Le poisson rêveur

Odes funèbres par l'ensemble Pygmalion : belles couleurs et intensité

Après l'enregistrement de messes brèves de JS Bach, d'une plénitude rare (cf. note du 18 octobre 2008), l'Ensemble Pygmalion, sous la direction de Raphaël Pichon, a abordé avec brio un répertoire délicat lors de son dernier concert du 17 mars à l'Eglise des Blancs-Manteaux. Le programme comprenait, sous le thème "Ode Funèbre", une série de compositions sacrées de maîtres de l'école luthérienne allemande du XVIIème siècle.

En introduction du concert, l'ensemble vocal du groupe interprète une courte pièce a cappella pour cinq voix de Heinrich Schütz, tirée des "Geitlische Chormusik" (Selig sind die toten). Rien de funèbre dans cette pièce. Simplement la sensation d'un recueillement extrême, restituée avec sobriété. La richesse harmonique de cette pièce ressort alors avec une belle ampleur. On retrouve d'emblée ce qui fait déjà le style de Raphaël Pichon, dont la maturité musicale est vraiment exemplaire, à savoir la recherche d'une certaine densité des timbres, d'une belle plénitude sonore.

Vient ensuite une cantate pour basse de Dietrich Buxtehude (BUXWV 34 - Gott, hilf mir) où ce style très caractéristique du maître de Lübeck est bien restitué : raffinement de la ligne mélodique, ferveur allant crescendo mais restant maîtrisée. On retrouve bien comment les compositeurs de l'Allemagne luthérienne se sont appropriés la richesse harmonique et le style concertant italiens pour les recentrer sur l'homme, avec une lecture plus intimiste et où on oppose volontiers un certain sens des dégradés, du fondu aux contrastes et aux couleurs saturées de la musique italienne.

Le plus beau moment du concert est alors l'interprétation d'une magnifique cantate-madrigal de Nikolaus Bruhns, élève de Buxtehude. Raphaël Pichon apporte le mordant souhaité dans les attaques, les couleurs italianisantes volontairement restituées par Bruhns (d'où le titre de cantate-madrigal pour cette oeuvre).  Cette cantate est lumineuse, d'une belle ampleur. L'aria pour alto ressemble à s'y méprendre à un passage du VIIIème Livre de Madrigaux de Monteverdi !

Le concert se prolonge par une pièce de Christoph Bernhard, pour dix voix et basse continue, suivie de deux superbes complaintes de Dietrich Buxtehude, dont un lamento interprété avec ferveur et conviction par Juliette Perret. J'ai particulièrement été marqué par le superbe contrapuntus "Mit Fried und Freud ich fahr dahin" dont le caractère épuré rappelle les plus belles œuvres polyphoniques de la Renaissance. Le programme se termine avec l'équivalent d'un concert spirituel schützien, revisité par Buxtehude, pour cinq voix, deux violes et basse continue où l'ensemble Pygmalion poursuite sa lecture subtile restituant toute la plasticité des compositions de celui qui aura certainement le plus influencé JS Bach.

Superbe concert révélant, sur un programme exigeant et qui aurait pu pêcher par excès d'austérité, la maturité musicale exceptionnelle de cet ensemble avec une lecture cohérente, homogène, conservant de bout en bout la bonne tension de la ligne sur la basse continue, exploitant les bons ressorts rythmiques afin de révéler toute l'intensité et la subtilité de ces œuvres. Raphaël Pichon apporte dans son jeu de belles couleurs, de la dynamique, tout en conservant une réelle élégance. 

Cet ensemble est à suivre avec attention car il nous réserve certainement d'autres excellentes surprises.

Europeana : aussi un site sur la musique

Le site Europeana, encore en bêta test, archive près de 2 millions d'items numériques, qu'il s'agisse de photos, de textes, manuscrits, pistes audios, vidéos. La vocation de ce site semble être de tenter de référencer des éléments représentatifs du patrimoine culturel européen.

Ce projet, lancé en novembre 2008, a été initié par la Commission Européenne.

Si vous saisissez par exemple les noms de grands compositeurs, vous pouvez par exemple visionner les scans de pages manuscrites, qu'il s'agisse de partitions ou de correspondances. La liste des partenaires et contributeurs est impressionnante et le projet semble assez séduisant. Elle comprend notamment de grans musées européens.

Vous pouvez constituer votre propre espace "My Europeana" pour archiver, classer les items correspondant par exemple à un thème de recherche.

Après un assaut par les internautes rendant le suite inaccessible, il est possible désormais de l'utiliser sereinement.

Lien direct vers le site Service Public pour en savoir plus.

Lien direct vers le site Europeana.

Et maintenant, une page de publicité ! (;0)

Grand moment que cette publicité pour LOEWE. Giuseppe Verdi aurait aimé.

Attention : ne montez pas le son de votre ordinateur au début, la pub s'en chargera !

La Fondation Orange référence le Poisson Rêveur

L'équipe de la Fondation Orange m'a proposé de contribuer à faire connaître les jeunes artistes qu'elle soutient. Elle a eu la gentillesse de référencer mon blog sur celui de la Fondation Orange, avec comme introduction, une note comprenant une interview à laquelle j'ai répondu avec plaisir en tentant d'être le plus précis et sincère possible.

Je serai amené à poster des chroniques sur des concerts ou des disques soutenus par la Fondation sur le blog du Poisson Rêveur et qui seront relayées par le blog de la Fondation Orange. J'espère avoir également l'occasion d'interviewer des artistes soutenus par la Fondation et vous faire partager ces rencontres.

Henry Purcell : élégance et inventivité

Comme promis dans la note du 14 mars, ce post regroupe trois billets rédigés sur des pièces spécifiques de Henry Purcell, dont une de votre serviteur. Je vous souhaite une bonne lecture et remercie à nouveau Ariana et Jean-Christophe pour leur précieuse contribution.

Purcell or Let me Freeze Again...
D’un Génie du Froid à Didon

Par Ariana -  Le Geste et la Voix

Pourquoi ces pièces ? Parce qu’elles cristallisent ce en quoi le compositeur excelle. A savoir à une époque où, certes, l’harmonie semble contre toute attente de l’héritage musical en vogue l’emporter sur le contrepoint, Henry Purcell se démarque encore dans ses compositions par une audace et un sens de l’inventivité hors pairs. Il est au-delà des genres que, pourtant, il contribue à générer de fait. Ce pourquoi dire Purcell est aussi déjà dire en quelque sorte Britten, ce qui n’est pas là pur hasard.

La voix et l’âme.

Qui n’a jamais été saisi, frappé, happé, suspendu par l’air intelligemment et talentueusement spasmodique du Génie du Froid ou la douloureuse Renaissance dans son mouvement d’agonie de la Lamentation de Didon?

Chez Purcell, il s’agit de se laisser porter et aller jusqu’à toucher l’être d’un personnage mû par l’âme qui le caractérise. De manière absolument et résolument moderne, contemporaine même peut-être, nous avons là un traitement des personnages bien en précession sur toute une tradition lyrique à venir en ce sens, que déjà, l’alliance superbe du texte et de la musique préside à la première impulsion de composition.

Le Masque : Un Génie du Froid qui nous transit depuis une base tonale qui dissimule son flou sous une apparente limpidité afin de mieux déstabiliser l’oreille de l’auditeur. Base tonale aux (dés)accords puissamment tangents, sciemment grinçants, risoluto ostinato, préparant la survenue de l’expression intimidante de grelots de ce Gel Divin. Troublantes, douloureuses craquelures exprimées, exposées non pas tant de glace, que de piquant, expression absolue elle-même, aux portes symboliques de l’expressionnisme le plus inattendu en cette occurrence.

Ecoutez sa voix de basse, relief elle-même de cet ostinato récurrent, obsessionnel, fondement s’il en est du trouble purcellien par définition, se détacher pour mieux se renouer en le dessin sinueux d’une courbe incroyablement intuitivement sensée et sentie par le compositeur et vous serez pénétrés de ce qui fait, ce qu’est ce Froid malin sans perniciosité aucune cependant, autant qu’il se dévoile pétrifié de lui-même dans ses hachés soigneusement élaborés..

L’Âme : Des œuvres diverses quoique non si variées d’inspiration et de formes préférées, une se détache par son statut singulier, l’opéra Didon et Enée.

Voici l’exemple même de « l’opera assoluta » dans le sens où s’il est le seul opéra à proprement parler sur l’ensemble de la production d’Henry Purcell, il l’est de bout en bout et ce non seulement au vu des canons de l’époque, mais surtout bien au-delà. Dido and Aenas, c’est la première rencontre de manière que l’on pourrait dire plus ou moins directe d’une perspective strictement musicologique, du texte et de la musique ou encore de la musique et du texte. Une œuvre d’une incroyable richesse et d’une terrible efficacité alors même que nous sommes loin des romantiques et fondements post-wagnériens en la matière.

Le point d’acmé de l’œuvre est sans doute permis la célèbre, à très juste titre, Mort de Didon.
Il s’agit d’une lamentation stricto sensu, c’est-à-dire avec ses échelles descendantes de demi-tons certes, mais aussi d’un Chant Pur de Mort d’un être qui se réconcilie alors avec son âme.
Ce tour de force plus qu’inédit à cette époque (1689), inattendu, tient de la formidable intuition servie par une grande habileté de technique compositionnelle, de Purcell d’établir l’assise de l’air déclamatoire sur la non-rencontre apparente, ou alors circonstancielle, d’un ostinato aux basses et de la mélodie chantée à la voix comme « au-dessus » de sa base !

La révolution, car il faut ici oser le terme, vient de ce formidable et savant décalage d’intentionalités. Didon chante la mort de son corps voué à un destin inane, affirmant par là sa renaissance en son être pétri de (plus ?) hautes aspirations. Le jeu de l’ostinato à la voix et réciproquement ne donne rien de moins que la mouvance d’un jeu transcendantal du sujet qui l’énonce. Enfin, parce qu’il faut bien finir par dire l’essentiel, ce chant là, moins pectaculaire et pourtant si tragique, est d’une profonde, grande tout autant qu’intime, Beauté.

Fantaisie sur la fin d'un monde

Par Jean-Christophe - Passée des arts.

On a peine à croire qu’il s’agit ici de l’œuvre d’un compositeur de vingt ans. Pourtant, c’est à peu près cet âge que doit avoir Henry Purcell lorsqu’il note, à la fin du printemps et durant l’été 1680, ses Fantaisies pour les violes, préservées dans un manuscrit autographe conservé aujourd’hui au British Museum de Londres, source unique heureusement parvenue jusqu’à nous.

Si l’on se replace dans le contexte historique de leur composition, ces œuvres constituent, au sens propre du terme, une aberration. Depuis la Restauration monarchique de 1660, le paysage musical anglais connaît, en effet, des bouleversements profonds. La musique pour consort de violes, qui, durant un siècle, a connu une incroyable floraison en Angleterre et a été illustrée par les musiciens les plus célèbres, Byrd, Gibbons ou Lawes pour n’en citer que trois, s’efface assez rapidement du devant de la scène pour céder la place à ces « produits d’importation » en provenance d’Italie et de France que sont le violon et la Suite de danses. Charles II, en effet, « avait une détestation profonde pour les Fantaisies et préférait la musique sur laquelle il pouvait battre la mesure », si l’on en croit l’écrivain Roger North, et, choix du roi oblige, les suites-fantaisies du Broken Consort de Matthew Locke (c.1621-1677), composées vers 1661, seront donc le dernier recueil d’un genre où les compositeurs s’autorisaient des expérimentations sonores parfois osées, notamment dans l’usage des dissonances, même si, chez Locke, ce caractère aventureux est déjà largement tempéré par la primauté accordée au charme mélodique sur l’élaboration contrapuntique.

Avec les Fantaisies de Purcell, on bascule dans un univers radicalement différent, pour ne pas dire opposé. Tout d’abord, sur les quinze compositions que nous transmet le manuscrit, seules cinq sont dans le mode majeur, les autres se partageant entre en sol (4), ré (3), la (1), mi (1) et ut (1) mineurs, ce qui, si l’on considère ces pièces comme un tout, incline l’ensemble vers des teintes sombres, très loin de l’univers plutôt lumineux de Locke.

Ensuite, le contrepoint y est omniprésent, et il est élaboré et utilisé avec une aisance absolument confondante qui n’est pas sans évoquer parfois, comme l’ont relevé maints commentateurs, L’Art de la Fugue de Johann Sebastian Bach, écrit, rappelons-le, par un homme qui approchait de la soixantaine. Faut-il, pour autant, tenir ces Fantaisies pour de simples exercices de style ? Absolument pas, car la maîtrise de la technique y est toute entière au service d’une émotion prégnante, qui voit alterner épisodes fiévreux (Fantaisie n°4), inspiration populaire (Fantaisie n°5), mélancolie déchirante (Fantaisie n°7) et instants de douceur (Fantaisie sur une note). Soulignons enfin que l’usage que fait Purcell des dissonances, des retards, des syncopes, de l’instabilité tonale (seize tonalités différentes, par exemple, en une vingtaine de mesures seulement dans la Fantaisie n°12 !) donne un caractère souvent âpre, mais également insaisissable et diapré, à ces œuvres dont bien des audaces d’écriture feraient pâlir d’envie les plus contemporains de nos compositeurs.

Le 24 février 1683, deux ans et demi après avoir terminé la Fantaisie n°12, Purcell reprend son manuscrit et commence à noter une Fantaisie en la mineur. Il pose la plume au bout de 31 mesures ; il ne reviendra plus à ce cahier, laissant l’œuvre inachevée. A-t-il eu subitement conscience d’avoir exploité toutes les possibilités techniques et expressives offertes par la musique pour consort ? D’autres projets ont-ils alors requis son attention, le contraignant à abandonner ce travail ? Il est impossible de répondre à ces questions, mais ce qui demeure certain, c’est que l’Orpheus Britannicus ne se faisait aucune illusion sur l’accueil que recevraient ses Fantaisies, achèvement miraculeux d’un genre qui sonne également comme un congé définitif adressé au vieux et brillant monde de la Renaissance : demeurées manuscrites, elles ne furent, en effet, éditées qu’en 1927.

Henry Purcell (c.1659 ?-1695), Fantaisies pour les violes, 1680.

Extrait proposé : Fantaisie n°9 à quatre parties en la mineur (23 juin 1680)
Hespèrion XX : Sophie Watillon, hautecontre de viole. Eunice Brandao, ténor de viole. Philippe Pierlot, basse de viole. Jordi SAVALL, dessus de viole & direction.

Dialogue de la Nuit, du Mystère, du Secret et du Sommeil

Par Philippe -  Le Poisson Rêveur.

Henry Purcell m'a d'emblée touché par l'élégance et le raffinement de ses compositions. Je suis entré dans son univers via un parcours on ne peut plus classique : Didon et Enée (avec une version magnifique des Arts Florissants sous la Direction de William Christie sortie en 1986, avec Guillemette Laurens et Jill Feldman), puis The Indian Queen (version de John-Eliot Gardiner), La Musique pour les Funérailles de la Reine Mary , Le Roi Arthur, Music for a While et autres chansons interprétées par Alfred Deller, les odes de toutes sortes dont le chef d’œuvre « Hail ! Bright Cecilia » ou le splendide Tedeum & Jubilate.

Le choc a tout de même été pour son semi-opéra la Reine des Fées (the Fairy Queen), que j'ai dégusté lors de deux belles nuits d’août 1998. Sous la direction de John Eliot Gardiner, the English Baroque Soilists et le sublime Monteverdi Choir m'ont fourni cette occasion inoubliable de pénétrer l'univers poétique de Purcell. Cette adaptation du Songe d'une Nuit d'Eté de William Shakespeare déploie sur près de deux heures un univers dont la féérie envoutante vous enveloppe et vous renvoie à la sensation troublante de visiter un Paradis perdu. Cet opéra décline avec une subtilité extrême les diverses émotions les plus profondes et renvoie aux interrogations les plus universelles.

Le moment où la magie opère certainement le plus est incontestablement l’arrivée successive des quatre figures allégoriques dès le premier acte : la Nuit, le Mystère, le Secret et le Sommeil. L’introduction en fugue des violons sur l’air de la Nuit me provoque littéralement des frissons, instaurant en tension qui renvoie aux angoissantes interrogations face à l’obscurité de la nuit profonde. La voix de soprano incarnant la Nuit déploie alors son lamento, vibrant et désespéré. Le Mystère arrive ensuite, apportant paradoxalement la lumière, sur un air très bref (guère plus d’une minute), incarné quant à lui par une voix de soprano que John Eliot Gardiner a choisi plus claire et lumineuse. Le Secret apparaît aussitôt, sous la voix d’un contre-ténor, avec un chant dont les mélismes sont soutenus par un duo de flûte. Cette aria, cadencée par un rythme assez marqué à deux temps, prend l’allure d’une danse élégante et badine. Le Sommeil vient ponctuer l’apparition des figures allégoriques, avec une voix de basse feutrée et qui semble chuchoter son texte pour laisser la place au chœur dont le recueillement et la retenue sont extrêmes afin d’exprimer avec une ampleur saisissante cet assoupissement divin. Une danse des suivants de la Nuit réexpose le motif principal de l’air du Sommeil pour accompagner le jeu scénique certainement prévu et visant à représenter la disparition progressive des quatre figures allégoriques.

Enfin, la fameuse complainte de Titania « O let me weep », au début du cinquième acte n’a pas été sans me rappeler l’aria célèbre de la mort de Didon. Ces deux arias où Purcell reprend de façon revisitée le style du lamento italien qu’il maîtrisait parfaitement, résument aussi à merveille le génie de Purcell, à savoir cette capacité à représenter, avec une délicatesse extrême les différents sentiments, les humeurs variables du caractère humain.

Claude Hermann dans sa biographie récente sur Henry Purcell (éditions Actes Sud) résume à merveille à la fin de son deuxième chapitre (page 47) la plasticité unique de la musique du compositeur anglais : « … pardessus tout, celui que l’on a surnommé l’Orphée britannique sut insuffler à la musique une force vitale et une vérité affective inaltérables. Si l’on sait exprimer avec tant de justesse et aussi peu de complaisance le désarroi devant les grandes interrogations humaines, il doit être facile ensuite de restituer avec la même vérité l’allégresse la plus folle, l’insouciance la plus légère, les beautés de la nature, les mystères du sommeil, les délices et les affres de l’amour, la sensualité, les crudité de la vie, la gloire de Dieu ou l’amour de la patrie. Toutes choses que Purcell excella plus que tout autre compositeur baroque à représenter. ».

Pour tout extrait issu de cet enregistrement, je vous propose l’un des airs les plus représentatifs de cette élégance "purcellienne", le duo «If Love’s a Sweet Passion » accompagné du chœur (interprété par Jennifer Smith, soprano et Stephen Varcoe, basse).

David Daniels sur des arias sacrées de JS Bach : erreur de casting

J’ai une certaine bienveillance à l’égard du contre-ténor David Daniels, qui m’avait particulièrement ému lors d’un récital au Théâtre des Champs-Elysées avec Magdalena Kožená il y a un peu plus de trois ans.

Il vient de se lancer, pour Virgin classics, dans une expérience assez aventureuse qui consiste à sélectionner quelques arias emblématiques pour alto écrites par JS Bach au sein de son vaste corpus de musique sacrée, accompagné pour cela par Harry Bicket à la direction de « The English Concert ».

Je vous renvoie à la note que j'ai rédigée sur le site classiqueInfo-disque.com pour plus de détails.

2009 : l'année Purcell

Cette année 2009 fête les 350 ans de l'anniversaire du compositeur Henry Purcell. il est dommage qu'y compris au XXIème siècle, alors que l'on a considérablement développé l'interprétation des musiciens du XVIIème siècle, on ne produise pratiquement jamais ce grand compositeur en dehors du Royaume Uni, son territoire d'origine, sous prétexte que sa musique vocale était complètement écrite pour la prosodie anglaise.

Et alors ? Malheureusement, que ce soit William Christie avec les Arts Florissants (certes américain) ou John Eliot Gardiner avec notamment son merveilleux Monteverdi Choir, les ensembles dont les chefs ont pourtant une culture anglo-saxonne nous distillent du Purcell au compte goutte depuis quelques années.

Je vous propose, à l'échelle très modeste du Poisson Rêveur, de tenter de faire sortir ce compositeur qui m'est très cher du "purgatoire" en consacrant çà et là quelques notes sur des œuvres / interprétations qui m'ont marqué et que je suis heureux de partager avec vous. N'hésitez pas à contribuer via vos commentaire et vos notes pour enrichir ce petit panorama. Je prépare également une petite surprise avec deux blogs qui ont amicalement accepté de contribuer (Le Jardin Baroque et Le Geste et la Voix) et vous en saurez plus d'ici quelques jours.

Le nom de cette nouvelle catégorie sera Purcell 350.

Les sublimes voix du crépuscule

Philippe Herreweghe signe, avec l'ensemble du Collegium Vocale de Gent, l'un des plus beaux enregistrements de ces derniers mois, sur un répertoire de compositions polyphoniques passionnantes. Il s'agit des Cantiones Sacrae sex vocum, composées à la fin de sa vie par Roland de Lassus.

Ces motets, écrits pour un effectif à six voix (effectif d'origine de quatre voix avec doublement du cantus et du tenor), constituent une merveilleuse synthèse des différentes inventions expressives qui ont toujours fait le caractère singulier de la polyphonie de Roland de Lassus, par rapport à des contemporains comme le romain Giovanni Pierluigi Palestrina qui, quant à lui, procédait à un déploiement plus linéaire et austère du champ polyphonique. Roland de Lassus avait en effet le génie de ciseler le chant polyphonique en articulant le rythme selon l'évolution du récit.

Les 14 motets qui constituent ce corpus, relèvent du même schéma, même si le maître, arrivant au terme de sa création et pressentant la mort, démontre moins d'audaces rythmiques et harmoniques, pour rechercher une certaine épure. La plupart de ces motets s'adossent à des textes sacrés, pour la plupart de l'Ancien Testament. Les motifs sont souvent initiés par un groupe de voix, repris ensuite en contrepoint, par imitation, par un autre groupe de voix pour conduire à cette forme de "tuilage" caractéristique du schéma polyphonique traditionnel. Toutefois, après avoir conduit les différents groupes de voix à suivre un schéma autrement plus complexe au fil du déroulement du texte, il les fait converger en accord par une magie fascinante à certains moments qui viennent ponctuer le texte.

La plupart de ces motets sont très aériens, portés par l'ampleur sonore singulière que procure un groupe de huit chanteurs (Philippe Herreweghe a opté pour une configuration doublant chacun des registres : Cantus, Alto, Tenor, Basse).

Philippe Herreweghe procède à une lecture d'une pureté et d'une transparence inouïes, avec une sobriété qui ne rime absolument pas avec la moindre austérité. Dans chacun de ces motets, Roland de Lassus révèle des climats très différents mais dont les couleurs sont déployées avec une délicatesse extrême. La cohérence et l'homogénéité du groupe de huit chanteurs du Collegium Vocale de Gent permet de savourer les moindres détails de ce subtil déploiement sur chacune des pièces exécutées. L'excellente qualité d'enregistrement vient ajouter une véracité saisissante avec la possibilité de savourer pleinement la plénitude sonore et les respirations de chacune de ces pièces.

Chaque motet est un véritable chef d'œuvre. Le niveau de recueillement qu'ils incarnent pour la plupart est extrême. C'est particulièrement le cas pour le Prolongati sunt dies mei, qui traduit de façon émouvante les douleurs et la lassitude de Roland de Lassus, affrontant une vieillesse qui chaque jour lui annonce l'inéluctable chemin vers la mort. L'Ad Dominum cum tribularer est saisissant par ses audaces harmoniques et son caractère presque madrigal. Les "traits aigus du guerrier, les charbons ardents du genêt" sont traduits par une ligne mélodique acérée et d'une dynamique incroyable. Le Vidi calumnias quae sub sole gerentur démarre avec presque toutes les voix en accord pour inonder l'espace sonore de leur rayonnement divin. Enfin, Roland de Lassus apporte une lumière éblouissante avec le Baetus homo, traduisant, avec les voix à l'unisson, la béatitude tant recherchée. Le Diligam te, Domine, avec ses dissonances et ses frictions harmoniques, emporte littéralement l'auditeur dans un vertige particulièrement troublant.

Ce disque est magnifique. Philippe Herreweghe, avec un travail minutieux, précis et d'une finesse exceptionnelle, nous révèle toute la force de ces pièces avec une évidence époustouflante.

Je l'ajoute aux coups de cœur 2009.

Lien direct vers le site d'Harmonia Mundi pour plus de détails.

Roland de Lassus - Cantiones Sacrae sex vocum - Collegium Vocale de Gent - Direction Philippe Herreweghe - Label Harmonia Mundi.

Lumières sur David Oïstrakh

Bruno Monsaingeon a signé un excellent reportage publié en DVD par Medici Arts sur David Oïstrakh.

Ce violoniste, dont je garderai le souvenir inoubliable d'un jeu d'une plénitude et d'une générosité sans égal, avec ce son lumineux, solaire, ces attaques franches et d'une densité rare, est abordé dans ce film de 75 minutes au travers d'interviews d'autres grands musiciens russes qui l'ont côtoyé comme Yehudi Menuhin, Mstislav Rostropovitch ou Guennadi Rojdestvenski. Avec une grande affection et une admiration certaine, un de ses élèves, l'excellent violoniste letton Gidon Kremer, apporte également son témoignage.

Le reportage aborde, notamment, la question de l'engagement de David Oïstrakh pour son pays, qui ne pouvait, à son époque, qu'être synonyme de soumission inconditionnelle au parti et son "système" pour reprendre le terme de Rojdestvenski. Véritable musicien dans l'âme, plus que pur virtuose, David Oïstrakh vouera avec sincérité et loyauté, une reconnaissance infinie à sa patrie pour lui avoir permis de se hisser parmi les plus grands violonistes de son époque. Le fait qu'en assumant son statut de musicien russe il ait été contraint d'adhérer au parti quand ce dernier était incarné par le régime stalinien, est une prise de position finalement acceptée, y compris par les musiciens qui avaient, quant à eux, pris l'exil pour le monde occidental, comme Yehudi Menuhin. La citation de Yehudi Menuhin, reprise en exergue du DVD, transcrit bien cette problématique : "Sa loyauté était telle que, alors que je lui ai souvent suggéré de s'installer à l'Ouest car ça aurait été facile, il disait "Non, je dois à ce régime, malgré ses crimes, mon existence, mon éducation musicale. Je reste fidèle à la Russie, au pays, au peuple, quel que soit le pouvoir." Il aurait fait pareil avec le tsar".

La façon dont ce dernier parle de David Oïstrakh, même si l'on sent bien qu'il n'aurait jamais accepté de courber l'échine sous un régime totalitaire pour exercer son art, montre tout de même une certaine admiration pour David Oïstrakh, homme sincère, intègre dont l'objectif absolu a toujours de servir la musique.

Le titre du reportage est, "David Oïstrakh, musicien du Peuple ?". Ce point d'interrogation résume tout le questionnement que l'on peut avoir sur le rôle social ou politique que ce grand violoniste aurait joué, "malgré lui".

Même si ce questionnement est essentiel, il ne doit pas occulter le fait que comme tout soviétique, David Oïstrakh, a vécu au jour le jour la terreur du régime. Il n'en n'a certainement pas autant souffert que Chostakovitch, mais le témoignage de Rostropovitch sur les angoisses quotidiennes de David Oïstrakh face à la menace permanente de milices staliniennes est à ce propose édifiant. Enfin, David Oïstrakh avait aussi son franc parler, y compris à l'égard des plus hautes autorités du pouvoir stalinien, notamment à propos des procès d'intention incessants qui lui étaient faits quand il se produisait en concert en Occident avec Yehudi Menuhin.

Pour revenir à ce qui doit être l'essence d'un tel reportage, à savoir la musique, qui a été la vie de David Oïstrakh dès son plus jeune âge, on notera quelques moments forts. Le premier est justement le trop court extrait du mouvement du concerto pour deux violons de JS Bach en ré mineur où David Oïstrakh et Yehudi Menuhin constituent un duo particulièrement fusionnel et dont la complicité, l'écoute mutuelle, l'union sont d'une intensité particulièrement émouvante. J'ai été également saisi par l'éclat, la force exceptionnelle de la saisissante cadence qui suit l'Andante du 1er concerto pour violon en la mineur de Chostakovitch. David Oïstrakh subjugue littéralement l'auditeur avec ce violon qui devient comme un cri de douleur absolu dans la nuit.

Ce grand violoniste ressort encore plus attachant de ce reportage qui donne vraiment envie de le réécouter sur le vaste répertoire qu'il a couvert. Malheureusement desservi par des enregistrements de qualité souvent médiocre, on reste frustré de ne jamais avoir eu vraiment l'occasion d'écouter le vrai son de son violon dont la plénitude est si saisissante.

Je vous propose ces vidéos, tirées de Youtube et illustrant les moments forts que j'évoque dans cette note :

Le premier est l'extrait du mouvement lent du concerto pour deux violons de JS Bach en ré mineur BWV 1043 (Largo ma non tanto), vibrant duo de David Oïstrakh avec Yehudi Menuhin. J'ignore qui est le chef accompagnant les deux solistes. Une version au disque existe avec Alexander Orlov à la tête de l'Orchestre Symphonique de l'Etat de Russie.

L'autre vidéo diffuse quant à elle l'intégralité de la cadence du 1er concerto de Chostakovitch. Il s'agit de la version avec Heinz Fricke, à la direction de la Staastskapelle de Berlin. Sinon, je recommande l'étincelante version que David Oïstrakh a enregistrée avec Guennadi Rojdestvenski à la tête du Philarmonia Orchestra (enregistrement de 1962, disponible sous le label BBC Legends / IMG Artists).

David Oïstrakh, Artiste du Peuple ? - Film de Bruno Monsaingeon - DVD Medici Arts. DVD réalisé avec le soutien de la FONDATION ORANGE, d'ARTE et du CNC.

Transformez votre texte en musique

Le site ECRANS du journal Libération permet de découvrir des sites Internet qui sortent des sentiers battus. L'un des dernier dénichés sur la toile par Astrid Girardeau, rédactrice sur le site ECRANS est le site p22.com/musicfont. Ce site vous permet de saisir un texte. Il se charge alors de traduire votre texte en musique en l'inscrivant sur une partition. Vous pouvez ensuite imprimer la partition si vous désirez la jouer vous même par exemple au piano.

Le projet résulte des travaux expérimentaux de John Cage et Marcel Duchamp, consistant à associer à chaque lettre une note de la portée. Cette expérience est tout à fait comparable aux expériences d'écriture automatique des surréalistes.

Selon votre tempérament, vous jugerez donc ce site soit parfaitement incongru, soit chargé d'une poésie rare sur le Web. Vous pouvez également paramétrer le nombre de battements par minute et choisir le type d'instrument que vous désirez "jouer". Un fichier au format midi est également automatiquement généré et peut être réutiliser pour être activé, par exemple, sur un piano numérique. 

Lien direct vers le site.

Lien direct vers l'article d'ECRANS dédié à ce site.

Trois concerts en mars

Je propose les trois concerts suivants :

Mercredi 4 mars - 20h - Salle Pleyel : Gustav Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen, Symphonie n° 5 - Orchestre de Paris - Christoph Eschenbach : direction - Dietrich Henschel : baryton. Si vous avez lu ce que j'ai déjà écrit à propos de Christoph Eschenbach à la tête de l'Orchestre de Paris, vous risquez de vous demander ce qui m'arrive... En fait, je serai tout de même présent à ce concert à cause d'une "supercherie" (certainement involontaire) de la Salle Pleyel ayant vendu à ses abonnés la prestation de... Thomas Hampson sur les lieder. Ayant les places, je m'y rendrai. Une 5ème de Mahler de plus !

Mardi 17 mars - 20h30 - Eglise Des Blancs-Manteaux : Odes Funèbres de Dietrich Buxtehude et Nikolaus Bruhns (élève de Buxtehude) - Ensemble Pygmalion, Direction Raphaël Pichon.

Samedi 21 mars  - 20h - Théâtre des Champs-Elysées : Diana Damrau - grands airs mozartiens - Le Cercle de l'Harmonie, Direction Jérémie Rhorer.

Intégrale des cantates de JS Bach par Masaaki Suzuki : volume 40

Masaaki Suzuki poursuit son intégrale des cantates de JS Bach, avec le Bach Collegium Japan, en respectant scrupuleusement l'ordre chronologique. Le volume 40 est consacré à quatre cantates écrites sur la seconde moitié de 1725. Il faut surtout retenir de cette édition deux cantates qui puisent leurs sources littéraires dans le même texte, à savoir l'Offrande d'offices évangéliques (Evangelisches Andachtsopfer) de Salomon Frank.

Ces deux cantates (Tue Rechnung ! Donnerwort, BWV 168 et Ihr, die ihr euch von Christo nennet, BWV 164) ont une forme assez atypique par rapport aux cantates chorales classiques écrites par le cantor. Toutes deux démarrent par une aria introductive, la partie chorale étant simplement conclusive. La première s'appuie sur un texte qui évoque la parabole de l'intendant infidèle qui, risquant de se faire congédier par son maître, tente de se faire adopter par les débiteurs de ce dernier. Salomon Frank associe les chrétiens avec l'intendant, ces derniers se retournant vers Jésus, le "garant qui efface toutes les dettes". Une tension assez forte s'installe dès l'aria d'introduction à la basse sous l'expression "Tue Rechnung !" (maudit calcul) qui claque comme un fouet avec un accompagnement orchestral mouvementé. Cette cantate est placée de bout en bout sous le signe d'une grande expressivité et d'une certaine turbulence.

Avec la cantate BWV 164, c'est tout le contraire qui nous est proposé. Avec sa direction limpide et délicate, Masaaki Suzuki déploie tout son art d'une poétique singulière et très prenante. Je trouve que seul le chef japonais est capable d'atteindre un tel niveau de transcendance grâce à une pureté de la ligne exemplaire et qui révèle toute la puissance de l'écriture de JS Bach. Cette cantate est placée sous le signe de la miséricorde du chrétien. Sans excès de pathos, elle est placée sous le signe d'un profond recueillement. L'aria d'introduction du ténor est certes animée, avec des violons placés sous une certaine tension. Mais ensuite, l'aria pour alto déploie un climat plus apaisé, avec des harmonies aériennes, éthérées.

Les deux autres cantates BWV 137 et 79, sont des cantates chorales plus classiques, assez solennelles et déployant une réelle ampleur.

Le quatuor de chanteurs, souvent utilisé par Masaaki Suzuki, s'avère de qualité plus constante dans ce volume 40. Robin Blaze, par exemple, est bien meilleur que sur les volumes précédents, notamment dans la superbe aria "Nur durch Lieb und durch Erbarmen" de la cantate BWV 164. A noter également deux duos pour soprano et basse (avec la contribution de Peter Kooij à la basse, fidèle des fidèles, ainsi que de Yukari Nonoshita comme soprano) : "Herz, zerreiss des Mammons Kette" de la cantate BWV 168 et "Gott, ach Gott, verlass die Deinen" de la cantate BWV 79.

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Intégrale des cantates de JS Bach - volume 40 - Bach Collegium Japan - Direction Masaaki Suzuki - label BIS.