessif, une ligne tendue comme il faut et un orchestre très ramassé et homogène, Jos van Immerseel révélait de tous les instruments anciens qu'il dirigeait une sève divine. Enfin des symphonies de Mozart de "chair et de sang", vivantes, nerveuses et enivrantes.

Sur Beethoven hier soir, le chef nous a procuré le même plaisir.

L'échauffement sur la singulière et martiale Ouverture "Die Weihe des Hauses annonce la couleur. Les cuivres teintent de tout leur éclat sonore tout en conservant ce brin d'imprécision et de "grain" propre aux instruments anciens.

Le parti pris esthétique de Jos van Immerseel est en effet de revenir sur des instruments dont la facture est la plus proche possible de celle de l'époque de création des oeuvres. Ce souci de véracité et de retour également à une lecture la plus stricte possible du texte, doit conduire en principe à une nouvelle lecture de ces oeuvres et doit permettre de les découvrir à nouveau sous des nouveaux angles.

Sur les deux autres sélections du programme Beethoven, je trouve que le pari est assez réussi.

Le 1er concerto pour piano, encore très mozartien sur le premier mouvement, dévoile peu à peu ses accents beethovéniens. Jos van Immerseel est cette fois au clavier et démontre à quel point il est un pianiste éclairé au jeu pertinent. Il jouait hier sur piano forte allemand original Johann Nepomuk Trödlin de 1830, restauré à Anvers par Jan van den Hemel. Ce piano, d'un bois aux couleurs ambrées et chatoyantes, dévoile des sonorités très claires sur les aigues, un medium et un grave pleins et généreux. Toutefois, malgré l'acoustique exceptionnelle de la salle Pleyel, et les efforts de l'orchestre pour avancer à pas feutrés, ce piano (pourtant un trois quart de queue ?) se révèle encore comme un instrument de salon à la sonorité bien trop délicate pour se diffuser pleinement et de façon naturelle à plusieurs centaines de spectateur.

A noter dans cette interprétation, une belle fusion piano et orchestre, un second mouvement (le Largo) d'une poésie indéniable et une surprenante cadence très personnelle du pianiste sur la fin de ce mouvement et digne d'une bourrée !

Le sommet du concert était indéniablement l'interprétation de la célèbre 5ème symphonie en ut mineur. Jamais je n'avais eu jusqu'ici l'occasion de découvrir à quel point son écriture était audacieuse et fantasque. Grâce à une intelligence rare du texte, Jos van Immerseel réussit l'exploit de nous révéler l'architecture et les ressorts rythmique comme harmoniques des différents mouvements. Même s'il veut être le plus fidèle possible aux caractéristiques esthétiques originelles de cette symphonie (instruments anciens, configuration de l'orchestre à effectifs réduits), le chef prend une liberté de lecture décapante mais tout à fait respectable : une interprétation en pleins et déliés, des motifs détourés à la pointe sèche qui cohabitent avec certains passages rendus avec un fondu superbe. Le parti pris d'une forme de questionnement permanent sur le fameux premier mouvement, avec une sensation omniprésente de non achèvement est particulièrement bien vu. Sans parler de la pointe d'humour, d'ironie qui surgit parfois mais avec beaucoup de finesse.

Enfin, à noter, les sonorités pleines, capiteuses et fruitées de cet orchestre où chaque interprète est d'un niveau exceptionnel (à noter le flûtiste Frank Theuns qui s'est nettement détaché dans cette symphonie par sa virtuosité et sa musicalité).

On est interpelé, emmené de bout en bout par le chef et son ensemble, sans pouvoir souffler la moindre seconde, pendant la trentaine de minutes de la symphonie.

L'ensemble enregistre d'ailleurs en ce moment l'intégrale des symphonies de Beethoven sous le label zig-zag territoires. A découvrir visiblement pour avril 2008.

Pour vous faire une idée, je vous suggère ce lien vers le site Avro Klassiek, où vous pourrez écouter la 6ème symphonie de Beethoven interprétée par le même chef et le même ensemble (enregistrement de 1999).  Depuis, je confirme que Jos von Immerseel a mûri ses symphonies de Beethoven. Toutefois, les fondamentaux sont déjà bien présents.

Magdalena Kožená : le chant baroque enfin incarné ?

Concert lundi dernier 12 novembre au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). Magdalena Kožená interprète des arias d'opéras de Haendel, accompagnée par le Venice Baroque Orchestra, sous la direction d'Andrea Marcon. Ces arias sont ponctuées par des concertos et une sinfonia de Vivaldi.

Le détail du programme est le suivant.

Ce concert reprend pour partie les arias du disque que viennent de sortir ces mêmes interprètes chez Archiv Produktion.

Les lecteurs du Poisson Rêveur savent combien j'admire Magdalena Kožená qui est certainement au sommet de son art. Parmi les innombrables albums de récital que se sentent obligés de sortir les grandes voix du circuit à coup de surenchères de vocalises sur des arias baroques d'un intérêt d'ailleurs très variable, la mezzo slovaque a pris le pari risqué de sortir du lot en enregistrant.... une sélection d'arias d'opéras de Haendel !

Cette audace s'avère d'une redoutable efficacité. Elle n'a visiblement jamais interprété les arias qu'elle a sélectionnées et certaines d'entre elles sont magnifiques. Quelle alchimie a donc fait que Magdalena Kožená ne tombe pas dans le piège du Nième récital ?

Tout simplement le fait qu'elle incarne avec force et conviction ses caractères (Alcina, Agrippina, Sesto, Ariodante, Theodora...) en leur conférant - enfin ! - de la chair et des larmes. Anne-Sofie Von Otter avait déjà effectué une partie de ce parcours risqué, avec sa touche de sensualité irrésistible. Cependant, ses interprétations manquaient encore de densité, de cette sorte de folie, de désespoir que sont sensés atteindre les personnages des drames haendéliens. Cecilia Bartoli a apporté, avec la vélocité incroyable de sa voix, plus de l'éclat que de pathos. C'est donc enfin Magdalena Kožená vient qui nous rappeler à juste titre que les protagonistes de ces opéras sont soit meurtris par le chagrin, soit fous de rage et avides de vengeance, soit écartelés par les tourments et les regrets.

Elle prend alors une option étonnante, mais finalement tout à fait intéressante, d'une expressivité hors du commun, en marquant plus les traits, sans pour autant les forcer, avec une voix qui, comme un caméléon, change subitement de couleur, passant des teintes les plus vives aux tons les plus sourds. La voix peut même devenir presque rauque, avec des phrasés très marqués, comme si les rôles étaient parfois sur-joués. Tout cela ne tombe toutefois pas dans la caricature.

Le panorama est alors très complet. Il commence avec le sublime air "With darkness deep" (Theodora), ténébreux et empli d'un mystère envoûtant. Il se prolonge avec "Scherza infida" aria d'Ariodante qui est le sommet, tant du concert que de l'album. Cette aria alterne désespoir, mélancolie, colère pour arriver au basculement ultime avec le mot "a morte" prononcé avec une expressivité qui donne le frisson. Il ne fallait simplement pas regarder lundi dernier les deux violoncellistes de l'orchestre qui marquaient leurs pizzicati d'expressions malicieuses et d'une gestuelle burlesque dignes des Marx Brothers (ces vénitiens ont vraiment un sens inné du second degré...).

La chanteuse continue le "Cara speme" (Sesto de Giulio Cesare") où la voix est accompagnée d'un solo de violoncelle presque nonchalant et très émouvant. Elle termine enfin par le célèbre "Ah ! mia cor !" d'Alcina et le "Dopo Notte" d'Ariodante.

La maîtrise vocale de Magdalena Kožená est tout simplement parfaite. Sa virtuosité est entièrement au service de cette audace interprétative, avec un timbre voluptueux, une voix très bien portée et canalisée ainsi qu'un phrasé très expressif.

L'ensemble Venice Baroque Orchestra, que j'avais découvert dans les enregistrements des concertos de Vivaldi avec Giuliano Carmignola (cf. note du 30 octobre 2006) cisèle avec finesse les motifs orchestraux et soutient de façon admirable la soliste. Cet ensemble restitue un son très racé et de superbes couleurs.

L'interprétation des concertos de Vivaldi qui alternent avec les arias s'est faite avec vivacité mais élégance, sans excès. Cela change des outrances et approximations d'un Fabio Bondi.

Très beau concert d'une chanteuse envoûtante dont la complicité avec l'orchestre est évidente.

On peut ne pas aimer cette dernière option. Pour ma part je la respecte complètement.

A noter que la dernière aria de l'album n'est autre que le célèbre "Lascia la spina" également interprété de façon magistrale par Cecilia Bartoli. Intéressant de comparer les deux approches.

Lien direct vers l'album des mêmes interprètes, tiré du site Deutsche Grammophon.

PS : malgré leur qualité indéniable, je dois avouer que ce concert et l'album associé, n'ont tout de même pas réussi à me procurer un choc aussi fort que l'association Magdalena Kožená / Marc Minkowski sur les Cantates Italiennes de Haendel, sous le même label (cf. note du 27 septembre 2006).

Sibelius par Salonen : sous la glace, le feu

Concert exceptionnel hier à la Salle Pleyel. Esa-Pekka Salonen dirige le Los Angeles Philharmonic sur un programme Sibelius.

Le chef finlandais, avec son orchestre attitré, inteprètent sur quatre jours (les 4, 5, 6 et 8 novembre), l'intégrale des symphonies de Jean Sibelius.

Au programme hier lundi 5 novembre : la Symphonie N°6 en ré mineur op. 104, Sept chants opus 17 interprétés par le ténor canadien Ben Heppner et la Symphonie N°5 en mi bémol majeur op. 82 (version définitive de 1919).

La première partie démarre avec une 6ème symphonie pour laquelle Esa-Pekka Salonen prend une option d'emblée percutante : sous une calme et une sérénité apparente, on sent le grondement étouffé, les fureurs retenues. Avec un sens aigu des contrastes, le chef, comme à son habitude, détoure les différents plans sonores de façon magistrale pour délivrer une symphonies dont les motifs successifs se détachent avec une netteté sidérante. D'aucuns peuvent ne pas apprécier et trouver cela trop analytique, voire abstrait. Toutefois, comme sur l'interprétation du Sacre du Printemps de Stravinsky, le chef réussit cet expoit de diriger comme s'il sculptait la masse orchestrale. La plénitude sonore de l'orchestre est impressionnante, la rythmique implacable (point clé de l'approche esthétique d'Esa-Pekka Salonen).

Grâce au travail du chef qui a su trouver les clés rythmiques et harmoniques de cette symphonie, cette dernière nous est révélée de façon limpide, mais à la pointe sèche, avec des contours nets et des ombres franches. Comme le souligne d'ailleurs justement le programme, Jean Sibelius aurait dit à propos de cette symphonie " tandis que d'autres compositeurs vous livrent touts sortes de cocktails, je vous sers quant à moi une eau froide et pure". Comme dans la plupart de ses oeuvres orchestrales, l'évocation d'une nature irrisée de couleurs froides, mais sauvage et éclatante est bien retranscrite.

Vient ensuite le colossal ténor Ben Heppner pour l'interprétation des sept chants en langues finnoise et suédoise. Ce dernier électrise littéralement la salle par ses interprétations vibrantes et rayonnantes (le timbre du ténor canadien, grand wagnérien, est proprement solaire et le magnétisme du chanteur est impressionnant). Un bon quart d'heure de rappels confirme le succès de cette sorte "d'intermède" digne de quelque "bel canto" finnois ! A noter le superbe chant de "La fille qui revient des bras de son amant" (je vous épargne le titre en suédois), où le ténor, démarrant avec une fausse légèreté, termine avec un chant d'une gravité et d'une fureur inouïes.

Le sommet du concert vient alors avec la splendide Symphonie N°5 en mi bémol majeur. Sur cette dernière, on sent tout de suite que l'engagement y compris physique d'Esa-Pekka Salonen sera total.

La tension sera extrême de bout en bout. Le summum est atteint sur le dernier mouvement, avec   ce thème principal si caractéristique, sorte d'ostinato, enclenché par les cors, altos au début, puis les violons et les trompettes, et la libération finale, la lumière qui surgit avec un tutti d'orchestre effrayant de beauté. Le chef délivre une version incandescente, fulgurante, mettant en évidence le caractère si hypnotique du final ("Largamente assai").

Avec l'acoustique hyper-précise de Pleyel, ce splendide orchestre, d'un niveau exceptionnel, vous enveloppe littéralement de son voile sonore, tantôt dense et opaque, tantôt diaphane.

Esa-Pekka Salonen est certainement le chef le plus doué de sa génération. Comment ne pas être bouleversé par une version d'une telle intensité.

Je vous renvoie aux interviews qu'il a accordées à Diapason et Classica en Novembre et où il explique pourquoi son attrait pour Sibelius s'est avéré finalement tardif. Après avoir plutôt penché à l'origine pour la musique post-sérielle, Esa-Pekka Salonen vient progressivement à un répertoire plus classique comme celui de Jean Sibelius dont il a voue avoir découvert la puissance de son écriture.

En bis, le chef nous a fait découvrir le final (mort de Mélisande) de Pélléas et Mélisande de Jean Sibelius.

Le concert était retransmis en direct sur Radio Classique.

Lien direct vers le site de la salle Pleyel pour plus de précisions.

Pour vous faire une impression, même si cette version est bien plus ancienne et moins mature que celle écoutée hier (un bien jeune Salonen mais prometteur !), lien direct vers le site youtube.com qui vous permettra de visionner et écouter le final de la 5ème symphonie de Sibelius par le même chef  (Allegro Molto  - Largamente assai). Le fameux thème hypnotique apparaît via les cors, dès le minutage 1':23". Lorsque ce thème atteint sa plénitude, le décorum s'ouvre visiblement sur un paysage solaire ! (Un Turner ?).

Quatre saisons sous haute tension

Concert hier soir 9 octobre à la Salle Pleyel. Au programme Vivaldi et Bartók, interprétés par l'English Chamber Orchestra. La première partie est consacrée au Concerto grosso en sol mineur RV155 de Vivaldi et au Divertimento de Bartók. L'ensemble est mené par son premier violon Stéphanie Gonley.

La deuxième partie est entièrement consacrée aux Quatre saisons de Vivaldi, menées cette fois par la violoniste américaine d'origine coréenne, Sarah Chang.

Ce concert a permis d'apprécier la justesse de ton, la finesse et l'homogénéité de l'English Chamber Orchestra. Cette formation d'exception restitue les oeuvres avec une très grande finesse et un son d'une élégance rare. Avec l'acoustique hyper-précise de Pleyel, c'est un véritable régal. Le concerto grosso de Vivaldi en sol mineur est révélé avec toute sa grandeur et les violons, relayés par un groupe d'altos très justes, font vibrer avec grâce ce concerto. Bon tempo, phrasés parfaitement maîtrisés. Un vrai plaisir.

C'est le même travail qu'il nous est permis d'entendre sur une oeuvre pourtant assez déstructurée comme le Divertimento de Bartók. Elle n'a pas l'audace des pièces plus tardives du maître hongrois et révèle finalement un certain clacissisme. Seulement, comme Ravel l'avait initié avec sa valse noble et sentimentale, il y a une part certaine d'ironie grinçante, une forme de second degré dans cette oeuvre que l'English Chamber Orchestra a bien restitué sans forcer le trait, ce qui est typiquement le genre d'erreur dans laquelle on peut tomber avec Bartók. L'ensemble maîtrise parfaitement les contrecoups, sinuosités, accélérations, ruptures brusques en tous genre et parsemées dans ce morceau singulier. Ce divertimento constitue en tout cas une pièce idéale d'étude pour un ensemble orchestral car toute la palette des techniques d'interprétation des instruments à cordes y figure. Un peu comme les oeuvres viennoises, se Divertimento tente de s'enivrer de gaieté pour rechuter régulièrement dans des interrogations morbides. Singulier.

Après l'entracte surgit alors le fauve Sarah Chang, prête à dévorer d'une seule bouchée les Quatre saisons de Vivaldi. L'énergie déployée par cette soliste est sidérante. Elle appuie si fermement sur l'archet que le son en est quasiment rauque. Le tempo n'est pas précipité pour autant. C'est plutôt le "forte" du jeu qui est sidérant.  Il faudrait instaurer le contrôle anti-dopage à la fin de certains concerts ! Je ne sais pas comment elle a fait pour ne pas détruire son violon. Un tic amusant : sur certaines attaques, elle tape fortement du pied gauche pour amorcer l'inflexion. Tout cela donne un son brut, inquiétant avec un engagement total. Impressionnant mais fatiguant sur la durée. Sur les largos, elle se révèle toutefois d'une finesse incroyable. Cette interprète est inclassable même si je ne suis pas totalement conquis. Elle est en tout cas d'autant plus médiatisée que ses effets sur scène plaisent naturellement au public.

C'était surprenant d'écouter (et de voir...) la grâce de l'English Chamber Orchestra côtoyer la puissance autoritaire de la violoniste américaine.

Ce n'est visiblement pas le type de "quatre saisons" que j'emporterais sur l'île déserte.

Pour vous faire une idée, lien direct vers un chaconne de Vitali interprétée par cette violoniste, tirée du blog "Le monde de bra !" (insertion d'une vidéo YouTube).

A la rencontre de Cecilia Bartoli

Matinée de rêve aujourd'hui à Paris. Un temps splendide avec un soleil franc et la possibilité offerte par le Théâtre des Champs-Elysées de rencontrer dans la salle du TCE la grande Cecilia Bartoli.

Interviewée par Dominique Meyer, Directeur du TCE, elle s'est aussi prêtée à l'exercice de répondre aux diverses questions des abonnés du Théâtre, venus nombreux à cette occasion.

Elle a rappelé son parcours, les rencontres qui ont compté dans sa carrière (Daniel Barenboïm qui l'a révélée, Nicolaus Harnoncourt qui lui a ouvert la voie de la musique baroque).

Elle a bien entendu évoqué son tout dernier album "Maria", en hommage à María Malibran, première grande cantatrice du répertoire du bel canto au XIXème siècle qui, à l'époque, jouissait d'une très grande notoriété.

Point commun avec Cecilia Bartoli, la voix de cette chanteuse s'apparentait à une mezzo-soprano coloratura, c'est-à-dire un registre bien-sûr plus grave que la soprano mais d'une grande agilité et d'une tessiture assez étendue.

Le pari de Cecilia Bartoli est de revenir à ses premières amours (le bel canto) mais avec le diapason de l'époque (plus bas, d'où la tessiture plus grave de mezzo et non de soprano), avec des instruments anciens, sur des formations orchestrales moins amples.

Je n'ai pas encore écouté cet album, mais les extraits que l'on a pu découvrir ce matin au TCE confirment l'agilité prodigieuse de la voix de Cecilia Bartoli (notamment avec l'étonnant rataplan qui évoque avec énergie les roulements de tambour et qui rappelle étrangement l'air de la Fille du Tambour Major de Jacques Offenbach !).

On ressort de la salle avec des ailes sous les rayons dorés d'un soleil d'octobre qui ferait presque penser à la belle lumière romaine.

Merci encore au TCE pour cette invitation et cette opportunité exceptionnelle de rencontrer de grands artistes.

Lien vers une interview récente de la cantatrice sur evene.fr à propos de son dernier album.

Lien vers l'article de classicnews.com.

François Chaplin : à pas feutrés

Concert mardi 25 septembre dernier au Théâtre des Champs-Elysées. Le pianiste François Chaplin se produit au bénéfice de l'Association Alice en ré, et de la Chaîne de l'Espoir.

Le programme du récital proposé par François Chaplin est particulièrement bien vu puisqu'il associe des pièces de Debussy et de Chopin qui se répondent en échos, avec parfois des similitudes harmoniques étonnantes.

Le programme assez dense regroupait aussi bien des passages d'Estampes (dont la superbe "Pagodes" que j'avais évoquée dans la note du 9 juillet 2007 - catégorie morceaux choisis), la Soirée dans Grenade et les Jardins sous la pluie, que des mazurkas, études, passages de préludes, l'Isle Joyeuse, la Barcarolle, un nocturne et une ballade (lien direct vers le programme complet sur le site du TCE).

Le plus troublant était l'association très judicieusement choisie par le pianiste entre une mazurka de Debussy (j'ignorai qu'il en avait composé une) et une sélection de trois mazurkas de Chopin ainsi qu'une alternance instructive d'études des deux compositeurs.

François Chaplin nous a livré une des plus belles versions de l'Isle Joyeuse qu'il m'ait été permis d'entendre.

J'ai également été marqué par l'enchaînement de deux splendides études : celle pour sonorités opposées de Debussy et la ténébreuse étude n°7 en ut dièse mineur Op. 25 de Chopin.

L'attrait de ce concert était indéniablement la parti pris par François Chaplin d'enchaîner ces études sous forme d'un dialogue entre les deux compositeurs. Le pianiste a réussi son pari d'aborder l'enchaînement alterné de six études (trois de Debussy et trois de Chopin) en tentant d'imprimer dans le jeu une certaine unité, de raconter finalement une histoire.

C'est bien la principale caractéristique de ce pianiste qui démontre une intelligence exemplaire du texte et une belle maîtrise des phrasés. Ce qui pénalise un tout petit peu son approche esthétique est son jeu marqué par un excès de réverbération (usage abusif des pédales ?) un jeu très lié, un toucher délicat, mais manquant d'intensité sur les attaques. Il est donc moins convaincant sur les passages "forte". C'est une sorte d'anti Duchâble... On peut ne pas aimer car les sonorités restituées sont un peu ouatées, impressionnistes. On peut être frustré par ce manque de netteté des motifs. En revanche, ce fondu est associé à de belles couleurs ainsi qu'une restitution assez claire de l'architecture globale de chaque morceau. Rares sont finalement les pianistes qui s'attachent à mettre autant en évidence l'unité, le propos de chaque pièce. On a beaucoup d'interprètes actuels qui éblouissent techniquement, avec un son brillant, net et détaché mais n'ont finalement rien à raconter et passent à côté des ressorts profonds de chaque morceau joué.

Beaucoup d'intériorité donc dans ce récital et les belles évocations poétiques des oeuvres de Debussy et de Chopin étaient bien là.

En bis, le pianiste a notamment interprété le 6ème des 24 préludes de Chopin (si mineur) (que l'on peut écouter sur le site personnel suivant) et le magnifique 2ème Intermezzo opus 118 de Brahms. Ce dernier devient décidemment le morceau fétiche de nombres de pianistes en bis - pour ma part, je ne m'en plaindrai pas, l'ayant retenu dans mes morceaux choisis - cf. note du 19 avril 2007).

Deux portables ont sonné pendant le concert, dont un, juste avant que François Chaplin démarre l'interprétation d'une étude, le déconcentrant avec une mélodie mozartienne du meilleur effet !... Deux personnes ont fait tomber leur programme cartonné avec un bruit fracassant. Entre chacune des 13 pièces interprétées, les toux, éternuements et miasmes en tous genres allaient crescendo. J'avais derrière moi deux personnes papotaient allègrement, se croyant peut-être dans leur salon en face de leur téléviseur. Restons zen !

Nb : l'intégrale Debussy de François Chaplin sous le label Arion-music a été largement saluée par la critique.

Kurt Masur - Joshua Bell : l'étincelle ne s'est pas produite ?

Concert jeudi 13 septembre au théâtre des Champs Elysées. Kurt Masur et l'Orchestre National de France (ONF) se produisent ce soir là au titre d'une occasion toute particulière : les quatre vingts ans du Maestro. La soirée était est outre donnée au bénéfice de la Fondation Mendelssohn de Leipzig, présidée par Kurt Masur.

Au programme... Felix Mendelssohn justement. En introduction, l'ouverture de Ruy Blas et le fameux 2ème concerto pour violon et orchestre en mi mineur avec Joshua Bell comme soliste. En seconde partie, le programme comprend la célèbre 9ème symphonie "du Nouveau Monde" d'Anton Dvořák.

L'ambiance est indéniablement à l'émotion. L'ouverture de Ruy Blas est attaquée avec vivacité et éclat par l'ONF avec un Kurt Masur mordant. L'orchestre révèle des couleurs splendides dans cette pièce écrite dans le plus pure style de Mendelssohn (élégance, inventivité harmonique, écriture limpide, très coulée). Cette oeuvre fait visiblement partie de ces paradoxes de la création artistique : Mendelssohn l'écrit pour la pièce de Victor Hugo alors que celle-ci lui aurait provoqué un profond dégoût et notre grand auteur national aurait été atterré par ce morceau de musique écrit "par un allemand nommé Mendelssohn"...

Joshua Bell entre ensuite en scène pour le concerto. C'est la première fois que j'écoute ce violoniste en concert (je vois tout de suite Klari verte de jalousie...) et dont j'avais déjà parlé dans la note du 17 avril 2007 à propos de son expérience new yorkaise dans le métro. Je trouve qu'il ressemble étrangement à Luke Skywalker et, excusez le mauvais jeu de mot, la force est bien avec lui ! La technique est époustouflante, l'engagement personnel total. Ce violoniste a une maîtrise exceptionnelle du legato. Je l'ai vu très peu de fois détacher l'archet des cordes et il se lance dans un continuo sidérant, comme une voix qui jamais ne reprendrait sa respiration. Son violon n'a pas une portée exceptionnelle mais révèle un son d'une grande finesse avec des aigus d'une pureté cristalline.

Il est un peu dommage que le chef ne suive pas totalement Joshua Bell dans son parti pris d'imprimer une certaine tension sur ce concerto. L'orchestre, si vif sur Mendelssohn en introduction, s'assoupit soudainement et semble même parfois à la traîne (probant sur le fameux thème principal de l'Allegro final, digne d'un caprice paganinien, où le violon doit, en principe, rivaliser avec les flûtes dans les quadruples croches - ici les flûtes sont légèrement décalées).

Sur la symphonie du Nouveau Monde de Dvořák, Kurt Masur prend une option intéressante qui est finalement une lecture assez noire de ce chef d'oeuvre. La tension est croissante pour aboutir à une grande intensité dramatique sur le dernier mouvement (Allegro con fuoco). J'ai trouvé l'interprétation du Largo très émouvante. Kurt Masur révèle dans ce mouvement lent une connotation funèbre assez bien vue.

Je ne peux pas complètement dire que l'ONF soit aussi brillant que d'autres grandes phalanges européennes. Kurt Masur lui a certes imprimé un style élégant et une belle homogénéité. Il manque peut-être un peu d'éclat par moment et pourrait être plus mordant.

L'émotion de Kurt Masur, grand homme d'un charisme certain et au regard félin, était évidente face à l'ovation chaleureuse et soutenue du public parisien. Le concert était diffusé en direct par la maison mère Radio France (France Musique).

A noter le luxueux et instructif programme remis pour cette soirée et qui retrace le beau parcours du chef est-allemand avec l'ONF depuis maintenant 5 ans.

L'éveil du Romantisme

Concert hier soir 11 septembre au Palais des Congrès de Versailles. L'Orchestre National d'Ile de France, sous la direction du pianiste Jean-François Heisser, proposait un programme sous le thème "Eveil du Romantisme".

J'ai surtout retenu de ce concert très agréable et de bonne tenue, deux sujets intéressants. Tout d'abord, dans le programme, une pièce assez méconnue et étonnante de Richard Wagner : une aubade en mi majeur pour petit orchestre reprenant des motifs de Siegfried : Siegfried-Ydill. Cette pièce mélange singulièrement un motif principal très classique, faussement bucolique, avec des déviations harmoniques étonnantes qui annoncent les compositions modernes, avec de fortes évocations expressionnistes. La dernière mesure avec les cordes qui prolongent la note finale pour la terminer dans un fondu saisissant est digne de la fin de la Nuit Transfigurée d'Arnold Schönberg.

En flanant sur le Web, je viens justement de trouver sur Amazon un enregistrement qui couple ces deux oeuvres. Jean-François Heisser révèle de belles couleurs de cet orchestre qui fait un quasi sans faute sur ce morceau.

Le deuxième point est la tentative ambitieuse de Jean-François Heisser de jouer tout en dirigeant le 4ème concerto pour piano et orchetre en sol de Beethoven ! Ce chef d'oeuvre est déjà d'une certaine complexité technique mais surtout, soulève de très nombreuses questions interprétatives. Prendre le pari de diriger un tel concerto depuis le piano est particulièrement audacieux. Le résultat est finalement très correct même si l'alternance de la gestuelle de direction d'orchestre avec la reprise du piano ne va pas sans poser des problèmes de synchronisation et de phrasé. Cela ne s'est pas trop fait entendre. Il est vrai que lorsqu'on a écouté ce concerto des dizaines de fois avec des interprétations impeccables, on a l'écoute acérée et le jugement sévère.

Interprétation globalement agréable, même si je ne partage pas le parti pris d'agressivité du tutti d'orchestre qui introduit le sublime Adante con moto.

Jean-François Heisser confirme qu'il est un pianiste à la belle sonorité, avec un toucher qui mêle souplesse et vivacité.

Rêverie d'un soir : Saint-Saëns de retour dans les arènes de Béziers

Pour la 178ème note du Poisson Rêveur, vous me pardonnerez sans doute ce petit billet personnel pour évoquer le rêve accompli par Henri Fabre-Luce, petit-fils du mécène biterrois Ferdinand Castelbon de Beauxhostes. Il s'agissait de faire jouer à nouveau Camille Saint-Saëns dans les arènes de Béziers, et ce, 109 ans après la création de l'opéra Déjanire sur le même lieu.

Hier soir 6 juillet 2007, avait en effet lieu dans ces arènes, un concert bien particulier où Henri Fabre-Luce, avec certainement une belle émotion, devait raconter comment son grand-père avec passion avait réussi à convaincre Camille Saint-Saëns de faire produire sa musique dans un lieu aussi inattendu pour l'époque. Depuis seulement une bonne vingtaine d'années, à la suite de la régionalisation, nous nous sommes habitués à voir fleurir d'innombrables festivals de musique dans des lieux de toute sortes, que ce soient de véritables écrins (abbayes,  anciens hospices,...) comme de sites les plus improbables (ex : une grange qu'affectionnait particulièrement Richter...). Je ne citerai pas non plus les arènes gallo-romaines qui ont également hébergé depuis la dernière guerre des festivals à la renommée internationale. Il faut simplement imaginer à quel point, en revanche, la représentation d'un opéra en 1898 dans les arènes de Béziers constituait un évènement exceptionnel.

Hier, il s'agissait de déroger à nouveau, pour une soirée, au rituel des corridas afin de rappeler cette belle histoire entre un mécène qui s'est ruiné pour partager ses passions musicales avec le plus grand nombre et un des nos compositeurs français les plus hauts en couleurs.

La narration d'Henri Fabre-Luce devait être accompagnée de deux jeunes musiciennes interprétant des pièces de Saint-Saëns (Stéphanie Elbaz, pianiste et Estelle Vaiss, violoniste). Elles sont respectivement narbonnaise et parisienne et non biterroises... Nul n'est parfait.

J'espère de tout coeur que cette soirée a enchanté le public et qu'elle a ranimé les beaux souvenirs qu'Henri avait eu la gentillesse de me faire partager lorsque j'étais venu le voir au Domaine de la Gineste.

Lien direct vers un weblog présentant quelques photos des personnages costumés pour cette soirée.

Petit aparté : la cuvée 2004 du Merlot produit par Henri Fabre-Luce "Hommage" (en hommage à Camille Saint-Saëns) est splendide (robe d'un rouge cassis profond !) et d'une belle concentration. Un vrai régal. Il n'y a pas que la musique dans la vie !

Lien direct vers le blog d'un amateur néerlandais de musique et de vin qui a craqué pour le millésime 2003.

Lien direct vers un site décrivant le Domaine de la Gineste.

Amitiés à Henri et Claudine.

Les Musiques de Don Quichotte

Splendide concert hier soir à la Salle Gaveau. Jordi Savall et l'ensemble Hespérion XXI interprétaient une série de Romances espagnoles du XVIIème siècle, ponctuées par la lecture de passages de l'illustre Don Quichotte de Cervantès, déclamé par le comédien franco-catalan José Maria Flotats.

Initié à Ambronay il y a deux ans et paru sous forme d'un splendide livre disque édité par Alia Vox et qui a connu un succès certain, ce cycle est particulièrement fascinant.

Hier soir, le charme et la finesse de Savall, de sa compagne Montserrat Figueras et de sa fille Arianna ont complètement opéré pour notre plus grand bonheur. On sort de ce concert (alors que le temps digne d'un mois d'octobre déverse des trombes d'eau à l'extérieur) avec une sensation de plénitude qui vous envahit et vous accompagne encore de nombreuses heures.

Les styles assez divers des différentes romances interprétées hier contribuaient à instaurer toutes sortes de climats. Jordi Savall a pris le parti d'une lecture certes ironique mais tendre et bienveillante à l'égard du protagoniste Don Quichotte et l'excellent récitant nous a permis de déguster toute la subtilité du texte de Cervantès.

Au fil des tableaux brossés par Cervantès, les choix musicaux de Jordi Savall nous font  progressivement passer du pur style des Romances séfarades (étonnante mélodie Nunca fuera caballero de damas... : "Jamais ne fut chevalier de dames si bien servi", consacrée au Chevalier Lancelot) ou mozarabes (Romance de Abindarras) au style enlevé et folklorique le plus sud-américain (Romance du Comte Claros de Montauban ou les Séguedilles de la seconde partie).

J'ai particulièrement été marqué par la Romance de la plainte de Belarma à la mort de Durandart, la Romance de Don Beltran et le splendide passage instrumental "La perra mora".

Je retiendrai en outre une mention particulière pour Xavier Diaz-Latorre à la guitare et au Oud ainsi qu'à l'excellent percussionniste, compagnon de la première heure, maître des nuances et grand architecte du rythme de chacune de ces romances, à savoir Pedro Estevan.

Le psaltérion de Begoña Olavide ajoutait à l'orientalisme des différentes pièces interprétées.

Jordi Savall est vraiment un inépuisable serviteur de cette belle musique espagnole du XVIIème siècle. C'est vraiment un musicien généreux (pas moins de trois rappels où il ne s'est pas fait prier) et très attachant.

Il complète parfaitement la belle sauvagerie et l'éclat d'un Gabriel Garrido avec un sens de la danse,  des amours galantes et de la pénombre qui font tout le charme de ses interprétations.

Le disque est à acquérir de toute urgence si vous ne l'avez déjà fait. Détail du disque tiré du site du label Alia Vox.

La voix dans tous ses éclats : une belle messe en ut

Concert mercredi dernier 6 juin à l'Eglise Saint-Pierre de Neuilly-sur-Seine dans le cadre du festival "La voix dans tous ses éclats" organisé chaque année par le Conseil Général des Hauts-de-Seine. Ce festival permet à près de 7 000 choristes amateurs de se produire dans tout le Département.

Ce soir là, la Maîtrise des Hauts-de-Seine, sous la Direction musicale de Gaël Darchen, interprète la Grande Messe en ut de Mozart (K 427). Belle et périlleuse entreprise, finalement très réussie. Le choeur regroupe ce soir là pas moins de 250 choristes, en grande majorité des enfants (dont, grande fierté, ma fille aînée parmi les sopranos).

Avec le parti pris initial d'un tempo assez lent, Gaël Darchen imprime ensuite une certaine tension tout au long de la messe. Je ne m'attarderai pas sur l'interprétation tout à fait honnête des solistes (Marie Devellereau et Marie-Noëlle Cros, sopranos, Patrick Garayt, ténor et Jean-Louis Serre baryton) mais plutôt sur la prestation du choeur de la Maîtrise.

Le public a vraiment été conquis par la puissance et la dynamique de ce choeur de grande ampleur et qui est resté très uni et constant pendant pratiquement toute cette messe, malgré les célèbres difficultés techniques de cette dernière. Avec un climat qui annonce indéniablement le Requiem, cette messe, avec sa tonalité sombre d'ut mineur résonne de toute sa force grâce à ce choeur d'une tenue impeccable qui a empli toute la nef et les travées de Saint-Pierre de Neuilly. Dès le Kyrie d'introduction, l'émotion nous prend de façon nette et sincère pour ne pas nous lâcher, depuis le Credo jusqu'au poignant Sanctus.

Cette messe est une formidable expérience personnelle, confirmée par les choristes, vidés, épuisés mais qui ont eu l'immense honneur de presque tutoyer le divin.

La première partie du concert était consacrée au vif et alerte concerto pour violon et orchestre de Jacques Bondon avec Marc Vieillefon comme soliste.

PS : je trouve que la Messe en ut, tout comme dans le répertoire lyrique le très ambigu Cosi Fan Tutte, font partie des oeuvres de Mozart qui mettent en porte-à-faux bon nombre d'interprètes. Des différentes versions de la Messe en ut dont je dispose, aucune ne me satisfait encore : John Eliot Gardiner un peu lent et apprêté, Philippe Herreweghe, lisse et ennuyeux, et, plus récemment Louis Langrée, avec le Concert d'Astrée et un quatuor de solistes de choc (Natalie Dessay, Véronique Gens, Topi Lehtipu, Luca Pisaroni), nettement plus incisif mais exagérément noir, morbide, ténébreux. Sur quel pied danser, ou plutôt sur quelle voix chanter sur cette messe, fascinante composition dont les airs solistes sont plus dignes d'un opéra ? Toute l'ambivalence mozartienne est bien là.

Dernier post-scriptum : j'ai visité il y a maintenant 16 ans un église abbatiale également dédiée à Saint-Pierre. Il s'agissait tout simplement de celle de Salzbourg où fut créée le 26 octobre 1783... cette même Messe en ut, sous la Direction de Mozart avec Constance Weber comme soprano soliste.  Je n'oublierai certainement jamais cette visite.

Evgeni Koroliov : inclassable

Concert mercredi 25 avril au Théâtre de Champs-Elysées. Il s'agit d'un récital du pianiste russe Evgeni Koroliov. Au programme :

• Joseph Haydn : variations en fa mineur Hob. XVII/6,
• Ludwig van Beethoven, sonate N°28 en la majeur opus 101,
• Claude Debussy : sélection de préludes pour piano tirés des livres I et II,
• Serge Prokofiev, sonate N°2 en ré mineur, opus 14.

Tension et virtuosité dans ce concert sont allées crescendo. Evgeni Koroliov, pianiste singulier, au toucher d'une précision étonnante marque surtout par son aptitude à révéler des couleurs parfois splendides, et un relief saisissant. Son Haydn est d'une grande simplicité, avec un jeu très maîtrisé, une certaine économie de moyens mais absolument rien de mécanique. Le pianiste révèle de façon assez limpide la structure et les ressorts de ces variations. La filiation avec Beethoven nous paraît évidente. Il y a quelque chose de presque métaphysique dans cette musique.

Sur la difficile sonate N°28 en la majeur de Beethoven, Evgeni Koroliov se montre plus décevant. Sa volonté de décortiquer cette oeuvre, un certain excès d'analytisme sont au détriment de l'unité de cette sonate. Il faut dire que cette dernière n'est justement pas du tout monolithique et Beethoven fait appel à des procédés qui font changer le climat en permanence, et de façon quelquefois inattendue.

C'est sur Debussy qu'Evgeni Koroliov s'est montré le plus impressionnant. Il a sélectionné quelques pièces des livres I et II des préludes. La série commence par une version "Des pas sur la neige" sidérantes de poésie et de finesse. La maîtrise du toucher et des nuances est telle que la sonorité restituée est incroyablement ouatée et mate comme lorsque l'on est justement... entouré de neige !

Viennent ensuite la Sérénade interrompue, la Danse de Puck, les Minestrels, Canope, Les tierces alternées et, surtout, les Feux d'artifice, joués avec une virtuosité sereine, comme évidente.  Evgeni Koriolov a une lecture très intense, singulière des Préludes de Debussy, faisant ressortir toute la poésie et l'expressivité de ces pièces de façon remarquable. C'est prodigieux.

Le récital se termine par la 2ème sonate de Prokoviev, certainement éreintante, martelant son rythme implacable, comme une sorte de violence urbaine. La tension est permanente. Le pianiste, très concentré, reste d'une constance implacable.

En bis, le pianiste nous réserve, entre autre, un prélude et une fugue du Clavier bien tempéré de JS Bach. Toute l'architecture, ciselée à merveille de cette pièce est restituée avec un éclairage qui met en relief les moindres motifs. Un très grand moment où la musique de Bach nous est dévoilée avec une musicalité unique.

Dans les rappels, Evgeni Koroliov nous joue également un mouvement d'une sonate de Haydn. J'ai hâte de découvrir son disque dédié à quatre sonates de Haydn (cf. critique sur le site du piano bleu).

Très beau concert.

Héroïnes tragiques du XVIIème siècle français

Concert mardi 24 avril à la Salle Gaveau. L'Orchestre du Concert Spirituel, sous la Direction d'Hervé Niquet, accompagne la mezzo-soprano ("bas dessus" comme on disait au XVIIème siècle) Stéphanie d'Oustrac.

Ce récital présentait l'intérêt de nous présenter un panorama d'airs de grandes héroïnes, tirés de différentes tragédies lyriques composées par cinq compositeurs français différents de la même époque : Pascal Collasse (extraits d'Achille et Polixène), Jean-Baptiste Lully (extraits de Persée), Henry Desmarest (extraits de Didon), André Cardinal Destouches (extraits de Callirhoé) et Marc-Antoine Charpentier (extraits de Médée).

L'enchaînement choisi a montré de façon éloquente les influences stylistiques réciproques de ces différents compositeurs qui se sont côtoyés à la Cour de France, à la jonction des XVIIème et XVIIIème siècles.

Les airs sélectionnés incarnent tous des femmes exprimant leur colère, leur désarroi ou leur effroi. Certaines arias sont en outre celles du dernier soupir ou trépas (ex: mort de Didon).

Des pièces purement orchestrales, sélectionnées dans chacune de tragédies lyriques, alternent avec les arias.

Du point de vue interprétatif, pas de surprise chez Hervé Niquet. Tout est à nouveau dirigé au pas de charge. Les phrases sont courtes et tranchées à vif. Le rythme très soutenu, un peu saccadé. Avec l'acoustique de Gaveau, le son est assez mate et l'ensemble orchestral est finalement restitué avec une certaine sécheresse et surtout un manque singulier de respiration. Tout cela est mené à la trique. Cela passe sur les airs les plus martiaux (la Marche tirée de Callirhoé, composée par le mousquetaire du Roi André Cardinal Destouches). C'est nettement moins convaincant sur des gavottes, menuets et rondeaux qui demanderaient, à mon goût, moins de frénésie et plus de finesse.

En revanche, cet ensemble est parfois capable de restituer des couleurs incroyables, à des moments inattendus. Ce fut le cas sur l'enchaînement du Rondo pour les Corinthiens, de la Sarabande et de la Passacaille du Médée de Marc-Antoine Charpentier.

A noter, comme c'est souvent le cas pour cet ensemble, la qualité indéniable des flûtes et hautbois. J'ai notamment remarqué l'énergique Héloïse Gaillard au hautbois qui a fait quelques solos d'une belle musicalité. Cette interprète, qui dirige également l'ensemble Amarillis, montre un belle intelligence et sensibilité sur ce répertoire.

Stéphanie d'Oustrac a fait une belle prestation. Avec un charisme certain, du charme et beaucoup de sensualité, elle a su, plus que d'habitude, s'affranchir d'une certaine raideur qu'elle avait auparavant pour incarner ces femmes tour à tour languissantes, désespérées, inquiètes, puis, à la fin véhémentes, furieuses au regard inquiétant et électrique. La diction restait parfaite, l'intonation très juste et le summum d'expressivité a été atteint sur ces airs de Médée sublimes, avec un orchestre dont les cordes révèlent des harmonies sidérantes ("Quel prix de mon amour ?", Croiras-tu mon malheur ?", "Noire filles de Styx"). Sur ce dernier air, jamais la noirceur n'avait été aussi bien peinte en musique.

Sur le fameux air de Callirhoé ("O nuit témoin") je l'ai trouvée malheureusement presqu'aussi retenue que sur la version pour disque (cf. note du 2 avril 2007).

J'ai particulièrement apprécié la finesse d'écriture des extraits du Didon de Desmarest, tragédie lyrique que je ne connaissais pas.

De façon indéniable, Callirhoée et Médée se détachent du lot en révèlant les écritures les plus audacieuses avec des harmonies aux couleurs surprenantes.

Beau concert.

Le triomphe du temps et de la désillusion

Concert vendredi 6 avril au soir à Pleyel. Au programme : le Triomphe du Temps et de la Désillusion (Il Trionfo del Tempo e del Disinganno), Oratorio de F. Haendel. Marc Minkowski dirige les Musiciens du Louvre-Grenoble. Les solistes sont Olga Pasichnyk (la Beauté), Anna Bonitatibus (le Plaisir), Nathalie Stutzmann (la Désillusion), Stefano Ferrari (le Temps). J'avais déjà assisté à une représentation de cet Oratorio par Marc Minkowski à Beaune le 1er août 2004 avec une distribution sensiblement différente (Deborah York dans le rôle de la Beauté et le facétieux Kresimir Spicer dans le rôle du Temps - même distribution que vendredi dernier pour le Plaisir et la Désillusion).

Il s'agit incontestablement d'un des chefs d'oeuvre de F. Haendel. Composé dans le même contexte et à la même époque que les splendides cantates italiennes profanes (Il Delirio amoroso - voir note du 27 septembre 2006 sur la très belle version M.Minkowski - M.Kozena), cet Oratorio regorge de lumière italienne, et surtout aligne des arias qui sont tous de pures merveilles. L'audace et la virtuosité diabolique de la composition demande de la part des solistes (vocaux comme instrumentaux) un engagement exceptionnel. Ce fut globalement le cas vendredi soir dernier. Incontestablement de la part du chef et de son ensemble. Marc Minkwoski nous a donné une lecture pleine de verve mais aussi finalement assez tragique et amère. Son écoute des chanteurs solistes est exemplaire.

Le quatuor en lisse s'est quant à lui avéré inégal face à cette oeuvre, tourbillon monumental de doubles, triples et quadruples croches.

Olga Pasichnyk a tenté une certaine expressivité mais qui s'est avérée par moment un peu apprêtée, ce d'autant plus que la technique ne suivait pas toujours. Il lui était difficile de bien tenir la voix dans les forte. Elle a su tout de même émouvoir dans l'aria quasi religieux qui clôture l'Oratorio.

Nathalie Stutzmann, limitée par un méchant rhume s'en sort honorablement. Elle prend la bonne option expressive avec un tempo assez lent et un phrasé faisant ressortir les contrastes de la mélodie dans le sublime et sombre aria "Se la bellezza perde vaghezza". Je ne suis toutefois pas toujours convaincu par les options esthétiques et interprétatives de Nathalie Stutzmann, à savoir l'attention assez marquée sur l'articulation, le phrasé, au détriment de la puissance et de la clarté vocale. On n'est pas chez Schubert et l'intimisme du Lied n'est pas de mise sur un Oratorio dont le ressort repose principalement sur la tension et l'éclat.

Stefano Ferrari s'est montré un peu trop "vert" pour le rôle du Temps, manquant singulièrement de nuances et prenant son rôle avec un premier degré finalement inapproprié. Je l'avais pourtant trouvé meilleur mais certes un peu guindé dans l'Idoménée de Beaune. Vendredi, il était tout aussi rigide et semblait même peu à l'aise.

La chanteuse qui a littéralement sublimé l'interprétation de cet Oratorio est l'étonnante Anna   Bonitatibus. Son côté canaille, sa fureur, sa hargne, conjugués avec une très belle maîtrise technique conduisent à un cocktail détonnant. Il faut dire que les arias les plus beaux et spectaculaires sont bien ceux du Plaisir. Anna Bonitatibus est allée crenscendo et a démontré sa capacité exemplaire à aussi bien interpréter des airs aussi virtuoses et enlevés que "Tu giurasti di mai non lasciarmi" que le sublime et célèbre "Lascia la spina". Sur ce dernier air, l'acoustique de Pleyel est telle que sur la dernière note de l'aria, l'infime filet de voix, et de corde de violon qui l'accompagne, étaient parfaitement perceptibles grâce à un espace où le bon millier d'auditeurs avait retenu son souffle pour tenir (pour une fois) un silence absolu.

J'avais déjà été impressionné par cette mezzo-soprano à Beaune, notamment dans le même rôle à Beaune en 2004. Tout comme Cecilia Bartoli, elle prend fermement appui sur ses jambes, prête à en découdre avec l'aria et avec une allure martiale, hoche la tête sur le rythme implacable imposé par le compositeur et défile les vocalises avec une agilité parfois supérieure aux hautbois qui l'accompagnent ! Quel tempérament ! Elle maîtrise parfaitement ce rôle et a fait un vrai triomphe vendredi.

Très beau concert tout de même avec un Marc Minkowski incisif.

NB : le concert a confirmé la beauté majestueuse du quatuor de voix "Se non piu ministro du pene" qui ponctue la première partie. Cet air annonce les splendides arias pour quatre à cinq voix des grands opéras mozartiens, et ce, plus de soixante dix ans en avance.

Au disque, je reste pour ma part marqué par la version solaire de Rinaldo Alessandrini avec le Concerto Italiano. Solistes : Deborah York (la Beauté), Gemma Bertagnolli (la Plaisir), Sara Mingardo (la Désillusion), Nicholas Sears (le Temps) - Label Opus 111. Sara Mingardo incarne une Désillusion troublante avec un détachement digne des plus interprètes du répertoire sacré. Magnifique.

Jeunes talents : Charlotte et Jean-Frédéric en duo

Concert lundi 26 mars dernier aux Bouffes du Nord des jeunes talents, organisé par la Fondation Accenture.

Cette dernière parraine depuis plusieurs années de jeunes musiciens. Parmi les interprètes épaulés avec attention par la Fondation, et qui maintenant volent de leurs propres ailes, figurent le violoncelliste Xavier Phillips et le Trio Wanderer que l'on ne présente plus.

Plus récemment, cette association parraine la jeune violoniste Charlotte Bonneton et le pianiste Jean-Frédéric Neuburger.

Tous deux se sont produits en concert lundi pour notre plus grand plaisir.

En première partie, Jean-Frédéric Neuburger s'attaque à la redoutable Sonate N°3 en fa mineur de Brahms. Un jeu très net, volontaire, incisif et une main droite d'une agilité diabolique. Le jeune pianiste de 21 ans continue à se bonifier, avec une certain nombre d'enregistrements à son actif et un emploi du temps bien rempli de production en concerts (il est d'ailleurs prévu à Pleyel dans la saison 2007 / 2008).  Il avait été également en lisse cette année pour les très médiatiques Victoires de la musique classique de février dernier.

Il a particulièrement bien abordé le magnifique et énigmatique Andante expressivo et a montré une intelligibilité impressionnante des constructions harmoniques si complexes de Brahms. Sa lecture est limpide, comme évidente. Nul doute que le toucher continuera à gagner encore en souplesse à l'avenir tant le potentiel est important. C'est le jeune Brahms, visionnaire et fulgurant que l'on écoute ce soir là. On y retrouve le génie et l'audace des ballades opus 10. Tout comme notre interprète, Brahms avait aussi vingt ans quand il a composé cette sonate.

En deuxième partie, les deux musiciens se réunissent pour nous interpréter différentes pièces pour violon et piano. Tout d'abord, la 3ème sonate de Beethoven en mi bémol majeur, très honnêtement interprétée, leur a permis de prendre leurs marques (ce d'autant plus que le pianiste, ne retrouvant pas le pupitre du Steinway & Sons, qu'il devait remettre en place après l'interprétation de la sonate de Brahms, a dû jouer avec la partition perdue juste au dessus des marteaux...).

C'est surtout sur la singulière 2ème Sonate de Ravel en sol majeur qui m'a interpellé. Sur cette sonate,  j'ai surtout été marqué par la réelle fusion entre Charlotte Bonneton et Jean-Frédéric Neuburger, leur unité de vue sur chacun des mouvements, avec des climats pourtant si différents (un allegretto si proche du concerto en sol par certains aspects, un blues très "jazzy" et un perpetuum mobile obsessionnel et aride). Une belle émotion transparaissait. Interprétation visiblement inspirée.

Le concert se termine avec la transcription faite par Bizet du fameux Rondo capriccioso de Saint-Saens. Charlotte Bonneton confirme sa belle musicalité et la souplesse de son archet sur ce morceau de bravoure.

Les rappels nous ont permis de savourer, notamment, la Méditation de Thaïs de Massenet dont la jeune violoniste ne cesse de parfaire l'interprétation.

Ces jeunes espoirs, avec leur détermination, leur belle lucidité et leur spontanéité, dans ce théâtre intemporel, avec un public aussi proche des interprètes, formant une sorte de cercle intime et bienveillant... Tout cela contribuait à la magie de l'instant et à oublier, l'espace de deux heures, le tumulte urbain qui nous attendait à la sortie.

Petit aparté personnel : merci encore à Michel et Anne-Marie pour l'invitation.

Jean-Marc Luisida en concert : audace et générosité

Concert hier soir 21 mars au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). Récital de piano de Jean-Marc Luisada. Ce dernier a décidé de nous interpréter un programme... titanesque.

"Petit" échauffement de rigueur avec 6 variations sur un thème original en fa majeur opus 34 de Beethoven. Jean-Marc Luisada attaque ces variations avec rigueur et netteté. Il s'aventure peu. Dans cette pièce d'apparence très classique, il met bien en relief les quelques matrices que l'on retrouvera ensuite dans les sonates les plus élaborées de Beethoven.

Ensuite, il attaque deux monuments du même compositeur : la 8ème sonate en ut mineur (la "Pathétique") Op. 13 et la splendide 30ème et fantasque sonate en mi majeur Op. 109. Jean-Marc Luisada prend le pari risqué d'un jeu d'une grande intensité dramatique, alignant à n'en plus finir les rubatos, à tel point qu'il se prend lui même presque à contre-pied sur les changements de rythme redoutables, notamment lors du premier mouvement de la pathétique ou de la sonate en mi majeur.

Le célèbre Adagio cantabile de la pathétique est quant à lui réussi car le jeu typique de Jean-Marc Luisada, aérien et coloré, s'avère particulièrement bien adapté à ce mouvement qui revendique ses affinités avec la voix, le chant ("cantabile").

Le bilan est, à mon goût mitigé quant à la rencontre Luisada - Beethoven. Comme dans le cas de Stephen Kovacetitch (pour des raisons pourtant différentes, quant à elles liés à une approche trop physique et récitative, cf note du 11 novembre 2006), Liuisada tombe semble-t-il dans le piège du manque d'humilité par rapport à ces monuments qui demandent une régularité, une concentration sans faille et, surtout, un sens de la mise en perspective que très peu de grands interprètes sont capables de démontrer. Jean-Marc Luisada s'est montré maintes fois impuissant hier soir, face à l'indocilité implacable de ces sonates qui demandent, outre de l'endurance, une vigilance et une lucidité sans faille.

La seconde partie du concert fait en revanche nettement plus replonger Jean-Marc Luisada dans son élément : Chopin et Schumann.

Quatre mazurkas de Chopin superbement interprétées, avec un jeu chatoyant, vibrant et aérien. L'interprétation de la plendide 4ème mazurka en si bémol majeur (moderato) était vraiment réussie.

Ensuite, Jean-Marc Luisada s'attaque à la phénoménale Fantaisie en fa mineur opus 49 du même compositeur, d'une complexité harmonique et rythmique sidérante. Le pianiste nous raconte une belle histoire, pleine de tourments, de sueur et de sang. Du grand art.

Vient alors le bouquet final, dont j'avais gardé un grand souvenir au disque par le même interprète (sorti en 2000 sous le label RCA Red Seal) : Carnaval Opus 9 de Schumann.

Jamais le caractère aussi fantasque, azimuté, éclatant de cette oeuvre ne m'avait été aussi fidèlement restitué. Jean-Marc Luisada instaure d'emblée ce climat ironique, mais jamais grotesque, et déploie des couleurs saisissantes, comme une sorte de kaléidoscope. C'est indéniablement la version la plus intéressante, poétique et décapante de ce Carnaval qu'il m'ait été permis d'écouter.

Acclamé par le public, il nous terrasse alors d'émotion avec une interprétation à nous faire pleurer comme des madeleines, de deux chefs d'oeuvres romantiques : le nocturne en ut dièse mineur opus posthume de Chopin et le merveilleux intermezzo opus 118 de Brahms. Heureusement que j'avais des mouchoirs !

Très beau concert, surtout pour la générosité de cet interprète au timbre et au toucher si caractéristiques. Il a fait un choix d'une audace interprétative et technique vers lequel peu de grands pianistes actuels se seraient aventurés. Bravo pour la prise de risque et pour la belle humanité de ce pianiste attachant.

Nb : Jean-Marc Luisada a joué sur un piano de concert Yamaha (CF III - S). On est vraiment trop habitué au velouté des Steinway & Sons et surtout à la profondeur caractéristique de leurs graves... Mais peut-être qu'avec le jeu très déployé et rond de Jean-Marc Luisada, la dynamique moindre du Yamaha est plus appropriée en jouant un petit rôle d'équilibrage ?

Goerne - Eschenbach - Schumann - Brahms : le carré d'or

Concert vendredi soir dernier 16 mars à la Salle Pleyel. Matthias Goerne, accompagné au piano par Christoph Eschenbach, interprète des Lieders de Schumann sur des poèmes de Heine, les Lieders und Gesänge op. 32 ainsi que les Quatre chants sérieux op. 121 de Brahms.

La voix chaude et la plasticité du phrasé de Matthias Goerne m'ont toujours fasciné et ce soir là, on a encore eu le privilège d'écouter ce grand baryton, nous faire pénétrer le mystère des ces lieders, avec un Christoph Eschenbach parfait. Le pianiste a complètement maîtrisé l'équilibre subtil entre le soutien rythmique du chanteur et les échappées du piano, prévues par le compositeur pour instaurer un nouveau climat, appporter une respiration ou tout simplement jouer un rôle résolutoire.

Les lieders interprétés vendredi étaient tous sous le signe de l'amour inquiet, de la tourmente, d'une certaine forme de torpeur, avec l'alternance singulière et typiquement romantique entre l'espoir et de la résignation, le chagrin et la sérénité, l'insouciance et l'angoisse. Toutefois, les lectures proposées des mêmes thèmes par Schumann et Brahms s'avèrent radicalement différentes. Les deux interprètes nous ont justement restitué dans les moindres nuances et détails,  avec une subtilité et une acuité impressionnantes, tous les ressorts propres ces deux mondes.

Le premier univers, celui de Schumann - Heine, est sous le signe même de l'ambgiuïté, de l'interrogation permanente, avec des pièces marquante par leur absence de véritable résolution. On y retrouve tout le caractère fantasque de Schumann, son art du contre-pied, la dualité permanente, le dédoublement de personnalité, les ressorts énigmatiques de l'amour, et, surtout, sous l'apparence faussement mièvre, idyllique et pastorale de certaines mélodies, la plus profonde morbidité.

J'ai tété particulièrement marqué par l'interprétation de lieders :

• Abends am Strand ("Le soir au bord de la mer"), avec ses mélanges singuliers de toutes sortes de climats qui évoquent les contes fantastiques et où Matthias Goerne révèle à nouveau tous ses talents de narrateur. Il est tellement expressif que, même sans comprendre la langue, les images se projettent avec évidence.
• Mein Wagen rollet langsam ("Mon coche roule avec lenteur") avec un final du piano d'un mystère et d'une poésie indéniable.
• des Liederkeis Op. 24 : Ich Wandelte unter den Baumen ("Je cheminais sous les arbres"), Schöne Wiege meiner Leiden ("Joli berceau de mes souffrances") et le monumental Mit Myrten und Rosen, lieblich und hold ("Avec des roses, des cyprès et des paillettes d'or").

A noter splendide thème du très court Lied Anfangs woll'ich fast verzagen.

Après l'entracte, vient le second univers : celui de Brahms. Il n'y a pas que des lieders mais aussi des chants (Gesänge) dont la ligne mélodique est plus continue et prévisible. On retrouve d'emblée la patte de Brahms : ampleur, accords puissants au piano, graves appuyées pour accompagner le chant, mais aussi richesse harmonique avec les modulations typiquement brahmsiennes de la main droite du pianiste et qui restituent si bien les climats tourmentés, les instabilités émotionnelles.

Contrairement à Schumann qui excelle dans le non dit, l'ambiguïté et l'énigmatique, Brahms ne vas pas par quatre chemins pour nous dévoiler ses sentiments. Matthias Goerne et Christoph Eschenbach, toujours autant à l'unisson, changent alors de posture pour une plus grande expressivité, une certaine ampleur, et surtout encore plus de virtuosité, tant pour le chanteur que pour le pianiste, pour surmonter les embûches de la complexité harmonique que Brahms est capable de créer.

La série des Lieders und Gesäng Op. 32 est impressionnante et j'ai été particulièrement marqué par l'interprétation du N°6 . Du sprichst, dass ich mich täuschte, avec sa splendide introduction, les graves impressionnantes restituées par la main gauche de Christoph Eschenbach, les descentes sidérantes et in final inquiétant. Le chant "Wie bist du, meine Königin" était très touchant et avec sa mélodie prenante et subtile.

Dernières pièces interprétées : les Quatre chants sérieux Op. 121. Avec leur veine mystique, ces austères Lieders tardif de Brahms, révèlent toutes ses interrogations et angoisses avec une puissance et une tension incroyables.

Le duo Goerne - Eschenbach, d'une belle complicité, nous restitue toute la complexité cachée de ces différents lieders. Le chanteur et le pianiste sont même capables de faire une seule voix sur certaines phrases, notamment lorsque les notes sont plus détachées. Il semble qu'ils envisagent d'enregistrer un cycle de lieders de Brahms. Croisons les doigts pour que ce soit le cas.

Splendide concert par deux interprètes de grande classe.

Lien direct vers la note de programme tirée du site sallepleyel.fr.

NB : autant je peux détester une forme de maniérisme et d'analytique extrême de la Direction d'Orchestre hyper-cérébrale de Christoph Eschenbach, autant, lorsqu'il revient à son registre d'origine, pour accompagner un chanteur de la classe de Matthias Goerne, il est vraiment époustouflant de finesse, d'écoute, d'épaisseur humaine. Je dois avouer qu'il m'a tiré quelques larmes en plus de celle que Goerne m'a toujours immédiatement arrachées dès les premières mesures...

Concerto pour quatre pianos de JS Bach : l'éblouissante tribu de Martha Argerich

Concert dimanche 4 février après-midi à la Salle Pleyel. Programme en apparence assez composite :

• Réflexions sur B-A-C-H de Sofia Goubaïdoulina,
• Grande Fugue op. 133, version pour orchestre à cordes de LV van Beethoven,
• Chacone de la partita en ré mineur BWV 1004,
• Fratres, pièce pour violon et orchestre d'Arvo Pärt,
• Concerto pour deux violons en ré mineur BWV 1043 de JS Bach,
• Concerto pour quatre claviers en la mineur BWV 1065 de JS Bach.

Les interprètes aux cordes, sous la direction du grand Gidon Kremer, appartenaient à la formation Kremerata Baltica.

L'art de la fugue et du contrepoint de JS Bach était bien le fil rouge de ce concert, jusqu'à l'oeuvre la plus contemporaine et dissonante.

En introduction, la pièce de Sofia Goubaïdoulina, nous inonde de sonorités stridantes et inquiétantes, type turbines industrielles. Par moment, le timbre donné aux violons et altos frise l'insupportable au sens physique du terme, atteignant des zones du spectre mettant l'auditeur vraiment mal à l'aise (impression largement partagée avec d'autres personnes dans la salle). Expérience qui se veut visiblement "secouante" esthétiquement.

La grande fugue op. 133 de Beethoven (tirée du 13ème quatuor), part de la matrice d'un quatuor à cordes, étendue à une formation orchestrale complète. Cette fugue dégage d'emblée une impression de puissance. Elle s'inscrit également dans un climat d'une grande fébrilité, avec le croisement permanent de deux lignes directrices qui se développent avec une certaine densité. On a affaire au Beethoven tourmenté, sombre et inquiet. Le moral en prend un second coup.

Puis, apparaît enfin la lumière, l'émotion intense et les larmes à l'écoute d'un Gidon Kremer particulièrement concentré qui transcende littéralement la Chaconne de la deuxième partita. Il attaque ce morceau à bras le corps et ne le lâche jamais avec un sens inouï du legato. Gidon Kremer nous fait vivre les moindres intonations, changements de nuance de cette chacone. Les modulations de son corps suivent celles de la musique. L'expressivité de son jeu est parfaitement dosée et toute la métaphysique de ce chef d'oeuvre nous est révélée. Un très grand moment avec l'acoustique précise de la Salle Pleyel comme écrin.

Après l'entracte, la seconde partie continue à faire place à la lumière et la respiration. Gidon Kremer interprète une de ses oeuvres semble-t-il favorites d'Arvo Pärt. Intéressante pièce, complètement dans la veine quasi mono-tonale et mystique du compositeur.

Vient ensuite une belle et version du fameux concerto pour deux violons en ré mineur de JS Bach où Gidon Kremer accompagne avec attention et une tendresse bien visibles, la jeune violoniste russe Alina Ibragimova. Cette belle et jeune virtuose charme incontestablement la salle avec un version de ce concerto pleine de musicalité. L'orchestre et Gidon Kremer n'ont de cesse de mettre en valeur cette jeune interprète à la sonorité diaphane. Cette belle complicité est vraiment émouvante.

Tout le monde attendait la partie finale, où la grande Martha Argerich apparaît (enfin !) avec quelques membres jeunes  et talentueux de sa tribu : Mirabela Dina, Gabriela Montero (cf. note du 5 décembre) et Mauricio Vallina. Gidon Kremer officie comme premier violon.

Dès l'attaque du premier mouvement par Mirabela Dina, désignée pour donner le tempo et maintenir la synchronisation, particulièrement difficile entre quatre pianos, on sait que l'on part pour une aventure qui restera gravée dans les mémoires.

Ce quatuor de pianistes a un charisme fou. Sa musicalité est comme la sève que l'on extrait du fruit. On pleure littéralement d'émotion et de plaisir. Malgré quelques petites imprécisions (sans importance), la complicité entre les solistes est telle que l'on a l'impression qu'une seconde nature, presque divine, se révèle. Gabriela Montero se prend même au jeu d'une toute petite improvisation sur l'Allegro, suscitant un coup d'oeil électrisant d'une Martha Argerich faisant mine d'être surprise. Le Largo par ces quatre phénomènes est un souvenir inoubliable où on a l'impression que la salle entière s'envole dans les cimes.

Dieu que Martha Argerich est belle et rayonnante. Ses interprètes complices ont également la beauté et le charisme des êtres maîtrisant leur art et guidés par la spontanéité et le sens du partage.

Concert singulier et qui restera gravé dans ma mémoire.

Hervé Niquet : la mariage de l'eau et du feu

Concert dimanche 21 janvier après-midi au Théâtre des Champs-Elysées (TCE). Hervé Niquet fête cette année les vingt ans de son ensemble le Concert Spirituel. A cette occasion, il nous propose un concert exceptionnel concentré sur les musiques les plus fastueuses du répertoire du XVIIIème siècle avec, notamment, les fameuses Watermusics et la pièce Music for the Royal Fireworks de GF Haendel.

Le programme débute avec une pièce spectaculaire et expressive : Les Caractères de la Guerre de Jean-François Dandrieu. Avec un orchestre fourni, notamment un batterie impressionnante d'instruments à vents, dont neuf grandes trompettes baroques, cette musique nous emporte, tambours battants, pour nous faire vivre un épisode guerrier des plus palpitants. Avec sa verve habituelle, Hervé Niquet imprime la tension nécessaire pour exprimer tout le caractère martial de cette suite. L'intervention de courtes flûtes à bec au milieu du morceau nous plonge en pleine guerre en dentelles !

Après cet  "échauffement", Hervé Niquet étend encore plus son ensemble orchestral pour la suite du programme, avec l'ajout de neuf cors baroques (qui ressemblent étonnamment à des corps de chasse) et deux impressionnants contrebassons anciens qui font au moins deux fois la taille d'un homme. Cette batterie impressionnante de plus de quarante instruments à vents (dont plus d'une quinzaine de hautbois), et d'une trentaines d'intruments à cordes, part à l'unisson pour de puissantes, colorées et vives interprétations des Watermusics 1, 2 et 3.

Certains ne supporteront peut-être pas le rythme effréné imprimé par le chef. Le tempo est bien plus rapide que celui auquel nos oreilles se sont habituées pour ces célèbres suites. Force est de constater que la lecture d'Hervé Niquet est tout de même passionnante à plus d'un titre. Tout d'abord, avec sa petite centaine d'interprètes, il joue la carte de la fidélité absolue à l'esprit même de ces oeuvres : ce sont des pièces d'apparat, jouées en extérieur et qui demandent beaucoup d'ampleur dans le jeu et une énergie à toute épreuve.

Ensuite, avec beaucoup de subtilité, Hervé Niquet fait la synthèse entre les styles anglais, français et italiens, débarrassant ces Watermusics du côté un peu guindé et exagérément solennel qu'on leur a attribué par le passé. A une certaine emphase avec des tempos étirés, le Concert Spirituel substitue la vivacité, des couleurs saturées, un tourbillon qui nous enivre. La rusticité des instruments à vents anciens (le couac fait partie intégrante de l'interprétation de la trompette baroque), conjuguée avec la richesse harmonique des compositions de Haendel, a en outre quelque chose d'assez étrange et finalement attachant.

A noter dans ce concert, un splendide Concerto Grosso Op. 3 (adapté par Hervé Niquet), avec une formation plus réduite, où violons, altos et hautbois dialoguent allègrement avec légèreté et élégance.

Enfin, le bouquet final (vous m'excuserez du jeu de mot), était la célèbre Music for the Royal Fireworks, dépoussiérée et menée de bout en bout avec un rythme survolté. Après des Watermusics électrisées, cette suite apparaissait comme l'apothéose de ce concert exceptionnel.

On ne peut donc pas rester indifférent à cette lecture de cette musique si bien écrite. Le public du dimanche après-midi, un brin endormi en début de concert, était sous le charme à la fin de Music for the Royal Fireworks, et extirpé de sa léthargie, applaudissait chaudement le chef et son bel ensemble qui, comme on dit dans le journalisme sportif, a tout donné pour nous époustoufler. Mission réussie.

Hervé Niquet et le Concert Spirituel ont enregistré ces pièces de GF Haendel sous le label Glossa.

Concert hommage à Armin Jordan

Concert "hors programme" dimanche dernier 14 janvier après-midi au Théâtre des Champs-Elysées (TCE) en hommage à Armin Jordan. Deux orchestres et leurs chefs attitrés sont sollicités pour cette représentation particulière :

• John Nelson, à la tête de l'Ensemble Orchestral de Paris, dirige la 6ème symphonie de Beethoven opus 68 en fa majeur (la "Pastorale"),
• Christoph Eschenbach, avec son Orchestre de Paris, dirige la suite pour orchestre Ma Mère L'Oye de Ravel et la suite N°2 opus 43 "Bacchus et Ariane" de Roussel.

En tant qu'abonné du TCE, le service de relations extérieures m'a permis d'obtenir deux places pour ce concert. Dame Felicity Lott était initialement annoncée lors des invitations en décembre et présentée comme "souffrante" dimanche, à l'introduction du concert, alors que... son nom ne figurait de toute façon pas au programme. Par moments, les programmateurs pourraient aussi faire comme si le public était intelligent. On progresserait tous beaucoup plus.

L'absence de Felicity Lott à un hommage au grand musicien qu'était Armin Jordan, disparu en septembre 2006, donnait un goût un tout petit peu amer à cet évènement. Les deux noms sont presque indissociables (cf. la note que j'avais faite à propos de la disparition d'Armin Jordan et du superbe disque enregistrés sous le label Aeon).

La première partie est à proprement parler une splendeur. John Nelson, humble mais inspiré beethovénien, nous interprète avec subtilité une pastorale d'une justesse et d'une fraîcheur inouïe. Tout est, comme à l'accoutumé avec ce chef, d'une musicalité remarquable. Ce chef est extrêmement attachant. Il a imprimé à son ensemble une belle identité sonore avec un sens bien intégré de l'équilibre et des nuances. Les instruments à vents (surtout le groupe flûtes, hautbois et bassons) sonnent toujours très juste et ont une belle complicité. La symphonie pastorale est un chef d'oeuvre absolu, une merveille d'élan panthéiste et John Nelson trouve le moyen de nous faire encore découvrir, dans certains motifs, des détails, jusque là insoupçonnés.

La deuxième partie contribue en revanche à accentuer ma perplexité (pour ne pas dire mon énervement) à chaque fois que j'écoute Christophe Eschenbach diriger son orchestre. Sa rectitude systématique et cette manie de tout disséquer à l'infini sont vraiment au détriment de la musicalité. Il nous restitue une Mère L'Oye via une interprétation cérébrale, ne laissant percevoir aucune émotion. Tout est excellent techniquement mais excessivement analytique. Seul l'extraordinaire final de cette suite (Le jardin féérique) m'a provoqué un simili frisson (ce mouvement est d'une telle ampleur !).

Avec la suite d'Albert Roussel, musique de ballet chargée d'exotisme extrême oriental, comme on pouvait en produire à la fin du XIXème siècle, sous la baguette d'un chef qui ne peut s'empêcher de tout décortiquer, on part dans une mosaïque dont on perd très vite le peu d'unité. On frôle l'assommant.

Dans ce concert, il y avait deux vrais moments d'émotion : avant chaque partie, la lumière se tamisait pour écouter, au travers d'enregistrements d'interviews, Armin Jordan qui, avec un faux détachement et beaucoup de malice, philosophait avec humour sur son métier de musicien.

Sir Colin Davis : vivacité et élégance

Concert hier soir à la salle Pleyel. Le London Symphony Orchestra (LSO pour les intimes) était dirigé par Sir Colin Davis.

Au programme :

• WA Mozart avec la symphonie N°35 "Haffner" en ré majeur et le concerto pour piano et orchestre N°22 en mi bémol majeur K 482 (avec Emanuel Ax comme soliste),
• Edward Elgar avec les Variations Enigma.

J'étais situé au premier balcon, bien au centre et ai pu ainsi bénéficier de la superbe acoustique de cette salle, de façon équilibrée, avec un orchestre bien fourni.

Dans une note relative à l'écoute d'un des CD de la collection Mozart l'Intégrale et dédiée à la Sérénade Haffner, j'avais mentionné l'élégance et la souplesse du style de direction de Colin Davis sur les oeuvres mozartiennes. Ceci n'était pas démenti hier, avec une symphonie Haffner, dont l'Allegro d'introduction a été attaqué avec un mélange intéressant de détermination et de raffinement. Sir Colin Davis nous restitue un Mozart d'un grand classicisme.  Sous sa direction très précise et subtile, les différents développements de cette symphonie se déploient avec ampleur et une certaine majesté. Le Finale Presto était époustouflant de virtuosité.

Sur le concerto pour piano en mi-bémol, la prestation enjouée et très naturelle d'Emanuel Axe est intéressante. Elle manque toutefois un peu de respiration, notamment sur le superbe Andante,  que j'aurais aimé plus méditatif. Ce concerto comprend bien ce  mélange subtil et typiquement mozartien de fausse légèreté et de mélancolie. Emanuel Axe semblait hier tellement enivré par les multiples arpèges de ce concerto qu'il en avait presque oublié de suspendre le temps comme il est nécessaire de le faire sur certaines phrases.

Quant aux variations Enigma, elles étaient en effet proprement inouïes. La tension est maintenue pendant toute la demi-heure et Sir Colin Davis a sculpté la pâte sonore avec le LSO d'une façon proprement diabolique. Les variations de rythme, le rendu de la moindre nuance, la netteté prodigieuse des motifs : tout cela était vraiment splendide.

L'adagio "Nimrod" fait partie des pièces les plus spectaculaires de ce concert. Sous la baguette de Sir Colin Davis, il prend des accents malhériens. La plénitude sonore que l'orchestre atteint est particulièrement envoûtante.

Sur l'ensemble de ces variations, tout le LSO répondait au doigt et à l'oeil d'une façon visiblement inspirée et homogène (on aurait dit du Salonen !).

Sir Colin Davis est toujours d'une vivacité impressionnante à 80 ans ! Avec plus de dix ans de collaboration (entre 1995 et 2006), la complicité entre le chef et cet orchestre est totale.

Très beau concert.

Autre bonne critique de ce concert dans le weblog  Paris-Broadway.

Oratorio de Noël de JS Bach : Christophe Rousset à contre-emploi

Concert hier soir au Théâtre des Champs Elysées. Au programme : quatre cantates de l'Oratorio de Noël de Jean-Sébastien Bach (cantates 1, 2, 3 et 6 du BWV 248).

Christophe Rousset dirige les Talens Lyriques, avec la participation du Choeur de Chambre de Namur et quatre solistes.

Bilan très moyen. Quand on a eu l'oreille affinée à l'écoute des Cantates de JS Bach par Jacobs, Herreweghe, Suzuki ou Gardiner, on est forcément critique. Christophe Rousset nous a tout simplement plongé dans une complète léthargie (et pas du tout liturgie qui, pour faire un vilain jeu de mot, aurait été bien plus appropriée !). Cela faisait longtemps que je n'avais pas entendu un chef s'écouter diriger aussi ostensiblement et surtout se positionner complètement à côté de l'esprit même de ces cantates. En lieu et place de la ferveur, de la vivacité rythmique, de la tension de la ligne et de la précision indispensable des différents motifs, les Talens Lyriques et leur chef de file nous servent une version brouillonne, se voulant visiblement intimiste mais manquant d'inflexion.

Christophe Rousset a pris l'option de nous diriger cet Oratorio comme s"il nous interprétait de la musique française du XVIIème siècle. Les cantates sont alors restituées avec une forme de maniérisme hors sujet.

Une partie des solistes a malheureusement abondé dans ce sens. Kristina Hansson (soprano) est quasiment inaudible sur les graves et son phrasé est un peu téléphoné. Clare Wilkinson (présentée comme alto et plutôt mezzo) manque d'expressivité. Henk Neven (basse, limite baryton) a certes une voix bien timbrée et est parfois convainquant car bien articulé mais il a tendance à décrocher quand le tempo accélère. Le seul à sauver la mise est l'excellent et singulier Emiliano Gonzalez-Toro (ténor), incarnant l'évangéliste. Il est vibrant, souvent très touchant, en tout cas infiniment plus charismatique que ses partenaires. Il a particulièrement bien interprété l'aria "Frohe Hirten, eilt, ach eilet," techniquement assez difficile à chanter avec les modulations de la voix qui doivent suivre celles de la flûte. Une mention particulière également pour le flûtiste et la basse continue. Je ne sais pas si ce ténor a déjà interprété l'évangéliste dans les Passions de JS Bach, mais il y serait certainement impressionnant. La relève du grand Christoph Prégardien serait alors peut-être assurée !

Enfin, on ne compte pas le nombre de moments où les solistes n'étaient même pas en phase avec l'orchestre. Le décalage était certes léger, mais avec l'architecture parfaite de la composition du Cantor, cela ne pardonne pas.

Le seul partenaire à apporter finalement respiration et précision (dosage indispensable dans ces cantates) était l'excellent Choeur de Chambre de Namur, semble-t-il dirigé en répétition par Jean Tubéry. Dans la très belle cantate N°2, ce choeur s'est montré avec toute sa plénitude. Aérien, net et parfaitement homogène, il a plusieurs fois côtoyé la beauté céleste ! Ce concert confirme à nouveau qu'avec le Monteverdi Choir et le Collegium Vocale de Gent, on tient, avec le Choeur de Chambre de Namur, un des meilleurs ensembles vocaux sur le répertoire baroque.

Concert qui sera vite oublié. ll a été enregistré par France Musique mais je n'ai aucune idée de sa date de diffusion.

La version de cet Oratorio de Noël sur laquelle je suis toujours resté fidèle au disque est celle de René Jacobs à la tête de l'ensemble Akademie fur älte musik de Berlin (déjà mentionné dans la note du 16 décembre sur les sept dernières paroles du Christ de J. Haydn), le Rias-Kammerchor et comme solistes Andreas Scholl, Dorothea Röschmann, Werner Güra et Klaus Häger. (label Harmonia Mundi). Sonorités plus astringentes mais belle vivacité.

Lien vers un court extrait du fameux choeur d'introduction de la 1ère Cantate, tiré du site Harmonia Mundi.

Bon anniversaire Elyma !

Quelle belle fête musicale que ce concert hier soir à Gaveau ! Gabriel Garrido avait réuni ses fidèles interprètes ainsi que des invités surprises, dont Philippe Jaroussky.

Ils étaient presque tous là, fébriles, émus jusqu'au bout de la voix ou des archets et prêts ce soir là à fêter les 25 ans d'Elyma. Cet ensemble nous a procuré au cours de ces années d'immenses émotions, notamment grâce à la fraîcheur et l'authenticité de leur interprétation des oeuvres lyriques et sacrées majeures de Monteverdi. J'avais, dans ma note du 5 novembre (catégorie Chocs-révélations), tenté de décrire ce choc salutaire de l'écoute des Vêpres de la Vierge ou d'Orfeo sous la direction entière et exaltée de Gabriel Garrido.

Le pot-pourri proposé était formidable, allant de Monterverdi à la Fiesta Criolla, en passant par Cavalli, Rameau, le Phénix de Mexico, le tango argentin et le Negrito de Cucurumbé !

Pour commencer, presque comme un hymne pour cet anniversaire majestueux, la célèbre et guerrière Toccata d'ouverture d'Orfeo (piste 1 du ePlayer du site officiel d'Elyma) s'est naturellement imposée.

Parmi les moments forts, un duo céleste qui a suspendu le temps et coupé le souffle de la salle entre Philippe Jaroussky et une des interprètes fétiches d'Elyma, Adriana Fernandez, dans le pur chef d'oeuvre qu'est l'aria Pur ti miro tiré du Couronnement de Poppée de Monteverdi. En plus, Adriana Fernandez remplaçait au pied levé Roberta Invernizzi, souffrante !

Suivait également la charismatique interprétation de la Berceuse d'Arnalta du même Couronnement de Poppée par Martin Oro, dont le timbre et le phrasé ont d'incroyables similitudes avec l'excellent Carlos Mena.

Le grand moment attendu est le "tube" que nous interprète à chaque fois le grandissime Furio Zanasi, à savoir le rôle du Testo dans l'interprétation intégrale de la Bataille de Tancrède et de Clorinde. Zanasi est un brin cabotin mais avec son intelligence inégalée du texte, il a encore fait  mouche. Gabriel Garrido avait demandé pour l'occasion à la danseuse et chorégraphe florentine  Bruna Gondoni de danser sur ce drame, interprétant avec un danseur, le drame tout au long de son déroulement. Tous ces satanés interprètes ont arraché des larmes à certains d'entre nous, dont Gabriel Garrido lui-même, visiblement très ému. Le génie de Monteverdi nous éblouira toujours.

Après un bref intermède sur Rameau et les Indes Galantes, la seconde partie du concert était passionnante car consacrée aux belles pièces sud-américaines, du Mexique ou d'Argentine. Que ce soient les morceaux profanes ou sacrés, les racines folkloriques sont bien là, la simplicité mais aussi l'exaltation, cette couleur et lumière permanentes. Tout ceci permet de bien comprendre le propos de Gabriel Garrido, y compris sur le répertoire ancien ou baroque italien. C'est ce qu'il appelle lui-même la révelation de la latinité baroque. Bien résumé !

Le fidèles des fidèles et discret contre-ténor Fabian Schofrin, ce colosse à la haute voix, était presque le maître de cérémonie et nous a régalé avec Philippe Jaroussky et Martin Oro, avec l'interprétation d'un trio tiré du Phénix de Mexico : Ah ! de las mazmorras. Ce n'est pas du Francis Lopez mais un anonyme, et nos trois contre-ténors ont déchaîné la salle, ce qui à Gaveau tient du domaine de l'exploit.

Sinon, toujours dans ce tableau du Phénix de Mexico, j'ai découvert pendant le concert cette merveille qu'est la Vengan Pues hoy a la mesa de Manuel de Mesa (piste 6 du ePlayer du site officiel d'Elyma) . Quatre piliers d'Elyma pour nous faire découvrir ce chef-d'oeuvre : Adriana Fernandez, Marisu Pavon, Fabian Schofrin, Furio Zanasi.

Elyma nous a également fait découvrir la ferveur des pièces liées au tableau "à la Cathédrale de Oaxaca".

Tout cela, c'était pratiquement trois heures de plaisir, de joie, de complicité musicale et humaine, d'interprétation juste, généreuse et "à la bonne franquette", avec des déplacements continus des musiciens sur scène entre chaque tableau, Gabriel Garrido qui ne retrouvait pas toujours ses partititions (c'était Roberto Broggini, organiste et excellente basse continue tout au long de ce concert qui les avait le plus souvent...), les joueurs d'instruments à vents parfois perdus pour savoir s'ils jouaient sur certains morceaux ou non, des sourires complices, des regards bienveillants et respectueux des musiciens vers leur chef et énormément d'émotion.

Comme nous l'a dit le chef à la fin du concert, rendez-vous dans 25 ans !

Lien direct vers le site officiel du Groupe Elyma pour continuer le voyage. Je vous propose également le lien direct vers lePlayer du site d'Elyma avec de sublimes extraits en plus de ceux cités ci-avant (près de 30 minutes de bonheur).

Stabat Mater de Pergolèse : concert en demi-teinte au TCE

Concert hier soir au Théâtre des Champs-Elysées. Distribution alléchante : le médiatisé Jean-Christophe Spinosi avec son ensemble Matheus, accompagné de Sandrine Piau (soprano) et la grande Sara Mingardo (contralto), annoncée comme légèrement souffrante.

Au programme, deux airs de Vivaldi pour s'échauffer et le célébrissime Stabat Mater de Pergolèse.

Au programme était prévu le superbe et sombre Longe mala, umbrae, terrores (motet de Vivaldi en sol mineur RV.629). Ce motet, d'une certaine difficulté technique, demandant à Sara Mingardo de s'engager sur une tessiture trop large, est déprogrammé sans même prévenir le cher public (pas grave, on part du principe qu'il n'y connaît rien de toute façon...).

La solution de repli retenue reste toutefois acceptable puisqu'il s'agit visiblement du si singulier et mystérieux Cum Dederit du Psaume 126 Nisi Dominus RV 608.

Sara Mingardo, en petite forme, avance à voix feutrée, et tente subtilement l'équilibre entre le besoin de s'économiser pour le "plat de résistance" - le Stabat Mater de Pergolèse - et l'implication que demande toute aria de Vivaldi. Elle s'en sort correctement avec son élégance naturelle et son sens caractéristique des nuances. Dommage que son timbre habituellement plus profond et presque androgyne ait été, ce soir là, altéré par un léger sifflement (méchant rhume ou mal de gorge ?). En nettement meilleure forme, elle avait déjà enregistré ce Psaume avec Rinaldo Alessandrini (cf. ci-dessous).

Vient ensuite le tour de Sandrine Piau sur In furore iustisimae irae, motet en ut mineur  RV.  626. Le titre laisse deviner à quelle sauce Vivaldi compte manger l'interprète. A coup de quadruples croches et de vocalises, il faut vraiment écouter les paroles pour deviner que c'est de la musique sacrée. Sandrine Piau tente d'attaquer le morceau à bras le corps. Si son filet de voix est vraiment de toute beauté, ses vocalises sont en revanche hachées, les reprises de respiration ostensibles et surtout, le phrasé appuyé. Sandrine Piau théâtralise trop son interpétation, au détriment de la fluidité de la ligne qu'exige une oeuvre sacrée.

Même remarque sur Sur le Stabat Mater : Sandrine Piau, avec une voix trop travaillée, en rajoute et Sara Mingardo, en revanche, reste sur la défensive, avec même parfois quelques petites problèmes de projection de la voix.

Il arrive cependant que leurs timbres réussissent à se confondre dans le medium pour conduire à de beaux moments de chant. En outre, Sandrine Piau reste d'une justesse impressionnante et sa voix est d'une clarté indéniable sur les notes aiguës. Malheureusement, le contraste de leur approche esthétique est au détriment de l'homogénéité de l'ensemble.

Parmi les seuls moment de fusion des deux interprètes, j'ai noté le magnifique duo O quam tristis et afflicta qui me pousse à soupçonner Mozart d'avoir beaucoup écouté Pergolèse avant de composer ses messes.

Jean-Christophe Spinosi a visiblement aménagé sa direction d'orchestre pour tenir compte des altérations vocales de Sara Mingardo. Il ne semble diriger que les violons tout en ignorant superbement la basse continue, presque livrée à elle-même. Par exemple, la jeune organiste n'a pas toujours eu la touche heureuse sur les moments pianissimo alors que l'orgue est un des composants fondamentaux de ce Stabat Mater. L'ensemble de basse continue aura quand même fait de son mieux pour ne pas couvrir la voix de la contralto, exceptionnellement plus en retrait ce soir-là.

Ayant fait son plein de vocalises, le public parisien a tout de même longuement et chaleureusement applaudi. Je reconnais l'indéniable talent de ces artistes, mais ne peux toutefois pas dire que j'ai assisté à un concert remarquable. Spinosi a eu le bon geste : il est allé chercher sa partition sur le pupitre, l'a embrassée et l'a montrée au public. La vraie star de cette soirée était bien la sublime partition de Pergolèse.

Pour écouter Sara Mingardo en meilleure forme afin d'apprécier sa finesse et son grand art, je vous conseille vivement l'écoute du superbe coffret qu'a enregistré Rinaldo Alessandrini "Vespri per l'Assunzionedi Maria Vergine" (label Opus 111).

Vous y retrouverez notamment son étonnante interprétation du célèbre Psaume 126 Nisi Dominus RV 608 (CD2 - plages 2 à 10), à comparer avec la belle version de Carlos Mena avec Philippe Pierlot et le Ricercar Concort (cf. Note sur Carlos Mena dans ma rubrique "Choc Révélations"). Possibilité d'écouter un extrait sur le site Naïve - Opus 111.